World Art - сайт о кино, сериалах, литературе, аниме, играх, живописи и архитектуре.
         поиск:
в разделе:
  Кино     Аниме     Видеоигры     Литература     Живопись     Архитектура   Вход в систему    Регистрация  
  Рецензии и биографии | Рейтинг кино и сериалов | База данных по кино | Кинопрокат   
тип аккаунта: гостевой  

NOWru: списки | комментарии | апдейты | оценки

СА?: 1 месяц (ID 189054)
аккаунт зарегистрирован 09.09.2013
последний раз использован 24.10.2013


напишите
собщение
NOWru

отзывы: аниме (0), кино (31), видеоигры (0), манга (0)
6 раз(а) разные люди сочли отзывы NOWru полезными

отзывы | обсуждение отзывов


Бартон Финк (2013.10.24)


Первый, по настоящему замеченный и оцененный широкой публикой фильм Братьев Коэн «Перекресток Миллера» вышел в 1990 году, спустя 7 лет и две полнометражных ленты после их дебюта. И, как выяснилось в 1991 году, «Перекресток» — был своеобразной подготовкой Братьев, эдакой второй попыткой перед решающей третьей, которая всегда и определяет победителя. И если завалить которую, то останешься в истории лишь как серебряный призер, безусловный талант, хоть немного, но не дотянувший до гения. Однако Коэны ее не завалили — ведь всего через год после «Перекрестка», экраны увидел их подлинный шедевр «Бартон Финк».

В центре повествования фильма — театральный сценарист, чье имя и вынесено в титул. Бартон Финк — тонкая и ранимая личность, увлеченная исключительно своим творчеством. Одержимый идеями настоящего искусства и поиска его сути, он, тем не менее, решает сменить театральные подмостки на звездные аллеи Голливуда. Получив выгодное предложение от голливудского продюсера, Финк берется за написание «типичной борцовской картины», какой ее себе представляют большие студии. Но, только, вот незадача — нашего героя вдруг начинают одолевать ни с чем не сравнимые муки творчества. Работа над сценарием застопоривается на первой же странице, Бартон скатывается в пучины депрессии, а тут еще его сосед в отеле то и дело разражается громким смехом, мешающим писателю сосредоточиться. Тут и случается поворотный момент фильма — после жалобы Финка на соседа, не замедляет явиться и он сам. Огромный, пышущий силой и здоровьем Чарли, внезапной оказывается музой, своей простотой и жизненностью, вдохновляющей Финка на написание сценария.

Но, будь все на самом деле так просто, это бы не были Коэны. Конечно же, анализ личности творческого человека, погруженного в лживый и лицемерный мир Голливуда — важный лейтмотив «Бартона Финка», но точно не единственный. Аллегорические персонажи, вроде спившегося писателя, поначалу помогающего главному герою, это всего лишь одна из деталей огромного пазла, коих в фильме не просто много. Он весь состоит из этих маленьких деталей, кадров и намеков, сплетающихся в итоге в неповторимую смесь из фарса, цинизма, черного юмора и простой, жизненной трагедии одинокого человека. И Джеймс Туртурро, игру которого невозможно не отметить, в своем фирменном амплуа эдакого Набоковского Лужина (которого, кстати, он спустя десяток лет и сыграет), лишь подчеркивает эту кинематографическую изощренность, свойственную лишь Коэнам. По сути своей, их самый лучший, наиболее полно дающий зрителю представление о художественном стиле режиссеров, «Финк» не то, чтобы стал планкой, до которой они так никогда снова и не смогли дотянутся, нет. Скорее, «Бартон Финк» — это уникальный проект, в один ряд с которым нельзя поставить ни один фильм, снятый хоть кем угодно. И не потому, что никто еще не снял фильма лучше, а потому что вряд ли когда-нибудь найти кино идентичное «Финку» хоть в чем-нибудь.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Порок на экспорт (2013.10.24)


Канадский режиссер Дэвид Кроненберг в первую очередь известен по хирургически выверенным лентам, исследующим глубины человеческой психологии и физиологии. Совмещая эти два лейтмотива первые тридцать лет своей творческой жизни, он добился на этом своеобразном поприще немалых достижений. Такие фильмы, как «Связанные насмерть», «Видеодром» и, конечно, экранизация Берроуза «Обед Нагишом» давно уже снискали статус культовых. Но, все хорошее когда-нибудь заканчивается. Вот и Кроненберг внезапно охладел к своим фирменным приемам и, с начала 2000х открыл в себе новое дыхание. И в данном случае, если что-то хорошее вдруг закончилось, вовсе не значит, что сейчас начнется что-то плохое. Талант, как говорится, не пропьешь, и Кроненберг это легко доказал, сняв в начале нового витка своей карьеры чисто психологических «Паука» и «Оправданную Жестокость». Но и этого постановщику показалось мало. В 2007 году на экраны выходит его новый фильм — «Порок на Экспорт», в котором Кроненберг заходит территорию, где еще не ступала его нога как режиссера.

«Порок на экспорт» исследует полный грязи и жестокости криминальный мир Лондона, концентрируясь в-основном на наших соотечественниках. Акушерка Анна (Наоми Уотс) принимает у очередной девушки роды, которые заканчиваются для матери летальным исходом. Все, что после нее осталось — дневник, визитка русского ресторана, ну и, конечно, ребенок. Анна оказывается не в силах смириться с жестокостью жизни, выбрасывающей бедное дитё на улицу, и решает найти возможного его отца. И вот, не успела наша героиня и оглянуться, как у нее появилось много весьма подозрительных и очень сомнительных друзей. Например, Семен — хозяин ресторана, вкрадчивый и харизматичный старик, который очень настойчиво предлагает свою помощь в расшифровке дневника. Или, его сын — Кирилл (Кассель), диковатый и подверженный приступам ярости молодой человек, вечно находящийся в компании своего водителя Николая (Мортенсен).

После вводной части, «Порок на экспорт» живо начинает набирать обороты. На первый план выходит уже живописание быта русской мафии и персонажи Николая и Кирилла. Сюжет закручивается все более лихо, и на каком-то моменте уже начинаешь понимать, что никакого фирменного Кроненберга здесь ждать не зачем. Канадца всегда интересовало в людях все самое отталкивающее и отвратительное. Не один фильм он посвятил исследованию темных сторон человеческой личности через призму физиологических отклонений, и вот, наконец-то решил действовать напрямую. В «Пороке» нет никаких скрытых мотивов или подтекстов, напротив, это кино, кричащее о себе и своих героев во весь голос. Если раньше Кроненберг препарировал хищников, пытаясь найти ген убийцы, то теперь он просто установил камеру в среде их естественного обитания. И получилось ничуть не хуже. Смена обстановки никак не повлияла на умение Кроненберга снимать — «Порок» получился таким-же скрупулёзным, выверенным и внимательным к деталям, как и его предыдущие фильмы. И пусть знатоки криминальной России смогут найти какие-то неточности, или упущения, но по сравнению с привычными образами русских в Голливуде, «Порок» — это почти что документальное кино. Притом сюжетное, диалоговое и, безусловно, актерское. Вигго Мортенсен, по слухам, серьезно изучавший криминальный быт русских эмигрантов, сыграл в «Пороке» едва-ли не лучшую свою роль — номинации на «Оскар» и «Глобус» не дадут соврать. Под стать ему выглядят и Наоми Уотс с Венсаном Касселем — актерский состав, который и в самой своей худшей форме выглядел был впечатляюще.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Война миров Z (2013.10.24)


Людей всегда притягивала смерть и то, что будет после нее. Райские небеса, адское пекло, или прозаичное и буквальное гниение пустого тела в гробу — все эти вариации постоянно находят новые воплощения и интерпретации в человеческой фантазии. И одна из них, пусть и самая нереальная, зато будоражащая воображение ничуть не меньше — концепция, согласно которой умирающий человек, в результате действия вируса, теряет свою сущность и контроль над разумом. Продолжая формально жить, он на самом деле не живет. Сердце его не бьется, а кровь холодна, он остается мертвым, но продолжает жить, а проще говоря, становится Зомби. Со времен истории о первом зомби — Франкенштейне, утекло уже немало воды. Идея постоянно развивалась, давая все новые ответвления и, в конце концов, породила целый поджанр Зомби-литературы, или куда более популярных Зомби-муви. Пиком его популярности, а заодно сигналом Голливуду, стал сериал «Ходячие Мертвецы», фактически и давший толчок к переходу зомби-муви на новый уровень. Представлен который теперь уже настоящим блокбастером- фильмом «Война Миров Z».

О том, что это действительно новый уровень говорит, а вернее, кричит, буквально все. Долгая промо-акция, переносы фильма для доработки, серьезнейший бюджет, ну и, в первую очередь, Брэд Питт в главной роли. Ведь до этого, звезды первой величины, брезговали принимать участие в фильмах про живых мертвецов, не без основания считая этот поджанр ограниченным сугубо подростковой аудиторией. Можно, конечно, вспомнить Уилла Смита и его «Я легенда», но положа руку на сердце, это было не то и не о том. Теперь же все действительно изменилось. Ведь «Война Миров Z» не только выдал зрителям серьезные авансы, но и с запасом их оправдал. Каждая деталь и каждая сцена фильма проработана до мелочей, не оставляя никаких вопросов к размерам бюджета. Пожалуй, давно на экранах кинотеатров не появлялось фильма, использующего прием «разрушенных мегаполисов» и, в котором, при этом, было бы что-нибудь еще кроме развалин цивилизации. «Мировая Война Z» — кино во всех смыслах приличное и достойное. Если тот-же «2012» хочется сравнить с кинематографическим инвалидом, с тремя головами (спецэффекты), но без рук и ног (соответственно, все остальное), то «Война» — это человек здоровый. Идущий на твердых ногах как всегда крепкой игры Брэда Питта и отличного сценария. Развивается который хоть и правда поступательно и, как может показаться, достаточно ровно и без всплесков, на деле настолько динамичен, что без лишнего взгляда на часы, сказать, что «вот, скоро и концовка» нельзя. Собственно, главную роль в создании такого эффекта как-раз и играет эта поступательность, которая на самом деле явно подготавливает зрителя к сиквелу. Когда титры все-таки появляются на экране, так и хочется увидеть на экране пресловутое «продолжение следует». Но хоть этого и не происходит, факт того, что оно таки последует, сомнений не вызывает. Разве что сюжет «Мировой Войны Z» найдет отражение в реальном мире — и тогда всем будет уже не до кино.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Звёздный путь: Возмездие (2013.10.24)


Нет, пожалуй, кино-саги более легендарной и культовой, не считая, конечно, самих Звездных Войн, чем еще один эпос на космическую тематику — Звездный Путь. С момента выхода на телеэкраны самого первого представителя этой легендарной франшизы прошло уже около шестидесяти лет — и с тех пор Стартрек и не думает сбавлять обороты. Напротив, чем больше проходило времени, тем большее количество сердец фанатов завоевывали герои Стартрека. Несколько сериалов, мультсериалов и почти полтора десятка полнометражных фильмов, последним из которых стал «Стартрек: Возмездие», вышедший буквально полгода назад.

«Возмездие» стал логическим продолжением вышедшего за несколько лет до этого «Звездного пути», являвшегося своеобразным перезапуском франшизы. Так и не став полновесным приквелом, «Звездный Путь» образца 2009 года, поместил героев в альтернативную событиям исходника вселенную. Вот и действие продолжения продолжает развиваться в ней же. Капитан Кирк и старший помощник Спок оказываются перед угрозой понижения, когда таинственный террорист, по слухам, бывший солдат Звездного флота, устраивает в столице сразу несколько взрывов. И тогда, у руководства не остается никаких вариантов, кроме как поручить поимку преступника самому отважному и умелому из своих бойцов — конечно же, Капитану Кирку и Споку.

