World Art - сайт о кино, сериалах, литературе, аниме, играх, живописи и архитектуре.
         поиск:
в разделе:
  Кино     Аниме     Видеоигры     Музыка     Литература     Живопись     Архитектура   Вход в систему    Регистрация  
  Рейтинг аниме | Ролики | Манга: алфавит, жанры | База данных по аниме | Онгоинги | Сезоны аниме   
тип аккаунта: гостевой  

Alexey Fadeev: списки | комментарии | апдейты | оценки

СА?: 15 лет 1 месяц (ID 1061)
аккаунт зарегистрирован 01.09.2003
последний раз использован 18.10.2018
Местонахождение: Москва, Россия


напишите
собщение
Alexey Fadeev

отзывы: аниме (108), кино (89), видеоигры (18), манга (0)
450 раз(а) разные люди сочли отзывы Alexey Fadeev полезными

отзывы | обсуждение отзывов | в болталках


Этот замечательный мир! [ТВ-2] (2017.04.16)

Второй сезон "Коносубы" получился не хуже первого, но и не лучше. Яркая графика, спецэффекты, озвучка, видеоряд, дизайн предметов, городов и персонажей - все неплохо. Однако, что касается повествования: сюжет, общая логика мироустройства, мотивация героев и, конечно, диалоги - посредственно. Смотреть можно, а под определенное настроение даже нужно, но второй сезон лишь закрепил впечатления от первого сезона, аниме - не шедевр.

=============
Персонажи
=============

Одна из главных штук, которую я подметил еще в первом сезоне, заключается в том, что Коносуба - это на 100% аниме про персонажей. Если говорить откровенно, то автор этой истории бесталанный создатель фэнтезийных миров и уж тем более построения в этих мирах какого-то внятного действия. Если в чем-то и неплох автор "Коносубы", так это в создании дурацких, но порой забавных персонажей, которые и берут на себя всю нагрузку по удержанию зрительского интереса. Смотреть на путешествия, бои и на то, как герои выполняют свои дебильные квесты также скучно, как и в первом сезоне. Тут ничего не изменилось. Но персонажи, которые всё это делают, кое-как помогают удержать интерес к произведению. На самом минимальной уровне, но все же. В этом сезоне автор ввёл ряд новых героев, в основном побочных и второстепенных. Мы увидели отца Дакнесс, пару новых идиотских генералов Короля демонов, новую героиню с претензией "быть пятой" в группе, чудаковатую прокуроршу и т.д.

"Коносуба" - это такой тип произведения, в которых как бы чем больше героев, тем веселее. Так как действие таких произведений обычно происходит в одном месте (городе, деревне), то каждый новый герой, введенный в историю, дополняет ансамбль уже существующих и тем самым произведение должно становиться все более "наполненным" и "живым". По изначальной задумке, зрители привыкают к героям, с интересом наблюдают за их взаимодействием, а когда к уже устоявшейся "тусовке" присоединяются новые герои, то это лишь увеличивает разнообразие. Это очень старый художественный прием и на моей памяти его активно использовала Такахаси Румико в своих произведениях в 80-х и 90-х гг. Нужно отметить, что при кажущейся простоте приема не каждый автор способен им воспользоваться и качественно реализовать, так как не только необходимо создавать разнополярных персонажей, которые будут не похожи друг на друга, но в то же время эти персонажи должны очень гармонировать друг с другом, ведь разнополярность должна приводить к фантастически смешным моментам (Ранма vs Рёга). Само собой, автору "Коносубы" очень далеко до Такахаси в этом плане. Он вводит героев, они вроде бы между собой стараются гармонировать, но это не мастерская работа.

Особенно отсутствие мастерства заметно тогда, когда по несколько раз за сегмент однообразно используется "фишка" героя. Например, если это Дакнесс, то ее страсть к унижению по ходу сезона (и даже серии) используется столь часто, что это нарушает всякую гармонию шутки. С Мэгумин ситуация ещё хуже, так как режиссер просто не понял как развивать ее "фишку", в итоге он просто оставляет ее в стороне: она не идет в пещеру с Аквой и Кадзумой, одиноко сидит в углу церкви в туристическом городе и т.д. Аква и Кадзума получились более сбалансированными. Но тут всё просто: в случае с Аквой очень просто реализовать ее "фишку" - милую глупость, знай себе рисуй ее кавайный фейс с разных ракурсов, а в случае с Кадзумой вообще наработанного коллегами материала хватит лет на 100 вперед, ибо Кадзума это самый типичнейший протагонист пародийных произведений, его задача очень проста - быть самым нормальным человеком среди тусовки идиотов и фриков, эту роль примеряли на себя герои десятков аниме, мне лично больше всего заполнился Хале из "В джунглях всё было хорошо, пока не пришла Гуу" (вот уж настоящий шедевр ансамблевой пародийной комедии).

=============
Всё остальное
=============

К сожалению, никакой интриги в этом сезоне нет, как её не было в первом. Тут нет сюжетного развития, есть только очень слабое развитие сеттинга: ряд простеньких "приключенек", крайне так себе реализованных. Одно похождение никак не переходит в другое, нет плавности. Это просто небольшие арки, сегменты. Весь этот сериал - это просто набор простеньких филлеров, вроде тех, на которые любят плеваться в каком-нибудь "Наруто" или "Ванписе". В каждой арке появляется один или несколько новых персонажей, которых усмиряют наши герои, после чего плохиша утилизируют и он варится в общем котле с теми, кто был до него, чтобы занять какое-нибудь свое место в этом театре. Например, один из Генералов демонов после своего проигрыша стал продавцом в магазине. В общем, это типичнейшая утилизация персонажей "по Такахаси", ничего нового.


============
Итог
============

Очень хорошо, что на Studio DEEN досняли этот сезон. Да, он не лучше первого, но и не сильно хуже. Второй сезон дополняет первый, это делает экранизацию цельной. Тот, кто будет смотреть оба сезона сразу, не увидит между ними отличий. И это хорошо. По крайней мере в итоге зритель получил не огрызок, а более или менее цельное произведение из 20 эпизодов. Можно оставить вопрос качества шуток, сеттинга и т.д. - это уже вопрос личного восприятия, личного вкуса. "Коносуба" - легкое комедийное аниме с упором на смешные взаимодействия персонажей, авторы этой экранизации очень пытались показать уютность демонстрируемого мира, общую "слайсовость" произведения для чего даже добавили очень милый и спокойный эндинг (очень крутой). Они старались сделать это произведение для отдыха. Ну что же, это в общем-то похвальное стремление. За этот сезон я также поставлю 7 из 10, как и за прошлый.

Нужен ли "Коносубе" третий сезон и дальнейшая экранизация? Я не уверен. К сожалению, мне слабо верится, что автору истории хватит мастерства на дальнейший рассказ, что он не будет по десять раз повторять шутки про мазохизм Дакнесс, что он найдет какое-то применение Мэгумин, что его Кадзума хоть немного заживет своими красками, а не будет играть сугубо ему отведенную роль "всё понимающего, но ни на что не влияющего" умника, вынужденного терпеть безумства своих компаньонш. Впрочем, если Studio DEEN снимет еще что-то в продолжение этой истории, я постараюсь глянуть и отписаться. Всем хорошего настроения!


