World Art - сайт о кино, сериалах, литературе, аниме, играх, живописи и архитектуре.
         поиск:
в разделе:
  Кино     Аниме     Видеоигры     Литература     Живопись     Архитектура   Вход в систему    Регистрация  
  Рецензии и биографии | Рейтинг кино и сериалов | База данных по кино | Кинопрокат   
тип аккаунта: гостевой  

mikhail: списки | комментарии | апдейты | оценки

СА?: 12 лет 11 месяцев (ID 72)
аккаунт зарегистрирован 01.09.2003
последний раз использован 24.08.2016


напишите
собщение
mikhail

отзывы: аниме (9), кино (35), видеоигры (19), манга (0)
33 раз(а) разные люди сочли отзывы mikhail полезными

отзывы | обсуждение отзывов


Алёша Попович и Тугарин-змей (2011.01.12)

Под Новый год хочется лицезреть только самое доброе и совсем-совсем светлое, чтобы вокруг смеялись дети, а на душе плясали сорок лунных зайчиков. А чтобы создать такое настроение нужно настоящее чудо, которое не то, что в кинематографе, в жизни — редкость. Чудо, подобное «Иронии судьбы... », обязательно и жизненно необходимо, причем не только родителям, но и их детям — что-то исконно русское и навеки веков запоминающееся, будто впервые увиденная кремлевская елка, разросшаяся до славных каменных небес. Так вот, «Алеша Попович и Тугарин Змей» совсем не такое чудо.

В остальном же очень даже неплохой мультфильм: отличная анимация, забавный сюжет и целомудренные шутки, огромное количество красочных героев с характерной озвучкой. Поначалу немного беспокоит явный уклон сценаристов в сторону зеленого людоеда и его мерфиподобного говорящего осла — подтверждение факта конкурентоспособности отечественной анимации. Аналогом четвероногого друга Шрека выступил веселый говорящий конь Юрий, правда, немного туповатый, но, в целом, исконно русский. Главный герой Алеша Попович такой же здоровый и сильный, как и его американский собрат, только красивее и, к тому же, блондин. А вот невеста Алеши Любава куда более харизматичнее своей заморской сестрицы. Прекрасно проиллюстрированная красна девица в косынке на любу голову, да еще с ангельским голосом Лии Медведевой получилась просто восхитительно. К яркому колориту образов присоединяется большой и ужасный Тугарин Змей, действительно страшный и очень интересный персонаж (озвучка Константина Бронзита). Но более всех поразил князь киевский Владимир — опрятное меркантильное существо в оранжевых одеяниях с явным путинским акцентом. Этакий подарок старшему поколению зрителей.

Фильм кишмя кишит всевозможными гэгами, юмористическими антрепризами, пародией на современные темы и сатирами на старые. И все они рассчитаны так, чтобы скучно не было не только детям, но и их родителям. Большой и маленький зритель обязательно найдет себе любимого яркого героя, которых, повторюсь, очень и очень много и все они продуманы до мельчайших деталей, а оптимистичная радостная атмосфера, наверняка, создаст если не дух праздника, то уж точно хорошее настроение.

И всему этому великолепию, да и вообще возрождению отечественной анимации мы обязаны студии «Мельница» и режиссеру Константину Бронзиту, который явно не намерен останавливаться на достигнутом. Что же касается богатырей русских, то в ближайшее время планируется выпустить ряд продолжений, только уже не про Алешу Поповича, а про Добрыню Никитича и Илью Муромца, но все в том же красивом стиле студии «Мельница», что гарантирует нам отличное зрелище.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Загадочная история Бенджамина Баттона (2009.05.06)

Очень достройная картина.
Скучная, неинтересная, как десятки миллиардов обычных загадочных историй пробежавших от рождения и до смерти. Да, в истории рассазывается о таких людях как мы с вами, но разве в обычной простой жизни уже не осталось чудес, радости, горя, того, о чем следует рассазать и поведать? Разве это все не интересно? Или только то, что человек родился стариком, а умер младенцем выделяет картину и героя? Неужели только на таких фактах можно строить современные будоражущие и шокирующие фильмы? Личность же в кинематографе все чаще уходит на второй план. Все реже и реже снимают фильмы и пишут книги про самую обычную жизнь самого обычного человека, про ее неповторимость и уникальность, она уже никого не интересует, ни собственная, ни чужая, ни чья бы то ни была.
Фильм прекрасный, с хорошим повествованием, образом большой семьи, духом времени и возраста. Фильм не представляет какую-то глубокую мономораль, единую главную мысль как в "Великом Гэтсби", нет, скорее это просто картина, полотно с тщательно прописанным портретом, на такие картины просто смотрят, а там... кому-то изображение покажется знакомым, кто-то просто посопереживает, кто-то увидит в картине себя, остановится, посмотрит в тишине и с теплым спокойствием пойдет дальше.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Бойцовский клуб (2008.10.01)

Книгу не читал, поэтому только насчет фильма.
У меня сложилось мнение, что фильм носит характер личного откровения путем популяризации и облачения явления в массы. И это очень похвально. Ибо вопрос: "Что должно питать личность в современном мире поголовного конвеирования индивидов?" всегда важен для каждого отдельного человека. Проще говоря, те, кого фильм заинтересовал, в какой-то мере видят в Повествователе себя, думаю, это было целью истории. И вопросы в фильме были подняты достаточно ясно и четко. А когда говорят про тебя, хоть и на примере другого человека, хоть даже и не про тебя, а про вопросы, тебя волнующие - это всегда интересно. Примерно как в обществе анонимных алкоголиков, или больных чем-либо - кто-либо расскрывает свою печаль, свои проблемы, и у всех в этом кругу на сердце теплее уже лишь от этого. Как в начале фильма: "Неужели надо быть смертельно больным, чтобы не ждать своей очереди, чтобы тебя выслушали". Но вопросы задаются, истории рассказываются и ждешь дискуссий, ждешь мнений, ведь интерес уже подогрет и на остаток дня ты заряжен по другому. Но, нет, ни дискуссий, ни вывода, ни эпилога... Искать партнера-Тайлера? Извольте. Что, скажите, пожалуйста, делать со своим собственным, то же, что и Джек? Опять извольте. Как выбраться из собственного каменного мешка, в который тебя незнамо когда посадили? И так далее и тому подобное.
Но более никто ничего не скажет, будет лишь сюжет и некое подобие развязки, что так похоже на популярное кино. Характер личного откровения был, но откровенности не было. Я почему то увидел лишь иллюзию серьезности, обрисованную обветшалым старым зданием с ржавой водой из ржавой желто-белой раковины, подвалами, сюрреалистичной толпой человекоподобных зомби, кровью и незрелым нигилизмом, профессионально исполненым хорошо знакомыми актерами. Сколько уже раз с телеэкрана было слышно: "Ты кусок дерьма, презираемый Богом!"?.. По-моему, этой фразы уже не достаточно для создания хорошего современного фильма, ибо это и так все знают.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Школа ремонта (2005.06.08)

«Школа ремонта» — новая развлекательно-познавательная программа «ТНТ». По принципу рейтингового титана Натальи Мальцевой «Квартирный вопрос».

«Школа ремонта» предлагает свои услуги всем нуждающимся в обработке своего жилищного помещения, причем бесплатно. Ведущие обязуются профессионально и со вкусом обставить комнату за не больше ни меньше 72 кропотливых часа. Дизайнер обозначит стиль и атмосферу, подберет аксессуары; рабочие поклеят обои, вставят новые окна, двери, если понадобится, стены. Квартира будет блестеть и светиться, вызывая восторг у «новообладателя», зависть и недоверие у зрителей.

Помимо своих развлекательно-познавательных качеств «Школа ремонта» обладает еще одним большим преимуществом: коммерческой вместительностью. Программа имеет огромный простор для уникальной рекламы, помимо стандартных пятиминутных рекламных блоков. Подбирая аксессуары, дизайнер обязательно предложит удобную бытовую технику, а архитектор расскажет обо всех прелестях hi-tech отвертки нового поколения, рабочие также принадлежат к гильдии коммерческих ремонтников, которых надо рекламировать. Поэтому зрительские сомнения по поводу бесплатного ремонта просто не могут иметь внушительных обоснований — передача действительно может себе позволить нанять настоящих профессионалов и знатоков своего дела, купить стильную мебель, надежные стройматериалы и соорудить настоящее чудо на месте развалившегося склада советской мебели.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Мятежный дух (2005.05.23)

История о жизни и любви учеников самого элитного мажорского колледжа Аргентины. Мия, Пабло, Марисса и Мануэль — первокурсники, каждый со своей мечтой и целью. Марисса — принципиальная и независимая, любит оставлять последнее слово за собой. Пабло — юный выходец из многоуважаемой семьи мэра. Мия — первый диктатор в колледже, обожает командовать и строить любовные интриги. Мануэль — сын разорившегося отца, колледж ему нужен, чтобы выйти в люди и отплатить за кровную обиду.

Но пройдет время, и эти совершенно разные по характеру люди сойдутся, станут друзьями, организуют музыкальную группу, будут любить и ревновать, ссориться и мириться.

«Мятежный дух» — это первый по-настоящему качественный и высокобюджетный аргентинский проект по созданию «мыльной оперы» для подростков. Сериал создан с умом и расчетом на самую широкую зрительскую аудиторию среди тинэйджеров. Замечательный (хоть и чрезмерно растянутый) сюжет взрослеет вместе со зрителем, продвигаясь от милых комедийных сценок к серьезной, порой трагичной, мелодраме. За время трансляции сериала, а это больше трехсот серий (точнее 318), актеры успели существенно измениться, их герои изменились вместе с ними. Если в первых эпизодах это были начинающие мальчики-актеры, то во втором сезоне на их место становятся настоящие юноши-профессионалы.

Актеры в «Мятежном духе» — это ударная ставка в повествовании. Сценарий к фильму был написан с особым расчетом на специфичность персонажей: более десятка удивительно разных характеров, каждый из них требовалось мастерски воплотить в жизнь молодому актеру. Первостепенное же внимание отводилось четырем: Камилле Бордонаба (Марисса), Лусане Лопилато (Мия), Бэнхамину Рохасу (Пабло) и Фелипе Коломбо (Мануэль) — их роли доминировали в картине.

Некоторые актеры играли самих себя, некоторые копировали идеалы для подражания, многие старались выжить из своих героев максимум индивидуальности, чтобы самим быть чуточку ярче, но в целом все ребята отлично справились со своей задачей.

Успех сериала оказался колоссальным: бесконечные трансляции по всему миру, признание латинским телевидением квартета Мия-Пабло-Марисса-Мануэль в качестве национальных киногероев, безумная любовь зрителей. Во многих городах и странах сериал уже отгремел очередным кассовым безумием, а зритель, ностальгируя, продолжает любить и сопереживать, не переставая размышлять на тему: «cоединятся ли когда-нибудь Марисса и Пабло в красивую любовную пару?»


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Дом 2 (2005.05.18)

«Дом 2» — реалити-шоу о красивой, талантливой, дерзкой, но одинокой молодежи.

Семь девушек и восемь парней строят дом своей мечты, обладателем которого станет одна-единственная пара. Когда определятся победители до сих пор не ясно, но уже сейчас можно предположить, что «Дом 2» войдет в историю, как самое продолжительное реалити-шоу за всю историю российского телевидения.

Одна из идей проекта — постоянная смена участников. Каждую неделю съемочную площадку посещают двое гостей-дебютантов и пытаются зарекомендовать себя. Тот из них, кто удовлетворит общество старожил, останется, другой — уйдет. Брак идеи в неподвижности и упрямстве старожил. Та хвостатая дюжина из участников, которая попала на проект к открытию первого сезона, заседает на VIP телезоне уже без малого одиннадцать месяцев. В итоге реалити-шоу превращается в самый настоящий телевизионный сериал с чередой главных и второстепенных лиц.

Во многом «Дом 2» потерял свою остроту и интригу уже на втором месяце трансляции. Зрительская же аудитория сохранилась лишь постольку, поскольку пристрастилась к участникам и ведущим. И именно эта привычка не дает «Дому 2» эффектно завершиться — до тех пор пока программа будет держаться на первой строчке рейтинговой классификации, телекомпания «ТНТ» ни за что не отпустит свою золотую доенную корову.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Прямохождение (2005.05.11)

«Прямохождение» — восхитительный по красоте и полный безумных идей фильм Евгения Юфита. Точнее даже не фильм — фантазии, философские байки, запечатленные пятью десятками готических полотен и микрокартин; произведение «для свободных умов».

Какой бы ни была причина происхождения человека: урановая подкенийская радиация, вспышка солнца или падение метеорита, трупный, разлагающийся на мутагенные составляющиеся, яд — ошибки природы могут привести к самым разнообразным последствиям. В частности, они могут породить жизнь, они же могут веять смерть.

Но помимо живой и неживой природы молодой петербуржец и радикальный индивидуалист Евгений Юфит впервые за всю историю мировой философии отметил третий, промежуточный этап формы существования. Теорию Юфита назвали «некрореализмом», теорию о существах, о полуживых экспериментах. Эти существа осознают свое индивидуальное «Я», обладают рассудком и подходящим для трудовой деятельности телосложением. Но, будто не дозрев, без программы и целей они вынуждены скитаться среди бессознательной смерти.

Человеческая жизнь, по Юфиту, это грань между жизнью и смертью, пугающим бессознательным и совершенно утопичным разумом, бесконечное черно-белое топтание и подкидывание дырявой тряпки. Страх, заставивший обезьяну подняться на ноги, теперь владеет всем человеческим существованием; он сковывает разум, бросает непримиримые ультиматумы, которым невозможно противостоять. Мир «Прямоходящих» Юфита — это загнивающая клоака, которая к тому же, подобно удачливому вирусу, только растет и развивается.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Статский советник (2005.04.23)

В купе-люкс спецпоезда Москва-Петербург ножевым ранением в грудь убит генерал-губернатор Храпов. Убийца (Константин Хабенский) — профессиональный террорист-революционер, атаман противодержавной группировки «БГ», замаскированный под статского советника Эраста Петровича Фандорина. За расследование этого дела берется сам Фандорин (Олег Меньшиков) и специально присланный из Петербурга вице-директор департамента полиции некто князь Глеб Георгиевич Пожарский (Никита Михалков).

