World Art - сайт о кино, сериалах, литературе, аниме, играх, живописи и архитектуре.
         поиск:
в разделе:
  Кино     Аниме     Видеоигры     Музыка     Литература     Живопись     Архитектура   Вход в систему    Регистрация  
  Рейтинг аниме | Ролики | Манга: алфавит, жанры | База данных по аниме | Онгоинги | Сезоны аниме   
тип аккаунта: гостевой  

NitaNever: списки | комментарии | апдейты | оценки

СА?: 7 лет 4 месяца (ID 133730)
аккаунт зарегистрирован в 2010.07.09 г.
последний раз использован в 2017.11.24 г.

Текущий статус:
Мои рецензии на Проза.ру http://www.proza.ru/avtor/nitanever&book=5#5


напишите
собщение
NitaNever

отзывы: аниме (23), кино (19), видеоигры (0), манга (0)
230 раз(а) разные люди сочли отзывы NitaNever полезными

отзывы | обсуждение отзывов | в болталках


Cat Shit One: The Animated Series (2016.11.28)

ПО ЗАВЕТАМ «КОММАНДО»

Это двадцатипятиминутное ONA снято по одноименной манге Кобаяси Мотофуми. Надо сказать, что если в оригинале и есть какие-то исторические параллели, глубокомысленные вопросы и социальные подтексты, то аниме всего этого лишено полностью.

«Апокалипсис Мяу» — это аниме-шутка, пародия, веселый стеб на тему американских военных боевиков.

Взят типовой сюжет: «наши» спецназовцы должны освободить заложников, вдвоем уничтожить практически всю вражескую базу и успеть к спасательному транспорту.

В типовом сюжете действуют типовые же персонажи: пара невыразительных заложников (чисто для мебели), полчища безликих, но злобных врагов и два главных героя: опытный Командир и его Молодой Напарник. Командир учит салагу жизни. Тот поначалу слегка трусит и периодически косячит, но в конце проявляет чудеса доблести, спасает Командира и наконец-то заслуживает его признание и одобрение. «Да, сынок, ты стал настоящим мужчиной! ».

Никаких глубинных смыслов и подтекстов. Брутальное мочилово, пересыпанное не менее брутальными шутками в стиле ранних боевиков со Шварценеггером.

Но! Эти картонные маски надели на совершенно неожиданных существ — милых пушистых кроликов и гораздо менее милых, но тоже вполне сносных верблюдов. Кроликам достались роли бравых военных, а их арабообразных врагов сделали верблюдами.

Трехмерная компьютерная анимация создает эффект реалистичности происходящего. Пейзажи, здания, одежда, оружие, машины — все это нарисовано очень достоверно. Порой даже забываешь, что смотришь анимацию, а не игровой фильм.

Зверушки тоже сделаны максимально правдоподобно. Но сам факт того, что животные ходят на двух ногах, разговаривают, носят одежду и выполняют спецоперацию, делает это правдоподобие картинки абсолютно нелепым и очень смешным.

Откровенная сказка и детально воссозданная реальность сталкиваются в одном художественном пространстве и взрываются великолепным фейерверком.


И ХВОСТИК ПУПОЧКОЙ…

Зверушки-персонажи антропоморфны, то есть наделены человеческими качествами: они разговаривают и ведут себя как люди, но при этом имеют облик животных.

Аниматоры весьма остроумно обыграли особенности внешности своих персонажей. У верблюдов-военных на спине униформы есть отверстие для горба. Командир-кролик носит каску, из-под которой выглядывают кончики его длинных ушей. Напарник командира, попав под обстрел, прячется за полуразрушенной стеной. Враги поливают стену пулями, а кролик сидит за ней, скорчившись. При этом он не только втягивает голову в плечи, но и прижимает к ней ушки.

Но самое забавное — это, конечно, походка героев. Кролики вообще слабо сочетаются с образами бравых спецназовцев. А в «Апокалипсисе Мяу» им приходится бегать, прыгать, красться, перекатываться из укрытия в укрытие. И все это, естественно, на двух ногах, по-человечьи.

Аниматоры заставляют кроликов выполнять человеческие движения, одаривают их человеческой пластикой, но при этом оставляют кроличью комплекцию: длинные ступни, коротенькие кривые ножки, пухлые бедра, пушистый хвостик. И вот все ЭТО с автоматом наперевес перебежками перемещается по вражескому лагерю, лихо убивая злобных верблюдов из всевозможного оружия! Картина — я вас умоляю!

После финальных титров появляется надпись о том, что все события и персонажи вымышлены, а мультфильм полностью нарисован на компьютере, так что ни одно животное в процессе съемок задействовано не было. (Боже! А я так волновалась за того крольчишку-заложника!) В общем, очередной милый прикол.


«ВЫ УБИТЫ?» — «Я ЖИВОЙ! »

«Боевиковая» составляющая сделана действительно классно. Благодаря шаблонному сюжету и героям воссоздается атмосфера классических фильмов этого жанра. (Минимум смысла, максимум насилия! Прелесть!) А пухлопопые кролики-спецназовцы вносят в фильм зерно здоровой иронии.

Динамика бешеная, но при этом сюжет выстроен очень толково. Это не просто тупое бесцельное мельтешение. Это СПЕЦОПЕРАЦИЯ!

Убивают по-боевиковски много, враги валятся пачками, «нашим» тоже достается на орехи. Взрывы и стрельба не смолкают ни на минуту, но при этом крови нет совсем. Убитые персонажи просто падают — и все.

«Апокалипсис Мяу» — это еще и настоящий парад оружия. За двадцать пять минут на экране появляются и применяются (!) самые разные виды оружия: нож, снайперская винтовка, автоматы, пистолеты (с глушителем и без), базука, ручные гранаты и даже боевой вертолет. Любуйся — не налюбуешься!

На несколько секунд даже «включается» ракурс показа стрельбы от первого лица. Легкий реверанс в сторону поклонников «стрелялок».

Люди, знающие толк в оружии, на полном серьезе обсуждают, какие именно модели и разновидности используют кролики, а какие — верблюды, спорят друг с другом в комментариях. Что сказать? Оказывается, даже веселый стеб дает кому-то серьезную пищу для ума. И это хорошо.


ИТОГ

Прикольная пародия на американские военные боевики. Всем любителям жанра смотреть обязательно. Запах пороха и оружейной смазки чувствуется даже через экран!


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Принцесса Аритэ (2016.11.27)

ИСПУГАННЫЙ РЕЖИССЕР

«Принцесса Аритэ» — печальный пример того, как беспомощно слабая постановка может сгубить очень и очень хороший сюжет.

Но для начала кратко об истории создания этого аниме. В 1983 году в свет вышла сказка английской писательницы Дианы Коулз «Умная принцесса». Книга была проникнута духом феминизма. Ее героиня в отличие от большинства сказочных принцесс не сидела сложа руки в ожидании прекрасного принца, а предпочитала сама творить свою судьбу.

В Японии книга Дианы Коулз приобрела небывалый успех. Идеи феминизма оказались созвучны японскому обществу. В 2001 году по мотивам «Умной принцессы» было снято полнометражное аниме, которое тоже было с восторгом встречено «продвинутой» частью японской публики.

Режиссером проекта стал Катабути Сунао. Японскому мужчине в возрасте около 40 лет предстояло снять аниме по книге, воспевающей феминизм. Режиссер почесал тыковку, на всякий случай еще раз заглянул в свой паспорт, с грустью убедился, что там по-прежнему написано «Катабути Сунао», а не «Хаяо Миядзаки», и — засса…, пардон, испугался.

«Я не трус, но я боюсь. Боюсь, смогу ли я, способен ли…», — сетовал герой кинокомедии «Бриллиантовая рука». Слово в слово ему вторил Катабути Сунао. Режиссер признался: он сомневается, сумеет ли мужчина убедительно рассказать феминистскую историю. Поэтому Катабути Сунао решил пойти по пути наименьшего сопротивления. Он сместил акценты, сосредоточившись на так называемых общечеловеческих ценностях и проблемах.

Только, похоже, плохо сосредоточился, потому что неуверенность режиссера сквозит из каждого кадра. Видно, что Катабути Сунао не понимал, ЧТО он снимает, ЗАЧЕМ он это снимает и почему он не послушал мамочку и не стал инженером-технологом.

В «Принцессе Аритэ» не хватает целостности и динамики. Заметьте: динамика и экшен — не одно и то же. Чтобы фильм смотрелся динамично, вовсе не обязательно, чтобы герои беспрерывно мельтешели по экрану, а каждые пять минут кого-то убивали. Намного важнее внутренняя динамика. Динамичной может быть даже пауза, если она несет какую-то смысловую нагрузку, например, создает атмосферу ожидания. Но тянуться она должна ровно столько, сколько требуется, чтобы зритель проникся соответствующими чувствами. «Принцесса Аритэ» изобилует неоправданно затянутыми паузами и длиннотами. Кажется, Катабути Сунао не чувствует пульса своего фильма, а тупо дотягивает историю умной принцессы до условленного хронометража.

При этом сам по себе сюжет «Принцессы Аритэ» великолепен. Он непредсказуем, потому что строится на срыве стереотипа, на разрушении шаблона.

Могущественный волшебник оказывается не спасителем томящейся в родном замке принцессы и не коварным злодеем, замыслившем погубить чистую девичью душу, а несчастным, озлобленным «старо-малолетним» раздолбаем.

Между волшебником-похитителем и похищенной принцессой так и не вспыхивает любовь. Да и ненависти между ними тоже нет: чтобы победить врага Аритэ не приходится по давней сказочной традиции убивать его или навеки замуровывать в темном подземелье.

Человек, который привез в подарок Аритэ книгу, вообще не задействован в сюжете, хотя по законам жанра он вполне мог претендовать на роль возлюбленного принцессы.
Волшебное кольцо не помогает принцессе спастись, хотя, казалось бы, для чего еще существуют волшебные кольца?

Аритэ не идет за тридевять земель, чтобы выполнить задания колдуна, а ведь великое множество сюжетов построено именно на подобных путешествиях-«квестах».

Штампы рушатся, порождая по-настоящему интересный, неординарный сюжет. Как предугадаешь, что будет дальше, если все привычные сюжетные схемы не работают?

Но вся эта прелесть распадается на отдельные фрагменты. Нет стержня повествования. За всем происходящим не читается желания автора донести до зрителя ту единственную Самую Важную Идею, ради которой все снималось, обдумывая которую режиссер не спал ночами напролет.

Сон Катабути Сунао был мирным и глубоким. Дрых сорокалетний японский мужчина по восемь часов в сутки, а на съемках просто отрабатывал зарплату.


ПРИНЦЕССА АРИТЭ

Аритэ — главная героиня аниме, юная принцесса, которая живет в башне. Считается, что отец держит дочь в заточении, чтобы она сберегла честь для будущего супруга. Кандидаты в мужья Аритэ обивают пороги королевского замка, но руку и сердце принцессы получит лишь тот, кто принесет самое удивительное магическое сокровище, сохранившееся с прежних времен.

На самом деле все гораздо прозаичнее. Магические артефакты стоят немалых денег. Чем больше волшебных предметов, тем богаче казна. На этом держится экономика родного королевства Аритэ. Женихи — «дойные коровы», бесплатные добытчики магических артефактов, а принцесса — джек-пот в лотерее: такой притягательный и такой недоступный…

Но принцесса не согласна мириться с ролью «базового государственного капитала». Она стремиться к новым знаниям, мечтает познать мир. Аритэ очень умна. Она, что называется, «думающий человек». К тому же у нее очень доброе сердце. Аритэ в тайне выбирается из своей башни и гуляет по городу. Она восхищается умением людей трудиться и создавать вещи своими руками. Аритэ даже пробует наняться в подмастерье к ремесленнику. Но кто возьмет на работу девчонку?

А вот красотой Аритэ обделена. Один из претендентов на ее руку даже проговаривается, что девушка совсем не похожа на принцессу.

Противопоставление вполне традиционное и по большей части справедливое: женщина либо умная, но страшненькая, либо тупая, но красивая. Это в жизни. Литература вообще и сказка в частности предпочитает героинь умных и обязательно привлекательных внешне. Кстати, в том же 2001 году этот стереотип был блистательно обыгран в американском «Шреке». В «Аритэ» сохраняется традиционное противопоставление красоты и ума, правда, в усложненном виде.

Принцесса некрасива. Она это понимает и особой радости по этому поводу не испытывает. Однако непривлекательная внешность представлена как часть индивидуальности Аритэ. Принцесса такая, какая она есть: дурнушку с золотым сердцем и бриллиантовым умом. Счастье она может обрести, лишь приняв себя в своем первозданном обличии.

Волшебник Боукс наделяет ее красотой, но при этом отбирает индивидуальность. Аритэ превращается в прекрасную куклу, безвольную, бездеятельную. Она становится самой настоящей «прекрасной принцессой» из сказок: сидит в своих покоях, вышивает цветастые картинки, живет грезами, надеется на появление неведомого спасителя. Жизнь эта ненастоящая. Все — лишь декорации, иллюзия. Великолепные покои — раскрашенный подвал, окно — изображение на стене. Даже внешность принцессы не более чем мираж.

Вся середина аниме посвящена обретению Аритэ самой себя. Подлинное «Я» принцессы постепенно пробуждается. Ключевую роль в возвращении Аритэ играют ее мечты и размышления. По совету служанки Эмпл она начинает сочинять историю. Однако в отличие от ее прежних грез о прекрасном принце, эта история рассказывает о реальной жизни Аритэ, о реальном мире. Она не сочиняет, а осмысливает произошедшее и строит планы на будущее. Как только Аритэ переходит от сказочных грез к мечтам о реальности, чары Боукса спадают с нее. Вместе с истинным «я» возвращается и непривлекательная внешность, но принцессу это не огорчает.

Примечательно, что для своего освобождения Аритэ не прибегает к помощи волшебного кольца. Последнее из трех желаний так и остается неиспользованным. Принцесса всего добивается собственным умом и смекалкой: когда есть голова на плечах, никакая магия не требуется, а когда вместо головы шишка, то и все волшебство Вселенной бесполезно.

К сожалению, абсолютно завален эпизод с клятвой Аритэ на волшебном кольце и последующее нарушение этой клятвы. А это, к слову сказать, кульминационная сцена: Аритэ ведь ставит на кон собственную жизнь! По приказу волшебника она клянется честью принцессы, что ее сразит молния, если она не выполнит задания Боукса. Фактически Аритэ попадает в ловушку, находясь в двух шагах от свободы. Сразу после этого девушка заявляет Небесам, что не собирается подчиняться воле волшебника. В этом эпизоде зрителя призывают задуматься: а что же такое «личность», как описать собственное «я». Кто это — «я»? Школьник? Студент? Ребенок своих родителей? Любитель зеленого чая? Шатенка? Человек? Но это лишь отдельные характеристики, просто слова.

Для придворных Аритэ всегда была принцессой. Но героиня всегда чувствовала, что ее истинное «Я» никоим образом не ограничивается этим титулом. Ее личность — это нечто, которое невозможно назвать словами. Это ее самочувствование, ее душа.

Эту истину и хочет проверить Аритэ, отказываясь от клятвы. Если она ошиблась, и все ее «Я» ограничивается только титулом принцессы, значит молния испепелит клятвопреступницу. Ни героиня, ни зрители не знают, чем закончится этот эксперимент. Аритэ рискует жизнью ради внутренней свободы, ради независимости собственной личности. Момент поистине драматичный, заряженный эмоциями, вибрирующий от напряжения. Как этот накал страстей передан в аниме? Никак. Ни внутренней борьбы, ничего. Эмоции совсем не обязательно показывать с нарочитой экспрессией немого кино. Можно добиться нужного эффекта, играя на полутонах. В таких случаях на помощь приходят музыка, определенные приемы монтажа, использование пейзажей, метафорически передающих происходящее (проще говоря, дождь как метафора слез, увядший цветок — смерть и т.п.). Способов куча. Ни один из них не был использован в «Принцессе Аритэ».


ВОЛШЕБНИК БОУКС

Волшебник Боукс — персонаж весьма неоднозначный и своеобразный. Он — мальчишка, в течение долгих лет прикидывавшийся стариком. Ведь он на самом деле прожил не одну человеческую жизнь. Он застал события Апокалипсиса, он помнит жизнь ДО, он изведал жизнь ПОСЛЕ таинственной катастрофы. Он точно знает, что тогда произошло.

Книга Аритэ для Боукса — окошко в прошлое. Все то, что изображено на картинках, он видел воочию. Только прочитать старинные надписи волшебник-недоучка не может, отчего еще больше страдает, тоскует, бесится.

Годы и опыт не сделали его мудрее. В душе Боукс так и остался беспомощным ребенком, совершенно неожиданно лишившимся папы и мамы, вышвырнутым из привычной жизни. Он и ведет себя как ребенок: по-детски жестоко, по-детски капризно, по-детски наивно. Все это время Боукс надеется, что в мире остались и другие волшебники, люди из его эпохи, такие же, как и он сам, но только взрослые и сильные. Те, кто в отличие от него, знает, что делать. Страдая от одиночества, Боукс ждет, что другие волшебники его найдут. Он даже малюет на скале свой портрет: чтобы ОНИ увидели, чтобы пришли. Боукс злится на то, что «взрослые» все не появляются.

Проводя день за днем в ожидании, Боукс постепенно проникается ненавистью к самому себе. Хотя перед людьми он притворяется могучим магом, сам-то он знает, что его умения волшебника — на уровне первого класса начальной школы. Обладая магией, он не в силах ничего изменить, не в силах помочь даже себе.

Боукс — это антипод Аритэ. В отличие от волшебника принцесса не ждет подарков от жизни, а сама творит свою судьбу. Она открыта миру. Она готова познавать новое, готова работать во имя будущего.


ЭМПЛ

Эмпл — женщина, живущая в деревне возле башни волшебника Боукса. Некогда в деревне исчезла вода. Колдун пообещал, что с помощью своей магии обеспечит жителей деревни водой. Взамен же они должны будут кормить его. Эмпл вслед за своими предками стала прислуживать колдуну: готовить для него еду, прибираться в башне. Однако непокорная по натуре Эмпл мечтает выкопать колодец и освободить жителей деревни от ига Боукса.

Образ Эмпл удался лучше всего. Персонаж поучился роскошный: простая деревенская баба, но при этом отважная, целеустремленная, внутренне свободная. По характеру она похожа на Аритэ.

Эмпл преисполнена сострадания ко всему живому. Она сочувствует Аритэ, пытается ее освободить, а затем подсказывает ей путь к спасению. Даже явно несимпатичным людям она сочувствует. Эмпл жалеет Гровеля, получеловека-полулягушку, слугу Боукса, она жалеет и самого волшебника.

Эмпл упорно роет колодец, хотя все свидетельствует о том, что затея эта обречена на провал. Ее настойчивость вызывает восхищение.

К сожалению, Эмпл — персонаж второстепенный, поэтому на экране ей отводится совсем немного времени.


РАСПЛЫВЧАТЫЕ НАБРОСКИ

Характеры в «Принцессе Аритэ» прописаны слабо. Все сказанное ранее о Боуксе и Аритэ восстанавливается только потом, задним числом. Но непосредственно при просмотре аниме все описанные переживания волшебника и добрая половина переживаний Аритэ остаются непонятными.

Длиннобородый волшебник Боукс сидит у окна, листает книгу, периодически злится непонятно на что. Конечно, зрителей стараются как можно дольше держать в неведении по поводу истинной личности волшебника. Тем самым вроде как сохраняется интрига. Однако неплохо было хотя бы намекнуть на само присутствие этой интриги. Иначе как отгадать загадку, о существовании которой неизвестно? А именно так и получается в «Аритэ». Все эмоции волшебника кажутся беспочвенными, поэтому не возникает сопереживания, которое так важно для восприятия сюжета. Персонаж очень долго и нудно переживает непонятно что непонятно из-за чего. Наблюдать за ним скучно.

К аналогичным режиссерским просчетам относится и уже упоминавшаяся сцена с клятвой Аритэ.


ГНИЛАЯ ВОДА

Стоячая вода киснет. Есть такая народная мудрость. Имеется в виду, что без развития, без движения невозможно жить. Застой — предшественник гниения. Эта поговорка в равной степени справедлива для фильмов и книг. Без динамики, внешней и / или внутренней, произведение протухает. Грань, где медитативность, неторопливость переходят в затянутость, весьма тонкая. Но в «Принцесса Аритэ» она преодолена очевидно и многократно.

Первая часть, примерно до женитьбы Боукса на Аритэ, смотрится живенько. Повествование течет плавно, чтобы зритель имел возможность поразмышлять над каждой увиденной сценой, но в то же время не заскучал. Закончи Катабути Сунао свою историю тут, получилась бы отличная короткометражка. Но сюжет требовал продолжения банкета.

В середине динамики нет вообще. Ясно, что стояла задача показать однообразные тягучие будни Боукса и заколдованной Аритэ, наполненные бессмысленным ожиданием. Но получилось-то просто тягучая-претягучая мутотень! И вот здесь вся вина ложится на плечи постановщика. Подбери подходящую музыку, или изобрази «листопад» из отрывающихся листов календаря, или покажи пейзаж, по которому будет видна смена времен года…Приемов масса! Вовсе не обязательно тормозить повествование, врезая в него длинный затянутый кусок ни о чем.

Вместе с тем надо признать, что отдельные сцены «Принцессы Аритэ» сделаны отлично. К таким относится вся первая часть. Блестяще поставлен эпизод, где очередной жених пробирается в башню к Аритэ и рассказывает о своем героическом сражении с диковинным чудовищем (слоном). Параллельно с речью жениха показывается, как все было на самом деле. Прием не новый, но эффективный. Выразительно здесь переданы эмоции Аритэ: живо заинтересовавшись поначалу историей о дальних странах, она постепенно «угасает», понимая, что за человек перед ней сидит.

Удачные сцены есть и в середине: «пробуждение» Аритэ; эпизод, где волшебник принимает истинное обличие и рассказывает Аритэ о себе; все сцены с Эмпл. Но опять же это отдельные хорошо удавшиеся куски. Слепленные вместе, они превращаются в чудовище Франкенштейна — несуразное, неповоротливое, неуклюжее, угловатое.


ЧЕТЫРЕ ФИНАЛА

Финал — это логическое завершение истории, которое можно сравнить с точкой или многоточием в конце текста. Автор сказал все, что хотел, и теперь отпускает героев. В случае с «Принцессой Аритэ» автор (читай «режиссер») не знал, что хотел сказать. Бывает, человек что-то мямлит-мямлит и никак не закончит. Вроде бы останавливается, а потом после краткой паузы судорожно вздыхает и снова продолжает бубнить. Вот так и в «Принцессе Аритэ»: сцены, которые похожи на финал, следуют одна за другой, а аниме все не кончается. Таких финалов можно насчитать четыре.

Финал №1: Боукс рыщет по лугу в поисках своего магического кристалла. Неподалеку стоят Аритэ и Эмпл. Казалось бы, окончание истории ясно: волшебник повержен, жители деревни стараниями Эмпл и принцессы получили воду, Аритэ вернула себя. Достаточно показать еще десяток кадров, пусть даже статичных, из которых будет ясна дальнейшая судьба героев. Но полоса прокрутки утверждает, что до окончания аниме остается еще почти десять минут. Дальше начинается кромешный ужас, словно перенесенный в «Принцессу Аритэ» из легендарного «Терминатора»: железяку бьют-бьют, бьют-бьют и никак не добьют. «Ай`л би бэк». Брр-рр…

Монолог Аритэ и последующие воспоминания волшебника — это вообще полный кошмар. Все, кульминация прошла, замок колдуна рухнул, речка освобождена, волшебник низвергнут. Что еще-то надо? Если художник не находит иной способ выразить свою мысль, кроме как заставить персонажа проговаривать все это вслух, значит художник либо неопытный, либо плохой. Длинные пламенные речи уместны на съезде партии. В художественном произведении их либо быть не должно, либо они должны быть интересно поставлены. Когда кадр застывает, а герой просто начинает болтать, это выглядит скучно и беспомощно. В середине фильма подобный монолог еще бы прокатил. Но не в финале же!

Финал №2. Ладно, пробило волшебника озарение, открыла ему глаза проповедница-Аритэ. Миссия выполнена, и девушка уходит в путешествие в компании с козочкой. Все, мысль ясна: Аритэ отказалась от судьбы принцессы и решила исполнить свою мечту: стать вольной странницей, живущей среди простого люда. Финал? Финал.
Но не тут-то было!
Финал №3. Дальше нам показывают, как Аритэ приходит на гору и видит древний самолет, который уже тысячу лет продолжает кружить в воздухе. Зачем это нужно? Да просто так. Это сюжетная линия никуда не ведет. Восхищенная Аритэ в сто пятидесятый раз воспевает умение человека создавать вещи своими руками. В середине этот эпизод смотрелся бы нормально. В «затяжном финале» он влеплен ни к селу, ни к городу.

Все? Не фига.
Финал №4. (Ками-сама, да когда же это уже кончится?!). Аритэ «идет в народ», разжевывая то, что и так было ясно из «финала с козочкой».


БЫЛИННЫЕ СИЯНИЕ «КРАСНОГО СОЛНЦА»

В «Принцессе Аритэ» звучит песня на русском языке — «Красно солнце». Написана она была Оригой (Origa, в миру Ольга Яковлева), известной японской певицей родом из России. «Красно солнце» — отличная стилизация под древнерусские песни. Надо сказать, что содержание песни совсем не пересекается с содержанием самого аниме. Но, думается, для японского зрителя русская песня на русском же языке слушается весьма экзотично и создает необходимый колорит.

Песня действительно очень красивая: музыка, текст, исполнение — все радует слух. Даже немного жаль, что такая хороша песня израсходована на такое средненькое аниме.

Фоновые композиции «Принцессы Аритэ» тоже держат заданную высокую планку. Атмосферно, колоритно, эпично.


ИТОГ

«Принцесса Аритэ» — очень неровное аниме. Слабенькая постановка жестоко убила хороший, наполненный смыслом сюжет. Обидно, ведь идеи-то в «Аритэ» заложены очень глубокие и правильные. История умной принцессы рассказывает о внутренней свободе, о стремлении познать мир, о том, что бессмысленно ждать, когда кто-то придет и поможет тебе — нужно полагаться только на себя, самому стать творцом судьбы — своей, окружающих людей, всего мира.

Эх, такой великолепный материл да в умелые режиссерские руки — получилось бы шикарное аниме. А так вышло ни то, ни се, а черт знает что. Но японцам нравится: «Принцесса Аритэ» обласкана наградами и считается чуть ли ни манифестом феминизма. Вот такой он, загадочный японский зритель.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (1)

Kagewani: Shou (2016.11.07)

Вы сняли экспериментальный, необычный, интригующий аниме-сериал, но во втором сезоне вам зачем-то понадобилось собственноручно угробить ваше великолепное детище? Спросите у авторов «Kagewani»: они точно знают, как это сделать.