+4Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Этот замечательный мир! [ТВ-1] (2016.04.04)

Не буду писать отзыв в розовых восторженных тонах, как это сделали почти все товарищи по оружию на этой странице. Не вижу для этого никаких причин. Да, "Коносуба" - неплохое аниме - забавное, очень легкое, с кучей удачных шуток, приправленное забористым фансервисом. Но не более. 10 из 10? Вы шутите? Вчера родились на свет и ничего больше не видели? Лучшая комедия в 50-летней истории аниме? Ну, конечно...

"Коносуба" могла бы стать практически легендарной штукой, если бы:

1) Имела четкую и стройную сюжетную концепцию. У каждого гениального или просто классного произведения есть четкая сюжетная концепция, которая служит ядром повествования. У "Коносубы" нет такой концепции. Есть только примитивная завязка и сеттинг абсолютно не проработанного мира компьютерной игры. Я поясню, что имею в виду. В "Коносубе" автор, это видно невооруженным взглядом, дёргается, как минимум, в две совершенно разные стороны: ансамблевую комедию, завязанную на повседневность и быт героев местного города, или же приключенческое повествование с рпг-шным развитием гперсонажей в большом мире, боями и даже битвами. На мой взгляд автору, как творцу, было бы более близким именно первое: ансамблевая комедия по типу "Ранмы", когда каждую серию появляются новые герои и с каждой новой серией взаимодействие между ними усиливается, давая бесконечные поводы для шуток и гэгов. Ведь именно за комедийную часть "Коносубу" и возлюбили. Где-то до середины сериала в каждой серии появлялись новые герои: сначала "компаньоншы" главного героя, затем чокнутый рыцарь с проклятым мечом (чисто персонаж пера Такахаси Румико), но потом это прекратилось. Параллельно с этим с первых серий делались попытки, по мне жутко неудачные, делать похождения героев по болотам, замкам, сражения с демонами, то есть бацать приключенческую часть. Именно это я и считаю невыразительной концепцией. Да, если у вас в формате сто серий, то можно попытаться совмещать и то, и другое, но в 10 сериях?..

2) 10 серий? Реально? Что можно показать в 10 сериях по 20 минут, ведь это всего лишь пара часов экранного времени. Смех да и только. Это настолько мало, что ребята, которые все это экранизировали просто резали, как я понял, исходный материал в пух и прах, чтобы втиснуть его в жесткие рамки телевизионного сезона и уместиться в долбанные 10 (!) серий. Может быть когда-нибудь, нескоро, они подумают и выпустят еще 10 серий, но я пишу о том, что я вижу сейчас. Такие вещи меня больше всего раздражают в современном аниме. И это одна из причин, почему в последнее время мало смотрю японскую анимацию. Нафига, вот спрашивается, нафига вообще создавать эти обрезки: One Punch Man, Overlord, No Game No Life и десятки подобных, зачастую многообещающих идей, которые только-только берут старт, а потом просто обрываются и закономерно (история не принимает покромсанных произведений) пропадают в развалах истории. Я считаю это самым большим кощунством, которое только возможно в этой индустрии.

Вот что мешает сделать"Коносубу" хотя бы в 52 серии или 48, как делали раньше? Историю, которую нам тут показали можно и на тысячу серий растянуть, ума тут не нужно. Но если тысяча - избыточно много, то десять - слишком мало. Такие истории про фактическую повседневность должны быть длиннее, иначе это тупо, просто тупо. Я уже представляю себе 10-серийную Ранму, 10-серийного Онидзуку и т.д. Взгляните на эти цифры:

- В 1994 году вышло 36 аниме-сериалов на японском телевидении. Из них только 4 имели 12-13 серий, т.е. были односезонниками. 5 имели 20-26 серий, т.е. шли полгода. Остальные 25 шли более полугода. Это была эпоха длинных аниме-сериалов. С тех пор стало больше зрителей, каналов, аниме-студий и возможностей показывать аниме.
- В 2004 году вышло уже 130 сериалов, из них 55 сериалов по 10-13 серий, 41 сериал шел полгода, т.е. имел в среднем 26 серий и около 30 сериалов, идущих более полугода, т.е. от 30 и больше серий.
- В 2014 году вышел уже 201 аниме-сериал. Из них 131 были односезонниками, т.е. имели 10-13 серий, 41 - имели 20-26 серий и около 20 сериалов шли больше полугода.

Я могу немного ошибаться в единицах, но в целом картина такая, как я описал выше. Аниме стали делать много, несоизмеримо больше, чем 20 лет назад. И логично это воспринимать, как хорошую новость. Но за количеством потерялось качество, точнее наступила пора некоего пренебрежения. Если 20 лет назад почти каждый аниме-сериал становился событием, то сейчас сериалы выбрасывают, как корм свиньям. Просто конвейер, на котором движется еда для отаку. Обидно еще и то, что истории выпущенные раз, уже не выпустишь второй раз. Т.е. вот поматросили "Коносубу" на 10 сериях и бросили, вместо того, чтобы подождать, когда автор оригинала закончит серию, и в какой-то момент выпустить полноценную историю. С точки зрения бизнеса, уверен, сегодняшняя реальность оправдана. С точки зрения зрителя с 20-летним стажем, мне категорически не нравится смотреть обрезки потенциально интересных и многообещающих историй.

3) Когда у автора не хватает таланта, он начинает сочинять пародию. Эту простую истину я понял очень давно. Почему-то в обществе принято восторгаться пародиями, особенно теми, что скверно написаны. Я, однако, такой взгляд не разделяю и считаю, что написать "Игру престолов" сложнее, чем написать пародию на "Игру престолов". "Коносуба" не пытается пародировать какое-то конкретное произведение - это было бы слишком глупо, вместо этого оно пытается стать сатирой. История про паренька Кадзуму по задумке как бы высмеивает и обличает целые явления как в искусстве, так и в простой жизни японского зрителя. Но японский зритель не есть участник и житель городка, в котором происходит действие. Да, это смешно и прикольно, но мне кажется, что юмор из разряда "высмеивания" никогда не даст шанса произведению стать великим. Зачем изначально соглашаться на второй ряд на олимпе славы, если уверен в себе? Поэтому всех этих японских авторов-петросянов я не очень сильно уважаю, мне кажется, что такой автор не уверен в своих силах, вот и прибегает к легкому приему "а давай постебемся над вон тем и тем". История доказала, что гениальные комедии (тот же "Онидзука" или "Ранма", которые я упоминал выше), вполне могут обойтись без подшучивания над зрителем и стать при этом шедеврами на века. Да, наверное, если убрать из "Коносубы" все эти высмеивания, то ничего и не останется. Но разве это нормально для аниме 10 из 10? По-моему нет, не нормально.

4) Нет интриги! К сожалению, тут нет интриги. Не считать же за интригу убийство там какого-то верховного демона. Даже не знаю, что тут можно сказать. Это просто факт. По идее в комедиях повседневности, интрига не обязательна, но так как перед нами нечто странное, то интрига бы не помешала.