С «Возмездием», как и с любым фильмом, пытающимся продолжить или возродить из пепла, какой-либо культурный феномен, сложилась двоякая ситуация. С одной стороны, поклонники оригинального сериала могут много чем остаться недовольны. Например, тем, что некоторые фирменные «фишки» оригинала отходят в «Возмездии» на второй план, или тем, что сюжетная линия фильма мало пересекается с тем же первоисходником. Проще говоря, аутентичности в версии «Стартрека» 2013 года, снятого Джей Джем Абрамсом, искать негде, да и незачем. Ведь, частично принеся в жертву ностальгические эмоции фанатов, вместо них он дал им целый спектр других. По сути, В «Возмездии» есть все, что должно быть, и чего часто нет, в настоящем качественным блокбастере, которым по сути своей и являлся оригинал. Сюжет фильма, хоть и не изобилует оригинальностью, тем не менее держит в напряжении, постоянно подбрасывая дров в сценарный огонь и не давая заскучать. Давно любимые герои обретают некоторые новые качества (Спок, например, стал немного эмоциональнее), что нисколько их не портит, а лишь освежает классические образы. Из непостоянных персонажей, стоит, конечно отметить главного злодея — харизматичного и гениального в своей изощренности Хана, сыгранного Бенедиктом Камбербэтчем, чья карьера после «Шерлока» стремительно идет в гору. Образ Хана в его исполнении получился по-настоящему сильным и запоминающимся, не оставляя фанатам оригинального Хана, сыгранного Рикардо Монтальба, никаких шансов для невыгодных британцу сравнений. Вот и к самому «Возмездию» какие-то претензии можно предъявить лишь при очень сильном желании. Это сюжетно крепкий, увлекательный и захватывающий, как спец-эффектами так и батальными сценами, космический блокбастер, который не должен никого оставить равнодушным.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Хранители (2013.10.24)


Ближе к середине первого десятилетия 21 века, экранизации комиксов перешли на новый уровень качества. Если раньше, каждый фильм про очередного «супер-кого-бы-то-ни-было» можно было резать на раскадровку и выпускать очередную книгу комиксов, не меняя в репликах ни слова, то сейчас все изменилось. Ну, а если не совсем все, то многое. Фильмы про супергероев — это теперь не только люди в трико, сцены поединков и хэппи-энды, а подчас еще и какой-никакой смысл. Первым подобным примером можно считать «V значит вендетта» — кино, наивное как школьница, но нагруженное понятными каждому истинами, в основном социального характера. Далее же был Кристофер Нолан со своим «Темным Рыцарем», самым популярным среди непопулярных и самым смысловым среди бессмысленных, блокбастером последних лет. А между ними же уместился подлинный шедевр — «Хранители» Зака Снайдера, фильм, ставший ядерным взрывом, который почти никто не заметил.

Впрочем, ведь так часто и бывает — людей больше задевает кража пенсии у соседней старушки, чем жестокая бойня в каком-нибудь Сомали. Ведь, бабушка то, вот она, прямо здесь — ее боль близка и понятна, в отличие от боли далеких и чужих Сомалийцев. Вот так, отчасти, и получилось с «Хранителями», которые аудиторию то, конечно, нашли, но, большей частью, совсем не свою. Впрочем, может на то и был замысел Зака Снайдера, режиссера, чье творчество уютно располагается в оценке своей ценности в диапазоне от «отвратительно» до «гениально». И его «Хранители» — гораздо ближе ко второму, чем к первому. Эта совершенно феноменальная по масштабности лента, перемещает зрителей в параллельную современной действительности реальность. И в этой реальности холодная война до сих пор идет, смерть человечеству угрожает ежесекундно, а покой Америки хранит Доктор Манхэттен, в бытность свою обычным человеком, угодивший в эпицентр сложного химического эксперимента. Не просто очередной «супермен», а настоящий полу-бог, Манхэттен, вместе с группой энтузиастов на досуге выигрывал для Никсона Вьетнамскую войну и снижал уровень преступности до возможного минимума. Однако прошло время, коллеги его постарели и обозлились на весь мир, а весь мир — на них. Супергеройство объявили вне закона, но, когда кто-то начинает убивать самих супергероев, закон отходит на второй план.

Уже начиная с дебютной сцены драки в отеле, «Хранители» поражают своей визуальной совершенностью и колоссальным размахом. По-настоящему мрачная вселенная фильма растягивается от Нью-Йорка и Москвы до миров, полностью созданных воображением Манхэттена, создавая впечатление чего-то необъемного и недоступного восприятию, а потому, поражающего воображение. Осознанная театральность большинства сцен, кажется, никогда не бывший таким эффектным слоу-моушн, развернутость и подтекстная составляющая диалогов — все это как скафандр для космонавта, готового с минуту на минуту попасть в открытый космос. «Хранители» и впрямь могли бы напоминать театральную постановку, если бы не одно «но» — такие декорации стали доступны лишь с появлением ну очень высоких технологий. Благодаря которым, уже упомянутая визуальная составляющая была доведена Снайдером до абсолюта. Тоже самое можно сказать и про само действо, персонажей, ход этого действа запускающих, и сцен, его завершающих. Если бы «Хранители» были картиной — это было бы нарисованное Бэнкси на огромной стене граффити с пейзажем, изображающим космос. Вот так вот ловко в фильме сочетаются десятки разных мотивов и посылов, варьирующихся в своем содержании от анализа несовершенности человека как такого, до похожих мыслей уже в адрес мира, который этот человек сотворил. Такую глобальность и объемность (в противоположность от плоскости) суждений, Снайдер размешивает в нескрываемой стилизации под 80-е, полдюжине ярчайших персонажей, реках крови и путешествиях по нематериальным мирам. Зачем? Видимо для пущего впечатления. Которое для некоторых, оказалось уж слишком сильным, что и неудивительно, учитывая формат, в рамках которого действовал режиссер. Трехчасовой (в режиссерской версии — на час дольше) фильм про супергероев — это или феерический успех, или полный провал. И пусть, на самом деле, «Хранители» в самую последнюю очередь — кино про супергероев, оболочка всегда будет или перевешивать, или перемешивать содержимое. И как бы это ни было грустно, это понимает и целевая аудитория фильма, и сам Зак Снайдер, а самое главное — его герои.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Альфа Дог (2013.10.24)


Легкие деньги, много наркотиков и ни к чему не обязывающего секса — вот интересы золотой американской молодежи, компании, целыми днями, зависающей дома у Джонни Трулава. Сам Джонни — начинающий наркоторговец, проворачивающий сделки под строгим надзором своего внимательного и заботливого отца. Но, как часто и бывает, родитель не может проследить за всем и Джонни совершает роковую ошибку. В попытке выбить из воинственного наркомана Мазурски тысячу долларов, которые тот задолжал, Трулав с приятелями похищают брата должника. Что, само собой, приводит того в неимоверную ярость. А вот 15-летний Зак, кажется, совсем не против похищения. Трулав с компанией и близко не тянут на Дона Корлеоне, так что, Зак просто познает все радости взрослой жизни, пока его родители сходят с ума. Но обстановка потихоньку накаляется, стрелки на часах тикают и Джонни понимает, что решение надо принимать и сделать это будет непросто.

Криминальная драма Альфа-Дог продолжает Голливудский тренд на живописание трагических судеб молодежи 21 века, подорванных наркотиками и соблазнами легкой жизни. Обилие свободы и слишком много возможностей, вкупе с отсуствием каких-либо моральных принципов, превращает обычных молодых людей в готовых на все отморозков. Не являясь изначально злыми, или предрасположенными к насилию, они, под влиянием обстоятельств, к которым они не были готовы, идут на жестокие, омерзительные поступки, не думая ни о последствиях, ни о сути самих этих поступков. Режиссер Ник Кассаветис весь фильм и использует этот контраст, показывая, в принципе, неплохих людей, подробно описывая характер каждого, а затем сюжетными поворотами толкая их на действия, никак с этим характером не вяжущиеся. Таким образом зритель может провести ассоциативный ряд между собой и персонажами, частично ощущая те самые последствия, которые неминуемо следуют, когда, подобно героям фильма, отпускаешь из рук контроль над происходящим. Ко всему прочему, «Альфа Дог» частично снят в режиме монкьюментари. При появление каждого нового действующего лица, на экране возникает надпись «свидетель номер», или «обвиняемый номер…». Так Кассаветис ни на секунду не дает забыть к чему идет действия, разбавляя первый его час, практически не нагруженный драмой, ожиданием фатальной развязки. И когда она все-таки наступает, можно с уверенностью говорить о том, что «Альфа Дог» не просто очередная социальная драма, а грамотно срежиссированная картина, бьющая точно в цель — прямо по сердцу.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Ангелы с грязными лицами (2013.10.14)


Рокки и Джером были закадычными друзьями, делившими на двоих все радости и невзгоды полунищей жизни в грязных кварталах родного города. Часто единственным способом получить хоть немного денег для них было воровство, которое однажды и привело их ко дню, который изменил жизни обоих. После неудачной попытки кражи, друзей ловят с поличным, но более удачливому Джерому удается уйти. Рокки же встает на скользкую дорожку. Аресты следуют один за другим, колония сменяется тюрьмой, а условные сроки — настоящими. И вот, через 15 лет, после очередной отсидки, Рокки возвращается в родной квартал. Теперь он — известный гангстер, тогда как Джером усвоил уроки молодости и стал священником. Друзья детства снова встречаются, но теперь их дружба постоянно осложняется криминальными замашками Рокки, который ни в какую не хочет начинать вести праведную жизнь.

«Кодекс Хейса» — внегласные 10 заповедей кинематографистов первой половины 20 века, был принят как раз в начале 30-х годов, того времени, когда мафиозные группировки переживали настоящий расцвет. Потому со съемками картин гангстерского жанра, классикой которого впоследствии стал «Ангелы с грязными лицами», было сложно. Чтобы не выбиваться из рамок, наложенных кодексом, режиссеру Майклу Кёртицу пришлось изрядно постараться, разбавив привычный, для таких картин сюжет серьезной моральной составляющей. И в итоге, получилось даже лучше. Но об этом после.

В первую очередь, «Ангелы» — это сюжетное, живое кино, за развитием событий в котором, действительно интересно следить. Персонажи фильма вышли не просто жизненными — они полностью отражают настроения и атмосферу, царившую тогда на улицах США. Засилье преступности, жестокость, бесконечная коррупция и бедность — вот с чем сталкивались люди, жившие в 30е годы, как с частью своей обычной жизни. И потому, первая половина «Ангелов» заполнена перечисленным почти целиком. Рокки, парень, настолько же прямой и открытый, насколько дьявольски хитрый и безжалостный, с ловкостью проворачивает свои криминальные дела, фактически становясь главой города. В противовес ему выступает его друг детства, настоящий священник, полный высоких убеждений и строгих моральных принципов. И если поначалу он предпочитает оставаться в стороне, то, заметив пагубное влияние Рокки на местных подростков, решает бросить старому другу вызов. И тут как-раз начинается вторая часть фильма, коренным образом отличающая ее от классических образчиков кино про бандитов. На первый план выходит уже не собственно действие, а авторский посыл режиссера, вложенный им в поступки и слова Джерома.

Настоящие, а не временные ценности, влияние дурного примера со стороны взрослых на молодое поколение, а главное — недопустимость романтизации преступников, людей бесчестных и аморальных — вот те вещи, которые волнуют молодого священника. Поначалу, такая позиция, явно навязанная тем самым кодексом, выглядит немного неуместно в контексте фильма, главный герой которого — закоренелый гангстер. Но в конце концов, это впечатление исчезает.

Последние 30 минут «Ангелов» заполнены эмоционально сильными и вызывающими ответную реакцию сценами, из которых, конечно, выделяется самая концовка. И в итоге у Майкла Кёртица получилось сделать то, что редко удается и современными режиссерам — совместить, диктуемые обществом требования с художественной составляющей. Да так, чтобы на выходе получилось настоящее кино, честное, сильное и интересное. Такое, как «Ангелы с грязными лицами».