ПО РЕЦЕПТУ КРОКОДИЛА

Первый сезон «Kagewani» был ярким, мощным и неординарным. Правда, в финальных эпизодах уже сквозило нечто тревожное, какой-то ветер перемен, явно сдувавший сюжет не в ту сторону.

И вот свершилось. Вышел второй сезон, поведавший миру полную историю теневого крокодила в лицах и картинках. Ради светлой памяти первого сезона «Kagewani» как-то не хочется слишком грубо ругать продолжение. Но... второй сезон вышел не просто слабым. Он получился отвратительным, причем по всем фронтам.

Иронично, что сочинялся второй сезон, похоже, строго по рецепту создания теневого крокодила: побросать все в кучу и ждать, что получится. Вполне закономерно, что получился жуткий монстр.

Во втором сезоне «Kagewani» собрались все мыслимые и немыслимые штампы из аниме, причем аниме не самых лучших. Мрачный и «загадошный» герой, в котором поселилась Тьма. Нет, не так. Более пафосно. ТЬМА! Злодей-супостат, который считает себя Избранным и хочет – му-ха-ха-ха! – завоевать этот мир! Воинственная девица с супер-оружием, озлобленностью и детской травмой. И все это такое подростково-максималистское, такое плоское, черно-белое, прямолинейное...


ДНК В СТУПЕ

Во втором сезоне «Kagewani» ушло очарование неведомого, ушла атмосфера страшной сказки. Авторы убили их, смешав мистику и научную фантастику. Мистика – она на то и мистика, что рассказывает о необъяснимом, иррациональном, о потусторонних мирах и древних заклятиях. А научная фантастика, путь даже псевдонаучная, стремится дать всем событиям рациональное объяснение. Ну, не могут в одном сюжете ужиться старинные ритуалы по созданию демонического монстра и дезоксирибонуклеиновая кислота, она же ДНК. Получается нелепо и беспомощно.

Стиль тоже убили. Рисовка во втором сезоне «Kagewani» осталась прежней, но исчезло внимание к деталям. Если в первом сезоне было видно стремление художников придумать что-то из ряда вон выходящее, то во втором сезоне дизайн монстров упростили донельзя: это обычные животные с парой лишних глаз или конечностей.


ВОЛЕЮ ПОСЛАВШЕГО МЯ СЦЕНАРИСТА

В первом сезоне восемь минут эпизода пролетали как одно мгновение, но оставляли ощущение полноценной серии. Во втором сезоне те же восемь минут тянутся вечность и производят впечатление очень длинных и нудных восьми минут.

Атмосферы нет, ярких персонажей нет, мотивация и характеры персонажей будто взяты из детского фанфика, логика отсутствует как класс.

Самый вопиющий пример – флешбэк главной героини. Теневой крокодил съедает папу маленькой героини и нападает на ее деревню. Заслышав приближение крокодила, мама дает девочке супер-оружие, которое успел смастерить папа. Единственное, что нужно сделать – стукнуть этим оружием, причем даже не по крокодилу. Просто стукнуть по чему угодно. Бам – и все. Что делают герои? Девочка прячется. Мама под вопли умирающих жителей деревни бежит наперерез теневому крокодилу. И только когда всех сожрали, девочка наконец-то бамкает оружием о косяк и прогоняет крокодила. Кто мешал ей поступить так сразу и спасти маму и всех жителей деревни? Очевидно, автор сценария, которому нужно было насочинякать трагическую сцену.

Обидно, что всего этого можно было бы избежать. Для этого достаточно было придерживаться первоначальной концепции: отдельные пугающие истории, «истина где-то рядом» и герой, вечно стремящийся познать непознаваемое. А если уж потянуло придумывать сквозной сюжет, то хотя бы попытаться сделать его оригинальным, а не превращать сериал в энциклопедию дешевых штампов.


ИТОГ

Может, второй сезон «Kagewani» не вызывал бы такого отторжения, если бы не было блистательного первого сезона. Он посулил разрыв шаблона, нечто выдающееся, необычное. И в итоге выродился в штампованное аниме для среднего школьного возраста.


+4Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Kagewani (2016.11.07)

Бывает, талантливый человек берет битую-избитую идею и с помощью битых-избитых методов и приемов создает свежее, неординарное произведение. Первый сезон аниме «Kagewani» как раз из этой категории.


ИСТИНА ГДЕ-ТО РЯДОМ: О ГЕРОЯХ И СЮЖЕТЕ

Первый сезон аниме-ужастика «Kagewani» напоминает лучшие сезоны легендарных «Секретных материалов». Каждый эпизод – самостоятельная история про то, как люди сталкиваются с различными монстрами – таинственными, неуловимыми, кровожадными. О происхождении чудовищ до поры до времени ничего не говорится: мол, истина где-то рядом!

В каждой серии появляется кагевановский агент Малдер – профессор Сосукэ Бамба. Как и положено, у него с чудовищами личные счеты. Но подробности этой истории раскрываются лишь к финалу первого сезона.

В отличие от Малдера Бамба-сэнсей не всегда становится активным участником событий. Иногда он приходит к концу представления, когда все жертвы монстра уже съедены и переварены. Однако от серии к серии участие Бамбы становится все ощутимей.

Агента Скалли в «Kagewani» нет. Зато есть антагонист: мерзоватенький молодой человек по имени Масаки Кимура, работающий на компанию «Саругаку».

Однако в первом сезоне герои как таковые не важны. Характеры даются штрихами, биографии намеками. В фокусе внимания – монстры и их жертвы.


МАЛЕНЬКИЙ, НО ЕМКИЙ: О СЦЕНАРИИ

Эпизод «Kagewani» длится всего 8 минут вместе с опенингом и эндингом. (Восемь, Карл!). Это чуть больше трети стандартного эпизода аниме. Однако сценарий каждой серии «Kagewani» прописан настолько четко, что нет ощущения скомканности или обрывочности. Истории целостные, монолитные, с завязкой, кульминацией и развязкой. Напряжение нагнетается очень грамотно.

Персонажи – не просто корм для монстра. Они наделены индивидуальностью, пускай зачаточным, но характером. Поэтому после восьми минут, к финальному аккорду эндинга, остается впечатление, что ты посмотрел минимум получасовой эпизод.


ТЕНИ СИЗЫЕ СМЕСИЛИСЬ: О ГРАФИКЕ

Визуальная составляющая «Kagewani» – это чистой воды эксперимент, причем полностью оправданный. Мир «Kagewani» ломаный, угловатый, блеклый, сумбурный, порой слегка расплывчатый. Здесь дерево может оказаться монстром, а жуткий силуэт затаившегося чудовища – всего лишь игрой света и тени.

В этот мерцающий, изменчивый мир отлично вписываются монстры. Дизайн чудовищ в «Kagewani» – невероятно красивое уродство. Неведомые существа лишь отдаленно напоминают реальных животных. Угадать прототипов не всегда возможно. Странно прозвучит, но в этих чудовищах есть поэзия (например, в глубоководном монстре, напавшем на батискаф). Во втором сезоне загадочность исчезнет: останутся реально существующие животные, которым пририсовали пару лишних лап.


ИТОГ

«Kagewani» – необычный, экспериментальный, невероятно атмосферный аниме-хоррор. Был. А потом они сняли второй сезон.


+3Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Игра Джокера (2016.06.30)

Хвалебная рецензия с кучей критики.

НА ДВУХ СТУЛЬЯХ

«Игра джокера» - аниме не слишком выдающееся, и тем не менее оно заслуживает внимания и даже похвалы.

У аниме «Игра Джокера» есть одна серьезная проблема: его создатели так и не решили, что же они снимают — психологическую драму про шпионов или приключенческий шпионский боевик. Разница принципиальная. В психологической драме на первом месте психология героев, их судьбы, их истории, их внутренний мир. Шпионский же боевик сосредоточен непосредственно на операциях, на играх разведки/контрразведки. Совмещать жанры можно, однако делать это надо с умом и смешивать пропорционально. В «Игре джокера» создать баланс жанров не получилось.

А начинали-то за здравие. В первых двух эпизодах психология и приключения переплетены удачно. Перед нами команда персонажей, отдельными штрихами намечены их характеры, ведутся рассуждения о психологии шпиона: с чем приходится сталкиваться разведчику в чужой стране и какой тип людей подходит для такой работы. В качестве иллюстрации – операция по разоблачению иностранного агента. Показаны противоречия внутри японской армии, влияние личных мелочных амбиций на важные политические решения. Короче, full house для хорошего анимационного кино.

А дальше каждый член «Агентства Ди» отправляется со своей миссией в разные уголки мира. С третьей серии аниме «Игра джокера» строится по принципу «один эпизод — одна история». Все бы хорошо, но тут начинается тот самый дисбаланс жанров. Со шпионским боевиком все отлично: сюжеты динамичные, операции остроумные, интрига сохраняется до последних кадров. Иногда попахивает бондианой – но куда ж без этого!

А вот с психологической драмой – беда. Ее нет. Нам так ничего и не расскажут об агентах Ди, о причинах, по которой они стали шпионами. Мы почти ничего не узнаем про их шпионские будни на чужбине, про их мысли, чувства. Ну, нет и нет. Только вот зачем тогда нужны первые два эпизода с пространными рассуждениями о «людях-монстрах», своих среди чужих, о вечных одиночках и т. п.? Зачем классический сёнэновский опенинг с вереницей персонажей, о которых в итоге мы так ничего толком и не узнаем?

Хотите сделать психологическую драму про шпионов? Отодвиньте подробности спец.операций на второй план и сосредоточьтесь на судьбах агентов. Кратко расскажите их историю, объясните, почему они стали шпионами, и дальше показывайте все операцию их глазами. Собственно, так сделаны первые два эпизода, 10-й (где иностранный агент пытается разузнать о прошлом подполковника Юки) и последний 12-й эпизод.

Решили делать шпионский боевик? Ограничьтесь рассказом про подполковника Юки, который, весь из себя такой умный, продвинутый и нетипичный, подготовил замечательный отряд агентов. И потом в начале каждой серии показывайте нового агента, но без обещания более близкого с ним знакомства. Пусть он будет проводником, с помощью которого мы насладимся всеми смачными подробностями очередной остроумной игры разведок.

Но «Игра джокера» безуспешно пытается усидеть на двух стульях: четыре эпизода сняты как психологическая драма, все остальное – крепкий шпионский боевик.

По отдельности эти составляющие сделаны очень хорошо. Но, слепленные в единый сериал, абсолютно сбивают с толку. Потому что зритель должен понимать, что он собственно смотрит. Торт – это вкусно. Бифштекс – это вкусно. Но если лопать бифштекс, заедая его кусками торта, легко заработать несварение желудка.


ЛУЧ СВЕТА В ТЕМНОМ ЦАРСТВЕ

А теперь миска меда в кастрюльку дегтя. Нужно ли смотреть «Игру джокера»? Безусловно, да. Это аниме не станет золотой классикой. Однако оно заслужило свою порцию внимания благодаря свежести темы, внятному сюжету, четкой структуре, ярким второстепенным персонажам и великолепному подполковнику Юки. На фоне бесконечных штамповок про демонов, школьников и большие сиськи, а также претенциозных недоделок вроде «Gangsta», появление даже весьма средненького, но по-настоящему серьезного, реалистичного сериала – это мед и праздник для всех анимешников.

Сюжеты «Игры джокера» продуманные, хорошо прописанные, эпизоды динамичные, смотрятся на одном дыхании.

Агенты Ди весьма серенькие, а вот второстепенные персонажи яркие и запоминающиеся.


НЕ УБИВАТЬ, НЕ УМИРАТЬ

Хотя события «Игры джокера» происходят в нашей реальности в конкретный период времени и в конкретных странах, это аниме нельзя воспринимать как учебник истории. «Все события и персонажи вымышлены» – далее по тексту. Мысль, вроде бы, очевидная. Но ведь нашлись же уникумы, которые всерьез возмущались исторической недостоверностью тарантиновских «Бесславных ублюдков». Так что на всякий случай еще раз оговорюсь: «Игра джокера» – не историческая хроника. Но это аниме вдохновлено реальными историческими обстоятельствами, так что там определенно есть, над чем поразмыслить.

Надо понимать, что действие японского аниме происходит в период Второй мировой войны, где Япония воевала на стороне Германии. Этот скользкий момент в «Игре джокера» очень умело смягчен. Фашистская Германия показана без капли симпатии. В одном из эпизодов зрителю напоминают, что в Первую мировую войну Япония и Германия были по разные стороны баррикад, и для многих участников новой континентальной бойни с тех пор ничего не изменилось. И самое главное, «Игра джокера» – не про Вторую мировую войну. Это аниме про шпионов, конкретно – про группу, подготовленную блистательным подполковником Юки, который со своими убеждениями стоит поперек горла многим японским воякам.

Юки – самый харизматичный герой «Игры джокера». Он умен, хитер, хладнокровен, независим. Словом, прекрасен. Его философия и суть конфликта с японской армией помогает понять психологию японцев предвоенных лет и периода Второй мировой войны. Тотальный милитаризм, культ самурайства, идеал воина-камикадзе, принцип: «умирай и убивай, не задумываясь». В противовес этому подполковник Юки проповедует противоположную идею: по возможности не убивать и не умирать. Убийство и самоубийство – худший выход для шпиона. В «Игре джокера» явно показано, что подобного рода гуманизм разумен и ведет к победе, в то время как старые идеалы, принцип «убей или умри» раз за разом терпят фиаско.


+6Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Митико и Хаттин (2011.12.01)

Титания:

О милый смертный, спой еще, молю!
Мой слух влюбился в твой певучий голос,
Мой взор пленился образом твоим;
Мне красота твоя велит поклясться,
Едва взглянув, что я тебя люблю.

Моток:

По-моему, сударыня, вряд ли это с вашей стороны разумно; хотя, по правде говоря, любовь и разум в наши дни плохо ладят; а жаль, что добрые люди их не помирят.

(У. Шекспир, «Сон в летнюю ночь», д. 3, явл. 1, пер. М. Лозинского).


Масяня (под одобрительные крики толпы девушек):
– Девчонки! Все мужики – козлы! Похотливые бараны! Жадные эгоисты! Тупые неряхи! Ненасытные, толстопузые обжоры!

(О. Куваев, «Масяня», «8 марта»).


ПОСТРОЕНИЕ СЮЖЕТА

Страстная красотка-мулатка Митико и скромная, но отважная «белоснежка» Хана (Хаттин) вместе путешествуют по городам Латинской Америки. Единственное, что их связывает – человек по-имени Хироси – возлюбленный Митико и отец Хаттин. Хироси – словно синяя птица счастья, постоянно ускользает от них. Будет ли финал у этого путешествия за мечтой? И если будет, то окажется ли он счастливым? Кто знает?

А пока путь Митико и Хаттин лежит через города, городишки, городёнки и просто-напросто захолустные деревушки Бразилии, где, как известно, в лесах водится много-много диких обезьян.

А впрочем песня не о них,
А о любви!

Бродить по городам и весям Латинской Америки пешком крайне утомительно, поэтому Митико и Хаттин ездят на угнанном зеленом мотоцикле.

((Замечание в скобках. Знаю, что скорее всего сие транспортное средство называется как-то иначе, но в таких тонкостях я не разбираюсь, а фансаберы обзывали его именно мотоциклом, так что просьба в меня тапками не кидаться. К тому же – «Zed`s dead, baby. Zed`s dead»)).

Мотоцикл появляется здесь вовсе не случайно. Крутая красотка на мотоцикле – это штука посильнее «Фауста» Гёте, а страстность, экзотичность, стильность и колорит – визитная карточка этого аниме-сериала.

Беглую заключенную Митико и ее спутницу Хаттин преследует и полиция, и бандиты. К тому же в дороге две одинокие путешественницы попадают не в одну передрягу.

Надо отдать авторам должное: сюжет грамотно выстроен и четко выдержан.

«Побочные» приключения (история с доктором-шарлатаном, история с любвеобильным мужем парикмахерши, история о танцовщице и ее сестре, о мальчике из книжного магазина, о золотой вазе и т.д.) – это не проходные эпизоды, нужные лишь для того, чтобы растянуть аниме на нужное количество серий. Каждая встреча, каждое приключение помогают нам лучше узнать и понять главных героинь. Да и в центральную тему – тему любви – они добавляют свою важную нотку. Отдельный, «сольный» эпизод выделен не только Хане и Митико, но и Ацуко («Джамбо»). В некоторых эпизодах (например, про танцовщицу, про юную акробатку) побочные персонажи выходят на первый план, а главные герои выступают лишь в роли наблюдателей или помощников.

Чужие истории делают повествование более разнообразным, а зрители не замыкаются на одних только Митико и Хаттин. Благодаря другим персонажам мы можем несколько по-иному взглянуть и на главных героинь.

Истории других людей, истории их любви – это еще и своеобразные зеркала для самих главных персонажей.

После встреч со стриптизершей и певцом-исполнителем женских ролей Митико начинает лучше понимать свое отношение к Хане.

Ацуко наконец-то удается разобраться в себе после встречи с девушкой-сиротой из деревни. Охотница за золотой вазой для Ацуко – это воплощение юной Митико. В детстве Ацуко не могла до конца понять, что ее так привлекает и одновременно бесит в Митико. Теперь взрослая Ацуко встречает девочку, очень похожую на юную Митико, и получает возможность еще раз пережить чувства, которые испытывала в детстве, но при этом оценит их с высоты прожитых лет, накопленного опыта, чтобы – понять.

Что в сухом остатке? Ясная и лаконичная завязка, сбалансированная середина и хороший, не скомканный и, скажем так, полуоткрытый финал.

Мне бросились в глаза только два серьезных изъяна в логике развития сюжета и создания характеров.

Во-первых, какая-то необъяснимая «дыра» в самом начала повествования – бунт Ханы, который оканчивается…ничем. То есть абсолютно. Вы хотите убедить меня, что избалованная дочурка священника не настучала папочке о том, что Хана ей наподдавала? Или что священник с женушкой спустили Хане с рук ее бунт и побег? Окончание этой сюжетной коллизии попросту провалилось в черную дыру, а повествование понеслось дальше.

Во-вторых, Хана ни разу не заговорила о своей матери. Она что, как богиня Афина, родилась из головы отца? Подчеркивается только, что Хана – не дочь Митико. О родной маме девочка, похоже, и не вспоминает.

Есть и еще одна деталь, которая показалась мне неубедительной, но которую я согласна записать в спорные вопросы. Митико тоже ни слова не говорит о настоящей матери Хаттин. Для Митико важно, что Хана – это ЕГО (Хироси) дочь. Но ведь помимо этого Хана еще и ЕГО дочь от ДРУГОЙ ЖЕНЩИНЫ. Об этом Митико как бы и не задумывается. Да-да, это Митико, которая, выпустив когти, бросается на «помидорную профессоршу» только потому, что та спала с Хироси.

Кстати, если кому-то показалось неубедительным, что у маленькой Ханы вокруг пупка красуется татуировка, спешу вас успокоить: здесь как раз все более или менее достоверно. Известно, что индейские племена Южной Америки украшали свои тела татуировками. Такая традиция была распространена, например, среди женщин племени кадиувео, жившего (или живущего) на территории современной Бразилии (!). В некоторых племенах татуировки набивали даже детям 6–7 лет. Тут можно отпустить фантазию на волю и поразмыслить, кем была мать Хаттин, если у светловолосого голубоглазого Хироси родилась светловолосая темноглазая дочь, и о том, в каком возрасте Хана попала в приемную семью.


СОЗДАНИЕ КОЛОРИТА: СЕНЬОР С КАТАНОЙ

Наверное, каждому из нас время от времени хочется экзотики. В мечтах мы уносимся от опостылевшей действительности в дальние, неведомые края: в солнечную Африку, романтическую Францию, на Дикий Запад – словом туда, куда зовет нас сердце. (Анимешники, понятное дело, чаще всего уносятся в Японию).

Страна нашей мечты вовсе не обязана точно соответствовать своему реальному, географическому прототипу. Она перенимает самые яркие черты и реалии, проходя мимо не слишком притягательных подробностей или в какой-то степени романтизируя их. Скажем, Африка Мечты – это солнце, пески, пальмы, чернокожие племена с диковинными обычаями, а вовсе не совокупность стран Третьего Мира, находящихся в сложнейших экономических и общественно-политических условиях.

Страна Мечты тоже может быть неидеальной. Бедность, преступность, лишения и невзгоды могут быть известны и здесь. Но в любом случае «изнанка» жизни будет покрыта легким, едва ощутимым налетом глянца. Потому что – это же мечта, черт возьми!

Описание Страны Мечты допускает и некоторые чисто фактические неточности. Положим, когда мы тоскуем о благородных рыцарях средневековой Европы, то как-то всегда упускаем из виду, что на самом деле эти субъекты редко мылись, плохо пахли, не отличались изысканными манерами и зачастую вовсе не были благородны. Нет!

Тьмы низких истин мне дороже
Нас возвышающий обман
(А.С. Пушкин, из стихотворения «Герой»).

К чему такая длинная преамбула? А к тому, что действие аниме «Митико и Хаттин» как раз и разворачивается в такой Стране Мечты, в экзотической, далекой, таинственной, манящей Бразилии.

Перед автором, который переносит действие своего произведения в чужую страну или другую эпоху, всегда стоит непростая задача: создать соответствующий колорит, чтобы увлечь за собой читателя (зрителя), заставить его поверить в правдивость описанного, перенестись в Страну Мечты. Мы знаем Францию 17 века по романам Дюма, средневековую Англию – по романам Вальтера Скотта, Америку времен первых поселенцев по книгам Купера, и плевать нам на заявления ученых, будто «Три мушкетера» с исторической точки зрения выеденного яйца не стоят!

Начинающий или не слишком талантливый автор выбирает самый простой путь создания «иностранного колорита» – дает героям экзотические имена, вставляет пару местных названий и упоминает наиболее известные реалии (Япония: Сакура, самурай, Эдо; Россия – Иван, матрешка, Москва). Такой подход слишком поверхностный, и созданная Страна Мечты может увлечь только самого простодушного и непритязательного читателя или зрителя.

Настоящий мастер слова и образа должен, пардон за прямоту, врать вдохновенно и очень убедительно. Таких примеров много и в литературе, и в кинематографе, и в аниме.

Кто не верит в реальность Руанапура? Кто? Выходи по одному!

В «Митико и Хаттин» складывается парадоксальнейшая ситуация. Латинская Америка воссоздана здесь очень достоверно (по меркам Страны Мечты, конечно). Признаюсь честно, я никогда там не бывала, но готова поверить, что Бразилия именно такова. Города, деревеньки, улочки, дороги, забегаловки, гостиницы, природа, люди, даже надписи внизу экрана с указанием места и времени действия, сделанные, если не ошибаюсь, на португальском, – все это создаёт соответствующий колорит.

И вдруг ни с того ни с сего автор самолично бьет по великолепному хрустальному замку своей фантазии тяжеленным ломом – дает героям-латиноамериканцам совершенно, абсолютно не латиноамериканские имена: Митико, Ацуко, Хироси, Сатоси – это что, латиноамериканцы??? Откровенно японские имена портят все впечатление, разрушают столь удачно созданный колорит. Причем имена эти совершенно не обоснованны. Ладно, меня уже почти не раздражает, когда в аниме герои-европейцы или американцы периодически начинают вести себя как японцы, а среди самих персонажей, в какой бы точке света не разворачивалось действие, обязательно отыщется хотя бы полуяпонец. Это объяснимо и понятно. Но зачем давать героям-латиноамериканцам японские имена? Загадка.

Поначалу у меня еще сохранялась надежда, что это такой остроумный прием, игра со зрителем, и что периодически латиноамериканский колорит будет разрушаться, обнажая свою условность (то есть будут появляться и другие явно не латиноамериканские детали и реалии). Так ведь нет! Колорит выдержан от и до во всем – кроме имен!

В книге «Слово живое и мертвое» замечательной переводчицы Норы Галь есть раздел «Мистер с аршином», где как раз приводится много примеров разрушения национального колорита из-за вмешательства «инородных» слов и имен. В книге речь идет о тонкостях художественного перевода, но в «Митико и Хаттин» наблюдается схожая ситуация. Приведу отрывок из этой книги:

«Одаренный переводчик, не новичок, в английский фантастический роман вводит прозвище «Кит Китыч». Не странно ли переносить сюда из прошлого века, из пьес Островского классический российский образ, то, что накрепко связано с лицом купеческого звания и вполне определенного «ндрава»?»


КЛЮЧЕВАЯ ТЕМА: ЛЮБОВЬ, ЛЮБОВЬ, ЛЮБОВЬ

Любовь в самых разнообразных своих формах и проявлениях лежит в основе 80 сюжетов, а в остальных 20 присутствует в качестве дополнительного элемента.

В «Митико и Хаттин» любовь – ключевая тема, «позвоночник» сюжета, основа образов, мерило всего и вся.

Митико восхищает своей способностью любить – любить преданно, безоговорочно, безоглядно. Стремясь воссоединиться со своим избранником Хироси, она способная смести любые преграды, возникающие на ее пути.

Стоит лишь упомянуть заветное имя «Хироси» – и Митико из хрупкой девушки превращается в останавливательницу коня и входительницу в горящие избы.

Правда, по поводу физ.подготовки героини создатели, похоже, так и не пришли к единому мнению. Поэтому здесь образ Митико крайне непоследователен. То она запросто сбегает из хорошо охраняемой тюрьмы и в одиночку расшвыривает толпу противников, то пасует перед парочкой гопников. Вот такая она, вся противоречивая и непостоянная.

Более рациональная Ацуко завидует способности Митико всецело отдаваться Великому Чувству. Полицейская понимает, что сама она не способна вот так же, без оглядки следовать зову сердца. Она и злится на Митико, чувствуя свою ущербность, и восхищается своей заклятой подругой. Именно поэтому «Джамбо» не прекращает преследовать Митико, но постоянно отпускает ее, позволяет продолжать погоню за Мечтой.

Все значимые женские персонажи этого аниме-сериала живут любовью и мечтой. Кто-то, как Митико, умеет всецело отдаваться своим чувствам, кто-то, как Ацуко, лишь тоскует по такой способности, кого-то, как парикмахершу, любовь превращает в ревнивую стерву. Так или иначе, все эти женщины умеют преданно любить.

НО!

Для этих страстных, смелых женщин не находится достойных мужчин. И не потому что прекрасные дамы делают неверный выбор. Все дело в том, что истинных кавалеров в этом аниме просто нет.

Все значимые мужские персонажи на редкость отвратительны: трусливые, нерешительные, непостоянные, грубые, жестокие, беспомощные, бесполезные, безответственные.