«Игры закончились» — под таким девизом вышла в прокат третья отечественная экранизация романов Бориса Акунина про Эраста Петровича Фандорина. И если сравнивать с тем, что было («Азазель», «Турецкий гамбит»), то «Статского советника» игрой, действительно, не назовешь, то ли оттого, что приключения Эраста в молодости выглядели уж больно карикатурно, то ли из-за знатного преимущества и роста последнего. «Статский советник» — фильм замечательный, хоть и с имеющимися огрехами; он сделан с любовью и уважением, и в этом плане куда правильнее все того же «Турецкого гамбита», где несуразные спецэффекты наполняли то тут, то там экран и забивались в межпространственные трещины повсеместной сухости и скукоты. Сам роман Б. Г. Акунина в таком положении девальвировал до рубля. «Статский советник» в этом плане исправился и преуспел — спецэффекты удалились, а тонкость и серьезность добавилась, что так к лицу историческому повествованию и хорошим актерам. А актеры в фильме — элита, козырь повествования. Такие имена редко собираются в одном ковчеге: Никита Михалков, Олег Табаков, Олег Меньшиков, Владимир Машков, Оксана Фандера, Константин Хабенский, Фёдор Бондарчук и др. Они полонят зрителя профессиональностью и возрастным противостоянием. А театрализованность происходящего, когда события вершатся, словно на балу с чередой знакомых лиц, прикрытых платьями и маской, сменяется неописуемым восторгом от любимого Паратова в образе Никиты Сергеевича и юнкерской выдержкой настоящего Фандорина-Меньшикова.

Неразлучная парочка Михалков и Меньшиков в «Статском советнике» — это незабываемый диалог двух противоречивых, но касающихся друг друга мнений, породивших миллионы сторонников и противников, красную и белую массу, спровоцировавшую кровавую резню. И на экране этот диалог красив и безупречен; долог, но не надоедлив, во многом за счет колоритности и харизматичности персонажей, созданных великими актерами, без которых бы в фильме отсутствовало всякое великолепие.

А без Михалкова фильм лишился бы не только великолепия, но и профессионализма, так как помимо своих актерских талантов Никита Сергеевич еще и замечательный режиссер, и заметный авторитет на съемочной площадке. Что же касается режиссера «Статского советника», молодого Филиппа Янковского, то он справился со столь серьезной и ответственной постановкой лишь постольку, поскольку ему помогала матерая рука крестного отца российской кинематографии. А несерьезность и несоответствие отдельных фрагментов и эпизодов только показывает, сколь велика разница между продвинутым клипмейкером и режиссером. Его неуверенность в одних и чрезмерная уверенность в других эпизодах полностью очернила постановку в целом и впечатление от эпилога в несуразную попсу мобильного тинейджерства нового российского кино в частности.

И это несоответствие между неопытным молодым и сверхэлитарным старым порождает те огрехи и несуразицы, которые упомянуты выше. «Статского советника» хотели подготовить для всех, чтобы каждому было легко и приятно смотреть этот фильм, но в погоне за увеличением забитых и довольных кресел создатели упустили общую атмосферу, а точнее каждый тянул на себя… И получилось кино, которое в общем-то приятно смотреть, но которое оставляет неприятный осадок незавершенной совершенности.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Сонатина (2005.04.23)

Старший среди смертников в своей среде криминального налогообложения Муракава мечтает об отставке. Но в токийской мафии отставки не бывает — лишь результат службы.

«Сонатина» — самый откровенный (после «Точки кипения») фильм Такэси Китано. Тут нет ни замыслов, ни упреков, тут все сказано напрямую, через диалоги и действия: есть «бригада», есть пистолеты и один пулемет, есть друзья, есть враги; и все хотят уйти в отставку, но боятся этого. В «Сонатине» огромное количество бессловесных диалогов, поражающих своей красотой и однозначностью; когда стреляют, надо молчать — это правило Китано выучил еще в детстве, живя в бедном токийском квартале, а теперь вовсю тиражирует на экране. Убивают в «Сонатине» много, чрезмерно много для обычного боевика и удивительно хладнокровно, причем, хладнокровно как с одной, так и с другой стороны: две тупые хладнокровные рожи, одна с пистолетом, другая без, словно разжиревшие жизнью бойцы суммо, встречают решающий удар. В том, как это показывает Китано, особо извращенный ум может даже рассмотреть поэзию, на самом деле это всего лишь один большой комплекс японской индивидуальности в целом (и Такэси Китано в частности):

Миюки: Здорово не бояться убивать людей. Не бояться убивать людей, значит не бояться убить самого себя, верно? Ты крутой! Я люблю крутых.
Аники Муракава: Я бы не носил пистолет, если бы был крутым.
Миюки: Но ты можешь быстро стрелять.
Аники Муракава: Я быстро стреляю, потому что быстро пугаюсь.
Миюки: Но ты не боишься умереть.
Аники Муракава: Когда постоянно боишься, приходишь к моменту, когда желаешь умереть.

Но это лишь один диалог — открытый, повседневный для якудза, даже банальный. Другой гораздо тише и поэтичней — в мирном общении. Общение является главной и неотъемлемой частью счастливой жизни, режиссер хорошо это показывает на фоне повсеместного террора. Герои «Сонатины» (сонатина, кстати, — небольшая соната) — юнцы, почти дети, умирают друг у друга на глазах и наслаждаются каждой секундой уходящей жизни. Их пропитанные кровью сердца находят убежище в игре, в дружбе, в национально-развлекательной культуре, в сексе, в шутках, но их жизни отданы пуле, а судьбы предрешены. В «Сонатине» Китано продолжает развивать тему дружбы, игры и ребячества, вкратце обрисованную до этого в трех прежних работах режиссера: «Жестоком полицейском», «Сценах у моря» и «Точке кипения» — и во всех последующих его фильмах, за исключением «Кукол». Но именно в «Сонатине» такой метод общения достигает кульминации, когда красотой парящих в небе лепестков наслаждается один лишь наемный убийца, а наспех сколоченное мафиозное общество тихонечко вымирает, не успев насладиться этим чуждым непонятным миром. Герои фильма умирают почти беспрерывно, как они сами того, может быть, хотели: молча, гордо, неторопливо, а под конец остаются лишь двое: герой Китано и Кокумаи. Зритель, толком и не успевший распределить по симпатиям заметные в фильме лица, уже должен чувствовать себя одиноким, таким, как вечно колышущееся китановское море.

Примечание. Хочется думать, что не получилось бы у Китано такого замечательного фильма, если бы не одно большое, даже огромное, преимущество, имя которому Дзёэ Хисайси — талантливейший японский композитор второй половины прошлого века. Его произведения изумрудной нитью связывают самые великолепные работы Такэси Китано. А несколько главных тем Хисайси, написанных специально для «Сонатины», придают фильму особую остроту и непонятную психологическую тонкость. За них композитор был представлен к награде японской ассоциации кино в области музыки.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Лысый Нянька: Спецзадание (2005.04.17)

Матёрому отцу ВМП США Шейну Вольфу (Вин Дизель) доверили сверхсекретное задание, а именно: охранять и воспитывать пятерых сумасшедших детей разного возраста.

Ничто до просмотра «Лысого няньки» не предвещало хорошего зрелища: ни название, ни Дизель, ни тем более заколоченный гвоздями в землю приматовского Голливуда фекальный сюжет. Однако бывает всякое. И дать точную оценку фильму еще до его просмотра не всегда получается наверняка. Так и с «Лысым нянькой» — фильм получился на порядок лучше и выше моих зрительских ожиданий: ничего похожего на все того же «Детсадовского полицейского» мезозойской выдержки (кроме фабулы, разумеется), повсеместная пародийность, оригинальность и, наконец, изюминка «Лысого няньки», замечательные шутки-диалоги от автора синхронизированного текста Елены Павловской — все это значительно красит сюжет и общее зрительское впечатление. А пустота и наивность картины лишь лелеет и веселит, заставляет расслабиться и отдохнуть от звуков повседневной жизни.

Не огорчил и Вин Дизель — без вееров в руках он выглядит на удивление порядочно. А его добродушное и глупое лицо, как вылитое, подходит к этому фильму. Он тут играет просто, по-житейски, лишь изредка щурит глаза и показывает свои накаченные скулы. А в сценах под грифом «забота о малыше» просматривается истинная сущность этого актера, что более чем забавно. Что же касается детей, то тут сказать нечего. Те, что помладше, не играют, а живут; старшие же толком ни того, ни другого не умеют — они тут что-то вроде дешевого, но красивого интерьера.

К слову о деньгах. Бюджет «Лысого няньки: спецзадание» мизерный, почти невозможный для американского фаст-фуда: всего-навсего 53 миллиона. Правда, на подобные деньги живут дохленькие американские боевички, но уж никак не с участием таких звезд, как Вин Дизель, который в одиночку готов сожрать треть бюджета не подавившись. Тем не менее, фильм снят порядочно, почти по-русски: и картинка красива, и реклама по телевизору… и уже за 40 миллионов долларов только в национальном кинопрокате.

Итог. Типичная комедия с приятной начинкой, на которую можно сходить, не пожалев о нескольких деревянных червонцев.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Настройщик (2005.04.07)

У Киры Муратовой свой единственный и неповторимый образ в кинематографе. Она как отделившийся рецензент, который получил когда-то право брать вековые русские мысли и рассматривать их по-своему. И дело не только в «чеховских мотивах» и «гоголевских ретроспективах», напротив, Муратова всегда была сама по себе, и если кому-то «Настройщик» покажется смешным и абсурдным или подающим надежды на разрешение дум произведением, тот, вероятно, не знает другой жизни, кроме как кресла у забитого пивом холодильника. «Настройщик» Муратовой — не фарс, а отображение действительности, хоть и в порядочно комическом стиле.

Герой фильма — этакий Остап Бендер постсоветской Украины, глупый малый лет тридцати безо всякого стыда и совести, порядочный шарлатан, и, как бы сказал о нем герой «Двенадцати стульев», пошлый человек: ограбил двух старушек на каких-то семь тысяч долларов. «Героя» этого сыграл Георгий Делиев, больше известный публике как атаман шоу «Маски», в новой роли почти неузнаваем даже тем, кто его хорошо знает. Он играет по контракту и утопает в образах, не идущих ни в какие сравнения: Аллы Демидовой, Нины Руслановой, Ренаты Литвиновой.

Эти имена не только важны сами по себе, они создают потрясающий колорит, атмосферу правды, а не абсурда, где единственным неестественным выглядит бедный влюбленный мальчик Георгий Делиев, он же Андрюша, да еще, может быть, все повидавшая Одесса. Вот, например, Алла Демидова, её героиня Анна Сергеевна, как будто ей двести с лишним лет, является потомственным образом всех второстепенных почтенных женских ролей писателей и поэтов восемнадцатого, девятнадцатого веков. Однако это не мешает Анне Сергеевне (её образу) быть актуальной и сегодня. Она не играет в театре абсурда и совсем не вызывает смех, а лишь сострадание и жалость, ведь это все та же дама с собачкой, изучившая два-три новых слова. То же можно сказать и про Любу (Нина Русланова), подругу Анны Сергеевны, такую же бедную одинокую женщину преклонных лет — во всех отношениях стереотип нашего времени. Лина же, её играет Рената Литвинова, стереотип более молодой, но все же без намека на чрезмерную оригинальность — это все та же бедная и одинокая женщина, лишь слегка тронутая умом и воспитанием. Все вместе они создают завораживающую картину слегка спародированной действительности, почему-то привносящую в зал хохот и умиление, а в умы неестественную задумчивость.

Об игре этих замечательных актрис и в тени скрывшегося актера нечего и говорить — все, как наяву, хоть и в черно-белом цвете. Впрочем, об этих актерах и невозможно говорить с негодованием, ибо трудно представить их в положении смешном, нелепом, где они были бы не к лицу. Ну вот, к примеру, Нина Русланова — актриса, которая за свою жизнь сыграла столько запоминающихся ролей, что, кажется, будто она рождена в кино и живет лишь для кино, хотя это, разумеется, не правда. Или возьмем Ренату Литвинову — ведь кажется, что придумать лучше образа Лины так просто невозможно — этакий герой нашего времени. Её теперешний образ, может быть, будет её тупиком — настолько он завораживает своей прекрасной «красотой». Актеры начинают жить своей жизнью, там — за черно-белым зеркалом, недаром ведь Георгий Делиев подмигнул нам с экрана.

Что же касается самой Киры Григорьевны Муратовой, то «Настройщик», каким бы бесконечно хорошим творением он не являлся, не ставит точку в творчестве талантливого режиссера. Эта бойкая женщина только начала снимать кино, только экспериментирует со своим муратовским жанром и уже вот сорок с лишним лет оттачивает свое мастерство и пытается каждым своим новым опытом поделиться с окружающими, чему мы бесконечно рады и искренне признательны.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

У моря (2005.04.03)

Вот и подходит к концу сезон кинематографических новинок 2004 года, в связи с чем русский прокат в спешке закупает самые успешные зарубежные бестселлеры предоскаровского декабря. Тут много хлама и заплывших жиром комиксных экранизаций, но есть и вовремя подхваченные после фестиваля аристократические изыски. Так, например, «Малышка на миллион» и трио «Авиатор», «Рэй» и «У моря», относящиеся к редкому жанру киноновелл-биографий — главные призеры оскаровской гонки были явно не замечены российскими дистрибьюторами, ибо в своей попытке пересечь океан опоздали в нашу страну примерно на три-пять месяцев. Между тем, эти фильмы являются едва ли не единственным голливудским достоинством прошлого года.

Фильм «У моря» повествует о жизни замечательного американского исполнителя и певца начала прошлого века — легендарного Бобби Дарина. Рожденный в Бронксе без отца и с неизлечимой болезнью сердца, Бобби пробился в самую гущу шоу-бизнеса и стал там королем. Его песни поначалу не признавали, но уже меньше чем через два года он развлекал самую элитарную публику Манхеттена, а такими его творениями, как «Beyond the Sea», «Splish Splash» и «Dream Lover», до сих пор восхищаются миллионы меломанов по всему миру. При жизни Бобби Дарин ничуть не уступал в известности таким именам, как Фрэнк Синатра и Элвис Пресли, а после своей смерти оставил поклонникам сотни своих трудов и талантливых творений.