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Белая горячка (2013.10.14)

Коди Джаррет — главарь банды грабителей, жестокий и хладнокровный преступник, для которого ничего не значат такие слова, как мораль или чувства. Обладатель по-настоящему холодного ума, он с легкостью может бросить своего товарища умирать, или отправиться в тюрьму на два года, чтобы избежать срока за более серьезное дело. И именно так он и поступает, когда полиция оказывает у него буквально на хвосте. Будучи, ко всему прочему, подверженным приступам ярости и сильнейшим мигреням, Коди установил в своей банде жестокие порядки и дисциплину. Но, несмотря на все это, и у этого, казалось бы, бессердечного психопата, нашлась роковая слабость. Больше всего на свете, Коди был привязан к своей любимой маме, которая сопровождала его во всех его криминальных приключениях и всегда помогала, словом или делом. И когда во время отсидки, Коди узнает, что один из его подельников поднял на маму руки, он моментально решает бежать, чтобы тот познал всю силу его гнева.

Замечательный актер времен классического Голливуда Джеймс Кэгни, сыграл немало знаковых ролей в фильмах, вошедших в золотой зал славы фабрики мечты. И один из его самых ярких перформансов пришелся на фильм Рауля Уолша «Белая Горячка», который вышел в 1949 году. В этой классической ленте, включенной во множество списков, на подобии «Национального реестра американских фильмов», Кэгни сыграл неуравновешенного гангстера Коди Джаррета, помешанного на своей матери. Прославившийся как-раз играя таких экспрессивных, ярко выраженно отрицательных и харизматичных героев, в «Белой Горячке», Кэгни выглядит будто рыба в воде. И тому в полный мере располагает сам материал, предоставляю актеру возможность разойтись на полную.

Самый первый эпизод фильма, в котором банда Коди грабит поезд, сходу поражает своей продуманностью и вниманием режиссера к деталям. Таким тщательным подходом к съемке подобной сцены, может похвастаться разве что знаменитая серия из 5 сезона «Во все тяжкие». Остается сделать только поправку на те 60 лет, что разделяют эти два кино-образчика и на все, что за них произошло, чтобы понять, насколько удивительна была такая детализация в 1949 году. В дальнейшем «Белая горячка» не только поддерживает высокую планку, заданную началом, а даже превышает ее. Сюжет фильма развивается быстро и при этом насыщен событиями, каждое из которых является логическим продолжением предыдущих, при этом, не выглядя, сколько бы то ни было предсказуемо, или банально. Сценарий — вообще одно из самых сильных мест «Белой Горячки», несколько раз перемещается в пространстве, то прибавляя к фильму новых героев, то убирая их из него. Самое же главное — на экране постоянно что-то происходит, и это «что-то» смотрится с интересом до самых финальных титров.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Десятая жертва (2013.10.14)


60е-70е годы Двадцатого века — то время, когда человечество, только отошедшее от последствий второй мировой, начало задумываться. Задумываться о том, как можно избегать в будущем трагедий такого масштаба, а главное — все ли способы хороши в борьбе с войнами и преступностью. И кинематограф, как один из самых доступных видов, тогда еще искусства, предлагал один вариант за другим. Многочисленные антиутопии, как самостоятельные, так и являющиеся экранизацией соответствующей литературы, заполонили синие экраны по всему миру. Наиболее ярким примером этого направления заслуженно принято считать «Заводной Апельсин» Кубрика, поднимающий все волнующие людей вопросы одним разом. Но были фильмы и куда менее масштабные, но в тоже время, по своей задумке не менее любопытные, как например Итальянский «Десятая Жертва», снятый по рассказу Роберта Шекли.

«Десятая жертва» перемещает зрителей в начало 21 века, когда с масштабными конфликтами наций было покончено путем частичной легализации убийств по программе «Охота». В ее рамках, участники, получающие звания охотника и жертвы, должны убить своего оппонента. А после того, как количество трофеев охотника достигает десяти, он получает честь, призвание и, конечно, огромную сумму денег. Во так и встречаются главные герои фильма — Марчелло и Кэролин. На счету первого — 6 убийств, на счету второй — уже девять. Телевизионщики подсылают Кэролин к Марчелло, чтобы та обставила свое юбилейное убийство с соответствующим размахом, но все их планы разрушает вспыхивающая между героями страсть.

Как сама идея «Десятой жертвы» кажется не слишком реалистической, даже если относить фильм к антиутопиям, так и фильм в целом не выглядит сколько-то серьезным. Это не очередная политическая сатира, или мрачное напутствие младшему поколению. Сходство «Десятой жертвы» с социальными картинами на тему неприглядного будущего, заканчиваются на ее завязке. Не слишком то радужная перспектива легализованных убийств, как общественной панацеи, по мере развития фильма уходит на задний план, уступая место его событиям. А они развиваются по весьма интересной, а для 1965 года, когда вышел фильм, и вовсе, нетривиальной и оригинальной траектории. Герои оказываются втянуты в целую вереницу происшествий, впутываются в, сменяющие друг друга конфликты и вечно находятся в эпицентре массы событий. На этом фоне развиваются и их личные отношения, постоянно, как и сюжетная линия, меняющие ракурс, чтобы к концовке окончательно запутать зрителя. Так что, в целом, «Десятая жертва» — это своеобразный мелодраматический боевик, поданный через призму актуальных тогда настроений и несущий определенную ценность и сейчас.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Барбара (2013.10.14)

Германская Демократическая Республика, 1980й год. Весь просвещённый мир вовсю смакует вкус свободы действия и мысли, пока социалистический строй доживает свои последние годы. Но до падения Берлинской стены осталось еще целых 10 лет, так что жителям ГДР приходится мириться с окружающей их хмурой действительностью. У кого-то это получается лучше, а у кого-то хуже. Так, например, Барбаре, которая находится не то чтобы в возрасте, но на самом его пороге, приходится, мягко говоря, несладко. После прошения о выезде из страны, ее буквально ссылают в маленький захолустный городок, где она оказывается под постоянным контролем спецслужб. С первого взгляда, может показаться, что Барбара остепенилась. Она работает в местной больнице, ведет скучный и обычный образ жизни, пытаясь не привлекать ничьего внимания. Но на самом деле, живет она лишь несколько часов в неделю — когда к ней на запретные свидания приезжает ее жених, страстно желающий вывести любимую из страны.

«Барбара» — фильм немецкого режиссера Кристиана Петцольда в очередной раз предлагает зрителю проникнуться чувствами несчастных людей, угнетаемых Коммунистическим режимом. Главная героиня оказывается заложницей сложной моральной ситуации, когда она проникается симпатией к своему начальнику — симпатичному молодому врачу Андре. Ко всему прочему, проблем ей добавляет ее профессиональный долг врача. Юная Стелла — еще одна раздавленная режимом невинная жертва, может доверять только Барбаре, что не делает проще ни ее жизнь, ни жизнь самой главной героини. Таким образом, основной лейтмотив фильма Петцольда — анализ человеческого характера и силы воли отдельного индивида перед лицом безликой системы. Тема не новая, но вечно актуальная, в силу того, что корнями она исходит исключительно из исторического и, при этом, недавнего опыта человечества. На первое место в таких случаях всегда выходит стилистическая составляющая, то, насколько убедительно и какими средствами, режиссер подает материал. Вот и «Барбара», подобно старой истории, разбавленной новыми деталями и потому звучащей интереснее, в чисто кинематографических аспектах выглядит убедительно. Несмотря на изначальную ориентировку на фестивали и общую арт-хаусную атмосферу, сюжет наполнен событиями, а сам фильм смотрится живо и интересно. Главной структурной деталью фильма, разбавляющей само действо и выгодно выделяющей «Барбару» на фоне схожих по замыслу картин, является профессия героини. Не будь она врачом, «Барбара» была бы фильмом про одинокую недоверчивую женщину, которая, подобно заключенному в тюрьме, просто ждет, когда ее отпустят на волю. А сделав ее доктором, причем не обычным, а ответственным и умелым, режиссер добавил в образ своего центрального персонажа драматизма и моральных противоречий. Без которых Барбаре, весь фильм ведущей себя несколько высокомерно и холодно, сочувствовать было бы сложновато.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Дурная слава (2013.10.14)


Как известно, у истоков любого жанра, или поджанра искусства всегда стоит свой родоначальник. Тот человек, который заложил первый кирпичик в здание, разросшееся потом до размеров небоскреба, или скромной хибары — это уже как сложатся обстоятельства. И у истоков шпионских триллеров, за 50 лет до Джеймса Борна и за 30 до Джеймса Бонда, стоял великий и ужасный Альфред Хичкок. Настоящий маэстро кинематографа, один из главных режиссеров 20 века, был тем человеком, который сделал истории про неуловимых тайных агентов популярными еще в 30х годах. Но настоящее признание эта ветка приключенческих фильмов получила несколько позже — в 40х-50х годах, когда международные интриги и соперничество между всем известными государствами обострилось по-настоящему. На фоне таких общественных настроений, шпионско-патриотические ленты Хичкока, такие, как один из самых известных его фильмов «Дурная слава», стали по-настоящему популярными.

Всегда приятно наблюдать за тем, как все начиналось. Особенно это касается течений в кинематографе, которые исходя из самой его сути, проследить куда проще, чем в любом другом случае. Уже ставшие типичными и набившие оскомину сюжетные повороты и типажи, в «Дурной Славе», как это ни парадоксально, смотрятся свежее, чем аналогичные ходы в современных фильмах — и это при всей своей, бросающейся в глаза, простоте. Хотя может именно в ней, а также в идущей с ней в комплекте, естественностью, и дело. Ведь Хичкоку не приходилось думать о том, как-бы не показаться вторичным, он просто воплощал свои идеи через кино-камеру. Такие, как поместить героиню «Дурной славы» Алисию в ситуацию, когда ей, обычной женщине, приходится выполнять секретное задание ради секретной службе разведки США. Алисия должна втереться в доверию к немецкому шпиону Себастьяну, который, по счастливому совпадению, давно от нее без ума. Помогает ей в этом непростом деле, эффектный агент американских спецслужб Девлин. И, естественно, между Девлином и Алисией быстро завязываются романтические отношения, которые только осложняют их и без того непростую миссию.

Главная особенность «Дурной Славы» — это, пожалуй, не сюжет, который через 60 лет, все-таки уже сложно воспринимать как что-то интригующее, а стилистика. Работа камеры в целом и отдельно взятые кадры, безупречная актерская игра, сами типажи героев и прочие, казалось-бы сценарные мелочи, которые, как говорил сам Хичкок и составляют основу успеха любого фильма. Кроме того, сложно переоценить значение «Славы» для кино в целом, особенно учитывая цензурные ограничения того времени в виде Кодекса Хейса и необходимость одобрения фильма настоящими сотрудниками спецслужб США. В итоге Хичкоку удалось угодить всем: правительство получило кино, лишний раз подзадоривающие патриотических дух Американцев, а сами американцы — очередную порцию качественных развлечений, растянутую не на два часа, как им могло показаться, а на сотню лет вперед.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Из первых рук (2013.10.14)


Англичанин Джимсон — на первый взгляд пренеприятнейший тип. Он грязен и неопрятен, практически всегда пьян, а его характер может оттолкнуть практически любого. Джимсон груб и лишен манер, никогда не лезет за словом в карман, склонен к воровству и частенько проводит месяц-другой за решеткой. Но все эти недостатки, из-за которых он мог бы до конца жизни пробыть в полном одиночестве, он компенсирует своим талантом. Джимсон — прирожденный художник, настоящий творец и непризнанный гений. В живописи он видит весь смысл своей жизни, хоть нисколько и не заботится о том, чтобы его способность приносила ему что-то большее, чем пару шиллингов на пинту пива и оплату аренды маленькой баржи, в каюте которой он живет. Все полотна авторства Джимсона, его же бывшая жена продала местному аристократу, который, в качестве компенсации, согласился выдавать художнику по паре фунтов в неделю. И тут, по счастливому совпадению, друзья этого аристократа, увидев у того в доме картины Джимсона, захотели приобрести себе парочку в коллекцию.