Из несомненных плюсов:
1) Очень порадовала анимация девичьих тел, особенно шикарным вышел 9 эпизод. Понимаю, что это пошло такое подмечать после высокопарных тирад выше, но сиськи вышли качественные, что тут скажешь. Правда есть правда.
2) Классная задумка с конвертацией опыта в скилы. Реально чумовая задумка. Но по тем причинам, что я описал выше, эта шикарная идея просто утонула тут в метаниях автора, сиськах, пародии и жалких 10 сериях. Хотя в каком-нибудь приличном сёнэне на этом можно было бы выстроить целую сюжетную концепцию, типа путешествия героя по миру с целью собрать самые крутые таланты в мире.
3) Главный герой забавный такой паренек. И в целом все герои тут неплохие. У автора явно голова варит придумывать разных забавных типов, вот на этом и нужно было играть вместо того, чтобы устраивать какие-то ненужные картонные баталии. Персонажи - это единственное, к чему у меня нет претензий и из этого можно было бы сделать очень крутую комедию.

Что ж, посмотрим, снимут ли они продолжение. Если снимут, обязательно оценю и отпишусь, может какие работы над ошибками будут. А нет, ну и фиг бы с ним. За текущий сезон ставлю 7 из 10.


+19Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (13)

Врата [ТВ-1] (2015.09.26)

Сериал мне понравился, но признаться в этом как-то даже немного стыдно. Он оказался настолько увлекательным, что я не сразу заметил значительные прорехи в стилистике и подборе героев. И только когда обдумывал, что же о нем написать и как же его оценить, понял это. Итак, пробегусь по пунктам.

Первое. Самая сильная часть этого аниме - это сеттинг и то, как быстро и интересно развивается сюжет. Вообще, я не могу не любить истории, построенные на классических фантастических сюжетах: путешествие во времени, обмен телами или, как тут, путешествие между мирами. Невероятное поле для фантазии, воображения и поиска ответов на вопросы "как бы я поступил в этом случае". Кому то может быть скучно в очередной раз наблюдать такие избитые темы, я же могу смотреть это вечно. Поэтому за сеттинг "Врата" получают от меня высокий балл автоматом. Это первый козырь этого аниме.

Второе. Я всегда ставлю сериалу 8 или более баллов, если он удовлетворяет простому условию: как быстро он смотрится. Если сериал смотрится неделями - это говорит о том, что идет через силу, а значит что-то уже не так. "Врата" я посмотрел сразу, без остановки, за один вечер. Сел, включил, посмотрел весь сериал, встал и пошел спать. Ни на минуту не хотелось закончить просмотр. Создатели умело держали интригу, подогревали интерес, развитие сюжета почти всё время идёт в верном направлении.

Третье. Отличная концепция главного героя. Честно говоря, мало смотрю аниме в последние годы и уже плохо понимаю большинство современного аниме, так как далек от того, что заботит ЦА. Поэтому приятно было увидеть тут в роли главного героя взрослого человека. Судя по отзывам выше - это понравилось почти всем, что как бы намекает. На самом деле, мне кажется, что такой возрастной срез (около 30 лет) сейчас представляет довольно большую группу зрителей. В начале 2000-х годов или даже в конце 90-х, когда аниме прочно вошло в мировую художественную культуру, его популяризаторами во всем мире были студенты и школьники, которые как раз сейчас разменяли или готовятся разменять четвёртый десяток. При этом современные герои-ОЯШи хоть и стараются, но не могут удовлетворить запросы этой аудитории, наоборот, они скорее все больше отталкивают от аниме. Тем не менее, приятные сюрпризы иногда случаются и главный герой этой истории - один из таких. Для меня это большой плюс при оценке этого аниме. И да, это второй козырь "Врат". Хотя казалось бы такая мелочь.

Четвёртое. "Врата" не шедевр. К сожалению. Да, далеко не шедевр. Потому что несмотря на увлекательную подачу материала, я бы даже сказал "мастерскую", сериал очень слаб в стилистике. В нем вообще нет стиля, даже жанр толком не понятен. Он то ли комедия, то ли политический триллер, то ли военный фильм, то ли фэнтези, то ли рекламный трейлер "Сил самообороны", то ли стёб на все это вместе взятое - я не могу точно сказать. Скорее всего тут ото всего по чуть-чуть взято и смешано. В итоге у сериала нет атмосферы, что автоматически не позволяет стать ему шедевром, даже близко подойти к этому титулу. На версту. Он интересный, это да, но по-настоящему хорошее произведение должно выдерживать какой-то стиль, создавая атмосферу погружения в мир, чтобы лучше прочувствовать характеры, поступки и мотивации героев, но тут этого нет. Мы просто смотрим на то, что будет дальше и так как сеттинг дюже увлекательный, то вопрос стилистики временно отходит на второй план и подавляется на подсознательном уровне. Но это не значит, что он снимается с повестки дня. При оценке произведения необходимо такие вещи учитывать.

Пятое. Если не брать козырной возраст героя, то всё остальное, что касается героев истории - почти на нуле. Так как у произведения нет атмосферы и стиля, то и герои тут блеклы, непонятны и малоинтересны. Военные попадают в некий мир, где тусуются какие-то абсолютно мультяшные стереотипные человечки, невероятно шаблонные, например, тут есть эльфы светлые и тёмные, (внимание!) готическая лолита (японское изобретение для фансервиса), тут есть дворяне, драконы, рыцари, орки, гоблины, горничные с ушками, лапками, хвостиками - в общем, весь джентльменский набор юного японского толкиениста-отаку. Все эти герои тусуются по местному миру, но все это смотрится очень утрированно, неправдоподобно, непродуманно, кажется, что автору было лень и он свалил в одну кучу всё, что знал и когда-либо встречал в других произведениях, без разбору, прямо по списку. Мне могут возразить, что это отчасти комедия, так что всё ок. Но, господа, я тоже возражу: комедийные элементы не дают права автору халтурить, создавая новый мир и прорабатывая персонажей. Мир нужно делать уникальным и детализированным (не ударяясь при этом в графоманию), а на его проработку отводить большую часть времени, я бы сказал месяцы, если не годы работы. Иначе это неуважение как к читателю, так и к старшим коллегам-писателям. Никто не просит свершать подвиги, но и наплевательство недопустимо. Поэтому идея состряпать мирок за недельку привлекательна, но это точно не то, к чему нужно стремится и на что нужно махать рукой при оценке, списывая всё на комедию. Конечно, японцы вообще в этом деле не особо отличились, ведь большинство японских фэнтези-миров жутко халтурны, но есть и хорошие примеры, например, манга "Берсерк" с уникальной стилистикой, атмосферой и миром, а также серия видеоигр "Суикодэн". В общем, есть на ниве фэнтези на кого равняться и кому подражать даже на родине. Поэтому я вынужден слабую проработку характеров списать либо на отсутствие таланта, либо на нежелание вообще учиться это делать. Может быть, автор истории Янай Такуми вообще считал эту часть творчества абсолютно вторичной и ему намного интереснее было играть в войнушку, т.е., возможно, ему не нужен был проработанный мир в принципе, ему нужен был мир с тысячью манекенов, которых можно хреначить вертолётами и давить танками. Если моя догадка верна, то это, конечно, прискорбно, но не будем о грустном...