Работа Кевина Спейси «У моря» значительно отличается от двух других новелл-биографий минувшего года («Рей», «Авиатор»), прежде всего, сценарско-режиссерской обработкой биографии самим Кевином Спейси. Жизнь Бобби Дарина в авторском проекте Спейси не стоит столбом и не движется неукротимым перпендикуляром от детства к процветанию, от процветания к смерти. Нет, по мнению Спейси — «это скучно! » Так что в «У моря» разыгран другой сценарий: дикий, безрассудный, настолько безрассудный, что фильм сильно смахивает на бродвейский мюзикл. Все основные события происходят в песне, происходят на сцене или в толпе танцующих рок-н-ролл прохожих, ну, и, конечно, заведует этим всем звездоплясом сам Бобби Дарин, а вернее Кевин Спейси, ибо уже в самом начале фильма режиссер открыто признает, что Дарин-то давно мертв, но им может стать любой, вышедший на сцену и детским голосом спевший «Splish Splash». И Спейси в этом преуспел куда более всех остальных. Еще с тинейджерского возраста он начал покланяться этому певцу и восхищаться им, а теперь, когда едва ли не дотянул до полувекового стажа, решил отдать своему «учителю» должное. Спейси играет Дарина с таким огнем и энергией, что и невозможно представить, что Дарин был другим, более того, Спейси позволял себе импровизировать, а все песни, звучащи в фильме, исполнял сам. Без фонограммы Спейси выглядит убедительно и очень оригинально, впрочем, он и не планировал подражать своему кумиру, он рассчитывал быть им.

Примечание. «У моря» не посвящается Бобби Дарину, хоть и служит ему биографией. Своим фильмом Спейси от всего сердца благодарит всех любящих родителей и, в частности, мам, отдавших свои жизни во имя любви и на воспитание новых людей, может быть, таких же замечательных как Бобби Дарин и Кевин Спейси.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

36, Набережная Орфевр (2005.03.29)

Давным-давно, лет двадцать назад, на набережной Ювелиров (она же Орфевр) во французском полицейском участке произошловполне реальное происшествие, в котором пострадал друг и идеал талантливого режиссера и сценариста Оливье Маршаля, а именнополицейский, некто Доминик Луазо. Его подставили коллеги по работе, продержали в тюрьме шесть с половиной лет, но он вышел, забыл безутешное прошлое, и сейчас преспокойно живет во Франции, может быть, на той же набережной Орфевр и водит автобус с актерским составом из нового фильма товарища Оливье Маршаля. Последний, как вы понимаете, снял картину «36, набережнаяОрфевр» в честь того происшествия, в честь своего великолепного друга и однокашника детства, и в месть тому глупому, но «храброму» полицейскому, который подставил Доминика Луазо.

Чувства Оливье Маршаля: месть и лютая ненависть — вполне понятны и даже закономерны, но, не узнав о них до просмотра фильма, можно рискнуть озлобится и на самого режиссера-сценариста «Набережной Орфевр» — уж больно люто онподелил все происходящее на плохое и хорошее, трогательное и гневное, а героев засунул в банальный шаблон «плохойполицейский — хороший полицейский», да так, что у плохого полицейского поминутно хлещет слюна изо рта, набитогояичницей, а хороший (Даниэль Отей), в противоположность толстому глупцу с уродливыми усиками (Жерар Депардье), изумляет всехсвоим великодушием, праведностью и силой. Созерцание фильма становится просто невыносимым, когда поминутно и посекундноявляется режиссерская указка и разжевывает и без того очевидную младенческую мораль.

Во всем остальном фильм выглядит красиво и богато: хорошие актеры, эффектные «батальные» сцены, немного секса и много насилия — в этом Маршаль преуспел, несомненно, еще на съемках суперхита «Гангстеры» со значительно меньшим бюджетом.Актеры особенно порадовали, кроме главного, Даниэля Отея, который, хоть и сыграл порядочно, но оставил самое неприятное впечатление. Вообще, во Франции это очень знаменитый и почитаемый актер, у нас же его лица практически никто незнает. В отличие от Даниэля Дюваля, который и популярен, и сыграл в фильме на редкость замечательно — его Эдди Валенс самый харизматичный персонаж во всем полицейском управлении на набережной Орфевр. Ну, и Жерар Депардье, он бы удивил, если бы сыграл неподобающе, но этого, к счастью, не произошло. Вообще, опыт работы смеланхолично-негативными персонажами у Депардье есть, причем, не малый, так, для полного успеха, ему достаточно было просто войти водин из своих старых образов, и, судя по тому, как Дени Кляйн (персонаж фильма) напоминает Онова десятилетней давности, Депардье окунулся в одну из своих лучших ролей (из кинофильма «Простая формальность»).

Фильм отчасти служит Фениксом новому французскому кинематографу, отчасти разрушает традиции, вознося чрезмерную жестокостьи реализм, но все-таки «36, набережная Орфевр» является чисто маршалевским проектом, слепленном из километров переживаний игорестных воспоминаний. Что не помешало ему побывать в призерах на главном французском кинофоруме «Сезар» и завоеватьнескончаемую любовь у благодарных зрителей.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Окончательный монтаж (2005.02.06)

Уже через пятьдесят один год девятая версия «ЗОИ» поступит в продажу. Это чип из биологического материала, который внедряется в мозг едва сформировавшегося человеческого существа и записывает всю его жизнь как один большой фильм. С ростом объема человеческого мозга растет и чип, так что он не вызывает никаких неудобств у владельца сего оборудования. О существовании «ЗОИ» не принято говорить ребенку, так как он этого может просто не понять, обычно человек понимает, что у него в мозгу только в двадцать один год, когда родители скажут ему об этом. В двадцать один год все можно понять. Однако многие, кому исполнилось двадцать один, не доживают до двадцати двух, а оказываются разбитымивдребезги об достаточно прочный асфальт.

Существуют, разумеется, и те, кто обрабатывает информацию в отделившемся от трупа чипе. Их называют монтажерами, и их основная задача ужимать человеческую жизнь с нескольких тысяч до двух часов. Казалось бы, невероятная задача, но если вырезать все мелочи, вроде еды, туалета, сна, бездействия, официальной жизни и работы, болтовни, секса, вечерней прогулки, утренней пробежки, насилия, извращений и, а оставить лишь самое ценное и дорогое, то получится ровно час и сорок пять минут. Это стандарт, ибо больше не находится, а все что находится часто утомляет зрителей, пришедших на послепохоронный ретропоказ.

Одним из таких монтажеров работает некто Алан, очень серьезный и смурной человек, несколько напоминающий человекоподобного робота. О нём-то и пойдет речь в фильме.

Столь замечательную идею нельзя подогнать под фильм, длящийся чуть больше часа — идея заслуживает как минимум трех томов экранизации, чего никто, естественно, делать не будет. А в настоящей же ситуации получился удивительно сухой предмет, валяющийся в чужой квартире, хоть и в красивой обертке. И скрашивает его не сюжет, как этого бы хотелось, а актер и оператор. Если же переходить на личности, то Робин Уильямс и Такэ Фудзимото, соответственно. Первый, замечательный актер, комик и юморист, играет совершенно не характерную для него роль. Монтажер в его исполнении удивительно элегантный морщинистый зануда, комплексующий воспоминаниями. За весь фильм с его лица лишь пару раз сходила маска абсолютного безразличия и равнодушия, зато, когда сходила, это был прежний улыбающийся и жизнерадостный Робин Уильямс. Он всего несколько раз играл в фильмах хоть немного подходящих под жанр драма, но именно эти его роли можно считать лучшими: «Куда приводят мечты», «Общество мертвых поэтов», «Двухсотлетний человек» — теперь к этому ряду замечательных картин без каких-либо колебаний можно добавить «Окончательный монтаж».

Что же касается Такэ Фудзимото, то его работа здесь ценится значительно весомее работы режиссера Омара Наима. Те немногие кадры оригинальной заготовки, которые показывают работу монтажа Алана, можно смотреть только восхищаясь. Кстати, Фудзимото тоже в некотором роде дебютирует, так как его предыдущими работами были в основном фильмы ужасов и очень жесткие триллеры, такие как «Шестое чувство», «Молчание ягнят» и «Знаки», «Окончательный монтаж» же хоть и весьма готичен, но ничего от хоррора в нем нет.

Фильм оставляет впечатления не такие, как хотелось бы, но смотреть стоит. Хотя бы потому, что вся представленная в фильме фантастика появится на прилавках магазинов, а, может быть, даже будет внедряться насильственно, или, куда хуже, секретно, лет этак через десять-двадцать, а мораль, так щедро расписанная Омаром Наимом в сценарии, интересна уже сегодня.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Никто не узнает (2004.12.24)

История о матери четырех мужественных детей, которая в поисках эгоцентричного счастья остается на затворках кинематографического шедевра Корэ-Эды.

«Никто не узнает» — своего рода римейк классической драмы известного японского мультипликатораИсао Такахаты «Могилы светлячков», но римейк много более актуальный и характерный для современной Японии, но не из-за того, что действие перенесено в современность, а военные трагедии сменились мирно-нравственными и социальными. Япония изменилась, а вместе с ней изменился и японский документально-художественный кинематограф, черпающий свои силы из жестокой, как правило, реальности. И «Могила светлячков», и «Никто не узнает», и множество других печальных фильмов основаны на реальных событиях, а значит несут ответственность за документальную составляющую.

Этой ответственностью режиссер фильма «Никто не узнает» распорядился очень, на мой взгляд, беспечно, позволив исказить действительность 1988 года (когда история брошенных детей стала публично известна). В центре событий фильма Корэ-Эда нет места трагедии, ненависти и переживаниям. Маленькие Юки и Сигеру только и делают, что корчат довольные рожи от непомерного счастья, хотя предельно ясно, что они умирают от голода, холода, блошиных укусов, грязи и одиночества. Дети повзрослее (Акира и Киоко) куда более меланхоличны. Новаторством Корэ-Эды было показать проблему изнутри, не глазами социального упрека и сожаления, а хлопалками двух очаровательных мальчиков и девочек. Посреди ужасающей, казалось бы, драмы режиссер показывает игру и то, что совершенно неуместно — смех маленьких обитателей трехкомнатного сарая.

Нелогичность происходящего объясняется очень просто: дети, которые были приглашены на съемки, просто привыкли к камере. Этот эксперимент Корэ-Эда планировал долго — 15 лет, а потому такую мелочь предвидел заранее: на протяжении нескольких месяцев он только и делал, что холил и лелеял маленьких сорванцов, играя с ними и одновременно подвергая натиску крупного плана. Долго Юя, Хиэи, Аю и Момоко (актеры) не выдержали, смирившись с существованием под боком пленочного монстра. А игры продолжились, результат которых — довольных улыбающихся детей — вы можете увидеть на экранах. Лишь Юя Ягира в роли Акиры должен был соблюдать дистанцию между довольным ребенком и пессимистичным начальником семьи. Перед актером была поставлена очень сложная задача — за год съемок «Никто не узнает» повзрослеть минимум лет на десять. В итоге просто поражает насколько серьезным и мужественным Юя/Акира выглядит в эпилоге картины — непосильная ноша ответственности и преодоление юношеского эгоцентризма, которого в Акире практически и не могло быть. Безусловно, в этом молодом человеке, как, впрочем, и в других талантах «Никто не узнает», будущее японского кино.

Картина получила множество премий, среди главных — «Золотая ветвь» 57-го Каннского кинофестиваля в номинации «За лучшую мужскую роль» — заслуженная победа и феноменальный дебют Юя Ягиры, исполнителя Акиры, а также премии на кинофестивалях в Чикаго, Генте, ну и, конечно, национальные премии Японии.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Папарацци (2004.11.29)

Типичный голливудский доходяга Бо Ларами (Коул Хаузер) только-только прославился и сразу же раскис под прицелами сотен тысяч надоедливых цифровых фотоаппаратов XXI века: папарацци печатают гадости о его личной жизни и закрывают черными полосками причинные места голого тела Ларами, красующегося на обложке известного таблоида; на улице, в ванной или под душем, ночью в постели — Бо никогда не бывает одинок — где-то по близости, наверняка, прячутся ненавистные Ларами существа.

«Папарацции» — фильм, ничем не отличающийся от тысяч салонных боевиков, призванных насладить мужские умы и заполонить экраны дешевых телевизоров тихими воскресными вечерами. Отличие лишь в том, что «Папарацци» фильм новый, крутится на большом экране и без рекламы, еще он спродюсирован Мелом Гибсоном, который, видимо, настойчиво решил продолжить весьма удачный дебют на новом доходном поприще.

Фабула «Папарацци» весьма заманчива и актуальна — близкие взаимоотношения между слугой и хозяином, одновременным объектом использования и ненависти, обоюдное стремление заколотить большие деньги как с одной, так и с другой стороны — но, к сожалению, сценаристы пренебрегли святыми идеями и решили выяснить отношения между неким Бо Ларами и четырьмя отъявленными придурками с цифровыми машинками, чем значительно испохабили сюжет и картину в целом.

В актерах также не наблюдается ничего примечательного. Тройка другая дебютантов трясут своими новоявленными белоснежными голливудскими улыбками, не зная беды и печали, а также хорошей игры. Но то, что от них требовалось, они сполна свершили, забрали свои гонорары и надолго, надеюсь, канули в неизвестность.

«Папарацци» — рядовое неброское зрелище, с моей стороны, заслужившее внимание лишь за счет фатальной скуки и желания скрасить грядущий монотонный вечер. А вот хорошее настроение портить лучше не стоит.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Небесный капитан (2004.10.15)

Когда в кинотеатре на 42 street горожане радуются первому проблеску цветного кинематографа, на весь остальной Нью-Йорк надвигается рой гигантских боевых роботов-убийц, крушащих все на своем пути. Вместо суставов у них шарниры, а в голове светят электрические лампочки, испускающие смертоносные лазерные лучи. Лишь Полли Перкинс (Пэлтроу), репортер газеты «Хроника», знает, что все это безобразие дело рук гениального ученого-психопата, некоего доктора Тотенкопфа. И лишь Джо Саливан (Лоу) по кличке Небесный капитан, командир сверхсекретного авиационного подразделения, может помочь Полли совершить святую миссию — спасти мир.

Ретрофутуристическая картина от дебютанта мирового кино Кэрри Конрана «Небесный капитан и мир будущего» заставляет оценить всю глубину человеческого воображения, способность буквально «с нуля» воспроизвести на километры цифровой пленки не только знакомый нам всем облик готического Нью-Йорка, но и совершенно фантастические пейзажи: перипетии воздушных боев где-нибудь в Тихом океане, сверхсекретные непальские базы с пол-Эвереста, заселенный динозаврами необитаемый остров. Но лучше всего у Конрана получилась зрелищность баталий человека и гигантских роботов, еще тех, чертежи которых лежали на столах самых популярных комиксистов и мангак первой половины XX века. Режиссер будто забыл о времени и фантазировал из далекого 1930 года… о будущем.