Фильм «Из первых рук» — экранизация лучшего произведения английского писателя Джойса Кэри, к сожалению, известного не на столько, чтобы об его книге, как и об ее кино-версии, узнал массовый зритель. Что, впрочем, не делает ни то, ни другое хоть сколько-то хуже. История Джимсона — живописание настоящей творческой личности, маленький экскурс в загадочный внутренний мир человека искусства. Джимсону наплевать на деньги и признание, его не волнуют возможные поклонники, но, вот же парадокс, именно поэтому они к нему и тянутся. Обычных людей всегда привлекает все необычное и те люди, которые это «необычное» в себе воплощают. И не секрет, что самими яркими личностями всегда были люди искусства, а в данном случае, художники. Они видят вещи не так, как большинство и могут воплотить свое видение на чем-то материальном, как кусок холста, или даже стене. Вот и Джимсон ничего не делает для того, чтобы чего-нибудь достичь, но у него все равно это получается. Он заинтересован только в живописи, она — смысл и единственная цель его существования, ради которой он готов пойти на любые лишения, при этом, даже их не замечая.

Таким образом, «Из первых рук» — очередное изыскание на тему исследования личности такого человека, который является «не таким как все». И в тоже время, это, пожалуй, фильм, единственный в своем роде. Приключения Джимсона в нем переданы через комедийную, а не драматическую призму, что сразу выгодно выделяет «Из первых рук» на фоне конкурентов. Кроме того, в фильме великолепно прорисованы все второстепенные персонажи, окружающие Джимсона — главного героя, а по совпадению, главное достоинство самого фильма. Типаж этого эксцентричного художника вышел настолько ярким, что можно без всяких натяжек назвать его Доктором Хаусом от живописи. Такой же талантливый и, одновременно, ленивый, выдающий перл за перлом Джимсон, возможно и на самом деле послужил прототипом для циничного доктора. Его судьба полна трагического фарса, нескрываемой иронией над самой жизнью, но, в тоже время, Джимсон, способен видеть прекрасное и по-настоящему его ценить. И уже поэтому, его характер и жизненный путь достоин уважения, а «Из первых рук» — заслуженного к себе внимания.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Ренуар. Последняя любовь (2013.10.14)


Огюст Ренуар — знаковый французский художник, один из главных представителей импрессионизма, повлиявший как на живопись в целом, так и на конкретных людей, ставших потом не менее значимыми людьми искусства. Одним словом, это человек, заслуживающий не одного, а десятка фильмов, посвященных его персоне, продолжающей вдохновлять людей и спустя почти сто лет после своей смерти. И в 2012 году, на родине художника наконец-то был снят его байопик, отражающий последние годы его жизни.

Акцентировать внимание зрителей именно на этом временном отрезке — понятный ход Жиля Бурдо, режиссера фильма «Ренуар. Последняя любовь». Ведь именно тогда, в так называемый «красный» период его творчества, художник наконец-то полностью получил заслуженное признание общества. А кроме того, именно тогда Ренуаром была произнесена знаменитая фраза «Боль проходит, а красота остаётся», живо доносящая его физическое и моральное состояние на тот момент. К концу своей жизни Ренуар страдал от заболеваний, изуродовавших его руки и приковавших его к инвалидной коляске, но не помешавших ему продолжать творить. Именно эта неубиваемая тяга к прекрасному и любовь к искусству, несмотря ни на что, и стали одним из главных лейтмотивов «Последней Любви». Не переходя рамки, Бурдо доносит до зрителя страдания, через которые проходил тогда Ренуар, добавляя к физической их стороне еще и моральные. Которые, соответствуя названию, и стали второй составляющей фильма, отражая отношения Ренуара с молодой натурщицей Андре. Дерзкая и своенравная, она быстро покоряет сердце живописца, как и его сына Жана, вернувшегося с фронта покалеченным. Собственно говоря, как и можно заключить из многоговорящего названия фильма, он разделен на две части. В первой основное внимание режиссер уделил творчеству Ренуара, процессу создания им своих картин и раскрытию сложной и трагической личности художника. Вторая же больше концентрируется на Андре и страстно влюбленного в нее Жана, которому приходится скрывать их отношения от отца. Для поклонников самого Ренуара интереснее будет первая половина, для тех же, кто не испытывает тяги к живописи, снята вторая. Ловко укладывая обе половины фильма в мелодраматический жанр, Бурдо, кажется, не оставляет шансов скептикам, настолько, несмотря на формальное разделение, у него получилась целостная картина. Секрет же этой целостности прост и вынесен режиссером уже в слоган фильма — «Тончайшие чувства в постельных тонах». Снять «Последнюю любовь» в стиле, аутентичном почерку маэстро — единственно верное решение, которое, к удовольствию как поклонников Ренуара, так и обычных зрителей, было принято Бурдо. Фильм и вправду выглядит так, будто экранизирует не столько саму жизнь Ренуара, сколько его творчество, перенося на киноэкран тонкий и воздушный стиль художника.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Средь бела дня (2013.10.14)


Уилл Шоу — подающий надежды молодой человек отправляется на неделю в Испанию повидать своих родственников и отдохнуть от городской суеты. Но наслаждаться свежими морскими бризами и солнечной погодой ему пришлось недолго. Жизнь Уилла начинает стремительно рушиться. Для начала, он узнает, что маленький бизнес, владельцем которого он является, обанкротился, и все придется начинать сначала. Раздосадованный Уилл решает на следующий же день лететь домой, чтобы разобраться с делами, но судьба распорядилась иначе. Потеря работы становится лишь первым звеном в целой череде неудач и потрясений, сваливающихся на нашего героя и включающих в себя похищение его семьи. На фоне таких событий, Уилл, как настоящий мужчина, забывает о личных неурядицах и решает во что бы то ни стало, спасти родных.

Попутно он раскрывает пару-тройку тайн государственной важности и спасает судьбу нескольких государств, как, впрочем, это всегда и бывает, если верить Голливудским режиссерам. «Средь Бела Дня» — очередной образчик их изысканий на тему приключений народного героя, внезапного узнающего, что все совсем не такое, каким оно казалось лишь недавно. В поисках правды и дотаций из зрительных кошельков, герои боевиков и дергающие ими за веревочки студии, перепробовали, кажется уже все что можно и где только можно. В данном случае, очередного американского героя, в исполнении пока еще совсем не супермена Генри Кавилла, отправили восстанавливать мировую справедливость в Испанию. Получилось неоднозначно. Справедливость- то, конечно, восторжествовала, а вот что касается самого кино, вопросы остались.

Впрочем, не так уж и много, чтобы записать «Средь Бела дня» в аутсайдеры гонки боевиков, как поспешили сделать многие сразу после его выхода. Как и положено настоящим боевикам, «Средь бела дня» динамичен и бодр, персонажи в нем говорят мало и только по делу, а сюжетных поворотов так много, что не успеваешь обращать внимания на то, какие они предсказуемые. Как бонус, к фильму идет неожиданная Сигурни Уивер в роли злодейки и играющий, пожалуй, свою самую беспрецедентную роль в фильмах такого рода Брюсс Уиллис. Безусловно, «Средь бела дня» не претендует на оригинальность, уже в своем названии разъясняя случайным интеллектуалам всю свою фабулу и задумку. И в итоге, действуя строго в ее рамках, не подходя и близко к какой-либо черте, «Средь бела дня», как примерный школьник, успешно выполняет свою изначальную задачу. А именно — делает так, чтобы полтора часа, которые идет фильм, вдруг взяли и выпали из суток, будто бы они всегда длились не двадцать четыре часа, а двадцать два с половиной.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Грэбберсы (2013.10.07)


Место действия — маленький городок, где-то в глубине старой доброй Ирландии. Трое рыболовов выходят в море, чтобы как всегда пополнить свой рацион обитателями глубин океана. Но, в этот раз все происходит с точностью до наоборот. Невиданная доселе тварь пожирает всех троих, оставив от каждого лишь по маленькой лужице крови. Скоро она доберется и до обитателей самого городка, но пока там все спокойно. Местный шеф полиции уходит в отпуск, оставив своего единственного подчиненного в компании временного заместителя — девушки-полицейского Лизы. Ответственная и исполнительная, она прибывает на новое место службы с намерением честно блюсти свой долг. И потому поначалу оказывается немного шокирована замашками своего напарника — потихоньку спивающегося О’ши, привыкшего подзаряжаться спиртным с самого начала рабочего дня. Но, когда жители острова оказываются под угрозой уничтожения, всем им приходиться сплотиться. И потому, весьма кстати оказывается внезапно обнаруженная аллергия загадочных монстров на спиртное, под знаменем которого и происходит единение горожан.

«Грэбберсы» — очередной образчик ставшего популярным в последнее время подвида комедии, объединяющем в себе элементы фильма ужасов с привычным зрителю юмором. Сначала был «Зомби по имени Шон», потом «Типа Крутые легавые», ну а затем в мире кино, так сказать, поняли фишку — и понеслось. «Зомбиленд», «Убойные Каникулы», недавний «Апокалипсис по голливудски», и вот, теперь «Грэбберсы». Главное отличие последнего от перечисленных до этого — это, конечно, национальный Ирландский колорит. Всем известное пристрастие жителей этой части Британии к крепким спиртным напиткам уже вошло в легенду и послужило материалом для почти всех фильмов Ирландского производства. И «Грэбберсы» не только не стали исключением, а напротив, послужили самым ярким примером, не дотягивая, пожалуй, только до «Однажды в Ирландии». Но, то была криминальная драма, настолько едкая в своей самоиронии, насколько сильная по сюжету и общему размаху. «Грэбберсы» же — это кино чуть попроще, что, впрочем, ничуть не значит «хуже». Ловко разбавляя уже приедающиеся жанровые клише, режиссер фильма Джон Райт, играя на том самом колорите, в итоге делает из «Грэбберсов» не то чтобы конфетку, но сладкое печенье точно. Не последнюю роль в создании такого впечатления играет весьма профессиональная съемка, не дающая скептикам никаких возможностей перенести «Грэбберсов» в раздел трэша. Актерский кастинг, как и диалоги персонажей не вызывает никаких нареканий, также как и спецэффекты, причем именно они — даже в больше степени. Компьютерная графика в фильме по-хорошему удивляет и не может не радовать. Вспоминая вышедших пару лет назад Норвежских «Охотников за троллями», лишь остается констатировать, что европейское кино весьма уверенно осваивает территорию, которую, казалось бы, застолбили за собой Американцы. И не просто осваивает, а вытесняет с нее прежних хозяев, что для обычного зрителя, несомненно, только к лучшему.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Примечание (2013.10.07)


Израильское кино, снятое не потомками выходцев из этой страны, перебравшихся в Голливуд, а ее непосредственными жителями, за пределами самого Израиля известно не слишком. Искушенный зритель, сильно постаравшись, может и вспомнит пару-другую лент, но сказать про них что-нибудь определенное не сможет. Исправить такое положение дел вызвался Джозеф Седар — пожалуй, самый известный на данный момент Израильский режиссер. Его дебютная лента «Костер» была отмечена на Берлинском кинофестивале, а второй его фильм «Бофор» — даже выдвинут на премию Оскар, хоть и в категории «Лучший фильм на иностранном языке». И, хотя, эти достижения нельзя назвать несерьезными, со своим последним фильмом — драмой «Примечание», постановщик вышел на новый уровень качества и известности.