Акробат, который не может отважиться на откровенный разговор с безумно влюбленной в него девочкой и все надеется на то, что оно само как-нибудь образуется. Сучковатый (пардон за мой французский) муж парикмахерши. Врач-шарлатан. Неудачник полицейский Рикардо, крайне амбициозный, но ни на что не способный без своей напарницы Ацуко. Крикливый клоун из цирка, подкаблучник своей пробивной супруги и подельницы. Куча бандитов разной степени отмороженности. Хироси, который ((no spoilers)). Избранник повзрослевшей Ханы, который тоже ((no spoilers)). Даже Сатоси, один из самых интересных персонажей этого аниме, несмотря на всю свою крутизну, так до конца жизни и остался маленьким мальчиком, намочившим штанишки перед лицом смерти.

Из нормальных, достойных мужчин тут можно вспомнить разве что мальчика из книжного магазина, но его история любви по определению не имеет продолжение, да и сердце Ханы он все-таки разбил, пусть и не со зла. Второй мужской персонаж, заслуживающий уважение, – актер китайской оперы. Но, во-первых, сказано, что до ухода жены он был непутевым пьяницей, и только превратившись в «папа-маму» взялся за ум. А во-вторых – важная деталь – в театре он исполняет ЖЕНСКИЕ роли, причем исполняет великолепно. Так что постоянные перевоплощения в женщину, видимо, наложили на него свой отпечаток: помогли превратиться из мужчины в Человека. Третий нормальный мужской персонаж, помогающий Митико и ведущий себя достойно – гей, владелец забегаловки. На этом череда героев мужского пола, вызывающих что-нибудь, кроме стойкого чувства гадливости, заканчивается.

В этой системе Митико является эталоном. Она – воплощение Идеальной Женщины (читай: идеального человека). Но, увы, в несовершенном мире слабых мужчин у винкс-образной красавицы просто нет достойного объекта для излияния переполняющих ее чувств. Поэтому, не в силах сдерживать свою порывистую душу, она влюбляется в человека, едва ли этого достойного, идеализирует его, наделяет качествами, которые никогда не были ему присущи. Но слепо любящая Митико, словно Титания из шекспировского «Сна в летнюю ночь», одурманенная любовным зельем, не способна увидеть всю убогость и жалкость своего избранника.

Хана в конце концов разобралась в характере своего отца, поняла, что он за человек. Но сияющая улыбка Митико была ей дороже правды.

Финал аниме ставит в теме любви жирную точку. В общем, девчонки, (см. второй эпиграф).

Такой ракурс рассмотрения темы любви мне совершенно не понравился. Нет, я вовсе не питаю иллюзий в отношении представителей сильного пола. Но нельзя же смотреть на вещи так однобоко! Нельзя же так однозначно утверждать, что все мужики – козлы. Не все и не только козлы! Встречаются и другие животные. ~ __^

Так чем, чем же несчастные мужчины так прогневили авторов «Митико и Хаттин»?! Режиссер всего этого мужененавистничества – женщина, но автор сценария-то мужчина! Так в чем же дело? Его что, парень бросил? Или он просто страдает комплексом неполноценности и настолько ненавидит себя?

Шутки шутками, но нужно признать: главная идея у этого аниме есть. Она достаточно четко формулируется и последовательно воплощается на протяжении всего сериала. А уж как относиться к этой идее – личное дело каждого.


МУЗЫКА

Единственное, что в «Митико и Хаттин» мне понравилось на 100 – это опенинг. Нет, открывающая песня так себе, скачивать ее не захотелось. Но она идеально сочетается с предложенным видеорядом. Здесь все: страстная натура героини, ее умение преданно любить и следовать за мечтой вопреки всему, дух приключений и опасности, бешеная гонка, встречи и расставания, бесконечное путешествие, экзотика и латиноамериканский колорит. Опенинг посмотрите в любом случае: не пожалеете.


ИТОГИ

«Митико и Хаттин» – хорошее аниме, сделанное очень грамотно и даже талантливо. Просто угол рассмотрения главной темы, темы женской любви и преданности, скажем так, весьма специфический. Если вас не смущает подобная однобокость под лозунгом «Любовь зла, полюбишь и козла, потому что кого еще, спрашивается, тут любить?!» – это аниме вам понравится.

Лично мне характер и образ мыслей авторского идеала, Митико, нисколько не импонирует. Мне гораздо ближе Хана с ее более трезвым взглядом на вещи. Поэтому, признавая все безусловные достоинства этого аниме, могу сказать, что оно мне скорее не понравилось.

Но опенинг посмотрите обязательно – именно посмотрите! (в хорошем качестве и со звуком). В любом случае. Опенинг – стильный, яркий и классный. И идет всего 1,5 минуты.


+3Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Shoka (2011.10.22)

«Кино Момоэ однажды высмеял некоторые иероглифы, написанные великим Кобо Дайси. Он сказал, например, что один из них похож на тщеславного борца. И сразу же после этого опрометчивого высказывания ночью Момоэ приснилось, что борец наносит ему удар за ударом, — более того, ему снилось, что его соперник напрыгивает на него, причиняя невыносимую боль. Момоэ проснулся и громко закричал, и пока он кричал, он видел, как этот борец превращается в иероглиф, над которым он так глупо насмехался. Этот иероглиф поднялся в воздух и вернулся обратно на дощечку, с которой спустился».
(из японской легенды о Кино Момоэ и Ономо Току)


Аниме «Shoka» (рус. «Каллиграф») — поучительный пример того, как слабенький сценарий может убить очень удачную сюжетную задумку.


ИЕРОГЛИФИКА И КАЛЛИГРАФИЯ

Идея, лежащая в основе «Shoka», действительно интересная. Она наполнена национальным колоритом.

Японская письменность — это не привычный для нас алфавит, где одному звуку соответствует одна буква. Это иероглифика. Само восприятие слова письменного и слова устного у японцев принципиально иное, нежели у европейцев. Мы записываем звуки. Японцы записывают смысл. Буква сама по себе ничего не значит. Иероглиф уже наделен самостоятельным смыслом. Комбинации иероглифов рождают новые значения.

Каллиграфия в Японии — это целое искусство, отдельное направление в живописи. Мастер каллиграфии, реальной, настоящей, пользуется большим уважением.

Так что вполне логичной кажется идея создателей аниме превратить каллиграфов в этаких волшебников, а каллиграфию — в магическое боевое искусство. Тем более что база в японской мифологии для этого имеется.


КАЛЛИГРАФЫ В АНИМЕ

Ниндзя, самураи, демоны, девочки-волшебницы — все это было и уже не раз. «Shoko» предлагает нам новых персонажей — клан боевых магов-каллиграфов.

Зрелищность в этом аниме, конечно, на высоте. Все эти призванные животные, барьеры, стихийный силы, воплощающиеся из картинок и начертанных в воздухе иероглифов, свиток, в одно мгновение сплетающий вокруг героев непробиваемый кокон — все это смотрится восхитительно и необычно.

Хочется самому взять ручку и начертать в воздухе какое-нибудь слово (разумеется, приличное) нашей родной кириллицей — и посмотреть, что произойдет.


МУЗЫКА

Музыкальное сопровождение неплохое. Не сказать, что после просмотра тянет скорее скачать OST-ы (если они, конечно, существуют) и гонять их днем и ночью. Однако во время просмотра, скажем так, ушам приятно. ^__^

________________________________
На этом плюсы заканчиваются. И начинается то, что начинается.


МИМОХОДОМ О РИСОВКЕ

Рисовку оставим в стороне. Это вещь слишком субъективная. Но меня все-таки не покидало ощущение, что причина такого, кхм, оригинального дизайна и прорисовки персонажей — в скромном бюджете проекта, а вовсе не в каких-то художественных задачах.

Можно, конечно, предположить, что идея заключалась в подчеркнутой демонстрации «нарисованности» персонажей в аниме про «искусство рисования», но…сомнительно.


СЮЖЕТ

Согласно информации, приведенной на World-art, сценарий «Shoka» победил на ежегодном конкурсе сценариев Animax Taishou, и в награду по этому сценарию было снято аниме. У меня в таком случае возникает только один вопрос: если ЭТО сценариЁ было признано лучшим, то какими же тогда были работы других конкурсантов???

Сценарий «Shoko» абсолютно беспомощный. Нельзя сказать, что он невнятный, нет. История проста как три копейки (0,734 йены по курсу Центробанка на 20.10.2011). Каллиграфы сражаются «за Родину, за сёгуна» против врага-предателя и его ручного юродивого, который не то непризнанный гений, не то обыкновенное бездарное, но амбициозное чмо.

Угадайте (зевая), кто победил.

И все это завершается открытым финалом в духе «И вечный бой, покой нам только снится».

Да-да! Это сюжет 25-минутного аниме про волшебников, с помощью кисточки, бумаги и чернил творящих настоящие чудеса!
Обидно. За идею обидно. Ведь задумка-то — золотая жила. Чуть-чуть бы еще подумать, пофантазировать, покрутить сюжет — и можно было бы ох как развернуться даже в 25-минутке.

Но, увы, не срослось.

Понятно, конечно, что короткометражка — это формат непростой. Он требует либо опыта, либо таланта, а желательно и того и другого одновременно.

Афоризм всегда труднее написать, чем роман-эпопею в 40 томах. Слабые места романа поглотятся его огромным объемом, уравновесятся сильными сторонами книги (если, конечно, у автора есть хотя бы капля таланта). Афоризм скидок не делает. Афоризм — вот он, у всех на виду, целиком и сразу.

Но вывод из этого один: не умеешь — не берись. Автор короткометражки должен предельно четко представлять себе, ЧТО он хочет сказать своим произведением и КАК он это сделает. В полном метре или сериале можно позволить себе немного растечься мыслью по древу. В короткометражке должен «работать» каждый кадр, каждое слово, каждый элемент картинки. Иначе получится, что, открыв рот, ты так ничего и не успел сказать. С «Shoka» произошло именно так.

О чем это аниме? Зачем авторы его создавали? Чтобы продемонстрировать красивые бои — и только? Для этого достаточно было ограничиться 5–8 минутами.

Чтобы поделиться с нами удачной задумкой — сделать каллиграфию магическим боевым искусством? Спасибо, конечно, но 25 минут для этого тоже многовато.

Так для чего нам рассказали эту историю?

Мельком звучит мысль, что искусство каллиграфии может быть применено как во благо, так и во зло. Но идею эту сразу же бросают, предпочтя ей бессмысленные, но зрелищные сцены боев.

Мельком упоминается о неоцененном творце-каллиграфе. Действительно ли ему не хватало таланта, или власть имущие его просто не поняли? Лишенный руки и глаза, он все же сумел создать демона и оживить его ценой собственной крови. Но демону не хватило сил противостоять каллиграфам. Потому ли что автор его был недостаточно талантлив, или потому, что им двигали недостойные каллиграфа мотивы? Этот вопрос тоже быстро перестает интересовать авторов. Главное — эффектно убить демона.


ИТОГИ

«Shoka» — очень зрелищное, но почти «пустое» аниме.

Стоит ли его смотреть? Наверное, стоит, чтобы уяснить: если у тебя есть удачная задумка, ее еще надо должным образом реализовать.

Вот такая вот мораль.


А в конце приведу легенду о выдающемся японском каллиграфе IX в. Кобо Дайси (Кукай). Текст цитируется по книге «Японская мифология: энциклопедия», 2006, стр. 158.


«ПИСЬМЕНА НА НЕБЕ И НА ВОДЕ»

Еще будучи в Китае, Кобо Дайси как-то встретил мальчика, который стоял на берегу реки.

— Если ты Кобо Дайси, — сказал он, — будь так добр, напиши что-нибудь на небе, ибо я слышал, что не существует чудес, которые были бы тебе не под силу.

Кобо Дайси поднял свою кисть; она быстро задвигалась в воздухе, и в голубом небе появились иероглифы, они были прекрасно видны и необыкновенно красивы.

Тогда мальчик тоже написал на небе прекрасные и искусные иероглифы, а затем сказал Кобо Дайси:

— Мы оба умеем писать на небе. Теперь я прошу тебя написать что-либо на этой текущей реке.

Кобо Дайси охотно исполнил просьбу. Еще раз его кисть задвигалась, и на этот раз на водной глади появилась поэма, восхваляющая реку. Буквы на мгновенье застыли, а потом были унесены быстрым течением.

Казалось, между ними происходит состязание в магической силе, потому что как только письмена, написанные Кобо Дайси, исчезли, унесенные течением, мальчик тут же написал на бегущей воде иероглиф «Дракон», но тот остался неподвижным.

Кобо Дайси, будучи великим учителем, заметил, что мальчик пропустил тэн — точку в этом иероглифе. Когда Кобо Дайси указал на ошибку, мальчик попросил знаменитого учителя исправить иероглиф за него. И как только Кобо Дайси сделал это, то иероглиф «Дракон» превратился в настоящего дракона. Его хвост захлестал по воде, грозовые тучи поплыли по небу, и засверкали молнии. В следующий момент дракон поднялся с водной глади и взлетел в небо.

Несмотря на то что магическая сила Кобо Дайси превосходила силу мальчика, он спросил у него, кто он такой, и мальчик ответил:

— Я Мондзю — Божество Мудрости.

Когда божество произнесло эти слова, его лицо засияло красотой богов, и, подобно дракону, он исчез в облаках.


+4Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Волчица и пряности (первый сезон) (2011.10.09)

«Дорога» — преимущественное место случайных встреч. На дороге пересекаются в одной временной и пространственной точке пространственные и временные пути много различнейших людей — представителей всех сословий, состояний, вероисповеданий, национальностей, возрастов. Здесь могут случайно встретиться те, кто нормально разъединен социальной иерархией и пространственной далью, здесь могут возникнуть любые контрасты, столкнуться и переплестись различные судьбы. … Это точка завязывания и место совершения событий.
(М.М. Бахтин. «Формы времени и хронотопа в романе»)

НЕВЫРАЗИМОЕ: АТМОСФЕРА СЕРИАЛА

Вы помните аромат яблок? Закройте глаза и попытайтесь представить. Лето. А может быть, осень. Солнечно. А может быть, идет дождь. Раскидистая яблоня в кудрявой шапке темно-зеленых листьев. Желтые, красные, темно-розовые, сизовато-бордовые яблоки — висят на ветках и лежат на земле. И аромат яблок. Его невозможно описать словами. Потому что аромат яблок — это не только запах плодов яблони. Нет. Это аромат коры, листвы, цветов, трав, солнца, дождя, ветра и неба. Это аромат воспоминаний. И аромат яблок, который вспомнила я лишь отчасти схож с тем ароматом, который возник в вашем воображении.

Дальше об аниме «Ookami to Koushinryou» (англ. «Spice and Wolf», рус. «Волчица и пряности») будет сказано довольно много: о сюжете, о героях, об основных темах и мотивах.

Но есть в этом аниме Нечто, которое невозможно передать словами — Невыразимое. В нем и состоит основная прелесть «Волчицы и пряностей». Это — особая атмосфера. Ее можно очень долго и многословно описывать, но передать ее так и не удастся.

Если человек ни разу в жизни не видел яблок и яблонь, как объяснить ему, что такое «яблочный аромат»?

Если человек не видел ни одной серии «Волчицы и пряностей», как объяснить ему, почему душа так жаждет вновь и вновь возвращаться в фентезийный мир этого аниме, почему так хочется включать серию за серией, упиваться великолепными пейзажами, наблюдать за неспешным развитием сюжета, мечтая перенестись из удобного домашнего кресла в тряскую телегу и хоть один день провести в компании Холо и Лоуренса.

Конечно, совсем не обязательно, что атмосфера «Волчицы и пряностей» вас затянет, ведь далеко не все люди любят яблоки. Но — ведь, не попробовав, не узнаешь, правда?


ЛОЖЬ ПРАВДИВЫХ АННОТАЦИЙ: О ЧЕМ ЭТО АНИМЕ

Иногда в адрес «Волчицы и пряностей» звучат обвинения в отсутствии динамичного сюжета. Еще бы! Аннотация на коробочке и диском и описания на сайтах обещают авантюрную историю. Однако на деле все оказывается несколько иначе. Хотя интрига большинства серий построена на хитростях торговых сделок, «Волчица и пряности» — вовсе не иллюстрированное пособие по экономике.

О чем это аниме? О том, как мудрая волчица благодаря своим сверхспособностям помогала торговцу? Да. И нет.

Прежде всего, это аниме о течении Времени, о том, как Традиционное постепенно вытесняется Новым. А еще о дружбе, любви, преданности и одиночестве.


ТЕМА ВРЕМЕНИ В СЕРИАЛЕ: ПОКИНУТЫЕ БОГИ

((Примечание: этот раздел посвящен теме религии исключительно в аниме «Волчица и пряности». Выраженные здесь мысли — сугубо личное, субъективное мнение автора статьи, нисколько не претендующего на звание почетного религиоведа всех времен и народов)).

Мир «Волчицы и пряностей» переживает переходный период. На смену язычеству постепенно приходит монотеизм (т.е. однобожие). Процесс это долгий, сложный, а итоги его очень неоднозначны и противоречивы. Меняются не только боги и обряды. Меняется само мировоззрение людей.

Язычество — это не просто религия, одухотворяющая силы природы. Это особый тип мировоззрения.

Люди древности жили в тесном контакте с природой. Их жизнь и благополучие полностью зависели от природных стихий и явлений. Однако управлять этими стихиями люди практически не умели. Оставалось лишь уповать на милость природы и пытаться «договориться» с ней полюбовно. Не удивительно, что люди населяли мир различными богами, каждый из которых «отвечал» за какое-либо природное явление.

Холо* Мудрая, волчица, живущая в пшенице, — тоже божество. Заметьте, богом ее считают люди. Сама Холо не называет себя богиней. Она — просто существо, наделенное некоей Силой.

____________________________
* Холо или Хоро? По поводу произнесения имени мудрой волчицы ведутся ожесточенные споры. В официальной версии перевода богиню зовут «Холо», через «Л». Сторонники любительской версии перевода настаивают на варианте с «Р», даже несмотря на то, что сам автор одобрил вариант «Холо», а во 2-м сезоне волчица подписывается именно как «Holo». Признаюсь, лично мне ближе «рычащий» вариант «Хоро», потому что на слух русскоговорящего человека он как-то больше соответствует образу волчицы. Однако предпочтения предпочтениями, а правда правдой. Поэтому в статье я все-таки решила именовать главную героиню «Холо».
_______________________________________

По просьбе мальчика, которого Холо называет своим первым другом, она соглашается оберегать пшеничные поля деревни. Однако Холо — дитя природа, а не ее повелительница. Она просто лучше людей знает и понимает законы природы. Холо знает, что земля нуждается в отдыхе. Поэтому, независимо от воли Холо, периодически случаются неурожаи.

Но вот ирония судьбы: язычники, конечно, близки природе, однако это не означает, что они понимают ее законы. Скорее наоборот. Они знают, что нужно делать, чтобы вырастить пшеницу (как и когда пахать, сеять и т.д.). Урожай для них — награда за их трудолюбие. Причиной неурожаев они считают прихоть капризной богини, не понимая, что неурожайные годы случаются из-за абсолютно объективных причин, не зависящих ни от них, ни от Холо.

Если машина не едет потому, что в ней закончился бензин, глупо обвинять работников автомойки в недобросовестности.

Получается, что язычники, с одной стороны, ближе к природе, ближе к Правде мироустройства. Но с другой, они почти не понимают ее. Они пользуются готовым механизмом, очень приблизительно представляя, как он сконструирован и как работает.

И вот появляется альтернатива — монотеизм. Есть Единый Бог, который создал мир, и чтобы быть счастливым, надо лишь выполнять ряд предписаний Единого Бога. А если возникает проблема или случается беда, значит это вина человека, следствие его прегрешений.

Языческие божества, такие как Холо, оказываются ненужными. Люди, выдумавшие богов природы, теперь отрекаются от этой своей фантазии во имя новой выдумки.

Мир никто не создавал, — заявляет Холо, и она знает, что говорит, ведь она гораздо старше Единого Бога, вернее, придуманного людьми монотеизма.

Церковь в «Волчице и пряностях» — это еще одна торговая компания, самая крупная и могущественная. Скажем так, торгово-идеологическая компания, которая навязывает людям не только цены на товары, но и образ мыслей.

Если обратиться к мировой истории, переход от язычества к монотеизму всегда представлялся как путь из Тьмы к Свету, из Невежества к Истинному знанию. С этим убеждением везде, от индийской Америки до древней Руси монотеисты уничтожали языческих идолов и огнем и мечом выжигали (в прямом и переносном смысле) из сознания людей остатки древних верований. Сомнениям не было места: монотеизм есть Прогресс, язычество — ненужный пережиток прошлого.

«Волчица и пряности» ставит под сомнение однозначную связь между монотеизмом и абсолютной истиной. Самое очевидное: Церковь отрицает существование языческих богов, называя их врагами людей, демонами, порождениями Тьмы. Но Холо-то есть! Да и к людям она относится вовсе не враждебно.

Скептически настроен по отношению к церковному «прогрессу» Лоуренс, сумевший в то же время довольно легко принять факт существования легендарной богини-волчицы.

От Церкви всеми силами стремится бежать пастушка Нора. Ей нет дела до религии. Она просто близка природе, она наблюдательна, она чувствует и понимает природу. Церковь же пытается уложить душу Норы в прокрустово ложе понятий «язычество — монотеизм».

Побег из «прогрессивного» мира монотеизма становится единственным спасением для Норы, единственным способом жить так, как она хочет, а не так, как хотят другие.

Но и язычество не идеализируется: за много столетий люди так и не смогли уловить ритм жизни земли, продолжая списывать неурожаи на прихоть Холо. Хлоя гневно бросает это обвинение в лицо изгнанной богини, и этим окончательно убеждает Холо в том, что волчице пришло время покинуть этот край.

Эльфы уплывают на Запад. Короля Артура забирают на Авалон. Холо Мудрая уходит на Север. Кончается Эпоха.


СЮЖЕТ СЕРИАЛА: МОТИВ ДОРОГИ

Путешествие, дорожные приключения — традиционная основа многих сюжетов мировой литературы и кинематографа.

Чего только ни случается в дороге!

Михаил Бахтин писал, что дорога — это совершенно особый тип пространства-времени: не здесь и не там, не вчера и не завтра. Дорога — это междумирье, где может произойти что угодно.

Сюжет «Волчицы и пряностей» типичен для произведений, в основе которых лежит путешествие и мотив дороги. Здесь нет четко выраженной сквозной интриги. Да она здесь и не нужна. Герои отправляются в дальний путь в Обетованную Землю, в данном случае — на Север, на родину Холо. Но это не только и не столько перемещение из пункта А в пункт Б, сколько путешествие за Мечтой.

Достигнут ли герои конечной точки своего маршрута, не так уж важно. Гораздо важнее, как будут развиваться их отношения, чему они научатся, что поймут.

Холо и Лоуренс путешествуют между городами-государствами, совершают торговые операции, попадают в передряги и потихоньку продвигаются на Север. Встречи сменяются расставаниями. Одна микро-история сменяет другую. Иногда оказывается, что предшествующее приключение породило новое, иногда нет; иногда герои вновь пересекаются с прежними знакомыми, иногда расстаются с ними навсегда.

Но главное здесь — не интрига, а характеры и взаимоотношения героев. И особая атмосфера — атмосфера неспешности, созерцательности и веселья, приправленного перчинкой грусти.


ОБРАЗЫ ГЕРОЕВ

1. ХОЛО МУДРАЯ. Мудрость обычно связывается с опытом и почтенными сединами. В нарушение этого стереотипа богиня-волчица, прожившая на земле не одну сотню лет, воплощается в молодую девушку. Характер Холо сочетает в себе Мудрость Веков с детской непосредственностью, озорством, кокетством, долей самолюбования.

Когда смотришь на нее, наблюдаешь за ее выходками, совершенно забываешь, что за плечами у этой девчонки не одна сотня лет. Она знакомилась с людьми, находила друзей, некоторое время сопровождала их на жизненном пути и расставалась с ними.

Сходясь с людьми, мы верим, что это — навсегда. Холо, прошедшая через множество встреч и расставаний, пережившая годы одиночества, прекрасно знает цену этой иллюзии, ибо нет ничего вечного в этом мире, кроме, может быть, самого мира.

Несмотря на горький опыт, Холо продолжает сходиться с людьми. Она открытая, веселая и озорная. Только в редкие минуты наружу вырывается бездонная тоска, страх вновь остаться одной, боязнь быть брошенной.

А еще, несмотря на ушки и хвост Холо, совершенно забываешь, что она — зверь, волчица. А волки убивают людей. И съедают их головы, чтобы получить мудрость. Эта мысль промелькнет в сериале лишь мимоходом. И лучше не заострять на этом внимание, как уверяет сама Холо.


2. ХЛОЯ, ХОЛО, НОРА: ТРИО ЖЕНСКИХ ОБРАЗОВ. ТЕМА ОДИНОЧЕСТВА

Хлоя, Холо и Нора составляют трио главных женских персонажей. Это своеобразные герои-двойники, как в романах Достоевского.

Их имена созвучны. Все они так или иначе симпатизируют Лоуренсу (и симпатичны ему).

Холо — главная в этом трио. Хлоя и Нора — ее двойники, другие ее воплощения (разумеется, не в буквальном, а в переносном смысле).

Хлоя — это анти-Холо, лже-богиня. Не случайно именно ей досталось роль богини-волчицы на празднике урожая. Однако Хлоя, в последний раз уступив традиции, затем полностью отрекается от Холо, объявляя себя человеком Новой Эпохи, эпохи господства монотеизма.

Нора — это та же Холо, но, скажем так, в человеческом варианте. В 13-й серии это очень мило обыгрывается. Помните сцену, когда Холо допытывается у Лоуренса, чье имя он кричал в кульминационный момент сражения в поле — ее или Норы? Лоуренс шутливо рассуждает, что имена волчицы и пастушки очень похожи, но имя Холо удобнее произносить, так что скорее всего, хотя он и не помнит наверняка, он звал Холо. А потом, чтобы «доказать» свои рассуждения, кричит имя — под заглушающий его голос колокольный звон. Это не только милая шутка, финт любовной линии сериала. Это еще и намек на схожесть Холо и Норы. Холо и Нора — как богиня и жрица. Жрица, конечно, хороша, но богиня все-таки немножко лучше.

Трех героинь связывает и тема одиночества — одна из важнейших тем этого аниме.

Одинока Холо в своей долгой-долгой жизни в мире людей.

Одинока Хлоя, не посчитавшаяся с собственными чувствами к Лоуренсу и выбравшая путь Дельца. Ее несчастье и одиночество усугубляет жажда мести: оказывается, что Лоуренс не принявший любовь Хлои, предпочел ей ненавистную волчицу Холо. Получается, что та, которую Хлоя считает изгнанницей, пережитком ушедшей эпохи, ближе Лоуренсу, чем сама Хлоя, сторонница Новой Эры.

Одинока Нора, отвергнутая жителями своего города, вынужденная работать на лицемерных церковников, которые притворяются ее благодетелями и, стремясь заклеймить Нору как язычницу, посылают ее вести овец смертельно опасными дорогами.