В общем, "Врата" - это такое своеобразное аниме, которое можно и очень сильно полюбить, и очень сильно возненавидеть; аниме с очень забавным сеттингом, смелой реализацией, где стилистика и атмосфера (т.е. художественная часть) на уровне школьного сочинения, но в тоже время происходящие события описаны с огоньком и весьма правдоподобно. Автор явно не мастер пера и сотворения миров, но он силен в определенном направлении и именно это направление он окучивал в угоду зрителю. В целом, получилось интересно, увлекательно. 8/10. Буду ждать продолжения.

p.s. я намеренно не стал уделять внимание теме "Сил самообороны", возможной заказной пропаганде, тактике ведения войны, показанному в аниме, а также возможному желанию вернуться к реваншизму, идеям милитаризма и т.д., так как эта тема для отдельной дискуссии и в зависимости от углубления в неё оценка может сильно меняться вплоть до единицы.


+14Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (10)

Как из обычной девушки воспитать героиню [ТВ-1] (2015.06.14)

Редко сейчас смотрю аниме, поэтому в деталях не знаю, в чем на сегодняшний день варится индустрия. Однако ж описание конкретно этого сериала зацепило и привлекло внимание. Отаку, который решает делать игру своей мечту - интересная тема! Может не новая, но если хорошо её подать она может быть не только интересной, но еще и поучительной, может приоткрыть завесу творческой жизни творцов, процесса создания конечного продукта и т.д. К сожалению, абсолютно ничего этого тут нет. Мои ожидания полностью отличились от того, что я увидел. А увидел я какую-то кашу, автор которой очевидно пытался угодить и вашим, и нашим + сам толком не понимал, что он вообще пишет: историю про творческий коллектив или сотую мелодраму плохого пошиба. "Бакуман", "Генсикен", "Куроми рисует аниме" - нет, нет и еще раз нет.

Этот ваш "Саэкано" вообще не об этом и к производству продукта не имеет никакого отношения, это замануха. В начале зрителю подбрасывается некий сеттинг, в котором герой хочет создать что-то, однако уже очень скоро становится ясно, что сериал не об этом и ничего тут про создание игры показывать не будут. Вместо этого мы видим то ли неинтересную мелодраму, то ли пародию на неинтересную мелодраму. По факту этот глуповатый сериал - обычный гаремник, который пародирует сам себя, чтобы как-то оправдать это. А для привлечения внимание пытается какое-то время эксплуатировать интересный сеттинг. Вот и все. Не люблю заманухи. А фигню про то, как безумно сексуальные одинокие девчата вешаются на очередного очкарика из средней школы я само собой качать бы не стал. Нафиг оно мне нужно.

Что немного позабавило, так это доведенный до абсолюта инфантилизм, им сквозит весь этот авторский вымысел. Создатель "Саэкано" пытался показать публике самую настоящую мечту идиота: его герой - одиноко-живущий мальчик-отаку, который играет во все выходящие игры; при этом все девочки-красавицы его любят; так эти девочки еще и сами отаку (!); так они не просто отаку, так еще и ходят толпой к нему домой играть с ним в визуальные новеллы, которые в природе на 99% хентайные (!); ну и для полного завершения - эти девочки еще и сами рисуют/пишут произведения порно- или аниме-тематики. Вершина мечты, но в то же время такая несусветная дурь, что и годится разве что для глупой пародии. Неужели маленьким школьникам Японии пытаются продать идею этой матрицы, насколько же нужно быть инфантильным, чтобы переживать за эти отношения. А ведь какой-нибудь ребенок посмотрит это и подумает, что эта социальная конструкция образец для подражания.

Вы меня спросите, вот чего ты разошелся, можно ли сделать нормальный сюжет про производство визуальной новеллы, когда коллектив состоит из 1 парня-задрота и 4-6 девочек-рисовальщиц-сочиняльщиц? А я вам скажу - можно! И даже есть пример. Прекраснейшая новелла - Eroge! H mo Game mo Kaihatsu Zanmai, которая вышла на PC и имеет перевод на английский - обязательно ее скачайте и поиграйте, потом её же экранизировали в хентайный сериал с тем же названием (но игра лучше в сто раз). И вот несмотря, что это хентай и уж точно гаремник, там реально показывают производство игры. В перерывах между сексом, вы увидите, как строятся отношения между коллегами, творческие кризисы, общение с прессой, как рисуется план производства. Утрированно, может быть, но в целом честно, подробно и интересно. И там герои не эти несчастные и откровенно осточертевшие младшеклассники-гении, а молодые ребята, которые работают в своем личном офисе и зарабатывают себе деньги. Так что отмазка, что автор "Саэкано" при всем желании с таким набором героев не мог написать нормальное интересное сочинение, не прокатит. Эта замечательная хентайная игра показала, что можно и траханье показать и суть не упустить.

"Саэкано" и его автору незачет. Аниме - чистый гаремник про школьников средних классов и по совместительству 14-летних профессионалов с их вымученными проблемами, скрытой гениальностью, постоянным срачем и ужимками. Почти ничего про создание игры тут нет, а если и есть, то очень далеко от реальности. Я внимательно ознакомился с первыми 9 сериями, оставшиеся 3 промотал, чтобы не быть голословным. Если бы это была обычная романтическая комедия, я бы поставил оценку выше. Но от аниме про создание игры я ожидал совсем иного.

3 из 10.


+18Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (14)

Ну не может моя сестра быть такой милой, и всё тут! (2013.09.02)

В общем-то, с первой серии первого сезона это аниме было обречено плохо кончить, автору нужно было лишь раз по ходу дела ошибиться, оступиться. Единственное, что могло спасти аниме - резкий конец. И первый сезон как раз именно так и кончился - резко, но красиво. Поэтому все подумали, ого какой автор умный спец, какое хорошее аниме. Сейчас уже точно понятно, что это был единственный способ выкрутиться для автора, но соблазн оказался так велик, так велик. Для этой истории гибельно было что-то объяснять и уж тем более подводить некий логичный итог. Какое бы решение не принял герой - оно бы перечеркнуло всю прелесть сериала. Поэтому надо было или резко кончить, или, на худой конец, тянуть волынку, при этом вообще не пытаясь продвинуть сюжет, превратив историю брата-зануды и сестры-отаку в жуткое мыло, эксплуатируя одни и те же комические приемы. Первый вариант был бы идеальным: резко кончить на первом сезоне и не снимать ничего, даже первых спешлов. Тогда бы аниме может быть и не вошло бы в историю, но точно бы запомнилось многим на долгие годы с теплотой. Идеальное - враг хорошего, в конце-концов.

Но индустрия так не работает. Нет самоцели снять щедевр, есть только цель заработать деньги для компаний, для автора же оригинала, подгоняемого продюсером и толпой фэнов, - "прославиться". Других целей нет, а значит нафиг теплоту на долгие годы. В итоге было решено продолжать эту историю, причем не тянуть, а развивать. И тут понеслось! Уже первые спешлы поставили под сомнение все, что было показано до этого. Нет, они не были плохими по исполнению, но они нарушили тонкий баланс сериала. Почему первый "Ореимо" многим полюбился? Вариантов много, конечно. Но предположу, что оно попросту было самодостаточным. Там была простенькая интрига, там было много смешных моментов, там была прекрасная и очень популярная тема гонений отаку, там были интересные типажи героев. И да, там были четко ограниченные рамки сюжета. Было ясно, что есть: два главных героя; есть группка отаку, которые отаку... и все, точка; а еще есть группка подружек-моделек, которые модельки-подружки... и тоже все, точка - четкие рамки. Раздвинь створки, пусти ветер и все посыпется.