О том, кто такой Кэрри Конран, можно лишь гадать. Некоторые остроумные журналисты предпочитают говорить «мисс Кэрри Конран», смакуя якобы сверхтаинственность этой личности. Известен лишь его возраст — 37 лет… И то, что он на протяжении десятилетия тихими вечерами монтировал шестиминутный цифровой ролик у себя в гараже на старом «Макинтоше». Собственно говоря, благодаря этому ролику он и получил 90 млн. долларов на экранизацию «Небесного капитана».

А вот про других участников проекта известно все, и даже больше. Прежде всего это две счастливые пары: Джуд Лоу — Гвинет Пэлтроу, Анджелина Джоли — Джованни Рибизи. Первые — семьянины, у каждого свой брак, дети. Они любят сниматься вместе, что бесспорно, иначе бы они не снимались вместе. Последний раз зритель мог видеть их в «Талантливом мистере Рипли», теперь в «Небесном капитане». И Пэлтроу, и Лоу сегодня самые потенциальные актеры Голливуда, у них еще все впереди. А вот у кого не все впереди, так это у Лоуренса Оливье — он уже 15 лет, как мертв. Но даже в своем загробном состоянии звезда британского экрана и лучший театрал-шекспирист в истории продолжает сниматься в кино. В «Небесном капитане» Оливье сыграл Доктора Тотенкопфа, причем довольно убедительно, конечно, не без помощи цифрового монтажа.

Что же касается Анджелины Джоли и Джованни Рибизи, то они продолжают играть в прятки четырехлетней давности («Угнать за 60 секунд»). Рибизи похищают, а Джоли при помощи некогда Кейджа, нынче Лоу, пытается Джованни освободить. Господа, на это можно смотреть, не отрываясь, много и много раз! Изящество Анджелины за четыре года только возросло, а вся её красота скрыта теперь черной повязкой на левом глазу и нашивкой воздушно-морской дивизии на рукаве. И хоть её роль оказалась второстепенной, приукрасить картину Джоли сумела, несомненно.

«Небесный капитан» смотрится на одном дыхании, а любителям типажей спилбероговского «Индианы Джонса» хватит и половины. В этом придуманном Конраном мире нет места размышлениям на высокую тему и упрекам первой попавшейся пафосной местечковости. А вот поедателям поп-корна и газировки предложено самое сбалансированное, несуетное и приятное времяпрепровождение.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Папа (2004.09.15)

Старый завхоз города ТульчинаАбрам Шварц (Владимир Машков) болен и часто пьян. Иногда он проводит примитивные махинации с товаром со своего склада, на что и живет. А чаще всего заваливается грязным, вонючим, шатающимся оборванцем домой и рассказывает сыну (Анрей Розендент) о своей единственной мечте:
— Вот подрастешь, будешь стоять на красивой сцене Большого зала консерватории и, окончив свое великолепное выступление на скрипке, озаришься юношеской улыбкой, а после долгих и бурных аплодисментов нарядных москвичей, скажешь: «Это все мой папа! Он был редкий пьяница и жулик, но он сделал из меня то, что я есть».

Согласитесь, ради такой мечты стоит жить.

Фильм Владимира Машкова удивительно нежный и сентиментальный. И называется он нежно — «Папа», хоть и является экранизацией пьесы Александра Галича под мрачным названием «Матросская тишина». В роли Папы (Абрам Шварц) сам Машков, других актеров в фильме не было… по крайней мере для меня. Завораживающее счастье видеть бородатого провинциального старичка в вековой шляпе и очках, сутулого и растерянного в большом городе. Когда же играл Егор Бероев, или, скажем, Андрей Розендент, волнение угасало, счастье куда-то проваливалось, наверное, потому, что они молодые, красивые — не интересные. Машков же очень интересный — везет «сыну» чернослив и связку овощей в старой доброй авоське.

«Когда он сыграл Абрама Шварца в пьесе Галича, стало ясно, что на свет появился Актер…» — писал о Машкове Олег Табаков. Не секрет, что дипломной работой Владимира был именно Шварц (1990 год). После Школы-студии он еще несколько лет играл Шварца, гастролируя по России и Европе. Факт того, что Абрам рано или поздно появится на экранах в великолепном исполнении Владимира Львовича Машкова, не вызывал ни малейшего сомнения. Неясными оставались только сроки. В 2003 году терпение Машкова окончательно иссякло — он подал документ на экранизацию пьесы Александра Галича «Матросская тишина».

На XXVI Московском Международном Кинофестивале «Папа» был награжден призом «Зрительских симпатий». Заслуженно! В фильме нет новых новаторских идей и тема хоть извечно актуальна, но не остра; режиссер из Машкова пока лишь начинающий (до «Папы» он снял всего одну картину — «Сирота казанская» в 1997 году), и в отличие от Дмитрия Месхиева (режиссера «Своих») до наград жюри и критики, как видно, не дорос. Но, кто бы что ни говорил, а приз зрительских симпатий является куда более ценным и почетным, чем мнение какого-то там жюри. Кто бы что ни говорил… а я собственными глазами видел, как после просмотра «Папы» лишь половина зрителей устремились к выходу из кинотеатра, потому что вторая половина внимательно досматривали титры, стеснительно скрывая от солнечных лучей свои распухшие от слез лица.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Видок (2004.09.08)

Первоклассный французский сыщик Эжен Франсуа Видок расследует дело двух загадочных смертей высшей знати: бедняг убило молнией… Одновременно. То, что он обнаружит, покажется более чем странным, но очень увлекательным…

Режиссерский дебют Питофа пришелся очень кстати: Франция шагнула в мир цифровых технологий, а мир увлекся французскими детективами. То, что получилось, вы видите… Бесконечные вариации чего-то очень яркого и красивого, такого красивого, что поначалу и не разберешь — красиво это или нет. Но эксперимент с чудачкой «Амели», похождениями «Астерикса и Обеликса» показывают, что все-таки красиво. Вот и повалила плеяда молодых режиссеров, мастерски обученных владению цифровой камерой, в первых рядах которого, держась за руки и улыбаясь, радуются первооткрыватели нового французского ремесла: Мэтью Кассовитц, Жан-Пьер Жене и Питоф.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Самурай: Путь воина (2004.06.14)

В 1950-ых годах в Японии образовалась превосходная почва для создания большого потока дзидайгэки. Послевоенное положение на экран пропускало только развлекательные кино, революционные картины просто игнорировались японскими дистрибьюторами или вовсе уничтожались. Поэтому, когда уже не молодой режиссер Хироси Инагаки получил право, время и возможность для реализации своей следующей картины, он решил восстановить одну из своих лучших работ под названием «Самурай» («Миямото Мусаси»). Восстановить, потому что прошлый его «Мусаси» во время войны где-то затерялся и до наших времен, к сожалению, не дожил. Тем более картина 1940 года (время первого «Миямото Мусаси») была черно-белая, а Хироси Инагаки уже несколько лет оттачивал мастерство в постановке цвета.

«Самурай» состоит из трех частей, то есть официально фильм можно назвать трилогией. Он повествует о легендарном японском ронине Миямото Мусаси. Мусаси — реальная легенда, его часто сравнивают с известным французом Д’Артаньяном, так как широкую известность ему принес никто иной, как прославившийся писатель Эйдзи Ёсикава (1892-1962) — японский Дюма. С 1935 по 1939 на страницах газеты «Асахи» публиковался роман Ёсикавы «Миямото Мусаси». А напечатанная вскоре стопка книг разлетелась по всему миру огромным тиражом. Его роман стал настоящим бестселлером, а сам писатель заслужил себе почетное место в учебниках литературы. В книге Ёсикавы читатель найдет множество захватывающих и, наверняка, приукрашенных строк, повествующих о жизни одного ронина. Сегодня имя Миямото Мусасив Японии знает каждый ребенок.

Годом рождения легендарного героя принято считать 1584, хотя неточность даты вполне вероятна. С самого своего рождения и до конца жизни Миямото Мусаси считался храбрым идеалом чести. В свои 16 лет он уже принял участие в битве. Это был бой при Сэкигахара. Мальчик отчаянно сражался против победившего в этом сражении клана Токугава. За свою жизнь Мусаси поучаствовал более чем в шестидесяти дуэлях, и уж, конечно, нельзя определить, сколько человек пало от его меча в сражениях. Со стопроцентной долей вероятности можно утверждать только то, что среди побежденных им были такие выдающиеся имена, как Сэйдзиро Ёсиока, Дэнситиро Ёсиока, Ханситиро Ёсиока. Семья Ёсиока составляла верхушку могущественного клана, который основался в Киото и свысока глядел на малейшие изменения снаружи. Появление же в Киото могущественного воина, как Мусаси, разумеется, не ускользнуло от клана. С причинами и последствиями этого исторического события вы можете ознакомиться во второй части трилогии Хироси Инагаки. Победа над кланом принесла Мусаси невероятную известность. Каждый уважающий себя господин хотел заполучить в свои руки такого самурая, но Мусаси был рожден ронином, личностью.

Всю историю Миямото Мусаси зритель найдет в трилогии Хироси Инагаки, а также в книгах, специально переведенных на русский язык для любителей легенд и приключений. А для тех, кто может все достать, доношу информацию, что помимо фильма Хироси Инагаки 1954 года есть еще несколько полнометражных картин других режиссеров, сериал и даже несколько манга-историй. И все это о Миямото Мусаси.

Теперь пару слов о самом фильме. Фильм очень живой, красочный и всецело японский. Фрагмент за фрагментом двигается поэтапно, попахивая стариной шестидесятых и каким-то театральным действием. Кадр сменяет кадр, чуть-чуть потрескивает пленка. А еще молодой Тосиро Мифунэ выглядит таким бодрым и свежим. Самурай! Наверное, он не согласился бы на эту роль, если бы знал, что ему всю свою жизнь придется играть только самураев, всю свою жизнь он будет пребывать в образе Миямото Мусаси. Исключениями будут служить только несколько картин Акиры Куросавы с Тосиро Мифунэ в главной роли, где действия происходят в «Новой Японии». В любом случае Мифунэ в образе Мусаси выглядит замечательно. И что греха таить, все герои фильма сыграли без фальши, только вот игра их была игрой, чувствовалась какая-то театральность. Но для дзидайгэки — это скорее плюс.

В завершении всего хочется добавить только то, что в 1955 году фильм «Миямото Мусаси» получил «Оскар» за «Лучшую картину на иностранном языке».


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Шофер мисс Дэйзи (2004.06.09)

Замечательная картина Брюса Бересфорда об одной пожилой даме, как и все, не любящей одиночество. Свойственным профессионализмом режиссера зритель обречен увлажнить щеку хоть одной маленькой слезинкой. Незатейливая экранизация пьесы Альфреда Ури при помощи замечательных актеров завоевала весь мир своей трогательностью и простотой. А какой еще должна быть мелодрама девяностых.

Богатая и принципиальная мисс Дэйзи (Джессика Тэнди) уже стара, чтобы водить автомобиль. Её сын (Дэн Эйкройд) пытается нанять любимой маме шофера, но выросшая в бедности мисс Дэйзи отказывается тратить лишний цент на ненужного помощника. Как бы то ни было, на пороге усадьбы богатой дамы появляется машина, из которой медленно вылезают: знакомое белое лицо и незнакомое черное — сын все же нанял шофера. Им оказывается Хоук Колберн (Морган Фримэн), тоже старик, но несколько моложе своей хозяйки. Следующие двадцать лет единственным другом и самым близким человеком мисс Дэйзи будет её несменный шофер, чернокожий Хоук.

Смотря на этихдвух старичков, нельзя не улыбаться и плакать одновременно. Фильм длится чуть меньше двух часов, а на экране за это время растворяются в скользящей дымке больше двадцати лет. Зритель вынужден наблюдать за тем, как сантиметр за сантиметром гнется спина Моргана Фримэна, как все более и более морщинятся щеки Джессики Тэнди, как неумолимо лысеет Дэн Эйкройд. Иногда можно просто не найти на экране героя, не узнать его. Вот мисс Дэйзи уже за девяносто, она передвигается медленными шажками по деревянному полу дома для престарелых к общему столу, там она якобы видит своего единственного друга. А он и вправду там. Старушка рада бы улыбнуться, да вот лицо её уже лет десять не знает, что такое улыбка.

Фильм отмечен ценными наградами в сфере кино. Это, прежде всего, четыре «Оскара», три премии «Золотой Глобус» и две награды Берлинского Кинофестиваля. Все эти почести говорят о том, что «Шофер мисс Дэйзи» — лучший фильм 1990 года, а Морган Фримэн и Джессика Тэнди — лучший актерский дуэт того же года. Так держать, старики!


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Затоiчи (2004.05.28)

Известный комик, актер, режиссер и вечный анархист Такэси Китано подарил миру новую бессознательную картину в стиле загадочной дзидайгэки «Затоiчи». Мне эта картина не то чтобы понравилась, но свои деревянные зрелище окупило. Далее я приведу несколько фактов из-за чего, может быть, следует подняться со старого рабочего кресла и направиться в какой-нибудь кинотеатр с приличной акустической системой:

1. «Затоiчи» самый крупный проект Такэси Китано. К счастью, потраченные суммы окупились в два-три захода. В первые же свои рабочие будни «Затоiчи» украл у японцев больше двух миллионов долларов. Насчет России у «Затоiчи» тоже весьма нескромные планы. Картина планирует занять первое место по кассовым сборам среди фильмов азиатского происхождения. Вы не верите? Оглянитесь, и вы увидите слепого воина на афишах автобусных остановок, на пятой странице бульварной газетенки, на двери ближайшей сосисочной.

2. Самому ярому поклоннику Такэси Китано талантливому режиссеру Квентину Тарантино фильм понравился. Этим все сказано.