В центре сюжета «Примечания» — отец и сын семейства Школьников. Первый — видный филолог Элизер, известный своими грандиозными трудами в области изучения Талмуда, оставшимися неоцененными широкими массами. Дело в том, что за месяц до публикации результатов его 30-летней работы, более ушлый коллега старшего Школьника, опубликовал труд, фактически делающий работу того лишенной смысла. Элизер, человек и до того не слишком открытый, после такого потрясения окончательно замыкается в себе. Тогда как его сын, Уриэль Школьник, также выбравший своим призванием изучение Талмуда, делает широкие шаги на поприще отца и, в конце концов, уходит далеко вперед. Старый Элизер считает подход сына к работе несерьезным и в глубине души презирает все, чем тот занимается. И когда в результате канцелярской ошибки, важную национальную премию вместо Уриэля получает именно Элизер, конфликт между отцом и сыном открывается, подобно небрежно зашитой ране.

Ставя во главу угла вечную тему отцов и детей, Седар все-таки умудряется показать ее так, как до него не делал никто. В первую очередь, «Примечание» выделяется из ряда похожих лент по манере съемки, выбранной режиссером. Сложные монтажные склейки, забавно оформленные флешбеки, помогающие лучше обрисовать характер персонажей, кроме всего прочего придают фильму налет комедийности. Именно он лишает «Примечание» вполне возможного, при выборе такой тематики занудства, которое часто так свойственно арт-хаусным лентам. Сами персонажи фильма хоть и несколько утрированы (в особенности Школьник-старший), но в силу этого более интересны и понятны зрителю. Кто-бы вообще мог подумать, что конфликт между, грубо говоря, двумя книжными червями из-за подхода к изучению древних книг, может настолько увлечь и заинтересовать. Но, так оно и происходит. Отчасти, потому что, сменив предмет спора отца и сына на более близкий для себя, понять их сможет практически кто угодно. А отчасти, потому что избранный Седаром стиль подачи материала является единственно верным. Балансируя на тонкой грани между семейной драмой и семейной комедией, «Примечание», отклоняясь то в ту, то в другую сторону, в итоге остается там где надо — на той самой золотой середине.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Отель «Люкс» (2013.10.07)

30е и 40е годы двадцатого года — нелегкое время для всего человечества. Резкие перемены в обществе затронули все слои населения, и творческие люди не стали исключением. Жесткая цензура и гос-контроль заставляют руководителей одного немецкого кабаре включить в программу выступлений «Веселого еврея» — несмешной, но приятный фашистам образ. Главным же артистам, Гансу и Зигги, пародирующим в своих номерах Адольфа Гитлера и Иосифа Сталина, приходится молча мириться с таким раскладом. Но чем сильнее становится власть Гитлера, тем рискованней выглядят их номера, дерзко высмеивающие фюрера. И, в конце концов, кабаре закрывают, а всех актеров арестовывают. Но изворотливому Гансу везет — он сбегает и, хотя, его больше манит вожделенный Голливуд, ему приходится отправиться в Советскую Россию. Там он знакомится со всеми местными прелестями жизни — вечной зимой, постоянно пьяным Сталиным и с людьми, находящимися в полной власти великого вождя Коммунизма.

Сложно сказать, является ли фильм «Отель Люкс» открытой анти советско-российской пропагандой. Но факт остается фактом — фигуры Адольфа Гитлера и Иосифа Сталина в нем показываются по сути равными и достойными друг друга. Между двумя политическими лидерами прошлого ставится знак равенства, что подчеркивается начальным номером героев фильма, в котором те пародируют «великих диктаторов». Обстановка в Германии, где всем командует фюрер Гитлер такая же как и в СССР, где всем заправляет «фюрер Сталин», только в первом случае она показана более роскошной. С другой же стороны, политические аллюзии, включающие собственную версию создателей фильма по поводу смещения Ежова Берией и подписание пакта Молотова — Риббентропа, выглядят не менее абсурдно, чем и все остальные события фильма. Отпечаток абсурда и попытки подогнать «Отель Люкс» под что-то среднее между шпионским триллером и комедией положений, разбавленной фирменными приемчиками Тарантино, окончательно превращают фильм в что-то не претендующее на серьезность. В таком свете, высмеивание быта советских людей, вроде единогласного голосования по всем 45 пунктам, находящимися на повестке дня, приобретает уже не обидный, а забавный оттенок. Сплошной фарс и постоянное утрирование происходящего сопровождают «Отель Люкс» от первых кадров до начала финальных титров. Герои фильма только лишь усиливают это впечатление. Все они, начиная от немного глуповатого, но доброго главного героя, заканчивая помешанным на алкоголе и астрологии Сталиным, предстают перед зрителем в пародийном и аляповатом виде. Вот и «Отель Люкс», не претендуя на что-то серьезное, но при этом серьезные темы затрагивая, в итоге выглядит скорее забавной остротой, чем злой иронией.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Священная гора (2013.10.07)

Если говорить о сюрреализме в мировом кинематографе, то самой заметной фигурой последних 20 лет является, конечно, Дэвид Линч. Загадочный мистификатор, человек имеющий не просто свой, а противоположный мнению большинства, взгляд на окружающую действительность и блестяще демонстрирующий его на экране. Но сюрреализм в кино был и до Линча. Одним из первых на этом поприще, выступил легендарный Луис Бюнюэль, дебютировавший с шокирующим Андалузским Псом, а после снявший десяток уже классических лент. А между ними был он — великий и ужасный Алехандро Ходоровский. Сняв в промежуток между 1968 и 1989 годами всего 5 фильмов, он навечно вписал свое имя в ассоциативный ряд со словом «сюрреализм», так же как и со словом «безумие». Знаменитый своим жестоким подходом к актерам и изнуряющим процессом съемок, Ходоровский также известен по своим резким высказываниям. И это не говоря уже о самих его фильмах, которые стали воплощением абстрактного и нестандартного мышления постановщика, не признающего само понятие рамок.

Фигура настолько культовая, что имя его известно лишь в узких кругах, в которых, зато, оно ценится больше чем Скорсезе и Спилберг вместе взятые — таков Алехандро Ходоровский. И все, к чему он прикладывал свою руку, несет отпечаток — уникальный и единственный в своем роде, отражающий происходящее в его мозгу. Таким и получился фильм «Святая Гора», вышедший сразу после нашумевшего «Крота», в котором Ходоровски в своем стиле переосмыслял догматы христианства. Вот и «Святая Гора» также во многом посвящена религии, а конкретно, персоне Иисуса Христа. Который, кстати, является главным действующим лицом картины. Несчастный и истощенный, Христос приходит к таинственному лидеру философской школы, который обещает открыть тому смысл всего бытия. Для этого, в компании 8 гостей со всех планет Солнечной Системы, он должен отправиться к Священной Горе, где обитают таинственные бессмертные, владеющие тайнами мироздания. Что же касается новых друзей Иисуса, в каждом из них легко угадывается определенный порок, присущий людской цивилизации, возведенный Ходоровским до абсолюта в своей абсурдности. И вот, эта странноватая компания, отправляется навстречу сакральным знаниям, преодолевая по пути многочисленные испытания и закаляя свой дух и характер.

По сравнению с «Кротом», «Святая Гора» — это гораздо более визуально насыщенная картина. Бесконечные образы, метафоры и отсылки сменяют друг друга на экране так быстро, что порой с трудом удается за ними успевать. Но Ходоровский сделал их настолько яркими и запоминающимися, что проблем с расшифровкой материала возникнуть не может. Постановщик подвергает критике столь ненавистные им обычаи человеческой жизни, обвиняет цивилизацию в обесценивании чувств и бесчеловечности, поносит религию и привычную для общества мораль. Все это подается через упомянутые уже образы, одновременно отталкивающие и притягивающие в своем необузданном безумии. Такими словами можно охарактеризовать (если вообще можно) творчество Ходоровски в целом, а «Святую Гору» в частности. На экране происходит много таких вещей, которые буквально насмехаются над рейтингами и возрастными категориями. Но, в тоже время, от него невозможно оторваться, оно затягивает и не хочет отпускать. Каждый кадр фильма можно разбирать на специальных занятиях, по каждой сцене — снимать документальный фильм. И потому, «Святая гора» — уникальное, хоть и не доступное каждому зрелище, которое обязательно к просмотру для всех, кто узнал кто такой Алехандро Ходоровский.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Поверженный идол (2013.10.07)


Каждому человеку, который прожил осознанной жизнью хоть немного, знает о разрушительной силе лжи. Как и о том, что запутавшемуся в паутине вранья, всегда сложно из нее выбраться. Солгав один раз, всегда приходиться делать это снова, и, в конце концов, снежный ком лжи становится настолько огромным, что совладать с ним становится невозможно. Именно это и произошло с героями фильма «Поверженный идол», снятого по рассказу известного английского писателя Грэма Крина. Дворецкий Бэйнс, волей случая оставленный вместе со своей женой присматривать за сыном посла, маленьким Филипом, узнает о последствиях необдуманной лжи на своей шкуре. Его жена, деспотичная и капризная миссис Бэйнс, не дает прохода ни своему мужу, ни юному подопечному, настраивая обоих против себя. И если все на что способен Филипп — это по-детски непосредственно оскорбить ее за обедом, то уставший от супруги Бэйнс, находит себе женщину на стороне. Вынужденный лгать сначала мальчику, а затем своей супруге, дворецкий попадает в крайне щекотливую ситуацию. Необдуманные слова и поступки продолжают накапливаться, и в итоге все заканчивается трагедией, отвечать за которую приходится каждому из героев.

«Падший идол» — слова вынесенные в титул фильма, безусловно, относятся к его главному герою — дворецкому Бэйнсу. Будучи примером для подражания и лучшим другом Филиппа, он теряет этот статус, после того, как открывается не слишком красящая дворецкого правда. Собственно, честность и то, к чему может привести ее отсутствие и являются главным лейтмотивом «Падшего идола». В отличие от оригинала, в котором на первое место была выведена детективная составляющая, экранизация больше уклоняется в сторону нравоучительного посыла. Что, впрочем, нисколько ее не портит — при условии грамотной режиссуры и хорошей актерской игры, любой сюжет начинает играть новыми красками. И «Падший идол» не исключение. Действие фильма, большей частью, построенное на диалогах, также приходит в движение из-за большого количества деталей, кажущихся незначительными с первого взгляда. Но, проходит какое-то время и они, как затерявшиеся детали огромного конструктора, становятся самой заметной его частью. И вот тут-то герои фильма, а главное, конечно, юный Филипп, начинают понимать необратимость, а подчас, и фатальность сделанного и сказанного. В какой-то момент, все действующие лица оказываются втянуты в тонкую и опасную игру, которая семимильными шагами ведет их в пропасть. И когда они понимают, что лучше уж было говорить правду с самого начала, уже становится поздно. А чтобы зритель в полной мере ощутил значение происходящего, оно передано глазами ребенка, который мало чего понимает, из того, что ему говорят. Запутавшийся в череде постоянных секретов, Филипп, который еще, в силу возраста, не научился лгать, выступает в роли непосредственного наблюдателя. Режиссер играет на контрасте между непорочным образом мальчика и завравшимся камердинером, лишний раз подчеркивая свою основную мысль. И, несмотря на то, что мысль эта появилась одновременно с самой ложью, то есть, в день сотворения мира, в «Падшем идоле» она подается так, что об этом и не задумываешься. В конце концов, все новое — это хорошо забытое старое, а «Падший идол» настолько хорош, что забудется он вряд ли, чего его создатели и добивались.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Скрытые (2013.09.30)


Слизняки, черви, пауки и прочие склизкие или членистоногие твари — предмет ночных кошмаров человечества уже многие века. И именно сейчас, в эпоху визуального прогресса, кинематограф, пользуясь этой распространенной фобией, постоянно преподносит своим почитателям поводы содрогнуться от ужаса и омерзения. И если в живой природе, шансы натолкнуться на гигантское насекомое, или, того хуже, слизеобразного пришельца, приближаются к нулю, то в темных залах кинотеатров, это дело вполне обычное. Одним из первых на поприще насекомоподобных кинематографических монстров, появился небезызвестный «Чужой» Ридли Скотта. Не ведающий жалости пришелец, откладывающий в своих жертв яйца, стал своеобразным папашей для десятков, иногда менее, а иногда и более отвратительных созданий. И одним из них оказался инопланетный паразит из фильма «Скрытые», методично подчиняющий своей воле обычных людей, превращая их в жестоких преступников.