Первый спешл про Куронеко и клуб-видеоигр показал, что нет никаких рамок, а значит вся та уютная атмосферка, что была в первом сезоне уже не сможет повториться. Произошла потеря невинности. Оказалось, что все герои аниме - "полноценные герои аниме", а не какие-то там марионетки, вынужденные оттенять похождения бравой Кирино на комикет. Теперь от них можно было ожидать чего угодно, тем самым привычную атмосферу уничтожили. Вся эта история стала смотреться под другим углом. Это еще не фатально, но уже плохо, получается, что история пишется на ходу, не зная конца. Когда автор знает, чего хочет - вся его история, будь там хоть сто сезонов, - она остается ровной. В хорошей истории атмосфера не должна меняться, а планка качества опускаться. Если бы автор знал, чего хочет, то он бы уже в начале повесил на стену "ружье" для отношений героя с другими девушками. Но ружья не было. Для меня лично особенно обидно, что первой целью меркантильных продюсеров, требовавших второй сезон (а потом третий, и четвертый - героинь то много), была выбрана невинная и милая Куронеко. Как говорится, не повезло, эпопея началась с нее.

Вообще, если смотреть отвлеченно, то влюбить кого-то в аники было единственным вариантом автора, так ему казалось по крайней мере. Какое-то время все это длилось, а потом вдруг "бац" и выяснилось, что это уже получается не "Ну не может быть моя сестра такой милой", а "Ну не может быть моя Куронеко такой милой", где и сестренке то уже не место. Это не дело, так еще и рейтинги упадут. Сколько там у нас героинь-то было?.. раз, два, три, четыре, пять. Ок, достаточно. Звиняй, Куронеко, но ты не можешь быть главной героиней этой истории, ты потрудилась на славу, мы даже будем тебя еще вставлять в сюжет. Но твое время вышло. Теперь очередь вон той, что боевая, дадим ей покрасоваться.

Ну, а дальше все уже всё видели. И вот, что я думаю. Как только, бывшие подружки вдруг стали потенциальными невестами - это уже стало не то, что было раньше. Уже в третьем спешле первого сезона аниме перестало быть собой. Да, тут были те же герои, но уже другая самоцель, другая интрига. Если в первом сезоне интриги не было вовсе или она была простая: сможет ли он и она найти общий язык, то затем интрига уже была абсолютно другая: какую девушку он выберет. Автор все дальше и дальше уходил от идеи первого сезона, где никому ничего не нужно было выбирать, нужно было просто ходить в кафе, на комикет, веселиться, играть в игры, прикалываться над отаку. Потом история стала мутировать, менять жанр от повседневной комедюшки про отаку к тянучей мелодрамке-гаремнику, а в конце и вовсе превратилась в драму. Ну, как так можно! А уж последние спешлы... честно говоря, все выше я писал до просмотра финального решения Кёсукэ - того самого ора на улице. Так вот финал первого спешла второго сезона я даже уже не обсуждаю, я просто понял, что коммент точно надо постить, до этого я еще не был уверен. Все оказалось скомкано и растоптано. В общем, это по-своему эпичный финал, уверен, он на многие годы будет передаваться из уст в уста. Остается только догадываться, почему все так долго держалось на плаву. Эх, а как хорош был первый сезон, теперь его придется вычеркнуть из списка того, что приятно иногда пересматривать. -_-


+10Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (3)

РЕК (2006.07.17)

Из всего многообразия романтических сериалов, вышедших в период 2005-2006 гг., «Рек», пожалуй, можно смело причислить если не к выдающимся, то уж точно заслуживающим внимания представителям своего жанра. Наряду с превосходными экранизациями Ядзавы Ай («Парадайз Кисс» и «Нана»), «Рек» притягивает в первую очередь отходом от традиционных анимешных канонов, где вот уже много лет главенствует набившая оскомину традиционная стилистика (кавай, фансервис, характеры, выраженные цветами, и т.д.), доставшаяся нам с начала девяностых прошлого века. Отход от стилистики, предназначавшейся преимущественно школьникам средних и старших классов, неминуемо ставит «Рек» на более высокую возрастную планку, где цвет волос героини уже не играет главенствующую роль, а целоваться можно и в первой серии. В каком-то смысле уже по этой причине сериалу трудно приклеить один из тех привычных ярлыков, которыми мы часто одариваем в схожих ситуациях то или иное аниме, ведь «Рек» - это не фильм о взрослении, тут нет ни темы запретной любви, ни любви школьно-студенческой, читайте «первой». А есть лишь обычные (можно даже сказать привычные) отношения, обычные проблемы в отношениях и такие же обычные решения этих проблем. Другими словами, в «Рек» авторы ушли от того набора проблем, который встречается в аниме для школьников, и пришли к тому набору, который встречается в произведениях для более старшей аудитории. Выход ли это – решать не мне.

Впрочем, есть тут и тема поинтереснее, нежели романтика, а именно – этакий посыл для анимешников, заключающийся в том, что героиня сериала работает сэйю, то есть, озвучивает аниме. Нужно ли говорить, что уже один этот факт способен привлечь к «Реку» весьма большую аудиторию отаку, которых, если смотреть объективно, вечно ущемляли и продолжают ущемлять в праве получать нормальные истории о создании аниме или о жизни создателей аниме. Однако, как выясняется уже после пары серий, повод для радости - несколько преждевременен. А все потому, что главная тема сериала – не работа главной героини, а, конечно же, ее любовь. Более того, тема сэйю не раскрывается и в последующих сериях (несмотря на то, что ей отводится довольно много экранного времени). О выбранной профессии говорится так, будто это профессия булочника или кондуктора в автобусе, что, безусловно, подорвет ожидания некоторых зрителей, мечтавших увидеть нечто вроде «Куроми работает над аниме». Да, героиня – сэйю, но ни на сюжете, ни на стилистике фильма эта работа практически не отражается. Нужно ли ругать в данном случае авторов? Вряд ли, поскольку цель произведения, его изначальная возрастная группа и его жанровая принадлежность плохо вяжутся с ожиданиями отаку. Нужно ли удивляться такому выбору? Да, вполне можно. Остается вопрос: зачем авторы выбрали сэйю в качестве рода занятий для главной героини и в то же время не стали делать аниме более лояльным для отаку, которым такой выбор профессии намного интереснее, нежели в очередной раз рассказанная история о влюбленной парочке? Тут, конечно, можно резонно заступиться за создателей, мол, хотели показать работу сэйю не как шутовскую профессию, чем грешат многие другие сериалы, а как работу вполне обычную и нужную для общества, как серьезное и приличное занятие, не уступающее ТВ и радио.

Что же касается главной темы сериала, то раскрыта она на должном для аниме уровне, вполне качественно, профессионально. Особенно забавно выглядели сюжетные эпизоды, затрагивающие киноклассику, а именно – фильмы с участием Одри Хепберн. Полезность таких вставок не совсем ясна, потому что европейка Хепберн пятидесятых годов прошлого века при всей своей красоте и даровании слабо вяжется с японским аниме XXI века о взаимоотношениях сэйю и рекламного агента. Но нельзя не признать, что выглядят эти вставки интересно и необычно, в связи с чем находчивость и изобретательность создателей заслуживает поощрения. Также вполне возможно, что вставки преследовали и более далекие цели, о которых сразу и не догадываешься, например, для придания фильму большей элегантности, стиля и шарма. Ведь кому, как не Хепберн – главной моднице и законодательнице своего времени, поручать такую работу?