Но у языческой богини, волчицы Холо есть Лоуренс. Очень ненавязчиво показано, как Холо и Лоуренс постепенно сближаются, все крепче привязываются друг к другу. В «Волчице и пряностях» нет ярко выраженной любовной линии, как в бесчисленных аниме про школу. Все тоньше. Любовь здесь — это в первую очередь ощущение собственной нужности другому живому существу, любовь — как противоположность одиночеству.

У Норы, близкой миру природы, есть верный пес — тоже своего рода языческое божество.

У Хлои нет ничего. Она, согласившаяся на последнем празднике урожая изображать богиню-волчицу, отрекается от нее во имя Новой Эры и еще дважды повторяет свое отречение, встретившись с настоящей Холо в человеческой и звериной формах.

Невозможно стоять на месте, слепо следуя традициям, потому что даже боги не могут противиться переменам. Холо не пытается вернуть доверие людей, она чувствует перемены и безропотно покидает края, где прожила столько лет. Ее держит лишь привязанность к людям, любовь к ним и верность обещанию. Услышав обвинения из уст Хлои, волчица не пытается оправдаться. Права она или нет — не важно. Люди уже решили, что старая богиня больше им не нужна. Хлоя лишь подтверждает то, что Холо и так знала.

Но Хлоя, объявившая себя целиком и полностью человеком Новой Эпохи, остается, в отличие от Холо и Норы, в одиночестве. Потому что нельзя полностью рвать с прошлым, с Мудростью Веков, решительно отвергая традиции и следуя новым веяниям. Нельзя выбивать у себя из-под ног почву: не устоишь.


3. ЛОУРЕНС

Трио женских персонажей оттеняет Лоуренс. У него нет сверхспособностей, он самый обычный человек. И в этом его прелесть. Этот персонаж очень убедителен именно в психологическом плане. Он ведет себя и реагирует настолько обывательски, настолько по-человечески! И при этом он довольно быстро принимает факт существования Холо.

Лоуренс — торговец, но не торгаш. Он добр и честен. Сколько бы он ни говорил о том, что выгода превыше всего, это лишь слова. На деле у него есть четкие моральные принципы, от которых он не отступает. Лоуренс продолжает защищать Холо, мотивируя это тем, что не может нарушить заключенный с ней договор. Стоит ли говорить, что истинная причина его заботы о волчице кроется совсем в другом. Лоуренс дает предавшей его компании шанс восстановить дела, хотя имеет вроде бы полное право отомстить им за вероломство. Но бить лежачего…


МУЗЫКА

Аниме «Волчица и пряности» я открыла для себя благодаря песне «Tabi no Tochuu». Я подумала, что такая песня просто не может быть опенингом какой-нибудь поверхностной дешевки. И не ошиблась.

Фоновые композиции не особо впечатлили.

Эндинг — шуточный, веселый, но не более того.

Совет: прослушайте подряд опенинг и эндинг — и вы получите своеобразную музыкальную характеристику образа Холо.


ПРАКТИЧЕСКИЕ ВОПРОСЫ: ВАРИАНТЫ ПЕРЕВОДА

В русской лицензии «Волчица и пряности» подверглась жестокому дубляжу, то есть оригинальную японскую звуковую дорожку убрали и полностью переозвучили аниме с русскими актерами, причем «перепели» даже песни.

Оставим в стороне моральный аспект такого подхода к локализации аниме. Поговорим о практических вещах: в каком же переводе смотреть.

Я просматривала дублированную версию фрагментарно. Сделано вполне прилично. Хотя, понятно, если захотеть, придраться можно к чему угодно.

Целиком я смотрела это аниме с любительскими субтитрами. К сожалению, некоторые моменты «Волчицы и пряностей» в этом переводе остаются не совсем ясными. В первую очередь это касается торговых переговоров, изобилующих намеками и полунамеками. Например, в эпизоде с «точными весами» я абсолютно не поняла, как именно торговец хотел обдурить Лоуренса и как Холо его разоблачила: весь разговор там велся иносказательно и переводчики, увы, не смогли передать эти намеки. Смысл сцены я поняла лишь посмотрев соответствующий фрагмент дублированной версии.

Было еще несколько аналогичных «косяков». В принципе не смертельно, общий смысл понять можно, но все-таки неприятный осадок остается.


ИТОГИ

Не знаю, пора ли записывать «Волчицу и пряности» в классику аниме. Но посмотреть этот сериал однозначно стоит.

Просто нужно помнить: здесь практически не будет «экшена», не будет лихо закрученной интриги, держащей зрителя в напряжении на протяжении всех 13 серий.

Это очень спокойное, тонкое и уютное аниме, пронизанное совершенно особой атмосферой.

Сумеете ли вы уловить аромат пряностей? Это зависит только от вас.


+21Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Девочка-волшебница Мадока [ТВ] (2011.09.04)

ВОЗМОЖНЫ СПОЙЛЕРЫ
Поймал «новый русский» золотую рыбку, а она молвит ему человеческим голосом:
-Отпусти меня, любое твое желание исполню!
«Новый русский» молчит. Рыбка ему опять:
- Что ни пожелаешь, все исполню! Только отпусти!
«Новый русский» опять в ответ ни слова.
Рыбка:
-Ну отпусти же меня! Любое заветное желание, все, что хочешь, все исполню!!
«Новый русский» задумчиво:
-Отпустить на волю…Любое желание…Вот слушаю я тебя, золотая рыбка, и думаю: в чем тут кидалово?
(анекдот 1990-х гг.)


ГОРДОСТЬ И ПРЕДУБЕЖДЕНИЕ,
ИЛИ О ЖАНРЕ «МАХО-СЁДЗЁ»: ЛИЧНЫЙ ВЗГЛЯД


Я не большая поклонница жанра «махо-сёдзё» («девочки-волшебницы»). Истории про девочек-волшебниц твердо ассоциируются у меня с хрестоматийной «Сейлор Мун».

Эпопею о «воинах в матросках» я смотрела отрывками, впечатление они оставили благоприятное, но не более того. Мое знакомство с аниме началось с «Хеллсинг: война с нечистью» и «Slayers» («Рубаки»), а они все-таки задают совсем иную планку, нежели «муняшки».

Махо-сёдзё не плохой жанр. Просто он специфический и рассчитан на определенный возраст. Чем дальше ты удаляешься от 12–14 лет, тем ощутимее меняются твои приоритеты. Это как любовь. В первом классе подойти и заговорить с понравившимся тебе мальчиком — уже великий подвиг. В *-ндцать лет верхом мечтаний кажутся совместные прогулки и первые робкие поцелуи. Получив первый, второй, пятый и т.д. сексуальный опыт, понимаешь, что любовь — это нечто большее, чем совместное времяпрепровождение в одной постели. Хочется чего-то более осмысленного и серьезного, основанного не на простейших инстинктах, а на глубоких, сложных эмоциях.

Примерно тем же путем изменяется восприятие аниме (фильмов, книг и т.д.). Сначала интересна только фабула (ой, что будет дальше?!), потом начинаешь обращать внимание на характеры персонажей и их взаимоотношения. Со временем этого «внешнего» слоя, лежащего на поверхности, становится уже мало. Хочется чего-то более изысканного, элегантного, сложного, скрытого, хочется не просто наблюдать, а исследовать, размышлять, анализировать, видеть то, что сокрыто от глаз менее искушенных и внимательных зрителей. Словом, хочется видеть в аниме мощный подтекст, интересные сюжетные ходы, отсылки к другим произведениям, «пасхалки» и прочие интересности.

Махо-сёдзё, в моем понимании, — типичный жанр периода «первых поцелуев», когда зрителя главным образом интересует развитие действия (что будет дальше?), а также характеры и взаимоотношения героев.

К чему такое длинное вступление?

Дело в том, что, несмотря на предубеждение против жанра «махо-сёдзё», аниме «Девочка-волшебница Мадока Магика» мне понравилось. Очень понравилось.

Честно признаюсь, я не собиралась его смотреть. Но о «Мадоке» так много писали на форумах, что я не удержалась. Мне стало интересно: а по какому поводу там все эти восторги и споры?

Я скачала первые три серии (мой личный оценочный минимум), чтобы посмотреть, сказать свое «фи» и черкануть уничижительную рецензию.

Сериал я отсмотрела за два дня: отсмотрела бы за один, но надо было работать.

Я, конечно, не эксперт в жанре махо-сёдзё, но «Мадока» показалась мне очень оригинальным, свежим и незашатампованным аниме.


РИСОВКА: СОПРИКОСНОВЕНИЕ ДВУХ МИРОВ

Не люблю обсуждать рисовку. Это вещь сугубо «вкусовая», субъективная: кому — Пикассо, кому — Шишкин. Но относительно «Мадоки» просто НЕОБХОДИМО сказать пару слов.

Во-первых, ошарашивает контраст абсолютно кавайных мордашек героинь и тех событий, которые разворачиваются на экране. Когда более-менее реалистично изображенным персонажам отрывают руки-ноги, это смотрится нормально. Но когда девочку-няшку с глазами в пол-лица сжирает жуткий монстр…это, мягко говоря, шокирует.

А уж изрешеченный пулями Кюбэй — это и вовсе нечто грандиозное с чисто визуальной точки зрения.

Великолепный ход, на мой взгляд! Дизайн персонажей соответствует канонам махо-сёдзё — историй про девочек-волшебниц, воплощений Добра, которые сражаются со Злом во имя справедливости.

Но в «Мадоке» эти девочки помещены в жестокий реальный мир, беспощадный, сложный, неоднозначный, противоречивый. Где Добро, а где Зло? Кто воин Света, а кто посланец Тьмы? Где тут «наши» и «не наши»? Ведьмы? Но ведь они не по собственной воле стали такими. Кёко Сакура? Но ее ожесточенность показная, это всего лишь «панцирь», которым она пытается защитить свою израненную душу. Да и кавайный Кюбэй с мордочкой, навсегда застывшей в улыбке, не более жесток, чем садовник, срезающий увядшие цветы.

Во-вторых, здОрово сделано «пространство ведьм». Совсем иной тип рисовки, совсем иная техника. Глядя на кавайных девочек, путешествующих по этому психоделическому пространству, веришь, что перед твоими глазами — совсем другой мир, другое пространство, не похожее на привычное для нас.

В фильме «Кто подставил кролика Роджера?» основная изюминка заключается в органичном, естественном, сосуществовании на экране живых актеров и нарисованных персонажей. В «Мадоке», напротив, прелесть заключается в контрасте, неестественности сочетания двух типов рисунка. Супер, нет слов!

Обратите внимание, насколько продуманно пространство каждой ведьмы. Они разные, они «населены» предметами и существами, знаковыми для каждой ведьмы, имеющими символическое значение. Бабочки, ножницы, ноты и т.п. — если проанализировать детали магнитного поля, можно предположить, почему ведьма стала ведьмой. Например, поле Саяки Мики наполнено музыкальными символами: думаю, не стоит объяснять, почему.


СЮЖЕТ: СИНДРОМ ГАМЛЕТА

Предугадать развитие сюжета в «Мадоке» практически невозможно (по крайней мере, так было для меня).

Сначала кажется, что все предельно просто: подружки одна за другой или обе одновременно заключат договор с Кюбэем и будут вовсю магичить, побеждая врага за врагом, пока не доберутся до главного ЗЛА.

Как бы ни так!

Время идет, а…

Сюжет «Мадоки» мне ужасно напомнил сюжет шекспировского «Гамлета».

Поясню. В обоих произведениях имя героев вынесено в заглавие, так что не остается сомнений, кто является центральной фигурой повествования.

И здесь — самое интересное. Функция главного героя — ДЕЙСТВОВАТЬ и своими действиями способствовать развитию сюжета.

Особенность пьесы «Гамлет» в том, что ее главный герой, то бишь датский принц, на протяжении большей части произведения всеми силами старается УКЛОНИТЬСЯ ОТ ДЕЙСТВИЯ, затормозить сюжет, не дать ему сдвинуться с мертвой точки. Вот только получается все не так, как он планирует.

Точно так же Мадока только и делает, что НЕ становится волшебницей.

И Гамлет, и Мадока совершенно случайно совершают поступок, который влечет за собой шквал последствий: Гамлет по ошибке убивает Полония, Мадока из лучших побуждений выбрасывает самоцвет души Саяки.

Но с 10-й серии, когда рассказывается история Хомуры Акэми, сюжет приобретает совершенно неожиданное звучание. Не будем спойлерить. Скажем так: становится ясно, что Мадока — действительно центральная фигура этой истории. Все крутится вокруг нее. Все, что происходит, происходит из-за нее и ради нее.

Поэтому совершенно закономерно, что робкая Мадока, большую часть сериала пробывшая на втором плане, в конце концов развязывает сюжет.

И Гамлет, и Мадока в конечном итоге оправдывают свое звание главного героя.


ЖАНР: РАЗРУШЕНИЕ КАНОНА

«Мадока» вопиющим образом выходит, нет, вырывается за рамки жанра махо-сёдзё. Ей в них тесно и душно. Но «несогласных» и «нестандартных» у нас, как известно, не любят. Большинству спокойнее жить и мыслить по шаблону. Поэтому «Мадоку» часто обвиняют в «заумности», «мутности».

Множество нареканий вызывает финал. Ах, махо-сёдзё превратили не то в «Lain», не то в «Evangelion»! Ах, разве так снимают аниме про девочек-волшебниц!

Мы не хотим думать — мы хотим развлекаться! А потому «Мадоку» на мыло!

Да, «Мадока» — это не «жвачка». Это изысканное блюдо, приправленное ПАПРИКОЙ (кто смотрел соответствующее аниме, поймет, о чем я).

Разрушение канона происходит не сразу. Хотя некоторые «тревожные симптомы» заметны уже в первых сериях, начинается «Мадока» вполне в рамках махо-сёдзё. В наличие имеются все атрибуты: магический зверек, девочки-волшебницы «старого» и «нового созыва» (в смысле, опытные и новички), самоцветы души, волшебные превращения, костюмчики, особое оружие и приемы, борьба «во имя справедливости». Очень трогательно видеть, как Мадока первым делом разрабатывает дизайн своего костюма волшебницы. Тогда, в самом начале, ей это кажется очень важным…

Постепенно жанровая «мишура» осыпается, а за ней открывается малоприятная действительность. Исполнение заветного желания — это не абстрактное чудо, не сказочное волшебство, а нарушение порядка вещей, аномалия, и за осуществление мечты, за магию приходится платить страшную цену.

Магия в «Мадоке» — это не доброе волшебство из сказок, а древняя Сила, стихия, наполняющая весь Мир, управляющая и воплощающая законы его существования и закономерности его изменений. Эта сила равнодушна к человеку. Человек же, получивший Силу, должен сполна за нее заплатить.

Оказывается, что жизнь девочки-волшебницы — это отнюдь не сплошное увлекательное приключение с волшебными превращениями, поиском артефактов и сражениями во имя Добра плечом к плечу с ротой подруг.

Жизнь девочки-волшебницы — это чертовски трудная и смертельно опасная работа. Это постоянный реальный риск. Это одиночество из-за необходимости соблюдать конспирацию. Это двойная жизнь, полная вынужденной лжи, утайки, недоговоренностей. Это конкуренция с другими девочками- волшебницами, отстаивание своей территории и, более того, своей жизни. Не убьет ведьма — убьют свои же, такие же девочки-волшебницы. А если избежишь смерти в бою, со временем твой самоцвет души все равно почернеет — и тогда…


ПЕРСОНАЖИ

1. МНОГОЦВЕТНЫЙ МИР

В «Мадоке» нет абсолютно отрицательных и абсолютно положительных персонажей. Есть несчастные люди, оказавшиеся в довольно жестоких обстоятельствах. И есть Кюбэй, который просто не понимает образа мыслей людей и человеческих ценностей.

Очень логично и рационально он объясняет Мадоке, почему инкубаторы — не зло. Рассуждение о сельскохозяйственных животных, помните? А у людей, в отличие от коров и свиней, даже берут согласие на …ммм…использование. Очень гуманно.

И, если абстрагироваться от эмоций, логика и мотивы Кюбэя ясны и справедливы. Представьте, что есть человек, который дорожит носовыми платками, считая их частью своей личности. Вы этого не знаете. Вы встречаете его и предлагаете сто миллиардов долларов взамен на право попользоваться его носовым платком. Естественно, когда вы высморкаетесь в платок, вытрите об него грязные руки и выкинете в мусорку, вы не поймете, почему хозяин платка, странный тип, так расстроился и взбесился. Вы же ему сто миллиардов отвалили!

Именно такая логика и движет инкубаторами. Они не злые и не добрые. Они просто другие. Они не люди.


2. ХАРАКТЕРЫ ГЛАВНЫХ ГЕРОИНЬ

В «Мадоке» характеры девочек-волшебниц сложны и многомерны. Это не шаблонные типажи, а живые, развивающиеся характеры.

Мами Томоэ, благородная, добрая, но невообразимо одинокая. Не чувствовала ли она вину за то, что выпросила у Кюбэя жизнь только для себя одной, в то время как все остальные погибли в той катастрофе?

Кёко Сакура, внешне циничная и ожесточенная, но внутренне ранимая и честная. У нее, как и у Хомуры, есть ОПЫТ, знание некоей истины, которую она безуспешно пытается донести до других, в первую очередь, до Саяки Мики, в которой видит вторую себя, еще не пережившую то, что пережила она.

Хомура Акэми с ее страшной тайной…Очень интересно наблюдать, как постепенно меняется ее характер (10-я серия), как она становится жестче, тверже, целостней и все более одинокой.

Саяки Мики, жертва собственного идеализма. Увы, Саяки, человек соткан из противоречий, и как бы благородны ни были его цели, в их основе всегда лежит эгоизм. Редко, очень редко рождаются люди подобные Мадоке. Но ты — не Мадока. Увы.

Мадока Канамэ, самая обычная девочка. Она боится умереть, и это совершенно нормально. Она еще совсем маленькая, и у нее, в отличие от Саяки, пока нет той Цели, Заветного Желания, ради которого она была бы готова поставить на кон собственную жизнь, собственное будущее. У нее есть только безгранично доброе сердце, но это гораздо больше, чем все желания Мира. На протяжении сериала мы наблюдаем, как вызревает то зерно, которое уже было заронено в душу Мадоки, как рождается то единственно верное желание, во имя которого можно даже отречься от самой себя.


3. ВЗАИМООТОШЕНИЯ ПЕРСОНАЖЕЙ: ЛАБИРИНТЫ ПСИХОЛОГИИ

Вопреки законам жанра, сражения волшебниц с ведьмами и волшебниц друг с другом занимают в «Мадоке» не так много времени. Боевые сцены — не цель этого аниме. Его цель — раскрыть характеры главных героинь, показать их развитие и привести к закономерному итогу.

Вот типичное трио школьных подружек: Мадока, Саика и Хитоми. После того как Мадока и Саика узают о волшебницах, они постепенно начинают отдаляться от Хитоми: просто они о многом теперь не могут ей рассказать. Вот Саика заключает договор с Кюбэем и тоже начинает отдаляться от Мадоки, ведь между теоретическим знанием и практическим опытом — целая пропасть.

Очень интересно показаны отношения Саики с Кёко. Сначала делается заявка на длительное противостояние двух волшебниц, противостояние не на жизнь, а насмерть, на нескончаемую борьбу двух противоположных точек зрения. Но очень быстро выясняется, что эти «точки зрения» не такие уж и противоположные. Скорее наоборот. «Воинствующий эгоизм» Кёко и «отчаянное благородство» Саики — это две стороны одной медали. Это всего лишь психологические защиты.

Обе волшебницы совершили одну и ту же ошибку: захотели «осчастливить» других. Просто Кёко спряталась под маской «разочарованного циника», а Саика — под маской бескорыстного борца за справедливость. Итог вы знаете. Ну, или узнаете.

Кёко лучше чем кто бы то ни было понимает Саику. Ее предложение переломать скрипачу Кёске Камидзё руки и ноги звучит, конечно, жестоко. Но самое ужасное в том, что именно этого, по сути, на самом деле хочет Саика. Она жаждет привязать Кёске к себе, сделать его своим. Благородство — это лишь самооправдание. Истинное желание Саики, как и большинство человеческих желаний, в корне своем эгоистично. И Кюбэй предупреждает ее об этом, хотя и несколько туманно. Сакура же честно, без обиняков формулирует это желание и предлагает способ его исполнения. Она не собирается причинять Камидзё вред. Она лишь хочет, чтобы Саика осознала истинные мотивы своих поступков.

Но Саика искренне ВЕРИТ, что хочет Камидзё счастья, независимо от того, будет ли он любить ее или нет. Лишь в глубине души Саика чувствует свои истинные желания, и это мучает ее. Когда надежда на исполнения ее настоящей заветной мечты рушится, Саика осознает существующее в ее душе противоречие, понимает разрыв, зазор между НАМЕРЕНИЕМ и ЖЕЛАНИЕМ, между тем, чего дОлжно хотеть, и тем, чего на самом деле хочется. И это ввергает ее, воина света и справедливости, в бездну отчаяния. Финал известен.


ФИНАЛ

((ВНИМАНИЕ!!! Этот раздел содержит спойлеры, которые совершенно ТОЧНО ИСПОРТЯТ вам впечатление от просмотра. Пожалуйста, если вы еще не смотрели «Мадоку», пропустите этот раздел! Следующий раздел — МУЗЫКА))

1.

Аниме в жанре махо-сёдзё обычно рассказывают, как хорошо быть девочкой волшебницей. В «Мадоке» жизнь девочек-волшебниц предстает в совсем ином свете. Кое-что об этом было сказано в разделе «Жанр: Разрушение канона». Обращу внимание еще на один момент, самый интересный и неожиданный.

Как выясняется, кавайные девочки-волшебницы, по сути, зомби, ходячие трупы. А значит, по всей видимости, они не растут, не стареют и внешне никак не меняются. Вопрос, как же они живут, ведь родители, друзья, одноклассники не могут не заметить этой аномалии? Получается, что девочки оказываются навеки выброшены из хода нормальной жизни.

Понятно, что ни о какой любви тут не может быть и речи. Вариант Сейлор Мун плюс Мамору здесь неосуществим. Отношения Саики с Камидзё бесперспективны. Он живет и будет жить обычной человеческой жизнь, а она… И Саика понимает это, она сама говорит, что не может прикоснуться своими руками — руками мертвеца — к горячо любимому Камидзё… Единственный способ сделать Камидзё счастливым — умереть, исчезнуть, и Саика идет на это. В измененной реальности ее уже нет. Причем Мадока делает так с согласия самой Саики.

2.

Может ли девочке-волшебнице, воину Добра и Света, непримиримому врагу Зла прийти в голову, что она сама и есть Зло?

А в «Мадоке» все обстоит именно так. Всем волшебницам суждено стать ведьмами. Если, конечно, ведьма не успеет убить волшебницу до того, как ее самоцвет души потемнеет. А значит, существование волшебниц, по человеческим меркам, бессмысленно. Пока будут появляться новые волшебницы, будут рождаться новые ведьмы. Это замкнутый круг. Да, эмоции ведьм и волшебниц — это «топливо» для Вселенной. Но для самих девочек, стремившихся к своей мечте и жестоко обманувшихся в своих надеждах, это дела не меняет.

Мадока нашла выход из замкнутого круга. И это выход был единственным. Полностью отказаться от самой себя во имя других. В европейской системе ценностей ЛИЧНОСТЬ стоит на первом месте, и тем грандиозней и величественней предстает поступок Мадоки.

На первый взгляд, финал напоминает развязку «Lain». Однако Лэйн переписала реальность, стерев из нее себя и полностью переселившись в сетевую реальность. Мадока, изменила реальность, стерев себя из людской памяти, но осталась частью этой реальности, частью неотъемлемой — богом нового мира, регулятором порядка вещей.

Кто-то пишет, что концовка «Мадоки» завалена, что финал слишком мрачен или, наоборот, слишком слащав.

Побойтесь kami-sama! Финал логичен как решение уравнения 2*2=4! Для Мадоки и для мира это было единственным выходом.

Мадока наконец-то отыскала свое истинное желание, свое предназначение. После того как ее желание было исполнено, она, по определению, не может стать ведьмой, ведь она знает, что победила всех ведьм и больше не даст ни одной волшебнице превратиться в ведьму. Это игра, в которую невозможно проиграть, а значит, Мадока никогда не погрузится в бездну отчаяния.

Продумано все! В измененной реальности сохранился баланс сил. Инкубаторы по-прежнему собирают энергию для Вселенной. Только вид топлива несколько изменился: вместо бензина — солярка…Волшебницы остались волшебницами, только теперь они не превращаются в ведьм, а просто «исчезают». А Зло этого мира приняло другую форму — стало воплощаться в демонов.

Баланс сохранился, но замкнутый круг, по которому раньше блуждали волшебницы, разорвался.

У волшебниц исчезли основания ненавидеть инкубаторов. А про Мадоку, ставшую богом, вернее, ангелом-хранителем и ангелом смерти волшебниц, все забыли. Ну, кроме Хомуры и, судя по всему, младшего брата Мадоки. Конечно, это такой утешительный аккорд. Но, согласитесь, Мадока этого заслужила своей великой жертвой.


МУЗЫКА

Опенинг, если честно, посредственный.

Фоновые композиции чудесные. Они создают соответствующую атмосферу, настроение.

Но отдельных слов заслуживает эндинг — песня «Magia» в исполнении «Kalafina». Что-то древнее, дикое, языческое звучит в этой музыке, затрагивая самые глубины души. Эта музыка словно пришла из тех времен, когда весь мир был наполнен Магией, а длинноволосые волшебницы в развевающихся одеждах выкрикивали заклинания, стоя на краю обрыва у самой пропасти, и слова их уносились вдаль на крыльях ветра.


ИТОГ

Если вы хотите посмотреть типичное аниме в жанре махо-сёдзё, отдохнуть и просто пережить увлекательные приключения с девочками-волшебницами, ни в коем случае не смотрите «Мадоку»: эффект обманутых ожиданий вам гарантирован.

Если же вы хотите посмотреть незаурядное, умное, интересное аниме, разрушающее жанровые штампы и стереотипы, «Мадока» создана специально для вас.


+22Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (2)

Сердца Пандоры (2011.07.30)

— Так, может, ты докончишь? — пошевелил усами Мартовский Заяц. — Ты как существо высшего порядка знаешь назубок механизмы происходящих в психике процессов. Несомненно, знаешь, как получилось, что умирающая дочка декана колледжа Крайс-Черч, вместо того чтобы отойти в мире, не пробуждаясь от тяжкого сна, блуждает по Стране?
(Анджей Сапковский, «Золотой полдень»)

«Строили мы, строили, и наконец, построили!»
(«Крокодил Гена» м/ф, СССР, 1969)


«Сердца Пандоры» — отличное аниме, прекрасное во всех отношениях.

После его просмотра возникает всего один вопрос: а зачем, собственно, все это снималось? Зачем нужны были многочисленные, разнообразные персонажи с тщательно проработанными характерами? Зачем нужен был лихо закрученный сюжет? Зачем нужна была красивая музыка, превосходно дополняющая действие на экране? Зачем весь этот набор составных элементов отличного аниме сначала собрали, а потом в последних двух сериях взяли и спустили в канализацию, как надоевших золотых рыбок?!