Внеземное объяснение такого их поведения приводится зрителю еще в самом начале «Скрытых», тем самым настраивая его на то, что произойти в фильме может что угодно. И правда, в сюжетных хитросплетениях ему не откажешь, хотя поначалу, когда за расследование странной череды убийств, берется агент ФБР Галлагер, кажется, что ждать чего-то особенного от фильма не стоит. Но чем кровавей и бессмысленней становятся преступления, тем больше становится заметным странное поведение Галлагера, и волей-неволей помогающий ему местный полицейский Том Бек начинает подозревать неладное. И оказывается прав.

Так же, как и режиссер фильма, Джек Шолдер, решивший сделать ставку на детективную и визуальную его составляющие. Фактически, «Скрытые» — кино, снятое на стыке нескольких жанров, охарактеризовать которое можно, как фантастический триллер с элементами детективной драмы и классического фильма ужасов. Такой стилистический эксперимент, несомненно, пошел фильму на пользу — смотреть его интересно и сейчас, да и забвение по милости многочисленных жанровых родственников ему не грозит. Для 1987 года он выглядит на редкость современным в том, что касается спецэффектов и технологических тонкостей, таких например, как знаменитая сцена со слизнем, переползающим из одного тела в другое. И хотя до Дэвида Кроненберга, по молодости также любившего задействовать в своих фильмах всяческую ползуще-убивающую нечисть, «Скрытому» далеко, надо признать, что на психологические изыскания канадца он и не претендует. Джек Шолдер снял чистой воды зрелище, фильм, выпущенный ради того, чтобы его смотрели не отрываясь, в нетерпении ожидали развязки и облегченно выдыхали после ее наступления. Иными словами, это фильм, призванный сначала зрителя напугать, потом хорошенько увлечь, а под конец подкинуть немного надежды. И в итоге остается лишь констатировать, что ему это удалось. Удалось «Скрытым» и то, чего редко достигают режиссеры калибра Шолдера — встать в ряды фильмов, внесших значительный вклад в развитие кино, как такового. Ведь подвинув многочисленных конкурентов, «Скрытые», спустя три десятилетия после своего выхода, все еще остаются фильмом, не просто представляющим свой жанр, а его олицетворяющим.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Короткая встреча (2013.09.30)


Лора Джессон — примерная жена, мать двоих детей и самая что ни на есть обычная американка, выращенная под влиянием строгих моральных ценностей. Но однажды так случается, что ей приходится ими поступиться. На вокзале Лора случайно знакомится с Алеком Харви, также семейным человеком, успешным врачом и, в общем-то, счастливым человеком. Но неожиданно вспыхнувшая страсть, заставляет их пересмотреть все свои прежние принципы и убеждения. Столкнувшись в первый раз с настолько сильной взаимной привязанностью, молодые люди оказываются не способны ей сопротивляться. Между ними завязываются теплые, романтические отношения, а любовь их друг к другу со временем лишь усиливается. Но в глубине души они понимают, что с каждой их новой встречей, неотвратимо приближается и последняя.

С которой и начинается действие самого фильма, которое уже через пару минут делает изящный пируэт и возвращается с карьера обратно на место, дабы разъяснить зрителю суть происходящего. Этот прием и в целом характеризует манеру, в которой снята «Коротка встреча», пожалуй, самая изобретательная из мелодрам. Постоянные прыжки во времени, изящная игра со структурой сюжета — все это говорит о «Встрече», как о фильме, в первую очередь, авторском. Собственно, в далеком 1946 году главный приз Каннского кинофестиваля взяла именно эта лента британца Дэвида Лина, который работал над своим творением бережно и кропотливо. И настолько преуспел, что и 67 лет спустя «Короткая встреча» не выглядит старомодно или примитивно. Такое впечатление создается во многом из-за самой ситуации, в которую попадают герои фильма и в которой оказывались и будут оказываться еще тысячи людей во всех странах мира. Драматизм и реализм происходящего зашкаливает — в Лоре и Алеке легко распознать, если уж не себя, так знакомых или друзей. Но мало придумать историю, надо ее еще и подать. И Дэвид Лин подает — на блюдечке с голубой каемочкой, да еще и со столовыми приборами из золота. «Короткая встреча» — фильм безупречный не только в плане сюжета и режиссуры, но и во всех остальных кинематографических аспектах, от операторской работы, до актерской. Одно удовольствие следить за естественной и проникновенной игрой дуэта Селии Джонсон и Трэвора Ховарда, так же как и наблюдать за работой самой камеры, красками и ракурсами ей передаваемыми. «Короткая встреча» — это тот редкий случай, когда название фильма отражает его значение не только для героев, но и для зрителя. Действительно короткий, длящийся всего лишь 80 минут фильм, надолго останется в памяти, так же как образы и лица друг друга у его персонажей.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Полуночная жара (2013.09.30)

В маленьком и тихом городке где-то в глубинах южных штатов США происходит убийство. Жертва — один из влиятельнейших его жителей. По горячим следам местные полицейские арестовывают показавшегося им подозрительным человека. Он хорошо одет, в бумажнике у него 200 долларов, но он чернокожий, и этого повода оказывается достаточно для ареста. Выросшие под влиянием расистских стереотипов полицейские не могут даже и предположить, что человек, чья раса отличается от их, может хорошо выглядеть и зарабатывать больше, чем они. Тем более занимаясь точно тем же. Арестованный оказывается полицейским, да не обычным патрульным, а настоящим специалистом по убийствам. Раздосадованным копам не остается ничего другого, кроме как извинится перед ним, а позже даже попросить помочь в расследовании. Черный коп знает свое дело куда лучше, и потому ненависть к нему, как со стороны местных жителей, так и со стороны временных коллег все растет.

В 1964 году было достигнуто важное достижение в борьбе чернокожего населения Америки за свои права. После 15-летней борьбы, начавшейся с единичного бунта Розы Паркс, конгресс США наконец-то принял Закон о Гражданских Правах, формально запрещающий расовую дискриминацию. Но в сознании простых людей, эти изменения происходили куда дольше, к чему и привлекает внимание фильм «Полуночная жара», вышедший всего через три года после принятия того закона. И немудрено, что главным его лейтмотивом является противостояние, разворачивающееся между чернокожим детективом и населением расистского городка. Талантливого знатока убийств Верджилла, постоянно пытаются задеть, унизить и даже убить. Особый негатив проявляет шериф полиции Билл Гелисти, воспитанный в ортодоксальном духе ненависти к черным. На фоне расследования убийства на первый план выходит именно личностный конфликт двух полицейских и их взаимная антипатия, переходящая к концовке в близкую дружбу. Детективной же составляющей фильма создатели уделили куда меньше времени, что и понятно. «Полуночная жара» — в первую очередь кино на злобу того дня, помогающее ощутить тяжелое положение чернокожих в Американском обществе и необходимость перемен, в этом обществе происходящих. Что, впрочем, не значит, что кроме как на противоборство рас, в «Жаре» не на что смотреть. На момент выхода фильма, его сюжет смотрелся свежим и оригинальным, что помогает оценить его положительно и сейчас. Интрига в расследовании убийства сохраняется и поддерживается героями на протяжении всего фильма, хотя сейчас некоторые сюжетные повороты могут показаться банальными, или утрированными. Но высококлассная актерская игра и впечатляющая достоверность происходящего сглаживают некоторые сюжетные шероховатости и превращает «Полуночную жару» в то, чем этот фильм является сейчас — культурным феноменом 20 века и классикой своего жанра.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

4:44. Последний день на Земле (2013.09.30)


К теме апокалипсиса, популярной как в кинематографической среде, так и среди зрителей, успели обратиться десятки режиссеров, от Стивена Спилберга до Ларса Фон Триера. И если с фильмами, на подобии «Войны Миров» все предельно ясно — в них постановщики делают ставку на внушительные спецэффекты и звезд первой величины, то с темой конца света в арт-хаусе все не так. Наиболее известную попытку обратиться к ней с другой стороны кинематографа, предпринял как-раз таки Триер, причем вышло у него очень удачно. Пару лет назад, его «Меланхолия» имела большой успех, собрав отличную кассу и получив номинацию на золотую пальмовую ветвь в Каннах. Тогда все впечатление, впрочем, испортил сам Триер, но это уже совсем другая история. Модный тренд был задан, дело оставалось только за продолжателями. И они не заставили долго ждать. Первым оказался Абель Феррера, режиссер со стажем, но звезд никогда не хватавший, снявший фильм «4:44. Последний день на земле».

Как и Триер, Ферерра в первую очередь обращается к будничной стороне конца света, избавив своих героев от рушащихся на них домов и всяческих инопланетян. Практически весь фильм, в кадре находится Сиско, сыгранный Уильемом Дефо и Скай (Шэнин Ли). Скай поглощена рисованием — в преддверии конца света ее интересует только ее последний шедевр, призванный выразить состояние ее души. Сиско же находится в лихорадочном поиске истины. Круглые сутки он бодрствует, смотрит десятки телепередач, лихорадочно думает, пытаясь подвести все происходящее под какой-то вывод. Фактически, «Последний день» — это небольшой экскурс в человеческую психологию, исследующий характеры героев на фоне такого, мягко говоря, необычного события, как конец света. Даже в последние свои часы, герои умудряются находить время для пустых разговоров, бесконечных формальностей, жарких сор и таких же жарких примирений. Пассивная Скай, типичная творческая личность и показательный женский персонаж, концентрируется на своих чувствах и эмоциях, не отвлекаясь на суету внешнего мира. Сиско же — персонаж, открыто ей противопоставленный. Он полон энергии, сил, чисто человеческой и в первую очередь, мужской страсти к истине и осмыслении всего, что его окружает. Ферерра сталкивает зрителей с жизненной стороной апокалипсиса, не задавая никаких вопросов, и не давая на них ответов. Он просто наблюдает — а мы наблюдаем вместе с ним.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Виолет и Дейзи (2013.09.30)


Виоллет и Дейзи — две симпатичные голубоглазые девчушки, выглядящие куда младше своих 18 лет. Как и всех их сверстницы, они интересуются платьями, поп-музыкой и прочей подростковой мишурой. Но одна деталь все-таки отличает их от вчерашних соседок по парте — обычной работе девушки предпочли убивать людей за деньги. Привыкшие работать быстро и без малейших зазрений совести, при выполнении нового задания Виоллет и Дейзи сталкиваются с неожиданными трудностями. Человек, которого они пришли убить, похоже не только не против умереть, а даже наоборот, ждет смерти. Озадаченные подруги решают отложить выполнение заказа и разобраться в происходящем, чего бы им лучше бы не делать.

Джеффри Летчер — сценарист, получивший Оскара за первую же свою работу. Фильм «Сокровище» стал настоящим хитом в Америке, урвал сразу две золотых статуэтки и сделал самому Летчеру имя. И тот, особо не раздумывая, принялся за подготовку другого своего дебюта, на этот раз режиссерского. В качестве этого дебюта и был им снят, по собственному же сценарию, фильм «Виоллет и Дейзи», повествующий о малолетних киллершах, пожалевших свою очередную жертву. С последствиями своей слабости героини и разбираются весь фильм, изредка прерываясь на болтовню и прыжки радости верхом на трупах. Выглядит все это, как и само кино в целом, несколько вторично. Ниша криминального триллера и без Летчера была забита, так что втискиваться ему пришлось на уже занятую территорию, с которой, при этом, уходить никто не собирается. Вот и оказался чернокожий постановщик в неловком положении человека, забежавшего в последний момент в переполненный вагон метро. Нельзя сказать, что его герои лишены индивидуальности, что впрочем и не является его заслугой как сценариста.