И тем не менее, при всей своей странности и неординарности, сериал стал популярен, его исправно хвалят зрители, он неплохо для своего хронометража держится в рейтингах. Ответом может служить вовремя уловленное направление ветра, а точнее смена стилистики. За последние десять лет многим зрителям так осточертело по десятому разу переживать за школьников с их надуманными проблемами, что смотреть по сути то же самое, но поданное под другим соусом, оказывается намного интереснее.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Судзука (2006.04.21)

ВОЗМОЖНЫ СПОЙЛЕРЫ
Все романтические истории одинаковы. Спорить с этим вряд ли возможно. "Судзука" не исключение, поэтому упрекать сериал за шаблонность, как минимум, странно. Обычно подобные истории оценивают все-таки за проработку характеров и хорошее развитие основной романтической линии. Неплохой оценки "Судзука" заслуживает уже хотя бы по той причине, что "лавстори" поведана вполне нетривиально (для аниме). Ведь за многие годы из по-настоящему известных ТВ-сериалов (от "Иккоку" до "Лав Хины"), наверное, только "Карэкано" блеснул на этом поприще, хотя, если честно, ничего нового Анно тогда не показал, просто ему удалось первым подать отношения не идеализированными, но более динамичными, чем обычно.

В "Судзуке" же автору хотелось не только показать трудность зарождающихся отношений, но и создать многогранный женский образ. В чем-то это удалось, в чем-то нет. В целом же героиня заслуживает интереса со стороны любителей жанра. Своеобразная дикая лошадка, на которую положил глаз наш паренек, являет собой тот тип женщин, представительниц которого одновременно хочется послать куда-нибудь далеко и надолго за ее несносный нрав, но в то же время крепко обнять со словами "вот глупышка, что ты делаешь". Некоторых мужчин такие образы притягивают своей непокорностью и дикостью, для них абсолютно неважно, какое мучение их ждет впереди. На мой взгляд, именно на этот контингент ставка и ставилась. Поэтому неудивительно, что те зрители, что сочли лучшей частью сериала отношения Хоноки и главного героя, стали кидаться помидорами.

Хонока - противоположный Судзуке тип женщин. Действия такой женщины легко предсказать, ее поступки укладываются в рамки обычного. С ней можно прожить всю жизнь, купить дом, завести детей. В ней нет драйва, чего-то сумасшедшего и волнующего, она тиха и спокойна, она не изменит, не уйдет к другому, она, возможно, умеет любить, но вряд ли такая любовь может надолго удержать того, кто сходит с ума от непредсказуемости. Поэтому финал истории вполне адекватен общему настрою сериала и логике показанных характеров.


+19Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Стальная тревога! Новый рейд [ТВ] (2005.12.20)

О третьей части «Стальной тревоги» анимешная пресса и простые обыватели начали рассуждать задолго до ее премьеры, на что, впрочем, была масса вполне обоснованных причин, главная из которых заключалась в том, что проект удачно совместил в себе ударную комедию и очень динамичный экшн. Возможно, такой подход и не был новинкой в 2002 году, однако умение Гато Сёдзи ввести в свой коллаж адекватных персонажей сделало свое дело. До него на попытки совмещения комедии и меха-боевика отваживались и другие знаменитые авторы, например, Сиро Масамунэ. В своем «Доминионе» Сиро попытался реализовать указанное выше совмещение, но не предал особого внимания подбору персонажей, а в итоге закономерно потерпел поражение. Другое дело Гато Сёдзи, который, судя по всему, понял и оценил всю важность героев в произведениях такого рода – неудивительно, ведь у него был опыт прошлых поколений! В его манге вполне милые школьные сценки, где бравый солдафон Сосукэ сражался с мнимым врагом в виде школьников и их принадлежностей, сменялись контртеррористическими операциями со множеством разнообразнейших жестокостей, носящих далеко не школьно-развлекательный характер. Но эта смена была настолько плавной и закономерной, насколько это вообще возможно. Своими совмещениями мангака Гато, а впоследствии и режиссер-экранизатор Тигира Койти (кстати, сразу после «Стальной тревоги» поставивший великолепного «Изганника») очень умело удерживали аудиторию, то накаляя атмосферу потасовками огромных мех, то в нужный момент разряжая ее юмористическими похождениями. Сиро Масамунэ и рядом не стоял! В свою очередь нужно признать правду - ошибок в первом сериале было не меньше, чем достоинств. Стоит вспомнить хотя бы череду неудачных сюжетных линий, а также еще более неудачный конец. Большое количество хитросплетений, притянутых за уши, оставляло неприятный осадок, как будто под маркой взрослого фильма публике стремились сбыть нечто полностью противоположное.

Если попытаться придумать слоган к третьей части «Стальной тревоги», то им бы мог стать девиз «Ошибки учтены». Японцы в очередной раз доказали, что способны создать продолжение лучше, чем оригинал (стоит вспомнить хотя бы сиквел «Пожалуйста! Учитель»). И ведь правда, то, что так сильно раздражало в первой «Тревоге», напрочь улетучилось в новой. Сценарий перестал носить второстепенный характер, фильм обрел единую сюжетную линию. При всем моем уважении к мастерству Тигиры не могу не отметить, что сменивший его режиссер Такэмото, почти не светившийся в крупных проектах, сделал из сериала настоящую конфетку – дорогую, современную, хорошо анимированную, он оказался внимателен к деталям. Под его руководством появилось множество сцен, которых при прошлом режиссере быть просто не могло. Так, например, Сосукэ стал более адекватным. Парень наконец-то начал мыслить не как робот, удачно дополняющий своего стального напарника и веселящий народ в перерывах между боями, но и как нечто похожее на человека. Всего лишь несколькими сюжетными сценами Такэмото удачно раскрыл характер предоставленного ему персонажа. Улучшилась и драматургия произведения. Если раньше главный герой не мог потратить двадцать минут сюжетного времени на размышления, то теперь ему не только дана такая возможность, но и предоставлено право самостоятельно принимать соответствующие решения.

Мастерство нового режиссера оказалось настолько очевидно, что даже самые неудачные сюжетные решения, например, финальный бой в последней серии или появление Тидори в Гонконге, с успехом компенсируются множеством находок, а также отсутствием знаменитейших шаблонных сцен. В качестве пояснения стоит вспомнить об эпизоде на крыше здания, когда Тидори спасалась бегством от убийцы. События разворачивались настолько стремительно и прямопротивоположно традициям, что даже обязательная истерика героини выглядела убедительно. Не менее удачно у Такэмото получились и батальные сцены. Однако тут главную роль сыграли уже не столько нюансы сюжета, сколько динамика действия. «Стальная Тревога: Новое задание» наконец-то объяснило недоверчивому зрителю, пересмотревшему классику жанра меха, что же все-таки нашли японцы в своих чудо-роботах. Именно в третьей «Стальной тревоге» эти машины движутся так красиво, прыгают так ловко, стреляют так метко, что вынуждаешься согласиться и тем самым признать данное изобретение настоящим чудом техники. Пускай хоть и анимешно-концептуальным. Хорошая, дорогая анимация и графика во многом этому поспособствовали, позволив показать зрителю не просто набор полустатичных экшн-сцен, но целые умеренно анимированные баталии. Судя по всему, у Такэмото получилось поставить то, что еще очень долгое время будут вспоминать критики, описывая меха-аниме в целом и качественный экшн в частности.