За что, kami-sama?!!!

Итак, от риторики перейдем к конкретике.


СЮЖЕТ

Начинается все, если честно, ни шатко, ни валко. Завязка дает серьезный повод предположить, что дальше сюжет пойдет по одной из стандартных, штампованных линий.
Но где-то к 4–5-й серии понимаешь, что все далеко не так просто. Сюжет, как огромный локомотив, постепенно набирает обороты.

Оказывается, что у каждого персонажа есть какая-то тайна, каждый имеет «двойное», а иногда и «тройное» дно.

Тайны сплетаются друг с другом, образуя презанимательнейшее полотно. Пересказывать все это смысла нет. Да и совесть не позволяет: спойлер — смертный грех!
Позволю себе только один иллюстративный пример (самый безобидный): я была уверена, что Шерон, Оз и Алиса составят любовный треугольник. К этому были все предпосылки. Но не сложилось. Я была приятно удивлена.

Не особо напрягало даже появление «героев-на-час» типа Элиота и Лео — персонажей, которые возникают на пару серий, а потом тихо исчезают. На мой взгляд, это вносит живость и естественность. Потому что в противном случае получается этакое «индийское кино», где в финале все, включая слепую нищенку Зиту и волнистого попугайчика Раджа, оказываются давным-давно потерявшими друг друга родственниками.


СВЯЗЬ С ДРУГИМИ ПРОИЗВЕДЕНИЯМИ

1. «АЛИСА В СТРАНЕ ЧУДЕС».

Главной «фишкой» «Сердец Пандоры» считается их связь с «Алисой в Стране чудес» Льюиса Кэрролла. Звучат мнения, что это японская версия «Алисы», а само аниме снято чуть ли не по мотивам кэрролловской повести.

Я бы сказала, что подобные заявления несколько, ммм, преувеличены, ибо есть большая разница между экранизацией («по мотивам»), с одной стороны, и аллюзиями и реминисценциями, с другой.

В случае «Пандоры» мы имеем дело с отсылкой (реминисценцией), а никак не с «японской версией» кэрролловского сюжета.

Более того, факт отсылки еще нужно доказать.

Открою страшную тайну. Если в произведении А есть герои Стул, Стол и Горшок, и в произведении Б тоже есть герои Стул, Стол и Горшок, однозначный вывод из этого только один: автор произведения Б читал произведение А, и ему понравились имена «Стул», «Стол» и «Горшок».

Для того чтобы говорить об отсылке к тому или иному произведению, простого копирования имен мало. Нужно нечто большее. Нужна более глубокая связь: общие темы, общие принципы построения сюжета, общие образы, общие сюжетные ходы. Они могут развиваться и трактоваться иначе, иногда с точностью до наоборот. Но они должны быть. Нужен ДИАЛОГ между двумя произведениями.

В «Пандоре» отсылки к «Алисе в стране чудес» действительно есть. Но мне они видятся не в том, что Алису зовут Алисой. Чеширский кот, Шляпник, Мышь Соня — все это тоже не более чем узнаваемые имена.

Связь «Сердец Пандоры» с «Алисой в Стране чудес» в другом: аниме превращает Страну чудес, страну сновидений в Бездну, страну забвения и кошмаров. Сон здесь предстает в самом широком понимании — как иная реальность, состоящая из множества измерений.

Заточенная в Бездну Алиса «просыпается» благодаря Озу и отправляется на поиски своих утраченных воспоминаний, осколки которых заключены в обитателях «Страны чудес» — в цепях. Постепенно Алиса отбирает у Бездны то, что некогда сама ей отдала.

2. ЯЩИК ПАНДОРЫ.

Почему «организация по борьбе с цепями» называется «Пандора»?

Про ящик Пандоры, наверное, слышали почти все. А для тех, кто не слышал, рассказываю: Пандора — героиня одного из древнегреческих мифов.

Титан Прометей похитил для людей огонь и научил их искусствам и ремеслам, отчего жизнь человечества резко сделалась счастливой.

Верховному богу, громовержцу Зевсу это сильно не понравилось, и он решил обломать мерзких людишек.

По его приказу боги создали прекрасную женщину — Пандору (имя переводится как «наделенная всеми дарами»).

Красавицу отправили на землю и выдали замуж за брата Прометея — Эпиметея.

Хотя Прометей в свое время предупреждал братца, что связываться с Зевсом — себе дороже, Эпиметей не устоял перед чарами Пандоры.

Далее цитирую по книге Н.А. Куна «Легенды и мифы Древней Греции»:

«В доме Эпиметея стоял большой сосуд, плотно закрытый тяжелой крышкой; никто не знал, что в этом сосуде, и никто не решался открыть его, так как все знали, что это грозит бедами. Любопытная Пандора тайно сняла с сосуда крышку, и разлетелись по всей земле те бедствия, которые были некогда в нем заключены. Только одна Надежда осталась на дне громадного сосуда. Крышка сосуда снова захлопнулась, и не вылетела Надежда из дома Эпиметея. Этого не пожелал громовержец Зевс».

В самом общем понимании Пандора — это та, кто из любопытства сует свой нос туда, куда совать его точно не следовало бы. Итоги неуемного любопытства печальны, если не сказать трагичны.

((Замечание в скобках. В русской «адаптации» организация Пандора называлась бы «Любопытная Варвара». Смотрите на экранах! Новое мега-аниме «Сердца любопытной Варвары»!))

Параллель с анимешной Пандорой, по-моему, очевидна. Члены организации Пандора хотят проникнуть в тайны Бездны (читай: пытаются открыть ящик Пандоры), подчинить ее себе. Врата Бездны — это, по сути, крышка ящика Пандоры.


ПЕРСОНАЖИ

Редкий случай, когда придраться не к чему. Хороши, чертяки, все до одного!

Причем сюжет выстроен таким образом, что тайны героев раскрываются постепенно, а зрителям по ходу действия подбрасываются разные намеки и подсказки.

Лично я себе всю голову сломала, пытаясь угадать, как соотносятся Брейк и Чеширский кот.

«Бац-бац — и мимо!». (Из к/ф «Свадьба в Малиновке»).


ИМЕНА

Энтузиасты, вооружившись англо-русским словариком, могут перевести и попытаться истолковать имена и, главным образом, фамилии персонажей.

Я остановлюсь на самом «вкусненьком».

1. ОЗ.

По моим скромным соображениям, имя «Оз» отсылает к еще одной знаменитой сказке — «Волшебнику страны Оз» Фрэнка Баума (1900). Получается этакий союз двух «стран чудес». А почему бы нет? Впрочем, возможно, это лишь мои домыслы.

2. ЗАРКСИС БРЕЙК.

Ну, с фамилией все просто: английское «break» — ломать(ся), разбивать(ся). Значение соответствует и судьбе героя, и силе, которой наделена его цепь.

А вот с именем история поинтересней. Дело в том, что «Зарксис» — не совсем «Зарксис». Он все-таки — «Xerxes», то бишь «Ксеркс». А «Ксеркс» — это, на минутку, имя легендарного персидского царя, правившего в 485–465 гг. до н.э. Имя означает не то «Царь героев», не то «Герой среди царей».

((Замечание в скобках. Кстати, при Ксерксе велись греко-персидские войны. Именно к этому периоду относится сражение у Фермопил, породившее легенду о 300 спартанцах, которая, в свою очередь, легла в основу прекрасного фильма 1962 г. и комиксоидного выкидыша 2006 г.))

С именем Ксеркса I связан известный исторический анекдот. Готовясь к битве при Саламине, Ксеркс велел соорудить наплавной мост, по которому его войско могло бы быстро перебраться на берег. Однако внезапно разразившаяся морская буря разрушила мост. Ксеркс обиделся на море и решил ему отомстить. По его приказу море высекли плетьми, а в воду бросили цепи (то есть символически заковали воду в кандалы).

Ксеркс, секущий море, — символ человека, который винит в своих бедах кого угодно, кроме себя самого.

В отличие от персидского царя, Зарксис Брейк не сваливает всю ответственность за своеобразное исполнение своего желания на Волю Бездны. Он признает, что, по большому счету, сам во всем виноват.


ЦЕНТРАЛЬНЫЕ ПРОБЛЕМЫ

1. ПРОБЛЕМА САМООПРЕДЕЛЕНИЯ.

Проблема самоопределения, не побоюсь этого слова, — традиционная тема аниме.
Вопросом «Кто я и зачем живу?» задавалось бесчисленное множество самых разных персонажей. Ответы тоже были разными: серьезными и ироничными, оригинальными и банальными.

«Сердца Пандоры» ничего принципиально нового в эту тему не внесли.

Личность понимается как совокупность жизненного опыта (воспоминаний) и характера, чувств, привычек, поведения. Ты — не где-то там. Ты — здесь и сейчас.

Одним словом, мило. Не гениально, но мило.

2. ИЗМЕНИТЬ НАСТОЯЩЕЕ ПУТЕМ ИЗМЕНЕНИЯ ПРОШЛОГО.

К сожалению, эта тема большую часть сериала остается в тени. На первый план она выходит только в эпизоде с отцом Филиппа и, главным образом, в истории Брейка.

История Брейка мне откровенно понравилась (как и сам персонаж): захотел изменить – изменил – огреб – и вполне справедливо считает, что огреб заслуженно, ибо, как в том анекдоте:

— Ну чего ты орешь? Что просила, то и принес. Откуда ж я знал, что «дамские пальчики» — это сорт винограда…

Но вообще, история Брейка, конечно, грустная и поучительная.


ФИНАЛ, КОТОРОГО НЕТ

На дне глубокой бочки, полной вкусного меда, совершенно неожиданно обнаружилась ложка дегтя — финал.

Проблема финала «Сердец Пандоры» в том, что его нет.

Любое произведение (литературное, художественное, музыкальное, кинематографическое) создается с какой-то целью. Нет, не так. Любое ХОРОШЕЕ произведение.

Автор или авторы, создавая свое творение, имеют что сказать публике (зрителю, читателю).

В голове автора рождается ЗАМЫСЕЛ, который он воплощает в СЮЖЕТЕ.

Выглядит это примерно так: «А напишу-ка я пьесу, — думает некий Автор, — о юноше и девушке, принадлежащим к двум враждующим семьям. Несмотря ни на это, юноша и девушка влюбляются друг в друга. Чтобы воссоединиться, они идут на отчаянный шаг, но в результате трагического стечения обстоятельств оба гибнут! Люди будут рыдать и поймут, что любовь не знает границ, что это Великое чувство побеждает все, и вообще, «пацаны, не стреляйте друг в друга».

Автор завязывает сюжет, развивает его и приводит к логическому завершению, к финалу.

Финал должен вытекать из всего предыдущего действия и, в то же время, объяснять сюжет, показывать, кто из героев был прав, а кто нет, или демонстрировать, что среди героев нет ни правых, ни виноватых. Финал подводит итог всему произведению. В нем — ключи ко всем главным идеям, в нем — ответы, которые не обязательно должны быть однозначными.

Финал может объяснять все «в лоб», как, например, в детективах Агаты Кристи: «А убийца — мистер Смит. Он придушил жену из-за денег. Плохой мистер Смит! Фу!»

Финал может быть неоднозначным или открытым, что в большинстве случаев считается более удачным решением. Однако надо понимать разницу между открытым финалом и отсутствием финала. Открытый финал дает зрительскому (читательскому) воображению большую свободу, но зритель все равно ограничен логикой развития сюжета и характерами героев. Все возможные трактовки произведения и его финала должны не браться «с потолка», а рождаться из намеков, фраз, картин, ситуаций и т.п., встречающихся по ходу развития сюжета.

Типичный пример из аниме. Чем заканчивается «Evangelion»? Вот уже почти 15 лет поклонники сериала бьются над этим вопросом, по кадрам, по фразам разбирая каждую серию.

И это здорово!

Но бесконечный поиск истины возможен лишь в том случае, если в самом произведении есть ответы на интересующие зрителя вопросы, просто они не лежат на поверхности, до них надо докапываться, а эпизоды-«ключи» зачастую можно трактовать по-разному.

Что мы имеем в «Сердцах Пандоры»?

На протяжении 24 серий нас забрасывают тайнами и загадками: что произошло во время Сабрийской трагедии? кто такие Гилберт и Винсент? кто такая Алиса? Почему отец Оза ненавидит своего сына? куда исчез Глен Баскервиль? и т.д. и т.п. и проч. Перечислять можно долго.

И что в итоге?

Ничего. Тишина.

Строили мы, строили и, наконец, построили.

Вот и все выводы. Вот все, к чему мы пришли.

Finita.

О связи Алисы с Бездной сказано мимоходом, но практически никаких разъяснений нет. Остальные вопросы так и остаются без ответов, причем намеков на эти ответы в самом аниме-сериале нет. Финал не открытый. Финал никакой.

О «Великой Тайне», которая раскрывается в двух последних эпизодах, даже смешно говорить.

Вы меня, конечно, извините, но надо обладать, кхм, ОЧЕНЬ незамутненным сознанием, чтобы сразу не догадаться, кто же скрывается под балахоном Баскервилей и кого узнал Гил.

Когда в предпоследней серии это подается как откровение, даже не знаешь, что думать: жалеть авторов за беспомощность или обижаться на них за то, что они считают зрителя тупее валенка (вернее, гэта).

((Замечание в скобках. Я помню чудные времена начала–середины 90-х, когда на экраны телевизоров хлынули мексиканские сериалы, и неискушенные постсоветские зрители увлеченно следили за развитием сюжетных перипетий, искренне переживая: останется ли Луис Альберто с Марианной или женится «на той белобрысой стерве». Тогда это была ТАЙНА! Сегодня об этих переживаниях вспоминаешь с улыбкой.

Относительно аниме: личность человека в капюшоне столь же очевидна, как и выбор Луиса Альберто)).

Я уж не говорю о том, что «тайна» эта совершенно дутая уже с точки зрения здравого смысла.

Давайте рассуждать.

Хотя Оз отсутствовал в реальном мире *** (не скажу сколько) времени, субъективно для него прошла от силы пара часов.

Перед попаданием в Бездну он, сам того не желая, полосонул мечом лучшего друга, когда тот — неизвестно почему (ха!) — ринулся защищать одного из нападавших.

По возвращении из Бездны Оз должен все еще живо помнить эти события. То, что он просто спрашивает, все ли в порядке с его сестрой и с Гилбертом, но не ищет с ними встречи, понятно: Оз не хочет подставлять их под удар. Но потом, когда он узнает Гила, видит его шрам, то почему-то не задает ему единственного вопроса, напрашивающегося естественным образом.

Если вы по ошибке ранили, а возможно, и убили лучшего друга, вы будете испытывать громадное чувство вины. И, когда вы вдруг встретите этого человека, живого и здорового, очевидно, первое, что вы захотите у него спросить: «Какого ж рожна ты полез под нож?!!».

Оз мучается десятком сложных, философских вопросов, а этот вполне очевидный вопрос задает Гилберту всего один раз, ближе к концу аниме. Да и не слишком настаивает на ответе. Если Оз в глубине души сам догадывается, каков будет ответ, но боится услышать подтверждение этому, тогда не понятно, что же его так в этом ответе поразило.

Ладно. Проехали.

Но уж то, как Оз «неожиданно» обнаруживает изображение цепи своего семейства в собственной столовой — это уже за гранью добра и зла.

А слона-то я и не приметил!

Картинку Оз должен был видеть раньше, когда на протяжении многих лет жил в этом доме и, следовательно, приходил в эту комнату. Если, конечно, его не приводили туда с завязанными глазами.

Логичней было бы предположить, что Оз должен был узнать в бросившем его в Бездну чудовище картинку из столовой. Но никак не наоборот.

Ладно. Проехали и это.

После такого «гениального» сюжетного хода, чем же все заканчивается? Раскрываются ли многочисленные тайны, которые возникали, развивались и переплетались на протяжении 24-х серий? К чему сводятся все горькие раздумья и поиски себя? И как создатели умудрились развязать этот клубок всего за одну, 25-ю, серию? А НИКАК!

Финал сводится к тому, что мальчик идет к папе и говорит примерно следующее: Папа, ты — чудак на букву «м». Мне на тебя с прибором. Я сам по себе. Я такой, какой я есть. Au revoir!

Все!

На форумах любят свои эмоции выражать фразой «я под столом».

Так вот, после такого «финала» я была под столом, потому что поняла, что 8,5 часов (25 серий по 20 минут) моей жизни потрачены впустую. «Сердца Пандоры» просто взяли и оборвали.

И не надо кивать в сторону манги! Манга — это манга. Аниме — это аниме. Экранизация должна быть самостоятельной и завершенной, потому что в противном случае, это ПЛОХАЯ экранизация!

Если я захочу прочитать мангу, я возьму и прочитаю ее. Но если я хочу посмотреть аниме-сериал, я должна увидеть стройную, логичную, цельную, завершенную историю, имеющую главную мысль и основную идею.

Есть замечательный пример: «Эльфийская песнь». Тоже снята по незавершенной манге. Финал – открытый (можно до посинения спорить, кто же стоит за дверью). Но аниме при этом абсолютно завершенное, и смотрится как самостоятельное произведение. Хотите — читайте мангу, не хотите — не читайте. Создатели сериала сказали все, что хотели сказать, и манге тут прибавить нечего.

Мангу можно СРАВНИВАТЬ с аниме, а не восполнять с ее помощью пробелы в сюжете сериала, потому что в противном случае это, повторюсь, ПЛОХОЙ сериал.

Зачем в «Сердцах Пандоры» нужно было выставлять напоказ сюжетные линии, которые никто не собирался доводить до конца? Зачем нужно было их выпячивать? Скройте эти «хвосты» или проведите их так, чтобы они превратились в открытый финал.

Увы, сюжетные линии, плавно развивавшиеся на протяжении 24 серий, в 25-й были просто брошены, а зрителям подсунули соску-пустышку.

Можно предположить, что «Сердца Пандоры» создавались с прицелом на второй сезон. Но это все равно не отменяет отвратительного финала.

Вспомните «Code Geass», когда было очевидно, что без продолжения не обойтись.
Тем не менее, у первого сезона БЫЛ финал. Лелуш и Судзаку пришли к тому, что было неизбежно при тех методах и путях, которые избрал каждый из них. Финальные размышления С.С. по поводу судьбы и выбора подводят итог первого сезона. Достойный открытый финал.

Если бы «Сердца Пандоры» были проходной, бездарной поделкой, то с беспомощным финалом можно было бы смириться. Но обиднее всего то, что аниме действительно хорошее. Финал же всю эту прелесть безжалостно убивает.


РЕАЛИЗМ И ФАРС

В одну телегу впрячь неможно
Коня и трепетную лань.
(А.С.Пушкин, «Полтава»)

В «Сердцах Пандоры» есть еще одна вещь, которая лично меня безумно раздражала на протяжении всего сериала: резкие и совершенно необоснованные стилистические перепады: перескакивание с серьезного тона к фарсовому и обратно (имеются в виду тумаки, которые персонажи периодически отвешивают друг другу посреди вполне серьезных по настроению сцен).

В аниме такой прием, кстати, не редкость. Однако в «Пандоре» он смотрится на редкость фальшиво, искусственно.

Я не знаю, чисто ли субъективное это впечатление, или оно имеет объективные основания. Наверное, все-таки второе. Думается, причина в жанре этого аниме. Дело в том, что «Пандора» изначально — не комедия, а скорее драма. Это серьезное аниме. Его герои — не «маски», не условные персонажи, а реальные люди, живущие в реальном мире, пускай и альтернативном.

Для сравнения: в комедийных «Slayers» Лина может взбеситься и спалить Гаури файерболом. А в следующем кадре обладатель «медузьих мозгов» уже вновь в строю. Это возможно потому, что «Slayers» — комедия, причем постмодернистская. Много шуток построено на игровом, условном характере их Вселенной. В битве мощное заклинание, запущенное во врага, действует по прямому назначению — как оружие. Но это же заклинание, запущенное в тупого приятеля во время ссоры, носит скорее символический характер, служит для выражения эмоций. Поэтому не все поступки героев имеют последствия. Действия-символы остаются в рамках одного эпизода. Меняется кадр, и сюжет продолжает развиваться своим чередом.

Мир «Пандоры», в отличие от мира «Slayers», сам себя воспринимает как реальность. В нем, как и в реальности, не может присутствовать игровое начало, в нем не должно быть места «поступкам-символам».

Попробуйте посреди разговора стукнуть собеседника газетой по башке. Не хотите? То есть хотите, конечно, но не будете, потому что понимаете: в реальности кадр не сменится, и за свою выходку вам придется нести ответственность.

«Пандора» же претендует на реалистичность, но при этом пытается «шутить», периодически сбиваясь на фарс.

Самое же чудовищное, что в большинстве случаев «кадр» действительно не меняется. Переход от фарса к реальности демонстрируется, и это усугубляет неестественность происходящего.

Например, Алиса в очередной раз отлупастила Оза и победоносно наступила на него. Входит сестра Оза. Тот ПОДНИМАЕТСЯ С КАРАЧЕК И ИДЕТ ЕЙ НАВСТРЕЧУ. Разрушается условность фарса, основа его прелести, основа юмора. Фарс насильно пытаются сделать частью реальности, и это очень бросается в глаза.

Стилистический диссонанс, блин!

Поэтому фарсовые вкрапления выглядят абсолютно инородными, лишними, немотивированными.


МУЗЫКА

Музыка очень удачная. Опенинг и эндинги «работают» как надо: настраивают и выводят соответственно.

Фоновые композиции создают нужное настроение, прекрасно дополняя происходящее на экране действие.

Главная музыкальная тема, мелодия из часов, звучит в нескольких вариантах. Запоминающийся и красивый мотив.

В общем, как известно, говорить о музыке — все равно, что танцевать об архитектуре.

Качайте OST-ы и наслаждайтесь.


ИТОГ

Итог плачевный: отличное аниме с абсолютно провальным финалом.

Посмотреть его, наверное, все-таки стоит, но будьте готовы к тому, что в последнем эпизоде вас подло «кинут».


+56Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (11)

Явись, Азазель [ТВ-1] (2011.07.26)

Положительный отзыв о плохом аниме
(авторская характеристика рецензии)

Добро обязательно победит зло, поставит его на колени и зверски убьет.
(старая-старая шутка)


ЙУМОР СЕРИАЛА: СМЕЯТЬСЯ ПОСЛЕ СЛОВА «ЛОПАТА»

Любой взрослый интеллигентный человек должен бы заклеймить аниме «Явись, Азазель!» («Yondemasu yo, Azazel-san») клеймом несмываемого позора.

За 13 серий по 10–12 минут каждая (включая опенинг и эндинг) на зрителя выливается столько навоза, сколько не снилось даже колхозному полю при Авгиевых конюшнях.

«Комедия» на 90 состоит из второсортных шуток ниже пояса (про секс — не про ноги) и «туалетного» юмора.

((Замечание в скобках. Я вовсе не ханжа. «Сортирная» или эротическая шутка тоже может быть смешной – но только если сделана изящно и остроумно. В качестве образца мне, лично, приходит на ум второй эпизод аниме-сериала «Те, кто охотятся на эльфов II» («Elf wo Karu Monotachi II») 1997 года розлива, где один из героев на протяжении 20 минут экранного времени носился с выпученными глазами в поисках туалетной бумаги или ее аналога. Несмотря на то, что вся серия была посвящена «большой» нужде, обыграно это было очень мило, я бы сказала, жизненно и узнаваемо, так что рвотных позывов не вызывало)).

Юмор «Явись, Азазель» рассчитан почти исключительно на аудиторию, которая при слове «задница» задирает голову и радостно хохочет, а уж при виде ее самой, родимой, и вовсе падает под стол.

НАЗВАНИЕ
«Ну да, меня зовут Чувырла. Ну, что ж делать. Все привыкли»
(«Магазинчик Бо», 1 серия)

Почему в названии сериала фигурирует именно Азазель – сие есть тайна, покрытая мраком. Азазель не подходит на роль главного героя ни по каким признакам. Выступив «соло» в паре первых серий, затем он уходит в тень. Генератором сюжета его назвать никак нельзя, а в некоторых сериях он и вовсе появляется «в эпизодах». Тот же Вельзевул, к примеру, играет гораздо более заметную роль в развитии сюжета.

Ну, да akuma с ним. Назвали и назвали.


ХРИСТИАНСТВО: ВЗГЛЯД ПРОСТАКА

Итак, в чем же все-таки изюминка сериала «Явись, Азазель»?

((Замечание в скобках. Здесь надо бы сделать предупредительную надпись: ВЕРУЮЩИМ ПРОСЬБА НЕ ЧИТАТЬ во избежание…родимчика. Но, думается, среди анимешников и тем более зрителей «Азазеля» таковые вряд ли найдутся)).

В литературе есть такой прием. Его широко использовал в некоторых своих произведениях, например, Марк Твен (скажем, в книге «Простаки за границей» / «Innocents Abroad», 1869 г.) Суть приема проста: какая-то привычная часть повседневной жизни: обычаи, устои, традиции и т.п. – показываются глазами героя-Простака, Стороннего наблюдателя из Другого Мира (представителя другой культуры, страны, эпохи другого вероисповедования, пола и т.п.)

Простак смотрит на привычные для большинства людей вещи свежим взглядом, подмечая нелепости, противоречия, бессмысленность существующего уклада и мировоззрения.

В «Явись, Азазель!» глазами Простака рассматривается немного немало христианство. («Простак» здесь – не конкретный персонаж, а просто точка зрения, коллективный взгляд авторов, если хотите). Основа основ европейского мировоззрения рассматривается без воплей и душевных метаний: просто и по сути. Взгляд этот неделикатный, циничный, жесткий, злой и «зубастый» – и до ужаса точный.

Есть ангелы – представители Бога. Им до лампочки людские беды. Они ничего не делают, чтобы помочь людям, ибо их цель не в этом. Их цель – отлавливать демонов, которые приходят в реальный мир и пытаются хоть что-то сделать, хоть что-то изменить (вернее, демонов призывают люди, нежелающие сидеть, подняв лапки кверху).

Из рассуждений ангела: «В обязанность ангелов входит поддержание мира и порядка на Земле. Но они не спасают людей. Не спасают от болезней. Не спасают от голода и нищеты. Не спасают от малых ссор и больших войн. Если есть проблемы на Земле, то они становятся лишь пассивными наблюдателями, чтобы не нарушить баланс. Но если демоны поднимаются из преисподнии и нарушают этот баланс, то ангелы, обычно безмолвные стражи, становятся примирителями, которые принуждают их к правосудию легко и просто. Ангелы и демоны, добро и зло...» (Здесь и далее аниме цитируется по субтитрам от фансаб-группы Hajime, переводчик BloodyCat).