еликолепный кастинг обеспечил «Виоллет и Дейзи» интерес зрителя, который с лихвой оправдывают сыгравшие главные роли Сирша Ронан и Алексис Бледел, а также как всегда убедительный Гандольфини. Благодаря им за сюжетом наблюдать куда интереснее, чем если бы его пытались привести в движение люди менее талантливые и известные. Не то, чтобы он был настолько слаб, просто все это мы уже видели, в другом и, что скрывать, куда более привлекательном виде. Разнообразить действие Летчер пытается несколько рваной манерой повествования, с всплывающими флешбеками из совсем недавних диалогов. Получается в целом неплохо — во время просмотра, задумываться о том, откуда взят очередной сюжетный поворот, откровенно некогда. До лавров Тарантино, Ричи и Коэнов, Летчеру, тем не менее, пока еще очень далеко. По самым скромным подсчетам — около дюжины Сокровищ. А уж Виолетт и Дейзи так и вообще, не меньше сотни.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Истребитель зомби (2013.09.30)


Хуан и Лазаро — два лучших друга. Больше всего на свете они любят ничего не делать, и солнечная Гавана, в которой они живут, предоставляет им для этого все условия. Но однажды, город начинает меняться. Непонятный вирус заражает людей, превращая их в плотоядных монстров, жаждущих человеческой крови. Поначалу Хуан и Лаз не обращают внимания на происходящее, но со временем до них доходит, что Зомбиапокалипсис — это же отличный способ заработать! Вместе с полдюжиной добровольцев, они организовывают фирму по истреблению Зомби на заказ. От звонков нет отбоя. Люди готовы платить неплохие деньги за то, чтобы Хуан и его друзья убили тех, кто еще вчера был их близким, а сегодня является угрозой их жизни. И все идет неплохо, пока новоявленный бизнесмены не понимают, что они последние из жителей Гаваны, кто еще не бродит по улицам в поисках человечины.

Так уж сложилось, что Куба, являясь родиной свободы, не стала родиной хотя-бы для десятка сколько бы то ни было известных фильмов, или режиссеров. Ситуацию решил исправить аргентинец Алехандро Бругуес, сняв в Кубе свой первый фильм — «Хуан, истребитель Зомби». Уже по синопсису и названию, понятно, что велосипед постановщик решил не изобретать. Его «Хуан» продолжает западный тренд на черные комедии, пародирующие собой несколько, а чаще, какой-то один поджанр кинематографа. И как можно догадаться, выбор свой Бругуес остановил на зомби-тематике. И если подбирать аналог к его фильму, то это будет, конечно, «Зомби по имени Шон». Так же как и детище Эдгара Райта, «Хуан» — это предельно жесткий черный юмор и пародирование основных концепций зомби-муви. Кроме этого, создатели не забыли обособить его от британского аналога и придать «Хауну» южного колорита.

Традиционные испанско-кубинские мотивы на редкость удачно выступают в роли саундтрека, а разной степени колкости политические остроты удачно разбавляют местами пошловатый юмор. Даже если говорить об чисто кинематографических аспектах, то и здесь заметно влияние происхождения и места жительства героев, в прямой зависимости от которых развивается сюжет. Поначалу не отличив зомби от обычных жителей Гаваны, только уже ближе к концу фильма они понимают, с кем, собственно, они имели дело. И этот факт показательно говорит, как и о них самих, так и о «Хуане-истребителе зомби». Это очень бодрая и дерзкая лента, изобилующая как насилием, так и действительно смешными шуткам, пропитанная пофигизмом главных героев, а потому легко воспринимающаяся мозгом.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

В другой стране (2013.09.30)

Вон Чжу, юная сценаристка, от нечего делать, занимается написанием сценариев. Пишет она сразу и на месте, а события и герои, только что перекочевавшие из ее головы на бумагу, материализуются и на экране. Француженка Анна, знаменитый кинорежиссер, приезжает в Южную Корею к своему другу, который, кажется, в нее влюблен, несмотря на наличие беременной жены. Анна осматривает окрестности, ведет легкие разговоры со своими друзьями, знакомится с новыми людьми, например с немного неотесанным, но премилым спасателем в оранжевой футболке. Так проходит несколько минут, когда вдруг, все начинается сначала. Теперь, Анна уже жена оставленного ей дома француза, приехавшая в Азию, чтобы встретиться с любовником. Завязка истории отличается, но события остаются теми же, вплоть до маяка, которого так хочет найти героиня и спасателя, который, вместо того, чтобы ей помочь, пытается ее очаровать. И наконец третья история — теперь Анна это женщина с кучей внутренних проблем, которая пытается найти утешение в мудром совете местных жителей.

Таким образом, фильм Хон Сан Су «В другой Стране» — это своеобразный триптих в кино-формате. Три сюжета подведены под первый, с которого все и начинается, а также объединены общей стилистически единой картинкой и сюжетными повторами. Кроме того, несмотря на формальную разницу между происходящим в трех главах фильма, оно настолько едино в плане настроения, передаваемого режиссером, что сначала, задача разобраться в нем, может показаться куда сложней, чем она есть на самом деле. Но это лишь на первый взгляд. На деле же, «В другой стране» напоминает фильм «Трудности перевода» Софии Кополлы, только снятый в Корее, а не в Японии и переиначенный на более легкий и положительный лад. Каждая из трех историй, вписанных в разный контекст, в первую очередь фокусируется на разнице в менталитете между жительницей Европы и представителями загадочного Востока. Курьезные и забавные, необычные ситуации и мини-конфликты, рождаемые этой разницей и занимают большую часть этого фильма, тонкого и легкого по своей сути, как материя из шелка. «В другой стране» снят преимущественно в светлых, приятных для глаза тонах и в первую очередь является просто красивой картинкой, приятным фильмом на один раз, который может помочь расслабиться и отдохнуть. Но к концовке становится ясно, что это все-таки нечто большее чем набор красивых кадров. Сюжетные линии изящно пересекаются, напоминая друг друга, как сестры-близнецы, между которыми есть только едва заметные для глаза тонкие различия, подмечать которые — одно удовольствие. И каждую из этих линий в итоге можно подвести под посыл, являющийся краеугольным камнем и во всем творчестве Хон Сан Су. Муки творческой личности, взаимоотношения между полами, замешанные на физическом влечении и курьезных диалогах — все это постановщик объединяет в традиционную философско-буддисткую форму, которую всегда так тонко чувствовал он и его соотечественники.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Цезарь должен умереть (2013.09.23)

Шекспир, пьеса «Юлий Цезарь». На маленькой сцене театра, разыгрывается последняя сцена великой трагедии. Измученный Брут просит своих верных товарищей закончить его земные мучения, но никто из них не хочет и не может сделать это — слишком велика их привязанность к другу. Пока, наконец, один из них, сквозь боль и слезы не прошивает тело Брута мечом и тот не падает замертво. Небольшая пауза — и зал взрывается стоячими овациями, актеры дружно кланяются, спектакль прошел с успехом, на лицах актеров написан неподдельный восторг. Но вот, зрители расходятся, а вместо уютных гримерок, только что блиставших на сцене людей, разводят по одиночным камерам. Они — заключенные Итальянской тюрьмы для самых опасных преступников, и вместе с окончанием пьесы, для них заканчивается и один из самых волнительных этапов жизни.

Показав начальную сцену своего фильма «Цезарь должен умереть» в цвете, итальянцы Братья Тавиани, резко переходят на черно-белые тона. Происходит флешбэк — и вот, мы видим, как за 6 месяцев до событий начальной сцены, угрюмые, рослые мужчины преображаются во вдохновенных актеров. Тюремный режиссер Фабио Кавалли, в новом году, решает ставить Шекспировского «Юлия Цезаря». И, поскольку, помещение театра в ремонте, новоявленные актеры начинают репетировать везде, где только есть возможность — в столовой, коридорах и даже тюремном дворике. «Цезарь должен умереть» — по сути практически документальный фильм, несущий в себе посыл, схожий с нетленкой Берджеса «Заводной Апельсин». Все мы, в первую очередь, люди и никому из нас не чуждо чувство прекрасного. Не вчерашние, а вполне сегодняшние, настоящие зэки, сидящие на сроках от 15 до пожизненного, находят в Шекспире источник не только для досуга, но и материал для отожествления самих себя с героями пьесы. Глядя на этих людей, тяжело поверить, что большинство из них действительно отбывает наказание за жестокие и тяжкие преступления. Каждого из героев, братья Тавиани показывают сначала с их маргинальной, а потом — с одухотворенной, в чем-то возвышенной, стороны. И смотря на то, как эти люди, в течение часа с небольшим, пропускают через себя эмоции и слова, вышедшие из под пера одного из величайших драматургов, сложно не прочувствовать силу высокого искусства. Настоящего, неподдельного, того, что вдохновляет и меняет к лучшему кого угодно, кем бы он ни был до этого и кем будет после.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Великий мастер (2013.09.23)

Китайский режиссер Вонг Кар-Вай — один из немногих азиатских постановщиков, снискавших успех не только у себя на родине, но и за ее пределами. Наряду с корейцем Ким Ки-Дуком и японцем Такеши Китано, Кар-Вай, пожалуй, наиболее видная фигура восточного кинематографа, чьи фильмы знают и любят по всему миру. И жюри различных кино-фестивалей не являются исключением — Кар-Вай регулярно номинируется на Каннскую Золотую Ветвь и другие престижные награды. При этом, также как и Китано с Ким Ки-Дуком, он завоевал признание ни на йоту не отклоняясь от фирменных мотивов своего творчества и не идя на поводу у Голливудских дельцов, как, например, тот же Джон Ву. Отличительная черта фильмов Кар-Вая — это налет легкой меланхолии и жизненной мудрости, дополненный потрясающим видеорядом. Как никто другой, Кар-Вай находит идеальные кадры и извлекает красоту оттуда, где бы ее не смог увидеть никто другой. Возможно, потому его картины так и доступны зрителям по всей планете — они сняты на универсальном языке кинематографа и не могут не впечатлить.

Так вышло и с новым, первым, за последние 7 лет фильмом постановщика «Великий мастер». Казалось бы, чем европейского зрителя может зацепить история о безусловно легендарном, но в локальном, азиатском масштабе, мастере единоборств? До Кар-Вая, история жизни Ип Мана экранизировался с полдюжины раз — и ни одной из этих экранизаций не удалось достучаться до сердца неазиатского аудитории. Но на этот раз все вышло по-другому. Бытует мнение, что рассказывать обычным людям о тех, кто оставил свой след в истории, должен человек, хоть немного близкий своему герою по таланту. И на этот раз, так оно и случилось. Кар-Вай подошел в истории Ип Мана гораздо более масштабно, чем свои предшественники, не даром, съемки фильма заняли почти десяток лет. «Великий Мастер» — это не столько история одного человека, сколько портрет эпохи, переданный с помощью восточных единоборств и того, кто оказал на их развитие решающие влияние. Ни о каком национальном барьере и речь не может идти — герои фильма проходят через испытания, которые случалось преодолевать любой державе мира, а помогает им в этом собственная культура. Таким образом, восточный колорит естественно заметен, но он служит лишь изюминкой, не мешающей, а помогающей восприятию. При этом, при Кар-Вае все еще осталось его умение снимать идеальные, красивейшие кадры, которые можно фотографировать и отправлять на выставки. Тени, цвета, брызги воды, колебание ярких сережек — Кар-Вай так умело играет со всем этим с помощью камеры, что порой сложно поверить, в то, что такие обыденные вещи могут смотреться так завораживающе. На шестом десятке жизни, режиссер не только не израсходовал свой талант, а напротив, сумел найти ему новое применение, сняв фильм в том жанре, который он, казалось бы, старательно избегал раньше. Остается лишь порадоваться за него, благо «Великий мастер» к таким эмоциям располагаем, и ждать, чем еще нас сможет удивить Кар-Вай, потому что уж кто-кто, а он сможет точно.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Черепашки-ниндзя (2013.09.23)


Их зовут Рафаэль, Донателло, Леонардо и Микельанджело и они — чепепашки мутанты-ниндзя. Когда-то давно, человек по имени Хамаши Йоши купил себе в магазине вполне себе обычных черепашек, но после инцидента с мутагенным веществом, сам он стал гигантской крысой, а его питомцы увеличились в размерах до почти человеческого. Раньше Хамаши Йоши, а теперь мастер Сплинтер, уходит жить в подземелье и, чувствуя ответственность перед рептилиями, берет их под свою опеку. Он обучает их восточным единоборствам и философии воинов, воспитывая черепах как своих сыновей. Но приходит время, когда его подопечные созревают для выхода в большой мир, где их поджидает множество приключений и опасностей.