Но самая, на мой взгляд, большая ценность новой экранизации кроется в романтической линии. Бои, хороший сюжет, отличная динамика и мастерство режиссера вряд ли бы смогли соединиться вместе, если бы для этого не существовало какого-то единого повода. В третьей «Тревоге» всё, абсолютно всё построено на взаимоотношениях главных героев, и сделано это столь качественно, что даже удивительно осознавать, что приписываешь данные строки, по сути, боевику, который когда-то пришлось разнести в пух и прах. Ближе к концу сериала практически каждый кадр работал на Сосукэ и Тидори и при этом ежеминутно повышал планку произведения. Режиссер воплощал на экране то, что в этом фильме увидеть было полной неожиданностью. Сцена с проституткой, настолько медиативная, личная и качественно поставленная, заставила пересмотреть мнение относительно возможности создания элемента романтики в такого рода произведениях. Мы все знаем, что с помощью девяносто серий, отданных на развитие взаимоотношений, авторы «Иккоку» создали маленький шедевр. Это было логично и закономерно. Но можно ли было предположить, что некто сумеет создать качественную романтическую линию в односезонном (!) сериале, который на три четверти посвящен роботам и насилию!


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Дважды два - это Синобу (2005.11.13)

В середине 2004 года с экранов сошла одна из тех задорных комедий, которые создаются на Востоке, но лучше всего воспринимаются на Западе, а все лишь потому, что смеются японцы в новом сериале не над чужаками и их образом жизни, а над своим, местным. Вообще, элемент высмеивания культуры родной страны встречается в работе японских аниматоров не часто, намного чаще они издеваются над китайцами и их пандами, над французами и их едой, над русским алфавитом и мускулистыми ребятами из американских боевиков.

«2х2 Синобу» - это почти пять часов уморительных похождений непутевых ниндзя, которых автор ставит во всевозможные неловкие положения, стремясь создать пародийную комедию, цель которой посмеяться не над чем-то далеким, а над своим родным. Подобная задумка, нужно отметить, весьма нова и интересна, потому что для издевательств над глупыми гайдзинами большого ума не нужно, в то время как, смеясь над собой, автор не только делает своеобразный выпад в сторону родной истории и культуры, но и показывает сам факт возможности такого выпада. И тут, наверное, произведение должны были (за его культурный выпад) «закидать шапками», если бы не одна находка, которая придала всей этой истории форму своеобразной культкорректности. Получилось так, что герои «Синобу» хоть и показаны идиотами, но воспринимаются не как персонажи истории, а исключительно как комичные фигурки, которым пытались придать образ таких персонажей. Но попытка, однако, вышла боком, потому что вместо карикатуры на ниндзя у автора получилась карикатура на отаку.

И вот тут-то начинается самое интересное, потому что отаку – это единственный в Японии персонаж, над которым издеваются все и везде, и при этом такое издевательство всячески поощряется. Более того, сама их культура и поведение благоприятствует такому отношению. Вспомним хотя бы японские анимационные фильмы, то есть, ту родную среду, где эти самые отаку производятся и культивируются. Уже тут, в этих аниме, начинается процесс самоунижения, где перед одним зрителем унижают других зрителей. Для примера можно взять хотя бы серьезный «Ганц», где всех людей, надевших костюмы, называют отаку по той лишь причине, что они надели костюмы, а значит перестали быть похожими на окружающих, получили статус «ненормальных» и попросту превратились в объект насмешек. На самом деле примеров аниме, в которых отаку выставляют круглыми дураками или, в лучшем случае, сдвинутыми, как в «Гэнсикэне» или «Отаку но видео», очень много. В результате этого культурного феномена сами отаку не только непроизвольно верят в свою несостоятельность и ненормальность, но и начинают все насмешки над собой считать своим личным достижением, что, в свою очередь, лишь усиливает их неполноценность и, как следствие, вызывает еще больше насмешек со стороны рядовых граждан. Таким образом, получается, что «2х2 Синобу» - это фильм вовсе не о ниндзя и уж тем более не пародия на ниндзя, а исключительно очередная смешинка на тему отаку, но настолько завуалированная, что суть ее понимаешь ближе к концу.

Сами же комедийно-пародийные приемы, использованные в этом аниме, не новы, но, признаться, весьма занимательны, даже если учитывать то, что все они держатся на пошловатом юморе и этти-сценках. Ниндзя-отаку в данном случае делают примерно то же, что в 1989 году делал в «Рамме» Хаппосай (особенно хороша аналогия в эпизоде с игрушечной машинкой), а значит весь сюжет сводится лишь к одному – к попыткам заполучить нижнее белье главных героинь или самих героинь. Эпизоды, будь то празднование нового года или поход на горячие источники, пронизаны знакомым хаппосаевским юморком, что дает повод осудить данный подход весьма строго, вспомнив при этом хотя бы тот факт, что в последнее время большая часть комедий пестрит сенэновским юмором. Недавно вышедший сериал «Он мой хозяин» от GAINAX замечательно иллюстрирует мои мысли. А если учесть, что кроме сексуального юмора в «2х2» нет абсолютно ничего, то вопрос о ценности произведения отпадает сам по себе, что заодно объясняет его относительно слабую популярность среди массовой аудитории как у себя на родине, так и за рубежом.

И тем не менее, смотреть «2х2» по-своему интересно, а местами и вовсе приятно, что на фоне огромного рынка сенэн-комедий кажется удивительным. И в данном случае не совсем понятно, чем автор, создавший по сути банальную поделку, смог увлечь зрителя, заставив смеяться над второсортной пошлостью (сценка про то, у кого длиннее, незабываема!)? Если попытаться найти формальный ответ на этот вопрос, то им мог бы быть выпад в сторону кавайности. Мол, тут все красиво и очень мило, поэтому здорово, а сексуальный юмор, наложенный на кавайные декорации, вообще многократно выигрывает от этой комбинации. Но это ответ, повторюсь, формальный. Для отписки. На самом же деле, как мне кажется, популярностью «Синобу» обязана исключительно своим подтруниванием над отаку, которые, что греха таить, и составляют основную аудиторию этого произведения, ища в нем лишний повод быть не только упомянутым, но и в лучшем случае униженным, а унижение для этой братии, как показывает практика и факты, служит не чем иным, как воздухом, чтобы дышать в своем маленьком, загнивающем мирке.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Бродяга Кэнсин [ТВ] (2005.10.23)

Уже в последний год прошлого десятилетия стало ясно, что позиции «Бродяги Кэнсина» как самого значительного и важного телесериала девяностых годов прошлого века останутся неизменными. Ни один сверхдлинный сериал не будет вызывать впоследствии столь бурных реакций, столь пламенной любви к героям и занимать столь высокие места в рейтингах; ни о каком сериале больше не будут столько писать и говорить. Уже тогда было ясно, что «Кэнсин» стал вехой своего времени. Более того, именно после «Кэнсина» начнут набирать обороты так называемые махо-сёнэны – длинные и однообразные саги для мальчишек, повествующие о сплоченных командах героев, участники которых преодолевают невообразимые препятствия во имя дружбы и ради выполнения намеченных с юных лет целей, которые, вне всяких сомнений, добродетельны и, по мнению авторов, служат замечательным примером для подражания.