Да, демоны есть демоны. Их «помощь» чаще всего оборачивается «медвежьей услугой». Но тем не менее…

Налицо дилемма: не делать вообще ничего и считать себя Добром, или стараться хоть что-то сделать, пускай и неудачно, не слишком заморачиваясь по поводу Правил, Миссий и прочей мишуры.

Учитывая, что главные герои сериала – демоны и демонологии, симпатии авторов «Явись, Азазель!» очевидны.

Кстати, очень показательна в этом отношении сцена разоблачения педофила в метро (эпизод 05).

Черноюморные демоны-зверушки, воплощение человеческих пороков, столь знакомых каждому из нас, милы, как плюшевые игрушки. Человекоподобные ангелы вызывают скорее отвращение – даже с точки зрения своей внешности.

В последней серии на сцену выводится даже сам Бог. Типчик, конечно, тот еще. Напоминаю: это Бог, каким он видится Простаку с его незамутненным восприятием.

((Замечание в скобках. Людоедам из племени тумба-юмба, наверное, тоже оскорбительно, что чужаки-европейцы издеваются над священным ритуалом человеческого жертвоприношения. Бездуховные европейцы ведь не понимают, насколько почетно быть принесенным в жертву Большому Носорогу)).

Бог себялюбив, капризен и жесток, а любовь его распространяется лишь на тех, кто исполняет его волю и угождает ему. А еще Бог очень любит сортирный юмор, да-да, тот самый, которым на протяжении всего сериала нас потчевали демоны.

Бог – ангелу: «Как видишь, я люблю тех, кто угождает мне. Я люблю тех, кто любит меня. Так что, когда ты принёс мне гримуар, я полюбил и тебя!»

Бог: «Но всё хорошо, пока меня развлекают. Как вы думаете, я эгоист? Конечно, нет! Все должны следовать воле Божьей».

На поверку оказывается, что демоны – это те же ангелы, просто «падшие», то бишь не угодившие Богу, оппозиционные, несогласные. А Небеса живут по принципу «кто не с нами, тот против нас».

Бог: «Те, кто ослушается Бога, изгоняются с Небес. Изгнанный с Небес, где же окажется он? Он может жить тихой обычной человеческой жизнью, либо может проклясть меня и стать демоном, противостоящим мне».

Финальные кадры печальны: нет, не дождется мама-ангел своего сыночка.


ИТОГ

Так стоит ли смотреть? Влившись в стихию сериала, переформулируем вопрос: стоит ли идти в общественный туалет, если «приперло»? Да. Запахи там, конечно, ого-го, но итоговый результат покроет все мучения.

Только учтите: христианство там обстебали по полной программе. Так что смотреть «Явись, Азазель!» можно только тем людям, чье сердце удалено от религии на безопасное расстояние.


+27Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (1)

Магия напрокат (2011.04.24)

Просто я работаю волшебником
(Марк Бернес, из песни «Я работаю волшебником»)


Очень милое, приятное аниме для одноразового просмотра.

Магия, юмор, личные драмы героев – мелкие и крупные – подаются умеренными порциями и умело чередуются и сочетаются друг с другом.

По моим личным впечатлениям, «Rental magica» рассчитана на вполне определенную возрастную категорию — подростков лет 12–13 (плюс-минус, разумеется). Поэтому здесь не найти глубокого философского подтекста, неоднозначных ситуаций, сложностей и противоречий. Мы видим черно-белый мир, в котором иногда встречаются оттенки серого. Ситуации морального выбора, в которые ставятся герои, имеют вполне однозначное, правильное, решение. Зрителя деликатно воспитываю, показывают ему, как дОлжно поступать в той или иной ситуации. И это, на мой взгляд, правильно. Хоть и не слишком интересно.


ГЛАВНЫЙ ГЕРОЙ

Упор в этом аниме делается на становление личности главного героя: показываются этапы его взросления.

Сначала юный Ицуки Иба в буквальном смысле «занимает место» главы своей Гильдии, делая то, что от него хотят. Он – не более чем символическая фигура, сам он прекрасно это понимает и ничуть не возражает против такого положения дел. «Партия сказала «надо», комсомол ответил «есть!».

Постепенно Иба начинает задумываться о цели своей жизни и о цели своего пребывания на посту главы гильдии. Кроме того, Ибу-начальника неизбежно сравнивают с его отцом, предыдущим главой «Звездных» («Астрала»). Иба понимает, что он просто не имеет права быть хуже отца, но и не видит в себе ни отцовской силы, ни отцовского таланта.

Различные переделки, столкновения со злой магической силой заставляют его почувствовать личную ответственность за жизни своих друзей-подчиненных, и выбрать собственный путь.

Бреду своим путем:
Будь всякий при своем
(А.С. Пушкин «Батюшкову»)

И, наконец, все глубже и глубже вникая в тонкости магического мира и отношений между магическими гильдиями, Иба осознает разницу между громкими словами и реальными делами. Легко сказать: «Я выбираю свой путь», но в чем именно должна заключаться «особость», в каком направлении двигаться – ответ на этот вопрос, увы, не лежит на поверхности.

Собственно, четкого ответа и не дается. Герой остается на перепутье, но нам понятно, что смотрит он в верном направлении, и следующий шаг будет сделан на нужную тропинку.

Взросление Ибы показано здОрово, убедительно, хотя и несколько схематично. Впрочем, схематичность тут оправдана жанром, художественными задачами и характером целевой аудитории.


ВТОРОСТЕПЕННЫЕ ГЕРОИ

Второстепенные герои хороши, но не более того. Из «молодежи» мне особенно понравилась Манами Куроха (Чернушка): у нее очень интересная история, да и развитие этого персонажа выстроено логично и убедительно.

«Взрослые» персонажи тоже неплохи, но они находятся в тени героев-подростков. Оно, конечно, понятно: зрителям, которым адресовано это аниме, гораздо интереснее наблюдать за своими ровесниками, чем за взрослыми дядьками и тётьками. А жаль: истории, характеры и взаимоотношения этих «дядек и тётек» очень даже непростые и заслуживают внимания. (Замечание в скобках: Подобное явление и с тем же чувством грусти я наблюдала, например, в «Soul Eater», где на второй и даже третий план задвинуты занятнейшие с психологической точки зрения взаимоотношения Штейна и Медузы).


МОТИВАЦИЯ: ЧЕМ ПРОЩЕ, ТЕМ ЛУЧШЕ

Схематичность, некоторая условность, свойственная всему сюжету, присутствует также в характерах и поступках персонажей. Не ищите сложных психологических мотивировок, внутренней борьбы, непобежденных противоречий. Все просто.

Вот бабушка-старушка. Сначала она относится к внучке как к вещи. Прям так в лоб и заявляет: ты, говорит, вещь. Потом внучка возражает: бабуля, ты не права! Старушка видит, как внучка вместе с верными друзьями сражается против Жуткой Жути. Бац – и эта старая стерва вдруг понимает, что действительно не права. И вот бабуля, десять минут назад готовая собственноручно перерезать внученьки горлышко, желает ей крепкого здоровья и всяческих благ.

Вот Злодей-завистник, не обремененный никакими моральными принципами, готовый на все ради достижения своей цели. Главный герой заявляет ему: что ж ты, туды тебя в качель! Бац – и злодей понимает: а чего это я действительно, туды меня в качель? И сразу морально преображается. Начинает честную трудовую жизнь, переводит через дорогу бабушек (а в их числе, наверняка, и уже упомянутую старушку-стервушку).

Это два, скажем так, вопиющих случая, которые просто резанули ухо, глаз и прочие органы чувств.

Но, повторюсь, причину таких «скачков» надо искать в законах жанра, художественных задачах и характере целевой аудитории.


ПРО ЛЮБОВЬ

Подростковое аниме, разумеется, не могло обойтись без любовной интриги. Впрочем, любовь главных героев пока находится на стадии романтических мечтаний и зарождающейся симпатии. Мило и незатейливо показывается соперничество двух девочек за внимание мальчика, который еще толком и не понимает, чего от него требуется, хотя и сам уже временами заливается краской, если девочка подходит к нему ближе, чем на полметра.

В общем, если слова «тычинка» и «пестик» заставляют вас краснеть и вызывают непреодолимый приступ хихиканья, соответствующие эпизоды аниме созданы специально для вас. Если же вы можете произнести словосочетание «член партии», не улыбнувшись при этом, … ну, ИМХО, романтические сценки достаточно неназойливы, не вызывают раздражения, а иногда заставляют немножко поностальгировать по тем временам, когда слова «тычинка» и «пестик» вгоняли в краску и вызывали непреодолимый…(далее по тексту). Их не много, и поданы они с юмором.


МАГИЯ

Безусловно, это аниме рекомендовано к просмотру любителям волшебства. «Rental magica» изобилует «кельтскими», «синтоистскими», «алхимическими», «древнееврейскими» псевдо-заклинаниями и ритуалами. Все это можно выучить и при случае попытаться применить – желательно, на врагах (бу-га-га-га!!) (Замечание в скобках: эх, помню, на лекции по «Основам высшей математики для гуманитариев», украдкой поглядывая на препода, бормотала «О тот, кто темнее сумерек! О тот, кто багряней текущей крови!»…) А уж косплеить все это дело – одно удовольствие.


ПОСТРОЕНИЕ СЮЖЕТА

Неудачно, на мой взгляд, выстроен сам сюжет аниме. В сюжете должна вычленяться единая линия, заявленная в первой серии, развивающаяся на протяжении всего повествования, и достигающая логического завершения в финале. Без такой «генеральной линии» сюжет теряет целостность, распадается на множество «кусочков».

Классический ход в аниме подобного жанра – борьба с «Врагом народа». Вспомним хотя бы незабвенную Сейлор Мун. От серии к серии герои сражаются со всякими злыми «шестерками». Периодически им приходится сталкиваться с более крупной «рыбешкой» – правыми руками, ногами и прочими частями тела «Врага народа», но все это лишь затем, чтобы в финале побить Главное Вселенское Зло, которое, собственно, и стояло за всеми предыдущими противниками.

Причем, заметьте, присутствие «Вселенского Зла» ощущается за действиями «злодейской мелочи» с самого начала, буквально с первой серии. Не всегда этого «Врага народа» показывают, но зрителям совершенно ясно, что ОН существует и в свое время обязательно огребет по полной.

В «Rental magica» такой сквозной интриги как раз и нет. Сначала на роль Вселенского Зла претендует папаша Аделисии. Но с ним как-то не складывается. Потом завязывается новый сюжетный узел – на сцену выходит алхимик, но его очень – слишком – быстро ставят на место (надеюсь, не для кого эта информация не является спойлером??). Потом как-то снова резко возвращаются к проблемам гильдии Заклинателей (Гоэтия), но снова расправляются с новорожденной интригой и перескакивают к финальному Вселенскому Злу, которое, оказывается, незримо (слишком незримо) присутствовало с самого начала. Просто нам о нем забыли сказать и даже намекнуть на него.

Что еще может претендовать на почетную роль сквозного сюжета?

Процесс взросления главного героя мог бы «сцементировать» сюжет психологического, бытового аниме, но для жанра мистики, приключений такого «цемента» явно недостаточно.

Много внимания уделено «отношениям» главного героя – нет, не с девушками, хотя романтика в этом аниме тоже присутствует в изобилии – «отношениям» с его магическим глазом. На эту линию возлагались большие надежды.

А зря.

Ясновидящий глаз Ибы, по логике вещей, и является центром интриги всего сериала. Но реальное место скрытого повязкой ока – на глубокой периферии.

Сюжетная линия с ясновидящим глазом полна неясностей, да и проведена она не слишком четко.

Во-первых, судя по всему, волшебный глаз у Ибы был с самого детства, только выглядел он почти как обычный человеческий глаз. А в монстрообразное красное око, окруженное шрамами, сей орган превратился только после памятных событий в заброшенном доме (no spoilers!). Поэтому непонятно, что, кроме внешнего вида, изменилось, и по какому поводу там все эти вопли. Наверное, в манге все рассказывается подробнее, но, пардон, зачем тогда снимать сериал: давайте просто напишем на весь экран: «Граждане, читайте мангу – там все подробненько описывается!» – и разойдемся по домам.

Во-вторых, как-то не удалось авторам показать, что это око представляет реальную опасность для самого героя. Все сцены боя выписаны по единому шаблону: Превосходящая злая Сила почти побеждает, расшвыривая всех «звездных», как кегли в боулинге. Иба в это время непонятно почему мнется-жмется и ничего не делает. Потом, наконец, срывает повязку. Три притопа, два прихлопа – и Зло уже в глубоком нокауте. Глазик у Ибы кровит, а сам герой лишается чувств, аки красна девица. Кадр сменяется – и он уже молодцом-огурцом преспокойненько занимается своими делами.

Подразумевается, что мы должны проникнуться внутренней борьбой главного героя. Но борьба эта показана так, что хочется только вторить Станиславскому и крикнуть: «Не верю!!!».

Так же картонно, неубедительно выглядит дальнейшая смена стратегии и попытки Ибы «сотрудничать» со своим глазом, не поддаваясь ему. Впрочем, эта фальшивость – всего лишь следствие неумелого развития линии с ясновидящим глазом в целом.

И уж совершенно «с потолка» взято финальное рассуждение о чистой доброй душе Ибы, который, благодаря глазу, способен видеть в людях самое плохое, но упорно продолжает отыскивать в них только самое хорошее. На протяжении сериала этот внутренний конфликт не проявляется вообще. Да, Иба – настоящий тимуровец, бескорыстно помогает всем направо и налево, иногда в ущерб себе. Да, он не замечает в людях недостатков, а замеченные очень легко прощает. Но самой внутренней борьбы НЕ ВИДНО. Все перечисленное можно списать на наивность, неопытность, а не на осмысленный выбор. А ведь для главной идеи сериала очень важно, что Иба ОСОЗНАННО предпочитает видеть в людях только хорошее и прощать им недостатки.

Таким образом, эта сюжетная линия проведена слабо, не слишком четко и убедительно, а потому не выдерживает «веса» остального сюжета.

То же самое можно сказать о линии Такасэ Амблер, «Метелки». Ее мотивы, ее чувства очевидны с самого начала. Просто сценаристам удобно делать вид, будто здесь есть какая-то интрига. Нечестно и некрасиво. В одной из первых серий нам показывают события в заброшенном доме. «Подробности», которые раскрываются по ходу сериала – это лишь несущественные детали. О них интересно узнать, но без них можно с легкостью обойтись. А значит, это не загадка, не интрига, а форменный подлог.

Фантомная «интрига» вдруг, неожиданно и нелогично, начинает бешеными темпами развиваться лишь в последних 3 сериях.

Плавной линии развития сюжета нет. Истинный «враг народа» появляется «вдруг откуда ни возьмись», а Метелка выкидывает такие фортели, что просто диву даешься: как не разглядел эту психопатку за предыдущие 20 с лишним серий!

В результате, «Rental magica» достаточно четко делится на сюжетные блоки, скрепленные только сквозными героями. Величина этих блоков тоже разная. А значит, прочности такому «зданию» явно не хватает.

Между блоками помещается то, что нынче принято называть «филерами», то есть промежуточные серии, не влияющие на развития основного сюжета и ничего нового в этот сюжет не вносящие. Парадокс в том, что этого самого «основного сюжета» в сериале нет, а значит, замедлять и «не вносить новое» просто не во что. Строго говоря, весь сериал можно считать набором филеров, ответвлений от Основного Сюжета, про который зрители так ничего и не узнали.


ФИНАЛ

Финала у «Rental magica» тоже, в сущности, нет. Просто заканчивается очередной сюжетный блок. Судя по всему, тут делалась «затравка» на второй сезон, но, насколько я знаю, пока его нет. Что меня, честно говоря, не особо расстраивает.


ИТОГИ

Означает ли, что «Rental magica» не заслуживает просмотра? Вовсе нет. Честно говоря, когда смотришь само аниме, все эти натянутости, несостыковки и прямолинейность почти не бросаются в глаза. Почти. Потом, в процесс анализа, «белые дыры, черные пятна» становятся очевидны. Поэтому желания пересматривать сериал не возникает.

Но если вам хочется отключиться от бытовых и экзистенциальных проблем и расслабиться, «Rental magica» – это то, что доктор прописал.

Словом, аниме – крепкий «середнячок»: не шедевр, но и не отстой.


+5Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (3)

Магазинчик ужасов (2011.02.26)

Стоим недавно с ребятами у метро, курим. Смотрим, Андрей Губин идет.
Ну, стоим, курим. Смотрим — Алла Пугачева.
Дальше стоим курим. Опа — Майкл Джексон!!!
Стоп… А что это мы курим?..
(старый анекдот)

Тебя там встретят огнегривый лев
И синий вол, исполненный очей,
С ними золотой орел небесный,
Чей так светел взор незабываемый.
(«Аквариум», старая песня)

КРАТКО О СЮЖЕТЕ (no spoilers!)

Обычному американскому мегаполису не чужды проблемы далекой, заснеженной России. И главная проблема — ПОНАЕХАЛИ!!!! Понаехали в Лос-Анджелес китайцы, поселились в Китай-городе, в смысле, в Чайна-тауне и торгуют наркотиками, оружием, а поговаривают, что и людьми.

Вот такого «врага американского народа» и мечтает упечь за решетку простой «господин полицейский» Леон Оркот. Но, увы, сбыться его мечте мешает ряд трудностей.

Во-первых, крайне подозрительный граф Ди торгует не опиумом, а домашними животными: птичками там всякими, кошечками, собачками, кроликами, ящерицами…тиграми, акулами, киринами… Широчайший выбор, доложу я вам! При этом контракты он составляет — не прикопаешься. И заметьте, все по-честному, безо всяких там дополнительных строчек мелким шрифтом на обратной стороне листа. В контракте обычно 3 пункта: зверушку надо правильно кормить, никому не показывать и соблюдать определенные условия ее содержания. Нарушил хотя бы один пункт — все, магазин ответственности не несет. Типа, топай в Ассоциацию защиты прав потребителей. Если есть еще, чем топать… Потому что, если правило нарушено, поведение «pet» становится крайне непредсказуемым, и начинается полный «horror».

А против графа Ди улик нет. Он совершенно чист и законопослушен.

Во-вторых, на беду Леона, китаец находится в очень хороших отношениях с властями, а значит, лицо хоть и не американской национальности, но все же неприкосновенное.

Но американский коп — он сердцем чувствует! И, вопреки указаниям начальства, Леон регулярно вламывается в зоомагазинчик и учиняет графу допрос.

Поначалу, правда, разговор у них не очень ладится: полицейский эмоционально вопит, а граф только вежливо улыбается. Но потом выясняется, что граф Ди, несмотря на изящное телосложение, — тот еще Винни-Пух и за сладости если Родину и не продаст, то информацией все-таки поделится.

Вот так, за чашкой чая, граф Ди и начинает рассказывать своему неотесанному американскому другу о клиентах зоомагазина и о зверях, которых те покупали.


МАНГА И АНИМЕ

Манга «Pet Shop of Horrors» (авт. Matsuri Akino) состоит из 10 томов по 4 главы + каталог животных в каждом томе. Аниме уложилось в 4 серии.

Собственно, аниме «Магазинчик ужасов» нельзя считать полноценной адаптацией (экранизацией) одноименной манги. Это скорее презентация, а проще говоря, «замануха». Зрителей знакомят с героями манги и излагают завязку сюжета. Если аниме вам понравилось, вы можете сполна насладиться мангой (к счастью, она доступна в хорошем русском переводе в Сети).

На экран было перенесено 4 части: 3 глава 1 тома, 3 глава 2 тома, 2 глава 1 тома и 1 глава 5 тома.

Кстати, если уж вдаваться в детали, кроме 4-х полноценных частей манги в аниме задействован еще кусочек 1 главы 9 тома. Самые первые кадры 1-й серии — про тигра с картины — достаточно сильно переделанный «хвостик» этой главы манги.

Конечно, поклонникам манги хотелось видеть исчерпывающую экранизацию.

Но, как мне кажется, авторы аниме имели свои основания идти выбранным путем.
Дело в том, что сама манга очень и очень «пестрая» и, я бы сказала, неоднородная. В ней постепенно изменяется принцип построения сюжета, развиваются и усложняются характеры персонажей, вводятся новые сюжетные линии. Да и сами истории различаются по настроению и жанру: от забавных, комичных и вполне безобидных до трагичных и страшных. В качестве глав манги такой «коктейль» воспринимается легко и обладает своей особой, неповторимой прелестью. А вот как эта разноголосица смотрелась бы в качестве эпизодов аниме-сериала — другой вопрос. И ответ на него совсем не однозначен.

(Замечание в скобках: впрочем, манга стоит того, чтобы рискнуть экранизировать ее целиком).

Создатели аниме пошли иным путем. Из всех разножанровых глав они выбрали 4 истории, объединенные: а) сходным принципом построения сюжета и б) общей главной идеей.

В результате, сериал получился очень целостным, динамичным, логичным и завершенным. И это большой плюс!

Аниме «Магазинчик ужасов», повторюсь, с одной стороны, — презентация манги, а с другой — самостоятельное завершенное произведение, обладающее внутренней логикой развития сюжета.


СКВОЗНОЙ СЮЖЕТ

Четыре истории, помимо общей главной идеи и схожести построения, объединены сквозной сюжетной линией и сквозными персонажами — графом Ди и детективом Леоном Оркотом.

Они сошлись. Волна и камень,
Стихи и проза, лед и пламень
Не столь различны меж собой.
(А.С. Пушкин, «Евгений Онегин», гл.2, строфа XIII. О Ленском и Онегине).

Конечно, в манге характеры обоих героев раскрываются не в пример глубже, ярче и интересней. В аниме же представлено лишь зарождение их дружбы.

Прямолинейный, импульсивный, не блещущий интеллектом, но тем не менее храбрый и честный Леон контрастирует с таинственным, сдержанным, ироничным, тонко чувствующим и умным графом Ди.

К сожалению, в аниме образ графа почти не раскрыт. Граф Ди так и остается, пардон за каламбур, мистером Икс. Но это не вина создателей аниме, а их беда: в манге тайна графа начинает потихоньку приоткрываться как раз после глав, выбранных для экранизации.

В аниме же граф Ди предельно загадочен. Людей он не то что не любит, просто, по большому счету, чихал он на них с высокой елки. А вот животные — дело совсем иное. Тем не менее, граф по-своему сочувствует бедным людям, погубленным собственными страстями и пороками, а в неудачнике-актере, обожающем рептилий, даже видит родственную душу и сам предлагает ему волшебную Медузу.

А еще лично меня очень порадовали перепалки Леона с графом. Очень уж изящно и ловко граф отфутболивает неотесанного детектива!


ПРИНЦИП ПОСТРОЕНИЯ СЮЖЕТА

Все 4 истории строятся по одной схеме. (В манге, как уже говорилось, сюжетные ходы, естественно, намного разнообразней).

В зоомагазинчик графа Ди приходит клиент, у которого есть некое Заветное Желание, нередко переходящее в навящевую идею. Сердце такого человека отягчено чувством вины (1 и 2 серии), неудовлетворенностью собственной жизнью (3 серия), великой мечтой, требующей, как кажется герою, самоотречения (4 серия). Одним словом, все клиенты графа одержимы неким саморазрушительным чувством.

Граф предлагает посетителю приобрести экзотическую зверушку, которая является отражением и воплощением всех чаяний клиента. Например, родителям, потерявшим дочь, Ди продает «кролика», который выглядит точь-в-точь как покойная девочка.

В этих созданиях люди видят возможность исправить совершенные ошибки, загладить собственную вину, достичь своих целей. Поэтому, разумеется, они не спорят с графом и поддакивают ему, когда он называет девочку кроликом, женщину в бассейне — русалкой, а таинственную даму с повязкой на глазах — ящерицей. Как говорится, назови хоть горшком, только в печку не ставь.

Акт купли-продажи подтверждается Договором, в котором указаны условия содержания «зверя». Несоблюдение любого из условий снимает с магазина всякую ответственность за последствия.

Условия просты и легко выполнимы. На первый взгляд. Подумаешь, кормить только овощами! Но, боже мой, как трудно устоять, когда «кролик» в обличии обожаемой дочери умильно просит конфетку! Всего одну. Одну единственную. Казалось бы, что может быть проще — не снимать повязку с глаз загадочной женщины-горгоны. Но что не отдашь за возможность всего один единственный раз взглянуть в глаза любимой. Пускай этот раз и станет последним.

И герои, естественно, нарушают условия договора.

Таким образом, все клиенты графа Ди ставятся в одинаковое положение, разыгрывают схожие сценарии.

А вот мотивы, по которым они нарушают условия договора, а также их заветные желания и чувства — разные. Поэтому и финал историй разный, равно как и урок, который мы извлекаем из судеб героев.


ИДЕЙНОЕ НАПОЛНЕНИЕ ИСТОРИЙ

О чем повествуют все 4 истории? О любви! О любви в самых разных ее проявлениях: любви родительской, романтической, чувственной, платонической, эгоистической, несчастной и счастливой, разрушительной и созидательной.

Чрезмерная родительская любовь, испортившая и погубившая ребенка, не принесшая самим родителям ничего, кроме горя, вины и отчаяния.

Сделка с совестью, предательство собственной любви и лицемерная игра с чувствами другого человека, пусть даже это и не заслуживающая жалости эгоистка. Предательство, повлекшее непреодолимое чувство вины.

Жизнь прошлым. Противоречивое желание жить былой славой и в то же время доказать, что ты стоишь чего-то большего. Великая любовь и жертвенность, оканчивающаяся смертью и примирением с самим собой.

Отказ от личного счастья во имя Высшей цели, ради счастья всего мира. Ненужное самоотречение, которое к тому же причиняет боль самому близкому и дорогому человеку. Великая любовь и жертвенность, оканчивающаяся неожиданным триумфом.
Вот так, предельно сжато и кратко, можно описать эти 4 истории.


ЛОГИКА РАСПОЛОЖЕНИЯ СЕРИЙ

Истории выстроены по принципу от грустного и страшного к возвышенному и жизнеутверждающему.

Первые два эпизода содержат тошнотворно-натуралистичные сцены из разряда «и кишочки в уголочке». Но это лишь «фильтр». Тому, кто пережил все эти ужасы, полагается приз: пронизанная светлой романтической печалью история любви Медузы и Принца и история Кирина, заставляющая поверить: есть еще на свете справедливость! — ну, по крайней мере, художественная…


СОН ИЛИ ЯВЬ

В аниме, в отличие от манги, не дается объяснения истинной сущности необыкновенных животных из зоомагазина. Нельзя доподлинно сказать, кого же граф Ди продает своим клиентам: обычных животных с экзотическими именами или и впрямь мифических и сказочных существ. Например, во второй серии так до конца и не ясно, русалка ли поет герою или это магнитофонная запись, льющаяся из колонок, заставляет обремененного чувством вины героя грезить наяву.

Ди продает мечты — и этим все сказано. Дым благовоний обволакивает людей, высвобождает их потаенные желания, стремления, фантазии. Те, кого не влечет мечта, видят рыбу, кролика, ящерицу. Владельцы же диковинных зверей видят в них отражение своей заветной мечты.