3. История «Затоiчи» по хронологическому порядку. Герой всех «Затоiчи» легендарный воин Дзатоити. Его глаза не видят, его уши слышат. Он прекрасный воин, к тому же бродяга. Сквозь шумы весеннего ветерка он добывает тактическую информацию по расположению врага и, разрезав шелковый путь, его меч врезается прямо и бесповоротно в недружественное тело. Плохой парень падает на землю, ему не больно, так как он уже давно мертв. Дзатоити в два счета может снести кассу местного казино (весьма законно). Он прекрасный собеседник и профессиональный костоправ. Он сделает вам массаж, если вежливо попросите. Его не боятся люди, потому что его меч всегда спрятан в трости, а с виду он просто жалкий слепой. Его имя легко раскладывается, впрочем, как и его трость. «Дзато» — означает тенденцию слепого бедолаги, а словом «Ити» его когда-то окрестили родители. Никто не знает жил ли этот герой на самом деле, творил ли благородные дела, помогал ли старушкам избавится от назойливых уличных шаек. Ясно одно — Дзатоити есть. Для широких масс он родился одновременно с книгой Кана Симодзавы. В 1962 году Дзатоити появился на экране. В эпоху экономического бума такой подарок развлекательного масштаба оказался весьма кстати. Дзатоити полюбился всем. Некоторые завидовали, злостно мечтали о его славе, но все же любили его. Национального героя с мечом играл Синтаро Катсу. Естественно, сняли продолжение с теми же актерами. Потом еще одно, а потом еще одно. В итоге, готовясь к написанию сценария, Такэси Китано получил 29 кассет с 26 картинами о Дзатоити в исполнении Синтаро Катсу разного плана. В основном это были полнометражные двухчасовые ленты. Несколько удачных попыток о слепом воине с мечом-тростью поставили и за пределами Японии. Самой известной является американский фильм «Слепая ярость» с Рутгером Хауэром в главной роли. Теперь вы можете себе представить какая ответственность была на усталых плечах Такэси Китано, и какой значительный для Японии этот фильм «Затоiчи».

4. Главную роль в фильме играет Такэси Китано. И это совсем не естественно. Во-первых, до «Затоiчи» Китано играл только полицейских, гангстеров и всяких там Кикудзиро. Во-вторых, до «Затоiчи» Китано даже близко не подходил к дзидайгэки. В-третьих, в планах Китано никогда не было никаких «Затоiчи». Однажды в разговоре с давней подругой Синтаро Катсу Тиёко Саито Такэси Китано (смотрите не запутайтесь) упомянул о покинувшем этот мир Катсу. Саито же предложила Китано снять новый фильм о Дзатоити, наверное, в память о Синтаро. Китано долго находился в состоянии нерешительности, но все же согласился. И чтобы не подвергать свой фильм бесконечным сравнениям со старыми «Затоiчи» он планирует сделать его совершенно другим, совершенно новым, безрассудным, анархичным. Прошел год, прошел другой, и вот мы видим на экранах самых элитных кинотеатров новое творение Такэси Китано. В этом творении режиссер сам махает мечом, а крестьяне отрабатывают степ на поляне для посева риса, всегда звучит музыка вокалиста и гитариста японской группы «Moon Riders» Кэйити Судзуки (он тут вместо Дзёэ Хисайси), а гейша в фильме всего лишь переодетый мужчина. Прибавим ко всему этому голос Армена Джигарханяна, который у нас в России озвучивает Дзатоити, и говорящих на современном японском крестьян… Голова идет кругом. В завершении картины Такэси Китано метким выстрелом добивает зрителя, как будто его меч вонзается в мыльный пузырь с адреналином где-то глубоко внутри – танцевальная группа «The Stripes» в образе крестьян и главных героев лихо отплясывает степ под ритм хип-хопа 80-ых на протяжении добрых пятнадцати минут.

5. «Затоiчи» — самый зрелищный и самый коммерческий фильм Такэси Китано.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Замок совы (2004.04.29)

Синода Масахиро и Наруса Кацуо подарили молодым завоевателям японской истории настоящий клад. Тринадцать лет пробегают на пленке за 138 минут игрового кино. Это года средневековой Японии; года, когда страной правил «великий полководец, завоеватель варваров», а из политых кровью земель крестьяне пытались получить хотя бы кусочек продовольствия. Начало повествования показывает жестокое правления сёгуна Оды Нобунаги, а конец — предвещает правление Тоётоми Хидэёри. Между ними только Тоётоми Хидэёси. Но в фильме не они чаще всего появляются на экране, из этой троицы мы увидим лишь Хидэёси, да и то мимолетно пролетая в креслах над интересной концовкой сюжета. Главный герой нашей истории, кто бы мог подумать, ниндзя. Этих товарищей знают все. Откуда? Скорее всего, из какого-нибудь голливудского блокбастера или мультфильма. Вспомним хотя бы творение Зейтуна «Ямакаси», где молодые акробаты сигают по небоскребам, явно подражая ниндзя. Можно обратиться и ко второму «Такси». В обоих вышеперечисленных фильмах мы наблюдаем неизмеримую любовь Люка Бессона к ниндзя. Жалко только, что в «Новых самураях» он перепутал ниндзя с самураями. Короче говоря, эти парни с мечами и сюрикенами запечатлели себя на долгие века. Однако на вопрос, кто такие эти ниндзя и откуда произошли, ответит не каждая энциклопедия под обширным названием «Япония».Вот поэтому-то продолжительная картина Синоды Масахиро «Замок совы» и является настоящим кладом для завоевателя японской истории.

«С древних времен Ига была известна под названием Таинственная земля. Отделенная от остального мира высокими горами, она служила надежным прибежищем для тех, кто когда-либо терпел поражение в политической борьбе. Их потомками в эпоху века гражданских войн были знаменитые ниндзя из Иги. С детства обученные хитрому искусству уловок, в дни политических беспорядков они оказывали услуги в качестве шпионов, заговорщиков, агитаторов и наемных убийц. В силу обостренного чувства верности своему племени, они не служили никакому господину, и их упорное стремление к независимости вызвало ненависть военачальника, имя которого было Ода Набунага. Он боялся, что если он оставит этих людей в покое вблизи своих границ, то подвергнет опасности свои амбиции быть верховным правителем Японии». Такими словами начинается «Замок совы». Занавес приподнялся — мы кое-что знаем. Мы знаем, что военачальник Ода Набунага приказал стереть Игу с лица Японии, что Ига являлась кланом и местом скопления ниндзя, что ниндзя — всего лишь прячущиеся в горах отшельники, которые обучены убивать, скрываться, тактически мыслить.

«Набунага напал на земли Иги, которыми владели ниндзя, которых он ненавидел, как будто они были демонами в образе человека. Свое хитроумное искусство перевоплощения они всегда могли использовать против него. Напав на Игу своей 50000 армией, он опустошил эту страну, уничтожив её жителей». История говорит: «Конец Иги». Вся предыстория этого фильма есть истинная правда. Ига действительно существовала, ее месторасположение сегодня можно определить префектурой Миэ, что восточнее Киото и западнее Токио. В фильме скверно показано, что помимо Иги в Японии существовал еще один могущественный клан ниндзя — Кога. Стараниями Оды Набунаги был уничтожен и он.Клан Кога был расположен чуть севернее Иги в префектуре Сига, которая граничит с префектурой Киото. Но не все ниндзя погибли. Фильм повествует о двух ниндзя из Иги и об одном из Коги, а также о Тоетоми Хидэёси, затевающем совсем ненужную войну с Кореей.

Фильм грамотно снят по новелле Рётаро Сибы. Автор новеллы рассуждает о власти в целом и о каждой личности под дулом этой власти в отдельности. По существу, в Японии XVI веканикто не имел должной свободы, даже сёгун постоянно подвергался давлению со стороны сёгуната и влиятельных чиновников. Император также был марионеткой. Народ давил на правительство своей массой, правительство истребляло в войнах свой народ. Только скрытые в горах отшельники-ниндзя были свободными.

Щедро и без препятствий раздаю положительные рекомендации, так как, затратив два часа на полезное дело и два червонца в видеопрокате, вы узнаете многое о Японии и о ниндзюцу в частности, очистив голову от голливудской глупости. Хотя, если говорить честно, то в плане романтизации своих героев Япония недалеко ушла от Европы и Америки.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Император и убийца (2004.04.16)

История про первого императора Поднебесной, объединившего семь княжеств, звучит торжественным гимном на фоне китайского кинематографа. Одна за другой снимается историческая картина про предводителей династии Цинь. Цены растут, технологии совершенствуются, картина получается все более и более реалистичной. Остановимся на одной из таких картин. «Император и убийца».

Режиссер Чэнь Кайгэ уже давно определился со своим любимым жанром — историческая картина с философской направленностью. За каждую свою работу режиссер получает какую-нибудь награду, премию. Так вот и волочит свое существование Чэнь Кайгэ. Но сейчас все по-другому, так как его «Император и убийца» появился на русских лотках с лицензионной продукцией, а это Эверест мирового проката. Значит — работа замечательная.

Своими глазами мы наблюдаем, как Цинь Шихуане объединяет части будущего Китая, объединяет войной. Цинь — могучий одинокий тиран, поклявшийся своим предкам в исполнении заветной цели. Своими глазами мы видим великолепный дворец Циня Шихуане, тысячу ступенек и площадь перед дворцом мы видим красавицу Гон Ли и мудреца-убийцу. И хотя между зрителем и экраном двадцать веков разницы, зритель засматривается, экран пропадает. Картина переполнена дворцовыми интригами, жестокими авантюрами. После просмотра остается ощущение будто отложил недочитанный роман Александра Дюма, так все реалистично. На эту реалистичность и были направлены цели Чэня Кайгэ, потрачены огромные суммы. Но все же «Императору и убийце» не удалось отвертеться от парочки другой наград.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Куклы (2004.04.12)

Красной нитью судьбы двое влюбленных связаны навечно. Нельзя порвать эту нить. Тридцать лет в ожидании мечты, образ искалеченного лица, боязнь потеряться, слепота и сумасшествие проносятся на экране в красочных костюмах времен года. Романтика находит приют в «Куклах», но её выгоняет беспощадная трагедия. Любовь, боль и одиночество. Человек в этом фильме словно красивая и многофункциональная кукла из театра Бунраку. Два черных капюшона и одно лицо ведут эту куклу под пение гидаю (сказатель). Кто-то скажет, что видит красивую и романтичную сцену космической любви, я же тут вижу долг и судьбу простого человека.

«Куклы» начинаются с показательного представления кукольного театра Бунраку, где огромные тряпичные марионетки ведут себя на удивление живо и реалистично. Куклами управляют три человека. Один человек следит за движением кукольной головы, а двое других — за ногами и руками. Первые пять минут фильма — ознакомительный процесс, но именно в этом процессе после просмотра фильма зритель заметит, что хотел сказать автор.

В фильме «Куклы» Такэси Китано изменил своим привычкам. В этой картине мы не увидим его актерской игры, не заметим его остроумных гэгов, и, естественно, Бит Такэси не сможет прострелить голову какому-нибудь гангстеру, да и фильм не об этом. В таком случае некоторые проведут параллель со «Сценами у моря», третьей работой Китано, но и тут не все совпадает. В «Сценах у моря» есть море, но нет природы. Такой природы, от которой глаза наполняются теплыми слезами. Нет красок и нет жизни. Такой жизни, после которой не горько и умереть. «Сцены у моря» сняты рукой меланхолика, скрывающегося за комиком. В «Куклах» есть жизнь. Когда связанные толстой красной веревкой влюбленные идут по усыпанной красными листьями дорожке в красных нарядах сквозь желтые и красные могучие деревья, сияющие коричневатыми стеблями с зеленой подошвой, кажется, что нет на свете людей счастливее, чем они. Не важно, что она сумасшедшая, а он пожертвовал всем своим благом для того, чтобы быть с ней. В картине зритель увидит осень, увидит лето, зиму и весну. Время года будет показано не столько соответствующими климатическими условиями, сколько характером, настроением, красками и костюмами.

Как всегда, удивил Дзёэ Хисайси. Не знаю, ему ли принадлежит игра на трехструнных сямисэнах во время кукольного представления, но вот в остальной части фильма композиции точно его. Так вот, эти композиции звучат если не в такт кукольному представлению, то где-то рядом. А это значит, что на протяжении всего фильма мы вынуждены слушать либо томящую тишину, либо угнетающую глухую мелодию Дзёэ Хисайси, что придает фильму особую психологическую остроту.

Сюжет фильма состоит из трех очень трогательных историй. Чувствительным романтикам они обязательно понравятся, а сухие и черствые пни во время просмотра обязательно превратятся в чувствительных романтиков. Посмотрев «Куклы», мир увидел в Такэси Китано не просто комика, телеведущего, актера и режиссера, но и удивительного мечтателя и выдумщика.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Сцены у моря (2004.04.11)

Тишина. Романтика. Народ у Китано словно природа, а природа — что-то чуждое, непонятное. Поднимается гул, доска скользит по воде. Волна.

Эта невероятная картина как бы клином входит в трилогию о гангстерах, внося свои законы и порядки. Вместо Бита Такэси мы увидим начинающего актера Куродо Маки, вместо очередной блондинки — некрасивую девушку. Тут нет моего субъективного мнения, потому что сам Китано не находит в своих ранних работах красивых героинь. Наглец, как он посмел, но это его задумка, это его сценарий.

Главный герой, на мой взгляд, очень интересен. Его зовут Сигэру — глухонемой молодой человек. Работая мусорщиком, он находит на помойке сломанную доску для серфинга. Пытается её починить, чинит. С этого момента Сигэру становится счастливым. Каждый день он ходит к морю с подружкой, чтобы покорить волну. Над ним смеются, но смеются уважая. А он изо дня в день молчаливо пытается забраться на волну. Им начинают восхищаться, а он все пытается забраться на волну. Не человек, а загадка — интересный герой.

Нужно заметить, что из всех фильмов Такэси Китано только в «Сценах у моря» человек не боится моря. Нетрудно вспомнить, что в других работах этого режиссера едва ли какой-нибудь герой заходит в воду глубже, чем по щиколотку. Тут же Сигэру прыгает в море с головой. Он не боится моря, в море он погибает. А если к этому аспекту добавить еще непривычное отсутствие Бита Такэси в главной роли или какой-либо роли вообще, а также отсутствие насилия, жестокости, банд и гангстеров, то как-то не верится, что эта работа принадлежит именно Такэси Китано. Но это он.

Что же мы в итоге получаем? Он глухонемой, он же главный герой. Все очень тихо. Только шум прибоя доносится с экрана? Да, но в особо прекрасные, трагические и просто интересные моменты и он затихает, уступая дорогу еще более прекрасной стороне «Сцен у моря» — музыке Дзёэ Хисайси. Она сама по себе великолепна, но в паре со сценарием Такэси Китано просто шокирует.Японская киноакадемия наградила композитора «Сцен у моря» статуэткой за лучшую музыку.