Эта завязка знакома почти всем, чье детство пришлось на 90е. Именно тогда в Америке выходит первый комикс о черепахах-мутантах, которому суждено было послужить материалом для десятка разных мультфильмов и даже полнометражных картин. Сами черепашки стали объектом серьезного культа для детей и тех, кто в этом нежном возрасте застал пик популярности боевитых пресмыкающихся. Лео, Раф, Дон и Мики стали неотъемлемой частью американской поп-культуры и продолжают занимать в ней важное место и до сих пор. В 2014 году планируется выпуск нового полнометражного фильма, а покамест, компания Nickelodeon, перекупившая права на использование героев, запустила очередную анимационную версию приключений Сплинтера и его подопечных. Создатели решили коренным образом не менять основную суть истории — герои и их происхождение остались такими же, как и раньше, с мелкими дополнениями из каждой, вышедшей до этого кино, или мультипликационной версии. Так, например, Сплинтер — это не сбежавшая крыса погибшего самурая, а обычный человек, подвергшийся воздействию радиации. Таким образом, новые «Черепашки-Ниндзя» для аудитории постарше — это хороший повод вспомнить время детства и предаться ностальгии по любимым героям, обретшим теперь приятный для глаза трехмерный вид. Ну, а что касается целевой аудитории, то есть, детей, то для нее обновленные «Черепашки» остаются такими же привлекательными, как и для предыдущего поколения. Забавные герои, каждый из которых обладает собственным характером и оружием, интересные приключения, качественная анимация — все это по-прежнему на месте. Люди из Nickelodeоn решили не изобретать колесо и поступили совершенно правильно, ведь если концепция работала раньше, то будет работать и сейчас. Все, что они сделали — это адаптировали мультфильм к стандартам анимации 21 века, превратив его в зрелище, более привычное глазу детей, выросших на трехмерной графике. Ну а большего от них и не требовалось.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Экстази (2013.09.23)

Наркотическая тематика была популярна не только в кино, но и в литературе, с того момента, как люди открыли для себя меняющее сознание действие запрещенных препаратов. Начиная с «Кокаина» Марка Агеева и заканчивая «Реквиемом по мечте» Дариена Аронофски, наркотический поджанр искусства цветет и процветает. Интерес людей к нему оправдан, понятен и потому постоянно поддерживается самыми разными писателями и режиссерами. Пик интереса к запретным веществам пришелся на 60е-70гг, когда в США творило целое поколение помешанных на них писателей. Уильям Берроуз, Кен Кизи, Олдос Хаксли, Джек Керуак и Хантер Томпсон — все эти люди внесли огромный вклад в популяризацию наркотической тематики сначала в литературе, а потом и в кинематографе, который до сих пор отдает должное написанным этими авторами произведениями. Следующее же поколение пришло уже практически на готовенькое. И потому, успех, в частности, Ирвина Уэлша, не должен никого удивлять. Дерзкий Британец значительную часть своего творчества посвятил наркотикам, процессу и последствиям их принятия. Одноименная экранизация его книги «На Игле» стала не просто культовой, а легендарной, так что, вопрос экранизации еще одной «нарко-книги» — «Экстази», был лишь вопросом времени.

И вот, в 2011 год экраны наконец-то увидела история Ллойда — простого парня, которого интересует в жизни лишь вечный кайф и удовольствие. Он подрабатывает наркодилером на карикатурного мафиози Соло, не приемлющего полумер и не терпящего обмана. И когда Ллойд решает утаить от него часть таблеток, Соло берется за героя по полной программе. Но что занимает Ллойда больше — так это очаровательная девушка Хэзер, которую он случайно повстречал на одной из своих рэйверских вечеринок. Между молодыми людьми вспыхивает любовь, помешать которой могут лишь они сами.

«Экстази» — третья по счету экранизация романов легенды контркультурной прозы Ирвина Уэлша. Взяв за основу наименее безумную часть трилогии писателя про любовь наркоманов, режиссер Роб Хейдон, предпринял отчаянную попытку повторить успех культового «На Игле». Что ему, естественно, и не удалось. «На Игле» — это тот случай, когда в результате толи дикого стечения обстоятельств, толи в результате кропотливой работы, вместе оказываются все факторы, необходимые для конечного успеха. И «Экстази» — это явно не тот случай. Эта история людей, помешанных на наркотиках, любви и любви к наркотикам, для обладания культовым статусом вышла слишком уж бессодержательной и формальной. Фильм напоминает краткую экскурсию по танцполу, прерываемый частями документалки, обрисовывающей его постоянных обитателей. Но, несмотря на некоторую сюжетную поверхностность, которая касается и персонажей, назвать «Экстази» плохим фильмом все-таки нельзя. Да, до статуса классики «драг-муви» он не дотягивает, но сама история, а вернее ее литературная основа, все-таки выделяет фильм из общей массы. Моральный выбор, перед которыми оказываются герои, и тот вариант, на котором они останавливаются, в итоге все-таки заставляет им сочувствовать. Уж слишком они вышли жизненными и человечными. Простые и понятные люди, которые переоценили свои возможности и столкнулись с тем, с чем справиться им не по силам. Единственное, что им остается — это держаться вместе, что они и делают, тем самым подавая какой-никакой, но пример тем, кто считает наркотики и то, что с ними связано, простым развлечением


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Тупик (2013.09.23)

Двое преступников, Дики и Элби, после неудачного дела, оказываются в ловушке. Они застревают в сломанном автомобиле посреди водного пространства, окружающего, находящийся на полуострове одинокий особняк. Оба бандита ранены и Дики ничего не остается, кроме как оставить своего истекающего кровью товарища в машине, и попробовать попытать счастья с хозяевами. Что ему с успехом и удается — карикатурная супружеская пара, капризная и своенравная Тереза и бесхарактерный Джордж, влюбленный в нее по уши, оказываются легкой мишенью для манипуляций. Но когда к ним в гости приезжают друзья, Дики приходится разыгрывать из себя прислугу до тех пор, пока не приедет его босс. Ситуация переворачивается с ног на голову, а отношения героев, каждый из которых пытается гнуть свою линию, накаляются до предела.

Один из главных свободных художников кинематографа второй половины двадцатого века, Роман Полански — фигура сама по себе такая же необычная и своеобразная, как и его фильмы. И «Тупик», снятый им в 1966 году, до сих пор считается как режиссером, так и его поклонниками, фильмом, наиболее показательно отражающим основные мотивы в его творчестве. «Тупик» замыкает трилогию отчуждения, начатую «Ножом в воде» и продолженную Поланским в «Отвращение». Снова его герои оказываются в замкнутом пространстве, эмоциональном «тупике», создающим все условия для раскрытия и исследования их личности и внутренних мотивов их поведения. Грубый, но прямой и честный Дики сталкивается с мягким как тесто Джорджем и манипуляторшей Терезой в фактически нерешаемом конфликте интересов, провоцирующем между ними бесконечные противоречия. А сам Поланский, будто опытный ученый-исследователь, наблюдает за своими героями через камеру, как через лабораторное стекло, постоянно подкидывая им новый материал для выяснения отношений, попутно раскрывая перед зрителем характер каждого из них. «Тупик» и действительно обладает почти всеми из привычных атрибутов, свойственных фильмам постановщика. Изрядные порции черного юмора чередуются с непредсказуемостью сюжета и фирменными для Поланского психологическими изысками. Также свойственная ему абсурдность ситуаций в «Тупике», по сравнению с другими его фильмами, достигает максимума — особенно, когда, Дики приходится разыгрывать из себя гувернера перед неожиданными гостями. По сути своей, «Тупик» объединяет в себе практически все жанры и мотивы, к которым Поланский обращался за свою долгую и насыщенную карьеру. Тут и комедия положений («Что?»), и детектив («Китайский квартал»), и криминальная драма («Неукротимый»), не говоря уже о самом иронически-драматическом настрое картины и узнаваемых в своей характерности персонажей. Возможно, если говорить об интересности просмотра «Тупика» с чисто зрительской стороны, перечисленные фильмы стоят и большего внимания, как жанровые и более цельные. Но, с точки зрения самого постановщика и контекста его творчества в целом, «Тупик» переоценить невозможно. Картина, важная для самого Поланского, стоит у истоков его карьеры в кино, а значит имеет огромную ценность прежде всего именно для него, а значит и для тех, кто его ценит — настоящих, преданных зрителей.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

всего лайков в разделе - 6
последние лайки:


на комментарий
к фильму Белая горячка
от lizzzok03 (2019.05.31)
СА: 9 лет 9 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2010.06.30 г.
последний раз в 2020.04.09 г.
=================
голосов в аниме: 42
голосов в кино: 274
=================
комментариев в кино: 1
получено лайков за комментарии: 3



на комментарий
к фильму Из первых рук
от rubik1952 (2017.08.25)
СА: 3 года 8 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2015.10.28 г.
последний раз в 2019.06.19 г.
=================
голосов в аниме: 6
голосов в кино: 1724



на комментарий
к фильму Хранители
от ImmLff (2015.10.11)
СА: 11 лет 6 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2005.11.28 г.
последний раз в 2017.05.01 г.
=================
голосов в аниме: 224
голосов в кино: 3
голосов в играх: 49



на комментарий
к фильму Скрытые
от iNorton (2015.01.01)
СА: 10 лет 7 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2009.08.15 г.
последний раз в 2020.04.08 г.
=================
голосов в аниме: 45
голосов в кино: 192
голосов в играх: 79
=================
комментариев в аниме: 32
комментариев в кино: 99
комментариев в играх: 26
получено лайков за комментарии: 338



на комментарий
к фильму Дурная слава
от Colette (2014.12.07)
СА: 8 лет 4 месяца
аккаунт зарегистрирован в 2011.11.03 г.
последний раз в 2020.04.06 г.
=================
комментариев в аниме: 10
комментариев в кино: 1
получено лайков за комментарии: 20



на комментарий
к фильму Ренуар. Последняя любовь
от nero24 (2013.11.24)
СА: 12 лет 6 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2007.09.12 г.
последний раз в 2020.04.09 г.
=================
голосов в аниме: 303
голосов в кино: 4822
голосов в играх: 3




Реклама на сайте | Ответы на вопросы | Написать сообщение администрации

Работаем для вас с 2003 года. Материалы сайта предназначены для лиц 18 лет и старше.
Права на оригинальные тексты, а также на подбор и расположение материалов принадлежат www.world-art.ru
Основные темы сайта World Art: фильмы и сериалы | видеоигры | аниме и манга | литература | живопись | архитектура