Но ведь мечту так сложно удержать в руках!


ПРАКТИЧЕСКИЕ ВОПРОСЫ: СУБТИТРЫ ИЛИ ДУБЛЯЖ

Лично я в Сети нашла 2 версии «Магазинчика ужасов». Первая — с японской звуковой дорожкой и русскими субтитрами (разные версии любительского перевода). Вторая — официальная дублированная версия. Подчеркивая: дублированная. То есть голосов сэйю не слышно, а аниме заново переозвучено уже русскими актерами.

Почему-то компании, купившей права на «Магазинчик», не объяснили, что аниме ни за что и никогда нельзя дублировать! Ведь 50% образа героя создает сэйю, его интонации, тембр голоса, манера речи.

Я вовсе не сторонница отаку, которые смотрят аниме исключительно с субтитрами. Во-первых, значительная часть внимания в этом случае сразу переключается с картинки на буквы, а аниме — это все-таки видео-продукт, его надо смотреть и смотреть внимательно, иначе можно упустить много интересного и важного. Во-вторых, субтитры вовсе не гарантируют качественный перевод. Они тоже часто бывают «кривыми» и в плане оформления, и в плане адекватности перевода. И когда вместо нормальной фразы читаешь нечто в духе «велик могучим русский языка» — никакие, даже самые гениальные сэйю не исправят испорченного впечатления и не помогут лучше понять, о чем, собственно, идет речь. Английские, субтитры, кстати, тоже часто страдают «кривизной».

На мой взгляд, оптимальный вариант — одноголосый (или двухголосый) закадровый перевод. Текст начитывается по-русски, а на заднем плане слышны голоса сэйю. В результате создается своеобразный перекрестный эффект: мы слышим русские слова и автоматически «накладываем» их на интонации сэйю.

Но «Магазинчик ужасов» жестоко отдублировали. Увы. С этим приходится смириться.

Я смотрела обе версии: сначала с субтитрами, потом дублированную.

Справедливости ради, надо сказать, что дубляж выполнен добросовестно и качественно. Поэтому, если вы уж совсем не перевариваете субтитры, можно посмотреть дублированный вариант. Будьте уверены: на 60–70% вы получите представление об оригинале.

Однако, если аниме вас «зацепило», лучше пересмотреть его с субтитрами, чтобы услышать настоящего графа Ди и настоящего Леона Оркота.

А потом, с легким сердцем, можно и за мангу приняться!


+5Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Фури-кури (2011.01.17)

Сначала это аниме мне совершенно не понравилось. Невнятный сюжет, беспорядочные мельтешения на экране, сумбурное повествование, неравномерное течение действия, которое то размазывается, как масло по французскому батону, то начинает мчаться сломя голову, не разбирая дороги. Смешение стилей и красок, неожиданные музыкальные темы.

Все 6 эпизодов я отсмотрела за один день почти без перерывов. Домашние дела простаивали, «халтура» летела к черту, но я понимала, что не успокоюсь, пока не досмотрю все до конца. Нельзя сказать, что меня увлек сюжет. Он по-прежнему казался сумбурным. Но мне все равно хотелось ТУДА, в этот безумный одинокий город с фантастическим заводом-утюгом в самом своем сердце.

Весь следующий день я ходила, мурлыча под нос «фури-кури, фури-кури…». Как-то само собой подумалось: а пойдет ли мне рыжий цвет волос, и где в нашем городе можно достать зеленые линзы подходящего оттенка?.. Захотелось сесть на мотоцикл и вдарить по струнам электрогитары (а потом этой самой электрогитарой вдарить по кому-нибудь).

Наверное, дело в том, что мир «Furi-Kuri» своеобразен донельзя. Он состоит из смешения стилей: графических и музыкальных; он состоит из смешения эмоций: от медитативно-депрессивных до отвязно лихих. Он наполнен отсылками к другим аниме и вместе с тем невероятно самобытен.

Furi-Kuri – это не аниме. Это образ жизни и образ мыслей. Я обожаю все анализировать и раскладывать по полочкам. Но в этом случае я вынуждена признать: это аниме мне просто нравится. Вопреки привычной логике – по логике «фурикурийной».


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Аякаси: Классика японских ужасов (2010.10.08)

Тише, деточка, не плачь:
Ходит по двору палач…
(Из колыбельной)

«Аякаси: классику японских ужасов» я начинала смотреть с чувством самодовольства и в предвкушении того, как сейчас моя самооценка взлетит до небес, ибо считала себя ПОДГОТОВЛЕННЫМ зрителем. В моем багаже уже имелись: а) книжки по японской мифологии, б) сборник японских страшных рассказов «Пионовый фонарь», в) разные статьи и заметки по японской культуре, найденные в Интернете, г) японские «Темные воды», а также все «Звонки», д) немалое количество аниме, в частности, что мне казалось немаловажным, е) «Магазинчик ужасов» («Pet shop of horrors»).

Из аннотации к «Аякаси» я узнала, что это аниме состоит из трех историй, различающихся как сюжетом, так и манерой исполнения.

«Нуте-с, нуте-с, – потирая ручки, думала я, – сейчас будем эстетствовать и умничать, умничать и эстетствовать».

«ОБЛОМИСЬ!»

Японский городовой! Может быть, виноват был еще и не очень качественно выполненный перевод, но, честно признаюсь, я раз пять запускала первую серию с начала, чтобы разобраться, кто кого любил, кто на ком женился, кто зачем убился, кто рожает, а кто мстит. И где-то к середине первой серии мне таки удалось вникнуть почти во все. Правда, к тому времени моя самооценка уже жалобно пищала, съежившись где-то под плинтусом.

Надо сказать, дальше пошло веселее. «Въехав» в специфику «Аякаси», уловив ритм повествования, я уже продолжала смотреть это аниме с интересом и не без удовольствия.

Но обо всем по порядку.

Аннотация не соврала: истории действительно очень разные, как в смысловом и жанровом, так и в стилистическом и графическом отношении. Это именно сборник страшных рассказов разных авторов. Поэтому, если вам не понравилась, скажем, первая новелла, не бросайте просмотр: возможно, одна из оставшихся двух вызовет у вас восторг. Ну, во всяком случае, впечатления от этих историй будут совсем иные.

Предупрежу: не ждите от «классики японских ужасов» того, что мы привыкли видеть в американских ужастиках. Не будет никаких мутантов, очередных воплощений Сатаны и прочих УЖАСОВ, выпрыгивающих через каждые пять минут из темноты. Выпрыгнут. Но от силы пару раз за новеллу. Впрочем, к «Бакэнэко» это относится в меньшей степени.


НЕСКОЛЬКО СЛОВ О ЖАНРЕ


Формулировки и определения жанров — мои собственные, а потому не вполне научные, спорные и не окончательные.

Первая история – это бытовая легенда. На эмоциональном уровне впечатления от нее можно передать фразой: «Вот судьбища так судьбища!». Однако эта история обрамляется весьма своеобразно: размышлениями Автора о смысле литературы, легенд, историй, преданий в человеческой культуре и психологии.

Вторая история – это стопроцентная легенда, красивая и эпичная.

Третья история – мистический детективный триллер.


I новелла. История призрака Ёцуи


Эта легенда о вероломстве, предательстве, лицемерии и о возмездии за эти грехи, а также о хитросплетениях судьбы и о совпадениях, удивительных и ужасающих.

Проблема в том, что эта история накрепко вписана в исторический и национальный контекст, поэтому разобраться в завязке сюжета непросто. Завязка изобилует понятиями и фактами, знакомыми японцам, но ошеломляющими неподготовленного зрителя. Чтобы вникнуть в то, о чем говориться на протяжении первых 10 минут 1 серии, нужно знать историческую ситуацию, национальные традиции и, по меньшей мере, значение терминов «ронин» и «сэппуку». Ну, или уметь очень быстро «схватывать» все налету.

Для сравнения. Для русского человека большая часть правления Ивана Грозного описывается одним словом: «Опричнина». Это понятие вызывает ряд ассоциаций, литературных, культурных, исторических. Слово «опричнина» – своего рода архив .rar. Услышав его, мы мгновенно «распаковываем» содержащуюся в нем информацию. «Опричнина» равно беззаконие, жестокость, опричники, Малюта Скуратов, казни, истребления целых городов, насилие, подозрительность, всеобщее доносительство, надоевшие жены, насильно заточенные в монастырь, политические противники, замученные в камерах пыток. Эти и еще множество других смежных понятий и явлений всплывают в нашем сознании. В том числе, и картина «Иван Грозный убивает своего сына» и комедия Гайдая «Иван Васильевич меняет профессию».

Одно единственное слово порождает шквал ассоциаций. Хотите обозначить исторический КОНТЕКСТ, скажите: «Опричнина». Этого достаточно.

А теперь представьте, что вы решили показать некую экранизацию лермонтовской «Песни о купце Калашникове» среднестатистическому японцу. Посадили его перед экраном и коротко бросили: «Тут история в период опричнины происходит». «В период ЧЕГО????», – подумает японец и уже через три минут просмотра просто офигеет.

Вот и я офигела, когда на меня свалился этот «шмат» заархивированной культурно-исторической информации.

Все сказанное, конечно, не означает, что перед просмотром вам нужно тщательно проштудировать историю средневековой Японии. Но знать азы полезно. Однако и это не обязательно. Главное: разобраться, кто кем кому приходится, а потом просто получать удовольствие от просмотра. Ну, и по ходу дела корректировать то, что вы там раньше «напонимали». Потому что эта легенда действительно трагическая, захватывающая и зловещая. И очень фольклорная.

Особенно интересна «рамка» этой истории. Повествование ведется от лица писателя, когда-то услышавшего эту народную легенду и написавшего на ее основе пьесу для театра кабуки.

В каждой серии параллельно с историей жизни героев рассказывается история бытования самого Произведения. Автор поясняет, что в народе ходило несколько вариантов этой легенды, очень сильно отличавшихся друг от друга.

Он, автор, на основе этих легенд написал свой вариант Истории, которые потом неоднократно с успехом воплощался актерами на сцене и в кино. Однако эти постановки всегда сопровождались мистическими происшествиями, болезнями и даже смертями участников представления. И появилось поверье, что эта История несет в себе проклятье главной героини Оивы, чья душа так и не обрела покоя.

Автор задается вопросом о происхождении этого проклятья.

Реальная история женщины Оивы неизвестна. Да, может, она вообще свинкой заболела и умерла. Мы знаем только ту Оиву, которую придумал, а точнее додумал, досочинил Автор. Получается, это душа персонажа насылает проклятье. Но ведь первоначально в пьесе не было понятно, успокоился ли дух несчастной или нет. Позже автор переписал финал, сделав его более однозначным, «отпустив» свою героиню. Почему же зрители и постановщики упорно твердят о проклятии? Не потому ли, что они САМИ хотят верить в его существование, хотят быть напуганными, чувствовать эту угрозу, близость СТРАШНОГО.

Да и как Автор может сейчас рассуждать обо всем этом, если он давно умер?..

Вопросы соотношения прототипа и персонажа, биографического автора, Автора-творца и автора-повествователя, жизни текста после того, как автор уже закончил работу над ним, – словом, множество вопросов, над которыми бьется такая наука как теория литературы, затронуты в четырех сериях аниме. Ну, что сказать? Снимаю шляпу…


II новелла. Легенда о Тенси


Очень красивая легенда о любви, верности, ревности и выборе.

C одной стороны, это очень «японская» история, проникнутая национальным мифологическим мироощущением. Но с другой – наиболее понятная история об общечеловеческих ценностях. Резюмирую: общечеловеческая история, акценты в которой расставлены согласно японскому мировоззрению.

Нет смысла пересказывать сюжет. Он слишком тонок и поэтичен. Эту историю нужно смотреть и чувствовать.

Примечательно, что в этой возвышенной трагической истории нашлось место для двух очаровательных цинично-комических персонажей: демонов-грабителей. Очень милые ребята, вносящие оживление и, если хотите, жизненность в сюжет легенды. Они не дают эпосу замкнуться в самом себе, потерять связь с реальностью, а Возвышенности перейти в Морализаторство и Пафос.


III новелла. Бакэнэко


Из этой новеллы вырос аниме-сериал «Mononoke», уже целиком и полностью посвященный великолепнейшему Аптекарю.

Первое, что бросается в глаза – это очень непривычная графика. После достаточно консервативного рисунка первых двух частей «Бакэнэко» оглушает мозаичностью, фрагментарностью, буйством красок. Сами рисунки будто выполнены на мятой бумаге. Фоны – паззл из мелких разноцветных кусочков. Персонажи нарисованы в достаточно своеобразной, несколько условной манере. На общем фоне выделяются Аптекарь и девушка-служанка Каю, что обусловлено самим развитием сюжета.

Смотрится красиво, но крышесносяще. Чисто визуально мелкие разноцветные детали воспринимаются тяжеловато. К такому рисунку надо привыкнуть. Ну, а взяв эту высоту, продолжать получать удовольствие от просмотра!

Как уже говорилось, это мистический детективный триллер. Этакий гибрид «Десяти негритят» и «Пилы».
Замкнутое пространство.
Преступление.
Ограниченный круг подозреваемых.
«Скелет в шкафу», до которого предстоит докопаться…
детективу Эркюлю Пуаро…В смысле, Аптекарю.

По построению повествования эта новелла наиболее близка западному хоррору. Будет кровь, будут трупы, монстры, крики-визги, напряженное ожидание.

Внешне это все очень похоже на привычный нам ужастик. Но при ближайшем рассмотрении оказывается, что эту историю нельзя воспринимать по шаблонам европейских классических сюжетов. Эти «ключи» просто непригодны. А потому смотрится это очень здорово. Почти до конца не ясно, кто же там «верблюд». А уж предсказывать, кому из героев удастся выйти из этого дома живым, – труд и вовсе неблагодарный.

Несколько слов о том, как – с моей точки зрения – нужно воспринимать сюжет «Бакэнэко». Спойлеров не будет. Я попробую обойтись схематичным описанием, расставить ориентиры, дать этакий алгоритм, которым любой читатель это рецензии при желании сможет воспользоваться.

Обычно подобные сюжеты мы «читаем» по такой схеме:
Давным-давно персонаж А несправедливо обидел персонажа Б. Б превратился в «страшилку» и теперь мстит А и его подельникам.

Если при этом Б «замочил» невиновного, его надо убить. Он плохой!

Если же допустить, что смерть невиновного была случайностью, значит надо дать Б убить А и его подельников, чтобы пострадавший некогда Б успокоился. Он ведь хороший!

Вот эти-то «ключи» и не подходят к японским «замкам». «Замок», конечно, можно разворотить и открыть таким образом дверь. Но это, согласитесь, не лучший вариант. Тем более что велика вероятность сломать «ключ», так и не попав в «комнату».

Более подходящий, на мой взгляд, алгоритм таков:
Давным-давно А несправедливо обидел Б. Б затаил злобу. Произошло СОБЫТИЕ, которое пробудило разъяренный дух Б, и он начал МСТИТЬ. А месть – она как ядовитый газ, который напустили в закрытое помещение. Он не может убивать выборочно. Он травит всех.

Нужно ПОНЯТЬ Б, его чувства, желания, намерения и ИЗГНАТЬ, потому что Б, конечно, обижен несправедливо, он вызывает симпатию и сочувствие, но его методы абсолютно неприемлемы для этого мира.

При другом подходе возникает недоумение: Б – злой дух или добрый и, собственно, на чьей стороне Аптекарь? А все дело в том, что Б – не злой и не добрый. Он дух МСТИТЕЛЬНЫЙ (мононоке), которому не место в реальном мире. А Аптекарь – тот, кто поддерживает существующий порядок вещей.

Надо сказать, что Аптекарь – персонаж очень харизматичный. К нему сразу проникаешься симпатией, потому что он — скромный труженик, выгодно выделяющийся на фоне спесивых обитателей дома, однако при кажущейся простоте он загадочный и крайне интригующий. Кроме того, мы воспринимаем его глазами юной веселой и смелой Каю, которая интуитивно тянется к этому человеку (человеку ли?) и понимает, что он – единственный, кто способен справиться с мононоке.

Если новелла «Бакэнэко» вам понравилась, переходите к следующему упражнению: «Mononoke», 2007 г. Этот сериал уже полностью посвящен Аптекарю. И там тоже фигурирует Каю. Аж полтора раза.


+13Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Демон-дворецкий [ТВ-1] (2010.08.12)

Цыганочка Аза, Аза
Кому раз, кому два раза,
А кому ни разу не дала…
Поцеловать!
(из фольклора)

Зачастую, как видно из отзывов и мнений, «Kuroshitsuji» относят к банальному яою с элементами пародии. Впрочем, реакция ожидаемая и – более того – провоцируемая.
В этой статье я высказываю свое личное мнение, никому его не навязываю. Как говорится, история нас рассудит.
Итак, что я увидела в аниме «Kuroshitsuji» (рус. «Темный дворецкий»)? Очень умное аниме, основанное на игре с читателем (в нашем случае со зрителем).


«Тест на вшивость»
Многие сцены и эпизоды «Темного дворецкого» построены по принципу «каждый думает в меру своей испорченности».
Существует такая байка. Режиссер Леонид Гайдай хотел начать свою комедию «Кавказская пленница» следующей сценой. На экране крупным планом показывали забор. Подходил Бывалый и мелом писал большую букву Х, отдавал мел Балбесу, который писал букву У, затем мел брал Трус, но, когда, зрители, видимо уже должны были выпрыгивать из кресел от восторга и предвкушения ЗАПРЕТНОГО, раздавался милицейский свисток и Трус быстренько дописывал «…дожественный фильм».
Для чего я привела эту историю? Она на родном, «национальном» примере демонстрирует эту самую творческую игру со зрителем, игру на «биологических» (слово «низменных» чересчур пафосное) струнках души.
Человек стремится к запретному, к неприличному, к «клубничке», стремится всем сердцем и готов увидеть в разводах на стекле пару, занимающуюся оральным сексом. Европейское сознание, задавленное столетиями христианской морали, особенно остро реагирует на подобные творческие провокации.
Именно на таких неприличных фантазиях и играют создатели «Темного дворецкого». Повсюду расставлены «ловушки-намеки». Повествование сконструировано таким образом, что при желании – вернее при озабоченности – многое там можно воспринимать как намек. При этом зрителю ни разу не дается прямого подтверждения его «эротических» догадок. Интерпретация определенных эпизодов полностью остается на совести зрительской «испорченности».
Зато обламывают такого зрителя виртуозно! Три самых, на мой взгляд, великолепных эпизода, где действие намеренно идет вразрез со зрительскими ожиданиями: первый – полубредовый сон Сиэля про корсет, второй – в серии посещения таинственной религиозной общины, когда зрителя подводят к мысли о том, что сейчас начнется педофилическая гомосексуальная буффонада, хотя в действительности сюжет принимает самый трагический поворот, третий – начало серии про духов английских принцев: две пары ног, торчащие из-под одеяла.
Масло в огонь подливают великолепнейший Грель, который никак не может определиться со своей гендерной принадлежностью, и человеческая форма Адского пса – «крючок» для юных зоофилов.
В принципе таким восприятием этого аниме можно и ограничится. Хотя лично мне такого человека будет жаль. Ибо даже толкование повести Тургенева «Муму» на уровне «урод-Герасим собачку утопил» будет гораздо более адекватным и интеллектуальным, чем восприятие «Темного дворецкого» как эротической комедии.
Если успокоить разбушевавшиеся гормоны и начать думать не промежностью, а головным мозгом, это станет очевидным.
В этой статье я попыталась упорядочить свои наблюдения. Получилось много, поэтому для удобства чтения я разбила текст на небольшие смысловые части.

Игра с сюжетами
Авторы аниме умело обыгрывают хрестоматийные сюжеты. Подробно остановлюсь на двух.

«Малыш и Карлсон»

Прежде всего, авторы прошлись по сюжету «ребенок-господин, взрослый-слуга». Пародия дает этому хрестоматийному сюжету новую кровь, а именно, как ни покажется странным, психологизм и достоверность.
Сиэль, сколько бы он из себя ни строил главу семейства Фантомхайв и мрачного циничного мстителя, - это просто беспомощный маленький мальчик, которому бывает страшно спать в темноте, которому очень тоскливо без папы и мамы. Это Ребенок, которому жизненно необходим Взрослый – пример для подражания, защитник, наставник, советчик, мудрый друг, словом, тот, кто возьмет на себя функции родителей.
В сущности, подобное мы уже читали и видели много раз, в тех же книжках про Карлсона и прочих сказках, где одинокий ребенок выдумывает себе друга. Просто обстоятельства в «Темном дворецком» более взрослые, жесткие, неоднозначные. Брошенный ребенок готов видеть Родителя в ком угодно – хоть в демоне. К тому же контракт с демоном дает Сиэлю уверенность в том, что он больше не останется один, что его не предадут, не бросят, что кто-то будет с ним до самого конца. Более того, он приказывает Себастьяну не предавать его. В этом приказе звучит отчаяние и боль одинокого ребенка.
В скобках: одна интересная деталь для тех, кто увлекается психологией: отношения Сиэля с Себастьяном – яркая иллюстрация интроекции.
Беспомощность «господина Сиэля» становится особенно очевидной, когда он остается один во Франции и блуждает в поисках порта. Ни деньги, ни титул ему не помогают. Осознание своей жалкости и ничтожности как раз и делают его взрослее, помогают найти мужество следовать по избранному, пускай и гибельному, пути.
Верность себе, даже если она ведет к смерти физической, оказывается лучше, чем отказ от своего ужасного прошлого, ведущий к исчезновению собственной личности, собственного жизненного опыта, собственной души.
Этот парадокс, кстати, ловко упрощается и уплощается в экстра-эпизоде, который, с одной стороны, можно принять за отгадку самого аниме, финальный аккорд, разъясняющий все неясности основного сюжета, с другой, - как продолжение игры со зрителем, который стремится к однозначности и ясности, как заведомое сведение изначально неоднозначной проблемы, уравнения со множеством неизвестных, к задаче в духе «дважды два равно четыре».
Комические двойники Себастьяна и Сиэля – индийцы. Сцена, где великовозрастный «малыш»-принц, осознавший свое одиночество и никчемность, обливается слезами и соплями на плече Сиэля – это что-то с чем-то!

«Легенда об андрогинах»

Существуют легенды, что на земле некогда жили андрогины — люди, совмещавшие в себе мужское и женское начало, потом эти начала были разделены, и теперь, одинокие, они мыкаются по свету в поисках своей половинки.
По-видимому, эта легенда и обыгрывается в «Темном дворецком». Самой проблеме человеческого одиночества уделяется очень много внимания. При этом проблема «располовиненности» приобретает гротескное звучание. Традиционные решения доводятся до абсурда, благодаря чему становится очевидной их несостоятельность.
Сюжет о воссоединении двух «половинок» буквализируется и доводится до логического предела, разом смывающего весь розовой флер девичьих фантазий на тему Вечной Любви. Не можешь отпустить умершего или ушедшего любимого? Ну, отрежь от него кусок и пришей к себе. Правда, он, по законам биологии, скоро начнет гнить и разлагаться…А как же? Легенды легендами, а жизнь жизнью.
Идеалом-андрогином выступает ангел: он и мужчина, и женщина. Однако это совершенное существо вызывает скорее отвращение (причем даже у демона). Оно жестокое, холодное и абсолютно лишено человечности. Страдающего, осиротевшего ребенка ангел считает грязным пятном на лице мироздания. Да и сам мир, населенный людьми, как-то совершенно не соответствует идеалу и, следовательно, подлежит тотальному очищению.

Весь мир насилья мы разрушим
До основанья, а затем…

Демон, понимающий и принимающий человеческие эмоции, оказывается более человечным. Он по-своему сострадает Сиэлю, достаточно своеобразно, но помогает ему.
Как обстоят дела с совмещениями «половинок» у демона остается не вполне ясным. Но с определенной долей уверенности можно говорить о доминировании в нем мужского начала. А потому демон — это, грубо говоря, не злой ангел, а существо совсем иного свойства.
Своеобразным антиподом ангела выступает жнец Грель. Он, если хотите, отражение совершенства ангела в кривом зеркале, ходячая иллюстрация несоответствия гендера и пола. Самый гротескный, веселый и обаятельнейший персонаж аниме.

Юмор
«Темный дворецкий» - это ни в коем случае не трагедия, выдавливающая слезу каждым кадром. Там море действительно смешных вещей. Уморительно смешных.
Трагический в основе своей сюжет сливается с феерическим юмором на любой вкус: от буффонады до тонкой иронии. Перечислю несколько «групп».
Аллюзии, причем как исторические, так и художественные. (Не знаю, в какой степени это можно отнести к собственно юмору, но лично мне такие вещи доставляют невероятное удовольствие. Поэтому…). Например, отсылка к истории Джека Потрошителя, отсылка к пожару 1666 года в Лондоне, отсылка к «Собаке Баскервилей», отсылка к «Hellsing»: замечательная «шпилька» во второй серии, когда Себастьяна сначала эффектно крошат из всевозможного оружия, а потом он не менее эффектно воскресает. Особая благодарность авторам за то, что такую штуку они проделали всего один раз, иначе бы было занудно и претенциозно.
Анахронизмы. Например, итальянские мафиози 20 века в викторианской Англии. В той же той викторианской Англии (то есть во второй половине 19 века) – бензопила (!), изобретенная лишь в 20-е годы 20 века. Супер-мега-рекламная акция компании «Фантом», успешно проведенная Себастьяном.
Черный юмор. Первая серия тут, конечно, бьет все рекорды. Но мне, например, очень понравился параллелизм диалогов в серии про похищения Сиэля. Помните: слуги сидят на кухне и спорят, можно ли им съесть пирог, горничная вопит о пользе молока для укрепления костей, а в это время в логове бандитов Себастьян ломает руку одному из гангстеров (а что, гангстеры ведь молока не пьют – вот вам и результат!).
«Вот такая вот мораль», - как говорится в другом моем любимом аниме.
Буффонада. Например, крышесносящая охота за мышью. И, конечно, почти все эпизоды с Грелем.
И много-много чего еще.
Из интересного в плане конструирования сюжета не могу не упомянуть самые яркие эпизоды. Лично я так и зашлась восторгом, когда герои сами стали писать сценарий серии, потому что развитие сюжета зашло в полный тупик (помните перо и закладочку – розовенькую). Вообще, герои, которым Автор переадресовывает часть своих функций – предмет отдельного разговора.
Серии об индийцах богаты всевозможными издевательствами над приемом «обыгрывания мифа» (который, между прочим, используется и в самом «Kuroshitsuji»). В основном там задействована визуальная составляющая, четко показывающая, как путаются параллели между героями мифа и героями рассказываемой истории, в конце концов превращаясь в абсурдный клубок, не поддающийся адекватной трактовке. Кто там к кому отсылает?.. Словом, постебались авторы всласть.
Еще японцы порадовали самоиронией. Особенно в первой серии, где Себастьяну приходится устраивать «вечер в японском стиле» просто потому, что все продукту испорчены, посуда перебита, а сад…прости, Господи…
Словом, здоровая самоирония из серии «так и появились булочки с изюмом».