Посмотрев фильм, кто-то с улыбкой на устах быстро уходит, кто-то с задумчивым видом продолжает сидеть в кресле, а дама забывает взять свою сумочку, я же аплодирую. Конец фильма — равнодушных нет.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Табу (2004.04.08)

«Табу» — один из самых популярных фильмов японского режиссера Нагисы Осимы и японского кино вообще. Со времен 1976 года, когда при поддержке французских продюсеров мир увидел скандально известную работу Осимы «Империя чувств», вышло еще четыре фильма данного режиссера о любви, сексе и страсти. Это «Призрак любви», «Макс, любовь моя», «Табу», «Счастливого Рождества, мистер Лоренс». Последний, правда, обращен несколько к другой теме, но тонкая нить гомосексуализма связывает его с интересующей нас картиной.

«Табу» Осиме пришлось начинать дважды. Завершить картину с первого раза ему помешал приступ инсульта. Тяжелое заболевание поразило режиссера прямо на съемках фильма в 1995 году. Больница, лечение. Не до конца оклемавшись, да, собственно говоря, еще больным Нагиса Осима снова появляется на съемочной площадке, на этот раз в инвалидном кресле. Наблюдая за упорством режиссера, судьба, верно, не решилась помешать ему во второй раз. В 1999 году «Табу» впервые несется по японским кинотеатрам.

Фильм получил путевку в большое кино совершенно случайно. Жена Нагисы Осимы Эйко Осима, прочитав роман Рётаро Сибы «Табу», предложила своему мужу экранизировать свежепрочитанное произведение. А так как она по совместительству является еще и продюсером, то режиссер не имел права на отказ. Впрочем, нельзя сказать, что Эйко совершила ошибку. Под предводительством Нагисы Осимы фильм получился по-настоящему художественным. Темы гомосексуализма режиссер касается как бы нехотя, лениво, хотя она целиком и полностью доминирует в картине. Актеров он наряжает в самурайские тряпки, а главного героя беспощадно разрисовывает косметикой. Можно сказать, что для Осимы этот фильм — взрослая игра, опыт над зрителем. Но игра дорогая.

Год назначен — 1885. Несколько лет осталось до реставрации Мэйдзи. А с ней уйдут в историю самураи как фактические властители Японии. Но самураи еще крепки, они еще могут дать бой. Могли, до тех пор пока в их лагере не появился восемнадцатилетний юноша по имени Кано. С десяток матерых воинов теряют голову от горячей страсти к этому человеку. Поначалу на них никто не обращает внимания, ведь не запрещено в самурайских кругах «терять голову»от любви к кому угодно. Но когда эти самураи теряют головы в буквальном смысле этого выражения, верхи думают: «Что-то не так». Верхи стали глупы, ибо соблазнились женственной красотой юноши, пусть даже в сердцах.

Эту дивную красу (Кано) играет актер-дебютантРюхэй Мацуда. Это тот редкий случай, когда актеров выбирают не по имени или таланту, а по типажу и внешним данным. Это первая серьезная работа Рюхэй Мацуды, очень серьезная работа. Со своей ролью молодой человек справляется неплохо. Выдержать домогательства самураев и бой на деревянных мечах с Такэси Китано сможет не каждый дебютант. Главным принципом отбора было лицо. Лицо у актера всегда находится под пристальным вниманием, а в «Табу» тем более. Книга Рётаро Сибы повествует о сказочном юноше, за которым косяками бегали взрослые мужики, естественно, такой человек красив. Другими словами, самым сложным было грамотно завершить кастинг.

Такэси Китано играет одну из главных ролей. Видеть его в обличии самурая было чрезвычайно смешно и странно. Темный костюм, открытый лысиной лоб, широкая стойка с деревянным мечом в руках очень отличаются от черного пиджака от Ямомото, короткой стрижки якудзы, дергающегося под солнцезащитными очками глаза. Отметим, что Китано уже был знаком с режиссером «Табу» еще до начала съемок фильма. Этот факт может подтвердить хотя бы то, что в «Счастливого Рождества, мистер Лоренс» Китано играл главную роль.

В своей книге Рётаро Сиба очень пессимистично относится к красоте. Двумя часами он опровергает сложившееся веками выражение: «Красота спасет мир». Неудивительно, что чету Осимы заинтересовала эта идея, ведь Нагиса всегда старался разрушить табу или хотя бы помочь кому-то в продвижении этого дела.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Герой (2004.03.20)

«Самое модное кино снимают на Востоке».Не знаю, кому принадлежат авторские права на это выражение, но я его целиком и полностью поддерживаю. Вспомним хотя бы «Фейерверк», «Табу», «Королевскую битву». Все эти фильмы непохожи друг на друга, но одинаково оригинальны. А оригинальность, прежде всего, заслуга сценаристов. К сожалению, подобного рода фильмы имеют целый ряд недостатков, которые и делают их модными, новыми, но ограничивают круг зрителей (никто ведь, надеюсь, не будет показывать десятилетней девочке «Королевскую битву»). Фильм, о котором пойдет речь, совершенно другой. Он не имеет подобных недостатков; он оригинален, но не из-за шокирующего сценария; он красив и, скорее всего, долго проживет. Он — «Герой».

Рискну предположить, что китайский режиссер, оператор и актер Чжан Имоу всю свою жизнь ждал момента, чтобы снять такой фильм, каковым является «Герой». Человек, который купил свою первую фотокамеру на вырученные с добровольного кровопускания деньги (Чжан Имоу сдал большое количество своей крови на донорской станции, чтобы купить достаточно дорогой в то время технический аппарат); который еще в юности подрабатывал художественным дизайнером по тканям на производстве в отрасли легкой промышленности; который, окончив операторский факультет Пекинского киноинститута, удивлял китайских режиссеров своей специфической техникой съемки; который долгое время копил в себе свежий заряд операторских и дизайнерских идей, потому что добрых десять лет работал режиссером над совершенно другой темой, безусловно, способен порадовать зрителей взрывом новейших спецэффектов, преклоняющих колени перед красотой соседствующих рядом чудес природы, монополий красок и цветов. Да, Чжан Имоу все это может. Не подумал бы, что буду с интересом наблюдать за тем, как пятидесятилетний китайский режиссер, на счету которого числится еще и «Красный гаолян» 1987 года, разворачивает на экране свои фантазии.

Сюжет фильма довольно прост. На выбор взяли одну из тысяч китайских легенд, а опытный мастер быстро написал по ней сценарий. Можно отметить только то, что сюжет является лишь поводом для размещения нужных боев в нужных декорациях. Задумка Имоу сводилась исключительно к боям в картине, поэтому действие на экране редко задерживалось на каких-нибудь других сценах. Они просто неинтересны режиссеру. Но, несмотря на все это, сюжет оказался довольно интересным. Он пропитан слабой моралью. Не потому, что мораль слабая, а потому, что все остальное сильно отвлекает.

Царь царства Цинь — жестокий тиран и могучий правитель. В его планах буянит цель завоевать окружающие его царство земли, подчинить и убить своих врагов. Единственные, кто способен ему помешать, это легендарные и непобедимые войны. Их всего трое, но любой из них в одиночку обезоружит тысячу профессиональных солдат армии Цинь голыми руками (ну эту штуку мы помним еще по «Крадущемуся тигру, затаившемуся дракону»). Царь назначает щедрую награду тому, кто избавит великого правителя от не менее могущественных великих воинов, которые уже когда-то устраивали покушение на царя. Во дворце появляется сильный, коренастый человек с лицом лиса (Джет Ли). Он передает оружия трех легендарных воинов будущему императору будущего Китая в знак доказательства своего подвига. Взамен он получает обещанную награду. Человека этого зовут Безымянный. И вот он начинает рассказывать свою историю. На протяжении двух часов двое собеседников обсуждают поступок Безымянного. И если вам все это кажется примитивным, то, наверное, ваше мнение изменится, когда вы досмотрите фильм до конца.

Ну а теперь, потирая руки, перебираемся к самому сладкому и интересному. Конечно, это бои. Да, подобное зрелище стоит потраченного времени. С первого и до последнего боя вас сопровождает искусство: музыка слепого старца, шорох опавшей листвы, гул падающей с камня капли осеннего дождя, уставившиеся в одну точку храбрые глаза Джета Ли и краски, краски, краски. Все декорации осенние. В первом бою показано сражение дождя, в другом —железа, в третьем —красной ткани, в четвертом —желтой, в пятом —песка, воды и снова песка. И все это выглядит очень красиво и динамично. Камера постоянно двигается, как бы обнажая все прелести декораций. Камера сосредоточена на цветах. И вот опавшая желтая пелена осенних листьев, контрастирующая с красным шелковым материалом платья «Летающей снежинки», быстро и ясно переливается в еще более красный, но все же оттенок платья. Кривая линия, проведенная твердым движением руки воина, обозначает часть иероглифа. Она нарисована острием меча на песке. В то время как воин подносит меч к месту логического продолжения иероглифа, поднятый ветром песок одевает равномерной шапкой кривую линию начала заветного слова. А вот смотрите, зритель, как черная туча стрел, сделанных, скорее всего, из дерева, вонзаются с невероятной плотностью в деревянную раму жидкого окошечка с бумажными стеклами. Элегантно, искусно, оригинально (вот что действительно оригинально)! А скользящая между двух мечей капелька озерной воды, а светло-зеленые занавеси однотонного и мрачного зала? Блеск! А костюмы? О, костюмы! Нет и пяти минут между старым и новым платьем «Летящей снежинки». Все цвета радуги, все краски жизни промелькнули в складках шелкового материала того или иного наряда. Джет Ли в своем армейском балахоне загадочен, царь царства Цинь — просто большой накаченный здоровяк, каких Китай отроду не видал, в своей полувоенной кирасе, а тройка легендарных воинов всегда прекрасна в своих одноцветных тряпках.

Конечно, европейскому зрителю трудно на одном дыхании выдержать всю эту красоту, ведь в нас нет ни капельки той азиатской созерцательности, на которую рассчитан «Герой». Поэтому в конце фильм уже не смотрится так пышно и вкусно, как, например, в момент своей кульминации (для меня это «бой при падающих листьях»). И все же Чжан Имоу на славу постарался. Если в «Крадущемся тигре, затаившемся драконе» наметился только стиль боя, то с «Героем» в мир большого кинематографа пришел целый новоиспеченный жанр прекрасного кино. И пусть в этом жанре пока будет плавать только китайский «Герой», но ведь начало положено.

«Герой» — самая рискованная работа Чжана Имоу. Огромная себестоимость фильма легко могла не окупиться. Съемки проводились не без участия крупной кинокомпании «Miramax Films». А вы знаете, какие у них расценки, но и оборудование соответственное. Таких ярких и четких колоритов, которые показаны в «Герое», просто не удалось бы достичь без качественного оборудования. Но, слава богу, все эти рискованные шаги, огромные суммы для китайского кино (на фильм потратили порядка 30 миллионов долларов), куча потраченного времени — оправдались. Оправдались не только в плане солидных кассовых сборов. Самые ценные люди для режиссера, а именно зрители и критики, с лихвой компенсировали волнения Имоу. «Герой» был награжден «Золотым Глобусом» в номинации «За лучший зарубежный фильм». А спустя некоторое время Чжан Имоу следил уже за церемонией вручения «Оскара». И когда объявляли претендентов на премию в номинации «За лучший зарубежный фильм», в числе которых «Герой», конечно, числился, режиссер, видимо, слабо сжимал кулачки, ибо данная премия его картине не досталась. Но, безусловно, для китайского фильма и номинация на «Оскар» уже большой успех.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Гений дзюдо (2004.03.11)

С вашего позволения, мы сразу же перенесемся на 30-35 лет назад, когда во многих кинотеатрах России шел показ относительно нового фильма под названием «Гений дзюдо». Выходя из зала Пушкинского, еще не искушенный зарубежным кинематографом зритель, поддавался волне впечатлений, а по дороге домой во дворах и переулках замечал ребят, подражающих какому-то японскому Сансиро и неуклюже махающих ногами. Приятно осознавать, что фильм «Гений дзюдо» является неотъемлемой частью воспоминаний о юности десятков тысяч российских людей. Давайте же скорее вернемся в то время.

Кто-то может ошибиться, если предположит, что в то время кино было черно-белым обрубком по сравнению с сегодняшними фантастическими лентами, что в то время можно было ставить только примитивные документальные картины. Ваше право так думать, но что вы скажете, когда я вам расскажу историю фильма «Гений дзюдо», когда узнаете, что еще старичок Томита (практически никому не известный сегодня в России японский писатель) полвека назад приложил перо к этой работе, когда соприкоснетесь с мыслями Куросавы. Не думаю, что все так уж примитивно. Итак, 1943 год — начало истории культовой повести о Сансиро Сугате.

В 1943 году на прилавке книжного магазинчика в Токио появляется свеженапечатанный роман Томиты Цунэо «Сугата Сансиро» (роман написан на основе реальных событий и повествует об особенностях разных школ борьбы). В дверях магазинчика появляется 33-летний молодой человек и становится обладателем интересующей нас книги.Человека этого еще не знают в широких кругах, но именно эта купленная им книга приведет его к славе. Да, это Куросава Акира. Уже на следующий день молодой помощник режиссера полноправно становится режиссером.И 25 марта 1943 года измученные военной жизнью японцы имеют возможность получить хоть какое-то удовольствие от премьерного показа развлекательного фильма Куросавы. Так родился первый «Сугата Сансиро». К сожалению Куросавы, зритель остается голодным после его фильма. По этому поводу 3 мая 1945 года японский зритель внимательно наблюдает за продолжением повести о Сансиро Сугате под названием «Новая сага о дзюдо». Куросава сознается, что продолжение он снимать не хотел, и вторая картина была создана только по коммерческим соображениям. На этом путь Сансиро вроде бы заканчивается: Фудзита Сусуму уже не войдет в свой боевой образ гения дзюдо, в архивах кинокомпании «Тохо» где-то валяется запылившийся сценарий первой картины Куросавы. В нашей истории наступает добрых 10 лет тишины. Но вот наступает 1955 год. Режиссер Танако Сигэо заканчивает работу над фильмом «Сугата Сансиро». Данная картина также была создана по коммерческим соображениям, как и «Новая сага о дзюдо». Эта работа проплыла, оставшись незамеченной. И снова долгих 10 лет тишины. И снова на премьерный показ выходит фильм «Сугата Сансиро» («Гений дзюдо») по сценарию Куросавы, по повести Томиты Цунэо, но уже из-под рук Утикавы Сэйитиро. Но эту-то картину мы знаем, так как, в отличие от своих однофамильцев, она прошествовала по всему миру. Побывала и в России. Именно поэтому в архивах российского проката можно отыскать «Гения дзюдо» именно Утикавы Сэйитиро. История далеко не кончается, так как новый «Гений дзюдо» появится еще и в 1970 году, а потом еще и в 1977 году, но это уже просто какой-то беспредел, поэтому остановимся на интересующем нас четвертом дзюдоисте.