Зигзаги стиля
Неожиданные – и не ожидаемые – стилистические перепады повествования создают при просмотре такое ощущение, будто вы катаетесь на русских горках, причем трассу аттракционщики прокладывают прямо по ходу дела. Там, где можно ожидать комического разрешения ситуации, тебя кидают в яму трагизма. Только ты приготовился пострадать – обрушивают на тебя лавину юмора. Настроившись на трагедию, ты все же, наученный горьким опытом, ожидаешь комедию, и вдруг – действительно видишь трагедию. Показателен эпизод, где Сиэль предлагает принцу сыграть с ним.
Причем такие стилистические скачки проявляются не только и не столько в крупных эпизодах. Нет, все сработано настолько мелко, ювелирно, что иногда даже почти невозможно зафиксировать этот переход. Иногда веселый и грустный планы просто совмещаются. Например, на первом плане: Сиэль, осознавший свою эгоистичность, в волнении склонившийся над спасенной Элизабет: очнется она или нет, а на втором плане Грель, явно скучающий при виде всех этих «чувств-с».

О жанре
Из-за стилистических перепадов однозначно обозначить жанр этого аниме невозможно. В рамки традиционной системы жанров оно не укладывается. Это и не пародия в чистом виде. Это и не трагикомедия: нет доминирующей составляющей (не смех сквозь слезы и не слезы, прерываемые смехом). Это нечто синтетическое и весьма интересное с точки зрения психологии восприятия. Словом, это эксперимент. В первую очередь, эксперимент над зрителем.
Кстати, меня очень удивило, что «Темного дворецкого» относят к детективу. Ни по каким признакам это «ни разу» не детектив! С таким же успехом к детективу можно отнести детскую песенку про двух веселых гусей.
Детективные элементы используются не как самоцель, а исключительно как вспомогательные средства развития сюжета.
Некий детективный элемент есть во внешнем оформлении повествования. В «Темном дворецком» зрителю дается много «ключей», которые можно заметить только при повторном просмотре, когда уже известно, кто есть кто. Например, становится понятным отчаяние Греля, когда Элизабет наряжает его в платье белого – а не красного (!!!) – цвета, хотя сам факт того, что платье женское, его не особо колышет. Получают объяснения черепа, которые жнец-Грель в задумчивости сотворил из деревьев в саду поместья, обретают смысл его намеки Себастьяну по поводу неких воспоминаний на пленке.
И такие «ключи» разбросаны по всему аниме. То, что при первом просмотре казалось забавной несуразицей, обретает логическое обоснование.

Персонажи
Проработка персонажей, на мой взгляд, выполнена на высшем уровне. Герои необыкновенно харизматичные, запоминающиеся, в каждом есть своя изюминка.
О многих героях «Темного дворецкого» я уже упоминала.
Отдельного рассмотрения заслуживают персонажи, которым, так сказать, переадресованы некоторые функции автора-повествователя. В самом действии (воплях, беготне, махании руками и т.п.) они почти не принимают участия. Зато неизменно появляются, когда нужно сообщить остальным героям какие-либо сведения, дать разъяснение событию или явлению. Это, метафорически выражаясь, сапоги, которые дают пинка действию, когда оно по каким-либо причинам застопоривается. Я, конечно, говорю о Гробовщике и о дворецком Танаке.
О Гробовщике я уже кое-что писала. Он всегда появляется в нужный момент и дает нужные сведения. К тому же он обладает исключительным правом «переписывать историю», т.е. буквально занимать место Автора, сценариста. (А еще он не сдает вовремя книжки в библиотеку, но ему за это ничего не бывает. Я ТОЖЕ ТАК ХОЧУ!!!! :-D ).
Если Гробовщику разрешено «вести» действие, дворецкий Танака таким правом не наделен. Он, в отличие от Гробовщика, скорее не герой, а функция, «служебная программа», «бог из машины». Все остальное время он просто не нужен. Утилитарность этого персонажа с повествовательной точки зрения и очевидная его избыточность на уровне развития действия, обыгрывается очень оригинально. Большую часть аниме Танака – бессловесный чибик. «Надувается» он только на несколько секунд, чтобы сообщить героям важную информацию. В ином случае его не хватает даже на то, чтобы выступить в роли подставного главы компании «Фантом». Изначальная искусственность этого персонажа делает, как это ни парадоксально, совершенно естественным и органичным абсолютно искусственный способ, которым нам рассказывается история семьи Фантомхайв (дневник Танаки, где он описал события, и который «случайно» оказался в лодке Себастьяна). Сделать органичным такой дуболомный прием – это высший пилотаж!

Музыка
Игра со зрителем ведется даже на уровне музыкального оформления. Первый эндинг обещает жизнеутверждающий happy end (Весса, I`m Alive). Но восхитительная Lacrimosa в исполнении Kalafina ставит зрительский оптимизм под сомнение.
Кстати, «Lacrimosa» - это часть реквиема, повествующая о Судном дне.

Итак, что такое «Темный дворецкий»? Аниме-провокация. Аниме-игра. То ли серьезное, то ли шутливое, а скорее - все это вместе взятое и еще чуть-чуть чего-то неизъяснимого. Словом, коктейль Молотова.

Сейчас выходит второй сезон.
Ждем-с.
Не испортили бы только…


+16Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Хулиганка Тиэ (фильм) (2010.07.13)

"Мне приснился сон: на лицо мне капала вода. У нас в доме сломался кран. Сможем ли мы его починить?"

"Да. Трудно жить с людьми"

(Фразы из аниме "Хулиганка Чиэ")

ОЧЕНЬ необычное с точки зрения европейца аниме.
Несколько шуток определенного толка кажутся шокирующими и совершенно неуместными в таком произведении. Но это лишь результат разницы культур, которую можно преодолеть. А сделать это стоит: хотя бы, чтобы познакомиться с замечательным аниме "Хулиганка Тиэ" (оно же "Малышка Чиэ", "Пацанка Тиэ", "Chie the Brat").
Жанр можно определить как "бытовая трагикомедия". Тема казалось бы традиционная и общепонятная: каждый ребенок мечтает, чтобы папа и мама жили вместе и любили его. Но не надейтесь на финальное утверждение семейных ценностей с "пылающим камином" в американском духе. Все гораздо сложнее!
История показывается глазами малышки Чиэ, по-детски искренней и наивной, но в то же время не по годам мудрой и сильной. Мир аниме иногда кажется полусказочным: коты ходят на задних лапах и ведут себя, как люди, маленькая Чиэ без труда управляется с "крутыми" якудза, которые вмиг добреют и превращаются в ее приятелей. Но это вовсе не сказка. Холодная сложная реальность часто прорывается сквозь солнечное повествование. Однако для неунывайки-Чиэ мир именно таков: непростой, но не безнадежный. И не важно, что девочке некогда учиться, живут они в бедности, папа у нее - вечный инфантильный раздолбай (ребенок в их семье - именно папа, а роль взрослого исполняет Чиэ), не важно, что мама ушла от них...Чиэ сильная девочка. Сильная не потому, что может наподдать непутевому папаше или задиристым маменькиным сынкам. Чиэ сильна потому, что в объективно суровых жизненных условиях она не ощущает их тяжести и ненормальности. Она принимает жизнь такой, какая она есть, каждый день, шажок за шажком, пытаясь сделать свою жизнь правильнее, лучше.
Чиэ плачет только один раз: когда из-за дурости ее папаши чуть не погибает Котецу.
Финальная дуэль двух котов, кстати, великолепна, как и все эпизоды, связанные с ними. Жертвенность кота, хоть и показанная в комической сценке, приобретает глубокий смысл в контексте всего аниме.
Финал? Именно такой, каким и должен быть: открытый и трагикомичный, как сама жизнь.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Порко Россо (2010.07.11)

Хорошее аниме. К шедеврам, наверное, отнести его нельзя.
Но "Порко Россо" интересен именно с точки зрения построения сюжета.
Как и в "Рыбке Поньо" типично европейский сказочный сюжет сталкивается с неевропейским (японским) мировидением.
Мы ожидаем классическую сказку: заколдованный герой, которого должна расколдовать любящая героиня, попутно узнав причину наложения проклятия.
Но в том-то и дело, что аниме вовсе не про это!
Да не важно, почему на героя наложено проклятье. Внешность свиньи, если хотите, это часть его биографии. У некоторых после нелегких испытаний остаются уродливые шрамы, а некоторые - особенно в сказках- ну, вот превращаются в полусвиней.
Смысл в том, что Порко Россо ВСЕ-РАВНО ЛЮБЯТ, причем любят ТАКИМ, КАКОЙ ОН ЕСТЬ, НЕ ПЫТАЯСЬ ЕГО ИЗМЕНИТЬ, улучшить, апгрейдить...
В европейской сказочной традиции Золушка нафиг не нужна Принцу, пока не наденет красивое платье и хрустальные туфельки, а безголосую Русалочку не полюбят, будь у нее хоть тысяча ног! Вспомним нашего Иванушку-дурачка, который перед женитьбой на Василисе Прекрасной обязательно преображается в добра молодца. Ибо нужно СООТВЕТСТВОВАТЬ. В нашей традиции момент расколдовывания, внешнего преображения очень важен. И мы, развесив ушки, ждем его и в "Порко Россо".
Но "красному свину" преображаться не нужно. Джина и так любила его и продолжает любить. Порко Россо - не изгой в этом обществе. Одиночка, нигилист- да. Но по собственной воле, по собственным убеждениям.
Как необыкновенно показана любовь Джины и Россо! Контрапунктом, полутонами. У него своя жизнь, у нее своя (три мужа, которых она искренне любила и которые погибли). Проблема их отношений - не во внешности Порко, не в пресловутом "проклятии". Да чихать они на него хотели! Все сложнее и тоньше. Робость, недосказанность, неуверенность, страх перед разочарованием, болью. И не решаться их проблемы снятием проклятия. Тут все по-взрослому.
А чем все закончилось?
Это секрет, дети, это секрет...


+3Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Хулиганка Тиэ [ТВ-1] (2010.07.11)

"Мне приснился сон: на лицо мне капала вода. У нас в доме сломался кран. Сможем ли мы его починить?"

"Да. Трудно жить с людьми"

(Фразы из аниме "Хулиганка Чиэ")

ОЧЕНЬ необычное с точки зрения европейца аниме.
Несколько шуток определенного толка кажутся шокирующими и совершенно неуместными в таком произведении. Но это лишь результат разницы культур, которую можно преодолеть. А сделать это стоит: хотя бы, чтобы познакомиться с замечательным аниме "Хулиганка Тиэ" (оно же "Малышка Чиэ", "Пацанка Тиэ", "Chie the Brat").
Жанр можно определить как "бытовая трагикомедия". Тема казалось бы традиционная и общепонятная: каждый ребенок мечтает, чтобы папа и мама жили вместе и любили его. Но не надейтесь на финальное утверждение семейных ценностей с "пылающим камином" в американском духе. Все гораздо сложнее!
История показывается глазами малышки Чиэ, по-детски искренней и наивной, но в то же время не по годам мудрой и сильной. Мир аниме иногда кажется полусказочным: коты ходят на задних лапах и ведут себя, как люди, маленькая Чиэ без труда управляется с "крутыми" якудза, которые вмиг добреют и превращаются в ее приятелей. Но это вовсе не сказка. Холодная сложная реальность часто прорывается сквозь солнечное повествование. Однако для неунывайки-Чиэ мир именно таков: непростой, но не безнадежный. И не важно, что девочке некогда учиться, живут они в бедности, папа у нее - вечный инфантильный раздолбай (ребенок в их семье - именно папа, а роль взрослого исполняет Чиэ), не важно, что мама ушла от них...Чиэ сильная девочка. Сильная не потому, что может наподдать непутевому папаше или задиристым маменькиным сынкам. Чиэ сильна потому, что в объективно суровых жизненных условиях она не ощущает их тяжести и ненормальности. Она принимает жизнь такой, какая она есть, каждый день, шажок за шажком, пытаясь сделать свою жизнь правильнее, лучше.
Чиэ плачет только один раз: когда из-за дурости ее папаши чуть не погибает Котецу.
Финальная дуэль двух котов, кстати, великолепна, как и все эпизоды, связанные с ними. Жертвенность кота, хоть и показанная в комической сценке, приобретает глубокий смысл в контексте всего аниме.
Финал? Именно такой, каким и должен быть: открытый и трагикомичный, как сама жизнь.


+4Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Первый отряд. Момент истины (2010.07.09)

Первые десять минут привыкаешь к отсутствию за кадром тонических перепадов японских голосов. И к мысли, что это преимущественно РУССКИЙ мульт.
Оставшееся время пытаешься быть непредвзятым, объективным, патриотичным (не в плане сюжетного смысла - чисто в эстетическом). Последние десять минут начинаешь получать удовольствие - оба-на, финальные титры!
Возможно, дело в том, что слишком долго ждала. Возможно, дело в том, что слишком много рекламировали, обсуждали, обсасывали (ну, как нашу несостоявшуюся поездку на ЧМ по футболу). Мне показалось, что сюжет какой-то мутный, нечеткий. Как будто попытались пересказать "Войну и мир" в двух словах на переменке. Непонятная амнезия главной героини служит, кажется, только для того, чтобы рассказать предысторию не линейно, а ретроспективно. Получается эффект пересказа в пересказе: на само-то действие отводится маловато времени, а уж предысторию и вовсе излагают скороговоркой. А ведь она достаточно интересная. Совершенно темная история с гибелью родителей Нади, которая так и остается повисшим "хвостом": зачем нужна была эта никуда не ведущая загадка? Ну, погибли бы они во время бомбежки - и все.
Достаточно экзотично смотрится простая русская девочка Надя с катаной за спиной, бегущая по улицам Москвы. (И никто из прохожих, главное, даже головы не повернул). Само появление катаны понятно: Японский колорит плюс некая параллель: немецкий фон Вольф с мечом и русская Надя с мечом, меч против меча, красота, романтика боя. Но хоть капля здравого смысла же быть должна! Не надорвались бы художники, если бы нарисовали пару удивленных прохожих на заднем плане. Про одежду я не говорю. Бог с ней, с шапкой! Но бегать по русскому заснеженному полю с голыми коленками... Она что, морж?
Кажется, что этому русско-японскому гибриду не хватило додуманности. Это же касается характеров. Персонажи непроработанные: совершенно непонятный монах, множество эпизодических героев (врачи, солдаты), которым можно было бы добавить какую-нибудь одну яркую деталь, намек на биографию, чтобы они "зазвучали" и из манекенов, статистов превратились бы в полноценных эпизодических персонажей. И такой пример в мульте (не пишу "аниме" намеренно!) есть: меня, например, очень позабавил хозяин тира, хотя на экране он находился от силы минуты три. Неплохо получился сам первый отряд, за исключением, пожалуй, рыжей девушки. Марат, Валя и Леня получились очень анимешными - в лучшем смысле этого слова.
Мне повезло: я смотрела режиссерскую версию с псевдодокументальными вставками, где актеры изображали разных экспертов и ветеранов. Очень неоднозначный ход. Во-первых, нигде не указано, что это актеры. Если не знаешь человека в лицо, может создаться впечатление, что это реальные эксперты. А это уже не художественный прием, а откровенный обман. Но, с другой стороны, интересна идея вписать фэнтезийный мульт в реальное историческое пространство и подчеркнуть возможность двоякого толкования сюжета: произошло ли все на самом деле или это все лишь плод воображения контуженной и напичканной седативными препаратами Нади? Такой реверанс в сторону истории примечателен и позволяет заранее обеспечить лазейку для критиков, лазейку, которой не было, допустим, у Тарантино в "Бесславных ублюдках" (за что этот последний и схлопотал не единыжды). Но само повествование эти многочисленные вставки сильно отяжеляют.
В целом сюжет достаточно прост и не ставит перед зрителем никаких нравственных вопросов. Все предельно ясно: тут плохие, тут хорошие, Наде на стороне хороших нужно спасти мир. Но все-таки в лучших и даже просто хороших аниме я привыкла находить хотя бы намек на сомнение в подобной однозначности. Наверное, в мульте про ВОВ такая Однозначная-Преоднозначная Однозначность оправдана. Но все равно становится немножечко грустно и чего-то не хватает.
Что же понравилось на 99%? Прорисовка: обалденные пейзажи: ели, неотличимые от настоящих, солнечные лучи, прорывающиеся сквозь зимнее пасмурное небо, листва, озаренная солнцем, заснеженные бескрайние поля. Сражения, опять-таки в лучших традициях аниме. Почему-то - кадр смерти белой лошади. Финальная битва (хотя она показалась слишком куцей).
И сам факт появления русского аниме. Первая ласточка, немножко хромая и потрепанная, но предвещающая весну.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Звуки небес (2010.07.09)

Удивительное сочетание чистоты, детской наивности, веры в добро и трагичности, сложности, противоречивости реальности.
Тонко показано, насколько представления о другом человеке отличаются от того, каков он на самом деле. Как чужая вера в тебя, в то, что ты лучше, сильнее, добрее, чем ты есть на самом деле, заставляет тебя стараться соответствовать этим идеализированным представлениям и действительно становиться лучше. О том, как нелегко быть примером, опорой для того, кто в тебя верит.
Посвящается тем, кто даже в самые ужасные минуты своей жизни находит в себе силы слышать звуки небес.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Пламенный лабиринт (2010.07.09)

Отвязная комедия с элементами пародии. Чем-то неуловимо напоминает первых "Рубак". Только пародия в "Лабиринте" не жанровая, это скорее пародия на социальные и межнациональные стереотипы и просто веселый стеб. Шутки на сексуальную тему поданы очень изящно, ненавязчиво, остроумно.
Папаша-извращенец просто супер, этакая озабоченная "членисто"-ногая обаяшка.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Граница пустоты: Сад грешников (фильм пятый) (2010.07.09)

Председатель среди свеклы громко кроет благим матом:
Мата много – блага мало…
(КВН, «Курск», 1990-ые годы)

Странно, но мне не понравилось.
Вроде бы были все предпосылки, чтобы «Граница пустоты» стала шедевром (в моей «аниметеке», по крайней мере). Я люблю философские вещи, люблю размышления о Бытии, смысле существования, о противоречивости и трудноопределяемости человеческого «я». Люблю, когда все это «упаковано» в оригинальную обертку: неординарное сюжетное построение, недосказанности и тому подобное. Я ценю ярких, глубоких, многогранных персонажей.

В «Границе пустоты» были все эти составляющие – ингредиенты «атомного заряда». Грянуло – получился «плюх». Не «пук» и не «пшик», конечно, но аниме, что называется, не «зацепило».
Нудятина. Мутная нудятина — это определение так и напрашивалось во время просмотра. Хотелось крикнуть: «Да когда же это кончится!»
Почему? Фразы типа «супер-супер» или «ужас какой отстой» — не аргументы. Разберемся по порядку.

Первое — и самое важно: авторов сгубила погоня за оригинальной формой.

Повествование нелинейно: серии, рассказывающие о настоящем, чередуются с сериями о прошлом героев. Начинается, естественно, с настоящего: так более интригующе. Следовательно, в первой серии зрителю априори не положено знать начала истории. Такой прием усложняет восприятие: вы как будто пришли на киносеанс с опозданием и вынуждены «въезжать» в фильм уже по ходу действия. Прием не новый, но эффектный и эффективный: если сделан хорошо. Если. Что, к «Границе пустоты», к сожалению, не относится. Почему? Продолжаем разбираться.

Между сериями о настоящем нет четкого логического сцепления: нельзя сказать со 100% ой уверенностью, в хронологическом ли порядке на показывают серии о настоящем. Зыбкость хронологии, таким образом, удваивается.

Но и внутри самих серий (как о настоящем, так и о прошлом) хронология разрушена. Да-да, именно «разрушена». Отчего создается впечатление полного временнóго хаоса. Особенно это заметно в 5 серии. Например, кадр: герои сидят в машине. Затем идут некоторые события. Потом кадр с героями в машине повторяется и оказывается, что относился он чуть ли не к финальным событиям. Зачем его «вклеили» в начало — не понятно. И таких примеров множество. Появляется чувство, словно монтажер разрезал всю пленку на отдельные кадры, положил их в шляпу, перемешал, а потом стал их вытаскивать по одному, наугад, и склеивать.

Не поймите меня неправильно: я не против нарушения хронологии (люблю Тарантино). Но у каждого кинематографического приема должна быть ЦЕЛЬ и МЕРА использования. А их в «Границе пустоты» нет. Если же предположить, что целью авторов было показать хаос бытия, то им в таком случае не хватило меры. Беспорядочное мельтешение кадров попросту утомляет.

Кроме того, жанр заявлен как «мистический детектив». Если уж взялись за сложный жанр, будьте готовы ответить за обе его составляющие. Детектив предполагает четкую логическую сцепку событий. Она не обязательно должна лежать на поверхности, но все же должна быть вычленяема. Наверное, в «Границе пустоты» эта логика есть, но запрятана она слишком глубоко, по принципу: «а все дыры в повествовании мы спишем на мистику: типа так задумано». Но мистика — это не «дыры» в сюжетной логике и не беспорядочное мельтешение кадров. Это, прежде всего, атмосфера (о ней ниже).

Такое гиперсвоеобразное построение прокатило бы еще в полнометражке. Сел, посмотрел, попытался осмыслить. Но, растягивая повествование на несколько серий, авторы должны были быть готовы, что смотреть их творение будут не в один вечер, а на протяжении некоторого времени. Я лично смотрела «Границу пустоты» только по выходным, естественно, за неделю, имена и события, упомянутые вскользь, поданые в череде мелькающих кадров, основательно выветривались. Можно было, конечно, пересматривать, отыскивать, откапывать. Но именно этого-то делать и не хотелось. не хотелось углубляться. «Граница пустоты» не «повела» за собой.

Снова вопрос: почему? Философские идеи, высказанные в этом аниме, конечно, интересные, но, во-первых, на такое количество серий их маловато и они мелковаты: капелька кристально чистой воды на зеленом листе будет казаться бриллиантом, но, брошенная в мировой океан, просто затеряется. Кроме того — и снова эта главная беда «Границы пустоты» — запрятаны идеи слишком глубоко, занесены многокилометровым слоем своеобразной формы, неординарным построением повествования, будь они неладны! Плотно завязнув в наворотах формы, пробиваться к содержанию уже не хочется.

Могла помочь уже упомянутая «Атмосфера» (вернее, «атмосферность»). Можно перечислить море фильмов вообще и аниме в частности, в которых происходит всего пара-тройка событий, но которые смотришь, не отрываясь, как раз благодаря атмосферности. На ум приходят, к примеру, «Альянс серокрылых» или «Мой сосед Тоторо». Попробуйте пересказать сюжет: уложитесь в десяток слов (имеется в виду, конечно, сюжет как последовательность событий: что за чем произошло, — а не смысловое наполнение). Но, боже мой, как это смотрится! И потом обдумывается, вспоминается, пересматривается. Словом, западает в душу.

В «Границе пустоты» такой атмосферы я не почувствовала, кроме атмосферы занудства, разумеется. Хотя претензии на мистическую атмосферу, безусловно, есть, и немалые. Да не дотягивает: слишком уж все хорошо просчитано, слишком уж все правильно и идеально. Души не хватает, души…

Персонажи хороши. Но их потенциал не раскрыт не наполовину. Кажется, если бы авторы отказались процентов от 40 внешних изысков, а просто рассказали бы истории этих людей (и магов), аниме смотрелось бы гораздо достойнее.

А так — получилась подтаявшая шоколадная конфета «Ромашка» в бархатной коробочке от золотого кольца: и коробочку перепачкали, и конфета вся в ворсинках.


+10Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

всего лайков в разделе - 210
последние лайки:


на комментарий
к аниме Аякаси: Классика японских ужасов
от stark69 (2017.11.13)
СА: 2 года 5 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2015.06.14 г.
последний раз в 2017.11.24 г.
=================
голосов в аниме: 355
голосов в кино: 35
голосов в играх: 2



на комментарий
к аниме Сердца Пандоры
от rignroll (2017.10.31)
СА: 3 месяца
аккаунт зарегистрирован в 2017.08.04 г.
последний раз в 2017.11.23 г.
=================
голосов в аниме: 99
голосов в кино: 34



на комментарий
к аниме Волчица и пряности (первый сезон)
от hacerkent (2017.10.12)
СА: 5 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2017.06.21 г.
последний раз в 2017.11.24 г.
=================
голосов в аниме: 63



на комментарий
к аниме Девочка-волшебница Мадока [ТВ]
от IJS22 (2017.07.14)
СА: 8 лет 10 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2009.01.23 г.
последний раз в 2017.11.16 г.
=================
голосов в аниме: 59
голосов в играх: 2



на комментарий
к аниме Сердца Пандоры
от Klon666 (2017.05.31)
СА: 1 год 1 месяц
аккаунт зарегистрирован в 2016.10.23 г.
последний раз в 2017.11.19 г.
=================
голосов в аниме: 26



на комментарий
к аниме Волчица и пряности (первый сезон)
от LedMoon (2017.03.12)
СА: 7 лет 7 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2010.04.21 г.
последний раз в 2017.11.24 г.
=================
голосов в аниме: 337
голосов в играх: 7



на комментарий
к аниме Сердца Пандоры
от SimonGoran (2017.01.28)
СА: 4 года 1 месяц
аккаунт зарегистрирован в 2013.09.05 г.
последний раз в 2017.10.04 г.
=================
голосов в кино: 1



на комментарий
к аниме Сердца Пандоры
от CR0N0S (2017.01.26)
СА: 8 лет 8 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2009.03.13 г.
последний раз в 2017.11.21 г.
=================
голосов в аниме: 15
голосов в кино: 1



на комментарий
к аниме Сердца Пандоры
от 46bratka (2017.01.17)
СА: 1 год 9 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2016.02.23 г.
последний раз в 2017.11.23 г.
=================
голосов в аниме: 456
голосов в кино: 67
=================
комментариев в аниме: 2
комментариев в кино: 1
получено лайков за комментарии: 3



на комментарий
к аниме Порко Россо
от ivan_d (2017.01.12)
СА: 10 лет 1 месяц
аккаунт зарегистрирован в 2007.10.09 г.
последний раз в 2017.11.24 г.
=================
голосов в аниме: 673
голосов в кино: 56
голосов в играх: 57
=================
комментариев в аниме: 59
комментариев в кино: 1
получено лайков за комментарии: 707




Реклама на сайте | Ответы на вопросы | Написать сообщение администрации

Материалы сайта предназначены для лиц 18 лет и старше.
Права на оригинальные тексты, а также на подбор и расположение материалов принадлежат www.world-art.ru. Работаем для вас с 2003 года.
Основные темы сайта World Art: фильмы и сериалы | компьютерные игры и видеоигры | аниме и манга | литература | живопись | архитектура