Сага Утикавы о Сансиро — действительно замечательная работа. И это немудрено. Стоит посмотреть хотя бы на тройку случайно выбранных актеров. Тут самые профессиональные и подходящие таланты: Мифунэ Тосиро, Като Дайскэ, Симура Такаси, Хидари Бокудзэн (этих я выбрал не случайно). К моменту выхода книги эти люди были еще даже не знакомы с Куросавой (разве можно себе такое представить?). Картина «Гений дзюдо» поставлена не Куросавой, но в фильме есть его черты, выращенные им актеры, его сценарий. Известность фильму придали еще и события. Дело в том, что к 1965 году японское кино уже вышло на мировой уровень, каждый новый фильм обсуждали миллионы людей и сотни самых знатных европейских критиков. Нельзя не отметить и технический прогресс, произошедший в кино за время между первым и четвертым Сансиро. Но самый большой прогресс произошел на музыкальном поприще. Я просто не ожидал такого психологического толчка в нужный момент от какого-то там старого черно-белого фильма, однако даже в черно-белой картине музыкальное сопровождение и звуковые эффекты порой действуют на зрителя сильнее, чем происходящие события.

Приступим к обязательному выводу. Культовое кино, снятое в Японии в 1965 году, обязанное своим появлением 1943 году, когда бушевали военные события, когда не позволялось снимать идейное кино. Этим можно сказать, что фильм коммерческий, так как к 65 году все запреты были, естественно, сняты. В фильме снимались самые знатные актеры, которые когда-либо присутствовали в фильмах Куросавы. В картине представлены самые реальные бои между представителями школ дзюдо, джиу-джитсу и каратэ, которые когда-либо присутствовали в кино. Эти бои бережно переданы зрителю оператором. В нужный момент вас поразит профессионально подобранная музыкальная композиция. Сценарий картины основан на реальных событиях и написан Куросавой по роману писателя, что говорит об отсутствии каких-либо недостатков. Тремя словами — все самое лучшее.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Дерсу Узала (2004.01.20)

Где-то в центре бесконечной черной равнины стоит одинокий человек. Глаза его сияют и от наблюдения горят. Но пламя не вечно, так как любой костер горит, только если его поддерживают. Но нет в этом мраке ни маленького деревца, ни сухой тростинки. Поэтому не ждите щедрого пламени Акиры. В таком вот положении провел Куросава почти всю свою творческую жизнь. Редко появлялись веточки на его пути. Так в своих исканиях благодаря очередному зоркому наблюдению в 1975 году увидела темная равнина праздничный костер, конечно, с оттенком грусти.

На самом деле, наблюдение было произведено лет за тридцать до 1975 года, когда молодой Куросава раздобыл где-то произведения Арсеньева. Идея экранизировать их долго преследовала начинающего режиссера. Кто-нибудь другой непременно это сделал бы, но Куросава быстро набирал профессионализм, стремительными скачками догонял и обгонял своего творческого наставника Ямамото. Куросава Акира всегда и везде все делал по максимуму, при идеальном сочетании возможного. В данном случае он имел в распоряжении достаточно технического оборудования, актеров, коллектив, но не хватало главного: времени, Уссурийского края и, если быть объективными, опыта. Последнее рассматривается не как режиссерское мастерство, которое всегда находилось на почтенном уровне, а как жизненный опыт. Его не бываетмного. Но годы идут, Куросава снимает фильм за фильмом. Некоторые картины ему нравятся, некоторые нет, но большинство из них пытаются одновременно бороться с коммерцией, то есть являются воплощением идеи автора, и приносить хоть какие-то средства, которые шли на новые фильмы.

После «Додескана» из-под профессиональных рук Куросавы очень долго ничего не выходит. Происходит этап неудачных попыток сотрудничества с американскими компаниями. Режиссер теряет последние денежные накопления. Куросава вспоминает о давней, но постоянной мысли экранизировать произведения Арсеньева. За счет мировой славы и знаменитости он находит отклик в СССР. «Мосфильм» предлагает сотрудничество. А это: время, средства, Сибирь. Куросава приглашает некоторых коллег из Японии. Кто-то соглашается, а кто-то отказывается, как, например, Мифунэ Тосиро. Этому знаменитому на весь мир актеру показалось невыгодным тратить столько времени на один фильм (в Японии фильмы штамповались в огромном количестве, средние сроки подгонялись под два месяца). Куросава же объясняет отсутствие Мифунэ тем, что типаж его не подходит под образ героя. Но это совсем не важно. Итак, фильм долго снимали, сняли.

Фильм «Дерсу Узала» под производством «Мосфильм» завоевал как тихое признание критиков, так и шумные аплодисменты зрителей во всем мире, как значительные награды на мировых кинофестивалях, так и задумчивое молчание постановщика. Одновременно было написано два сценария. Один начертал Куросава, другой — Нагибин. Потом сценарии сравнили, выявили преимущества и недостатки каждого, грамотно совместили. Многое в фильме было советское, кроме грамотного и зоркого глаза японского постановщика, части сценария, но в картине отсутствуют какие-либо приоритетные соотношения двух стран. Это не было чьей-то целью.

Куросава быстро освоился на съемочной площадке. Его уставшие глаза четко намечали, расстанавливали, подбирали. Срок съемки, не равный сроку «Красной бороды», прошел. Июль 1975 года — премьера. Несколько интервью, громкие аплодисменты, «Оскар» за лучший иностранный фильм в 1976 году, золотой приз на IX Международном кинофестивале в Москве в 1975 году. Конечно, не этого ждал Куросава Акира. Но того, чего он ждал, добился.

Фильм «Дерсу Узала» практически целиком был снят в рамках Уссурийского края под открытым небом, за исключением Хабаровска и некоторых декораций, которые были подстроены под осенний пейзаж. Хабаровск представлен как бы в сравнение природе. Ни Куросава, ни Арсеньев не принуждают делать какие-либо выводы. Они только показывают свое лицо в данном плане. Просто сценарист и постановщик этого фильма решил донести истинное значение слова «люди» человеку. Куросава интерпретирует это понятие под каким-то воздействием убеждений синтоизма. То, что все люди, а тот плохой люди, кто не бережет слабые люди, говорит Дерсу. С ним нельзя не согласиться. Куросава делает словами любого из главных героев фильма упрек кучке зажиточных предпринимателей, которые превратили место пребывания человека в один большой промышленный свинарник. Главные герои в данном фильме — хорошие люди. Они часть природы, которая делится благом со своими собратьями. К сожалению, в нашем случае мы имеем только Дерсу, Арсеньева, Уссурийский край, изгнанного китайца.

Дерсу Узала с первого своего появления у костра выглядит сдержанным, может быть, слишком храбрым, но ведь он свободен. Главное — он бережлив. Он отказывается от смеха, развлечений, излишеств, так как от жизни ему нужны только средства, чтобы жить, но не больше. Он находит общий язык с природой, хотя Куросава отлично показывает её могущество и необъятность. Дерсу — часть этой самой природы, поэтому он не менее могущественен, чем любая из её частей. Арсеньев сразу замечает этого уссурийского охотника, учится у него мудрости, замечает его доброту, становится его другом. Дерсу Узала не один раз спасает жизнь Арсеньева. Об этом рассказывают замечательные эпизоды фильма.

Со своими ролями Максим Мунзук (Дерсу Узала) и Юрий Соломин (Арсеньев) справились порядочно. Этот факт освидетельствован тем, что придирчивый взгляд Куросавы редко содрогался. Соломин Куросаве понравился, а Мунзук… тоже. Подходящие типажи, хорошие актеры.

Также нужно заметить, что данный фильм Куросавы является особенным индивидом рядом со своими сородичами. «Дерсу Узала» несет более глобальную, очевидную, полезную цель. Социальные убеждения его, безусловно, важны, но посмотрев «Дерсу Узала», разглядев мощь Уссурийского края, поняв толстый намек, даже ребенок заберет в подсознание посаженную в землю веточку, тогда как к мысленному вытеснению устоявшейся формы общественной жизни в определенных кругах вряд ли кто присоединится. Осмотрелся Куросава вокруг, понял — ни души.

Фильм «Дерсу Узала» не один раз выходил на премьерные показы. Первый — могли смотреть еще ваши бабушки и дедушки, второй — более популярен сейчас. Если он будет мелькать в эфирном круговороте снова, то соберите всю свою семью, конечно, если это возможно. Посмотрите, получите удовольствие, может быть, подобреете, люди.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Время жить и время умереть (2003.12.17)

Совсем рядом с названием фильма «Время жить и время умереть» постоянно вертится звание «лучший». Это так. «Время жить и время умереть» признан одним из лучших фильмов Хоу Сяосяня. Этот прославившийся режиссер и сценарист входит как минимум в пятерку самых значимых деятелей киноискусства, если опираться на мнение критиков из разных культурных точек планеты. На своей родине в Тайване, Хоу Сяосяня любят еще больше, чем в Европе, Америке, других странах Азии вместе взятых, поэтому своего земляка местные жители ставят на один пьедестал и на одну ступеньку с поистине выдающимися личностями, каким, конечно, является и Хоу Сяосянь. Можно ли считать «Время жить и время умереть» его лицом. Нет, вскоре выйдут и другие картины, которые будут отличатся по своему нраву и характеру. Мнение Хоу Сяосяня в своих убеждениях будет меняться из года в год, но, безусловно, в фильме «Время жить и время умереть» сценарист и режиссер картины, выступающий в едином лице, был заряжен уверенностью и стремлением. Успех фильма подтвердили и обозначили критики. Нельзя умолчать и о наградах, так как безделушками они не являются. 1986 год — награда Берлинского международного кинофестиваля, специальный приз жюри международного фестиваля молодого кино в этом же году, приз за лучший не американский и не европейский фильм на Роттердамском международном кинофестивале в 1987 году. Теперь плавно перейдем от коммерческой стороны ленты к более полезному и приятному аспекту — впечатлению.

Это невероятно душевная история, я бы даже сказал, биография одной семьи. Она скучна, малоинтересна для значительной части аудитории, она не предназначена для кассового показа большому количеству людей. Фильм выдержан в реалистическом стиле при ясном колорите натурализма суровой действительности. Где-то на другом конце вертятся американские «Кейт и Лео», «Вам письмо», русские сказки вроде «Колобка» и лирические шлягеры Кабзона (просто противоположности). Если они проскакивают в одно ухо, а через секунду вылетают из другого, то «Время жить и время умереть» не даст спокойно досмотреть себя до конца. После просмотра предстоит невольная прокрутка в голове сцен и микрофильмов, а по их количеству и неоднозначности каждый зритель рискует схватить приступы эпилепсии. По меньшей мере, будет болеть голова. Предназначение некоторых микрофильмов мне так и осталось не ясным. Они, наверное, требуют многих часов созерцания, чтобы после наступила блаженная релаксация. Были и люди, которые досмотреть до конца фильм так и не «смогли».

Главным лицом на этот раз выступает мальчик по имени Аг-га (Ah-ha): «Так звала меня бабушка» (цитата из фильма). Почему он? За 137-минутный промежуток фильма сменяется целых три поколения, и когда умирает мама, папа, бабушка остаться должен хоть главный герой, который приговорен все это видеть. Любая картина должна иметь если не «Happy End», то хотя бы надежду на продолжение, на будущее. И с самого начала истории заметно, что из всей этой большой китайской семьи основную надежду подают только три брата Аг-га, сестра и он сам. А старшему поколению остается только подтолкнуть надежду и, как не абсурдно это звучит, надеяться.

Сценарий был начертан явно не по коммерческому плану. Он одновременно имеет и прямое, и косвенное отношение к Хоу Сяосяню. Прямое, так как это его сценарий, а косвенное, так как сценарий имеет нечто общее с биографией автора. Дело в том, что семья Хоу Сяосяна, когда ему было два года, эмигрировала в Тайвань, чтобы избежать последствий Китайской гражданской войны. Семья представленная в фильме тоже вынуждена была переселиться на остров Тайвань. И тоже по историческим причинам. В то время в Китае происходил коммунистический переворот. Таким образом, преодолев цензоров, режиссер как истинный народный гений обсуждает национальную проблему со стороны своего прошлого, что достойно похвалы и награды.

Обычная семья. Глава семейства умирает от туберкулеза. Хозяйка дома умирает от рака глотки. Бабушка остается с внуками, но вскоре тоже умирает. Внуки выбирают себе дорогу в будущее. Аг-га метается между уличной шайкой и учебой. Другими словами не очень-то радостная картина, но что делать — сюжет.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Поздравление (2003.12.08)

В доме тихо готовит рисовые лепешки мама одной озорной девочки и талантливого молодого человека, жена средне состоятельного начальника отдела фирмы, дочь не одинокой пожилой дамы. Все эти люди одержимы своими заботами. Другими словами, типичная семья. Сквозь кадры слышны слова режиссера: «Давайте посмеемся от души над этой замкнутостью в кругу близко знакомых людей». И с самых первых секунд фильма чувствовалась какая-то резь в щеках и приятное напряжение.

Глава небольшого семейства, работник крупной фирмы и просто милый человек (на мой взгляд, по крайней мере) должен прочитать поздравительную речь по случаю свадьбы сына своего босса. Но талант господина Саотомэ (глава семейства) несколько ближе к Шаляпину, чем к Есенину, из-за чего речь приходиться сочинять долго, мучительно и очень забавно. А тут еще у сына проблемы.

Немного издевательства и много причудливых колкостей пришлось пережить актерам, дабы заработать хоть какую-то славу. Это типичный случай для многочисленного молодого кино, выходящего в Японии в 80-х, 90-х годах. Но семья Саотомэ была представлена актерами, которые уже имели немалый профессиональный опыт. Поэтому в фильме«Поздравление» зритель не увидел ни натянутой улыбки Митико Хаяси, ни бегающих от камеры глаз Итиро Дзайцу, а увидел почти искренние жесты, вызывающие хрюканье у соседа. Сразу видны люди, которые предпочитают автомобиль метро, и которые преданны своей работе. И это не только пяток знатных актеров. К списку можно прибавить и Томио Курияма — режиссера. Как же без него?

Прекрасная игра, красивая работа, немудреная идея — это хорошо. Хороший вклад в развитие гэндайгэки — ленты на современные сюжеты. Медленно, но верно остаются позади самураи и ронины, а впереди мелькают они: соседи Ямада. Не надо думать, что весь жанр токийского кино на новые сюжеты — это, по своей сути, просто развлекательные ленты, стремящиеся вытеснить с прилавков голливудские блокбастеры. Нет, просто надо и развлекаться.

Наверное, нет смысла описывать фильмы комедийного и детективного жанра подробно и тщательно, поэтому и на сей раз оставлю без внимания большой, но не съеденный кусок информации.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Крепость на песке (2003.12.08)

В хрониках японской киноиндустрии, начиная с довоенных времен, можно с упоением утонуть. Огромное количество картин, в которых талантливые режиссеры, сценаристы, операторы, композиторы (мысленно надо поблагодарить каждого, кто принимал участие в создании фильмов) превосходят свои творческие потенциалы, принадлежит истории искусства этой страны. Иногда число производимых картин достигало невероятной цифры — 500 за промежуток, равный году. В своих записях Куросава Акира отмечает, что некоммерческое кино в Японии делать очень трудно, так как студии-производители ставят жесткие временные рамки, предпочитают большой объем запланированной выручки полезному идейному замыслу сценариста, режиссера. Одним словом, рамки очень тесные, и порой приходится идти на обман, чтобы преподнести обществу «чистое» творение. По логике вещей, можно догадаться, что есть еще ряд категорий классификации кино. И так как всякого рода «грязь» не удостаивается нашего внимания, потому что просто не проходит фейс-контроль на экспорт, то можно анонсировать «Крепость на песке» и этими строчками. С вашего позволения, я классифицирую фильм «Крепость на песке» и отношу его к первой категории. Нашему вниманию предстоит выстоять аудиенцию одного из лучших фильмов далекого 1974 года.

За два с лишним часа режиссер Номура Ёситаро предлагает зрителю попробовать на вкус как среднего качества необходимый детектив, так и сложную психологическую драму. Первая часть развивается в классической манере своего жанра. Ничего выдающегося. Но детектив — элемент необходимый в данном сюжете, а без сюжета ни одна кинокартина обойтись не может. В любом случае, реалистическое начало не является никаким провалом. Разве могут чистые и монотонные улицы провинциальных городов составить какое-то мнение зрителю. Без субъективного пафоса можно утверждать, что фабульный стержень этой картины прочен и ясен, только линейность и прямота его, напротив, так же хрупка, как значение названия фильма. Эта бесполезная путаница мешает зрителю определиться во мнении, но, безусловно, способствует расширению аудитории. Совместив, таким грубым и неотесанным образом, несовместимое, получилось вполне забавное попурри, одна часть которого сменяет вторую музыкальным горизонтом, и, кажется, так лучше. Да, лучше, потому что горизонт уж больно красив и поэтичен, а к земле, которая надоела, еще можно вернуться. К почти уже забытому криминалу возвращают зрителя так же резко, как происходит переворот мыслей на протяжении всей картины.

В этих переворотах происходит чудо: убийца превращается в бедного и безобидного мальчика, которого жаль. Жаль, потому что вина его не имеет ясной причины. Виноват отец, который любит сына, но он болен. Из-за болезни его выгнали из дома, и это тоже его вина. В японском кино часто можно увидеть типичного героя — изгоя. Он распространен в разных жанровых категориях кино: трагический «Черный дождь», сатирический «Каждый день летние каникулы». Такой человек чем-то отличается от обычного гражданина, поэтому его сторонятся, его избегают, его морально убивают, а порой и не морально. В данной картине — это отец главного героя, который каждый божий день вынужден наблюдать результаты голого человеческого реализма, облаченного в форме мучений своего родного отца. Стоит ли этого, навсегда запомнившего боль, не выросшего мальчика винить в преступлении. Режиссер не показывает этого момента.

Фильм заканчивается сразу после концерта, который, собственно, и повествует о трагической судьбе героя. Эту судьбу можно произнести одним словом — «Фатум». «Фатум» — это неопределенное название музыкального произведения, звучащего в конце фильма.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Пыль на ветру (2003.12.08)

Сойдя с конвейера в 1986 году под маркой «Хоу Сяосянь», фильм «Пыль на ветру» не завоевал такого оглушительного успеха как, например, шедевры «Время жить и время умереть», «Город скорби», «Большая кукла сына», да и выглядел менее достойно. Так же нельзя назвать данную картину худшим творением уважаемого режиссера. Она несомненно окажется интересной для зрителя.

И на этот раз в главных ролях выступает молодой коллектив не самых знаменитых актеров. И на этот раз Хоу Сяосянь мучает зрителя социальной проблемой. Сегодня это будущее современной молодежи. Куда деваться малообразованному провинциальному парнишке с острова Тайвань? Туда же, только на Тайбэй. А это большой город, где бедного парнишку затолкают. А если учесть, что в истории Тайваня большую роль играет военное положение, занимавшее чуть ли не полстолетия в двадцатом веке, то поколению того времени можно только посочувствовать. Взрослому дяденьке из Европы это может показаться смешным, однако это не совсем так.

Даже режиссер на этот раз проявил гуманность к зрителю. Дело в том, что отец главного героя рассказывал историю о том, как в его время из армии возвращались четыре человека из десяти, а один из четырех возвратившихся сходил с ума. Хоу Сяосянь мог бы показать и эту историю. Раз плюнуть, только вот смотрел бы кто? Но на самом деле Хоу Сяосянь напоминал современности о недалеком прошлом. Так как если этого прошлого не знать, то через каких-то двадцать-тридцать лет эта вот современность приколет пенсионные фонды своих отцов кровью и потом, завоеванными орденами, к самому больному месту. Уже с первых кадров фильма все вроде бы не так плохо, если сравнивать с другими творениями автора, то именно так — неплохо.

Хоу Сяосянь, как всегда, задумал однородный сюжет. Молодые возлюбленные уезжают в Тайбэй, так как не в состоянии продолжать учебу в провинции. Там они устраиваются на работу, ходят в вечернюю школу, но почти на каждом шагу встречают проблемы, скучают по родным и близким. Из-за несчастного случая молодого человека увольняют с работы, а потом забирают в армию.

Даже из сюжета видно, что режиссер не боится переносить камеры как на большие расстояния, так и на расстояния малые. Да, камеры непривычно активны в данном творении автора. Оператор варьирует ими, словно профессиональный дирижер своей волшебной палочкой. Но, что удивительно, нет лишнего мгновения, которого в фильме не должно быть.

Отдельных комплиментов заслуживает и то, что Хоу Сяосянь показывает прекрасную природу Тайваня, наверное, в лучших её ракурсах. И если разбить фильм на куски по пять минут, то каждый кусок будет иметь свой лесной или горный пейзаж. Очень красивый остров. А так как тугие и упругие кошельки имеет не каждый любитель прекрасного, то вот он — подарок иностранца.

Другими словами, «Пыль на ветру» можно назвать новым проектом Хоу Сяосяня. Он плавными шагами переходит от больших глобальных к более актуальным темам, при этом совершенствуясь в режиссуре. Чуть позже режиссер отступит на шаг назад, так как из-под его руки выйдет «Город скорби», но это будет уже совсем другое кино.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Санса (2003.12.01)

Совсем не прозаичный бомж-художник Санса (Рошди Зем) путешествует по миру, чтобы по уши влюбиться в образ абстрактной многонациональной дамы, а затем улечься с ней под первым попавшимся каменным монументом, потискать намоченные одеколоном женские волосы и проснуться с гудком первой электрички.

Из всех восьми великолепных фильмов, представленных французами на фестивале «Французское кино сегодня» в Москве, «Санса» своего рода дачный участок посреди Манхеттена. И дело даже не в том, что режиссер фильма некая завораживающая, почти таинственная, личность с инициалами Zig, то есть Зигфрид, очень незаметен под такими небоскребами, как Жан-Пьер Жене, Франсуа Озон, Люк Бессон, а всю его съемочную группу можно пересчитать по пальцам на одной руке. Дело в ощущениях, которые неумолимо душат зрителя при просмотре «Сансы», и эта главная особенность фильма. Бездумный, бездушный, бесчувственный Санса лихо несется по улицам разных столиц, совращая взоры угрюмых стариков. В фильме нет ни одной приятной сцены, лишь смрад, грязь и многомиллионная армия неухоженных пьяниц и бомжей-националов. И весь этот скверно пахнущий букет заснят Зигфридом и Венсаном Бюроном на сильно прыгающую, почти танцующую, камеру. Пейзаж на экране никогда не останавливается, а съемка куда-то бежит вслед за главным героеми долго-долго не может застопориться, пока не встречается со средоточением искусства и искусствоведом: консерваторией и великим скрипачом Иври Гитлисом. На эти несколько секунд камера замирает. «Что вы делаете, остановитесь и послушайте музыку», — говорит герой Гитлиса Клик, — «Она великолепна! » Но ни Санса, ни, тем более, камера с Зигфридом и Бюроном не останавливаются, а продолжают мчаться по Европе, Азии, Центральной и Северной Африке.

«Санса» потрясает своим прессингом упорства. Из минуты в минуту, из часа в час на протяжении, казалось бы, вечности зрителю, в прямом смысле, кружат голову и заставляют любить исполнителя «Сансы» Рошди Зема, чья замечательная игра и повсеместная импровизация лишний раз подчеркивает арт-проект Зигфрида. Персонаж Зема настолько сложен, что чуть влево — романтик, вправо — Большой Лебовски (Дюдя), а свобода, предоставленная режиссером, столь велика… Можно предположить, что в «Сансе» мы видим одну из таенных сторон прославленного французского актера.

Еще одно примечательное лицо фильма — вышеупомянутый Иври Гитлис. Его роль в картине так и осталась полностью неопределенной — какой-то старик, музыкант, дирижер, а в целом такой же Санса, только с мыслями в голове и улыбкой на лице. Клик (герой Гитлиса) всегда появляется там же, где и Санса, наводя страх старого извращенца на местных девушек. Да и вообще, чудак и полной мистификации человек. И, без сомнений, сделал его таковым не Зигфрид со своей цифровой камерой, а Иври Гитлис, к сведению, по праву музыкант, классик мирового искусства.

Такой набор свежих кинематографических идей, новых и не знакомых лиц, оригинальный стиль таинственного путешественника, красота «Черного» Петербурга, запечатленного французской камерой профессионального музыканта, — все это делает «Сансу» достопримечательным фильмом, по крайней мере, настолько, чтобы заслужить любопытство зрителя.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

всего лайков в разделе - 11
последние лайки:


на комментарий
к фильму Сцены у моря
от nero24 (2019.05.19)
СА: 12 лет 3 месяца
аккаунт зарегистрирован в 2007.09.12 г.
последний раз в 2019.12.13 г.
=================
голосов в аниме: 303
голосов в кино: 4165
голосов в играх: 1



на комментарий
к фильму Куклы
от Romdeau (2019.01.13)
СА: 7 лет 2 месяца
аккаунт зарегистрирован в 2012.01.14 г.
последний раз в 2019.03.02 г.
=================
голосов в аниме: 32
голосов в кино: 19
=================
комментариев в аниме: 31
комментариев в кино: 7
получено лайков за комментарии: 51



на комментарий
к фильму Дерсу Узала
от Eblack (2018.05.12)
СА: 6 лет 10 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2013.02.19 г.
последний раз в 2019.12.12 г.
=================
голосов в аниме: 1240
голосов в кино: 1173
голосов в играх: 20
=================
комментариев в аниме: 48
комментариев в кино: 48
получено лайков за комментарии: 253



на комментарий
к фильму Дерсу Узала
от millo (2018.03.02)
СА: 16 лет 3 месяца
аккаунт зарегистрирован в 2003.09.01 г.
последний раз в 2019.12.13 г.
=================
голосов в аниме: 272
голосов в кино: 58
голосов в играх: 1
=================
комментариев в аниме: 1



на комментарий
к фильму 36, Набережная Орфевр
от wvrvbrtbret (2017.12.23)
СА: 1 месяц
аккаунт зарегистрирован в 2017.12.23 г.
последний раз в 2018.01.17 г.



на комментарий
к фильму Император и убийца
от adem (2017.11.04)
СА: 14 лет 8 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2005.04.02 г.
последний раз в 2019.12.11 г.
=================
голосов в аниме: 362
голосов в кино: 313
голосов в играх: 2
=================
комментариев в аниме: 11
комментариев в кино: 7
получено лайков за комментарии: 11



на комментарий
к фильму Видок
от E2E4 (2017.07.21)
СА: 6 лет 7 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2012.11.05 г.
последний раз в 2019.06.18 г.
=================
голосов в аниме: 1
голосов в кино: 61
голосов в играх: 62
=================
комментариев в кино: 4
комментариев в играх: 2
получено лайков за комментарии: 2



на комментарий
к фильму Загадочная история Бенджамина Баттона
от 666Sagra666 (2017.07.08)
СА: 7 лет 8 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2012.04.17 г.
последний раз в 2019.12.04 г.
=================
голосов в аниме: 463
голосов в кино: 937
голосов в играх: 27



на комментарий
к фильму Затоiчи
от E2E4 (2017.01.27)
СА: 6 лет 7 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2012.11.05 г.
последний раз в 2019.06.18 г.
=================
голосов в аниме: 1
голосов в кино: 61
голосов в играх: 62
=================
комментариев в кино: 4
комментариев в играх: 2
получено лайков за комментарии: 2



на комментарий
к фильму Время жить и время умереть
от rubik1952 (2016.09.26)
СА: 3 года 8 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2015.10.28 г.
последний раз в 2019.06.19 г.
=================
голосов в аниме: 6
голосов в кино: 1724




Реклама на сайте | Ответы на вопросы | Написать сообщение администрации

Работаем для вас с 2003 года. Материалы сайта предназначены для лиц 18 лет и старше.
Права на оригинальные тексты, а также на подбор и расположение материалов принадлежат www.world-art.ru
Основные темы сайта World Art: фильмы и сериалы | видеоигры | аниме и манга | литература | живопись | архитектура