Но, несмотря на возникшую моду на супергероев, развлекающих зрителя на протяжении двух-трёх лет, Кэнсин (именно как герой, а не как название аниме) так до сих пор и остается самым интересным и умным среди них. Как персонаж Кэнсин оказался на удивление живым и интересным, и хотя его роль зачастую скатывалась к роли обычного бодигварда, он всегда оставался настоящим героем. Секрет, я полагаю, может крыться в очень умелом подходе Вацуки Нобухиро, который в своей работе больше положился не на боевую составляющую (как в «Наруто» или «Короле Шаманов»), не на приключенческие авантюры (как в «Инуясе» или «Одним куском»), а исключительно на личность героя.

Химура Кэнсин – основа сериала, его изюминка и тот кирпичик, при чьём устранении все действо свалится в одну бесформенную кучу, разгрести которую не смогут уже никакие находки. Без образа главного героя сюжет поблекнет, второстепенные персонажи станут окончательно неинтересны, в злодеях не будет нужды, а вся драматургия останется за кадром. Именно жизненные позиции Химуры, его путь и кредо служат надежным цементом этому произведению. Особенно удачной кажется находка экранизаторов выпустить после ТВ-сериала ряд видеовыпусков, дающих зрителю более полное представление о характере и жизненной истории Кэнсина. Без них образ героя не может казаться полным, он неотточен и местами даже чересчур комичен. С ними же он получает завершенность, объяснимость и тот неуловимый шарм, ту завораживающую притягательность, которая рубит зрителя с той же легкостью, с какой катана Химуры рубит врагов. Образ героя собран сразу из нескольких составляющих, призванных благодаря своему составу «сразить зрителя наповал» уже в первых сериях телеэпопеи.

Кэнсин обладает глубоким умом, жизненным опытом и отсутствием желания стать главой местной деревни или королем какой-то общности, будь то пираты или шаманы, нет у него и цели найти кого-то или что-то. Его образ более возвышен и вместе с тем более прост. Единственное желание героя – вести тихую и размеренную жизнь, помогая по возможности людям с их проблемами. В свое время Кэнсин вдоволь погеройствовал и понял, что такой образ жизни приносит лишь бесконечную череду утрат. И, вероятно, в этом стремлении к безмятежности, в отсутствии амбиций и стремления к подвигам таится особая философия Кэнсина, та частичка притягательности, которая выделяет его среди соратников по жанру. Повидав многое на своем веку, Химура стал мудрым. Его речи можно назвать панацеей современного аниме, где «мамори» и только «мамори» правят всем действом. Между тем монологи Кэнсина можно слушать долго, они многозначительны и при этом лишены удручающего пафоса. Разговоры в этом сериале являются чем-то большим, нежели в других аналогичных произведениях, они превратились в намного более интересную деталь, чем поединки и битвы.

Если попытаться на время оставить главного героя в стороне, забыть о нем и представить на его месте кого-нибудь другого, более амбициозного или, если хотите, более современного, то «Бродяга Кэнсин» уже не кажется столь ценным сериалом. Несмотря на довольно-таки интересное построение, его фабула в отрыве от главного героя не может казаться интересной. Весь телесериал условно разбит на три неравные части, первая из которых является самой маленькой, вторая самой большой и в то же время самой интересной, третья самой незначительной и спорной в плане необходимости.

В первой части зрителю преподносится мир позапрошлого столетия, воссозданный Вацуки Нобухиро, а также основные герои сериала. Другими словами, эта часть является вводной и выполняет роль пролога. Она состоит из почти двух десятков серий, наполненных разрозненными самостоятельными сюжетами в духе современного «Самурая Тямплу». Как вы понимаете, никакого перехода сюжета из одной серии в другую не наблюдается, а вся композиция призвана выбрасывать на сцену новых героев и вкратце обрисовывать их характеры и привычки, а также способы ведения боя. При этом истории главного героя, который появился на экране первым, отведено меньше всего времени. Но, несмотря на это, Химура уже с первых кадров притягивает внимание своим раздвоенным поведением. Особенно его образ покажется интересным тому зрителю, который уже ознакомился с приквелом. Ведь вместо мрачного и замкнувшегося в себе юноши из знаменитой четырехсерийной OVA зритель встретит образ почти полностью противоположный – комичный и несерьезный; вся целеустремленность старого Кэнсина исчезнет, а вместо нее появится шутовская непосредственность нового.

Вторая часть - где роли героев определены, и сюжетное развитие, можно сказать, уже началось, - является самой любимой у опрошенных зрителей. На самом деле такая позиция вполне ясна и логична, и объяснить ее можно тем, что именно с тридцатых серий самостоятельные эпизоды со своими собственным минисюжетами уходят прочь, уступая место главной сюжетной линии, известной как «Битва за Киото». И это очень мудрый поступок экранизаторов, так как дальнейшее клепание серий-наполнителей уже казалось бы неразумным, ведь герои выведены на сцену, а их характеры неплохо обыграны, так что для их дальнейшего применения был необходим некий большой враг и глобальный сюжет, который никак нельзя создать без отхода от филлеров. Единый большой враг и глобальный сюжет соединил всех героев и дал им цель для существования. В этот момент «Кэнсин» превратился в то, что в будущем не перестанет сходит с наших экранов – в приключенческий сёнэн с наличием большого количества драматических сцен и боев. Последние выполнены в виде турнирной системы и представляют собой не битвы «стенка на стенку», а уже традиционные сегодня сражения «один на один», где поединок разбит на несколько составных частей, чередующихся диалогами раненых участников или повествованием их биографий, а может быть и личными воспоминаниями. И что самое приятное, «Кэнсина» не получится упрекнуть в банальности и типичности, а данную систему назвать вторичной. Сегодня такой тип ведения боя (особенно это ярко показано в «Куске» и «Наруто») стал классическим, но во времена «Бродяги» все еще был интересным и захватывающим.

Третья часть – заключительная тянучка. Наверное, так бы охарактеризовала этот отрезок сериала основная группа телезрителей. Эта часть олицетворяет собою возврат к истокам, то есть, возврат к минисюжетам начала сериала. Правда, помимо самостоятельных эпизодов, тут все-таки можно выделить и четыре небольших сюжетных линии: «Амакса Сёго», «Кацу Кайсю», «Поиск элексира» и серию эпизодов про «магов». Все эти сюжетные линии представляют собой набор пяти-шести серий, повествующих об небольших историях, приключившихся с Кэнсином и его командой. Нужно отметить, что качество этих эпизодов оставляет желать лучшего как в плане самих задумок, так и в плане их осуществления на экране. Наверное, именно в этой части все прошлые несуразности «Бродяги Кэнсина» вылезли наружу. Сюжетные сценки стали повторяться, а враги, которые после «Битвы за Киото» должны были исчезнуть как вид или, в крайнем случае, таиться при появлении Химуры, наоборот, повылезали отовсюду и стали лишь сильнее. Мумифицированный Сисио Макото, на борьбу с которым ушло более двадцати серий, оказался более слабым, чем некоторые эпизодичные личности. Налицо было явное растягивание сериала. И это опять-таки неудивительно – «Битва за Киото» оказалась настолько сильной для 1996 года, что поклонники Бродяги решительно требовали продолжения.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Последняя фантазия VII: Дети пришествия (2005.10.01)

Возможно, «истинные» поклонники закидают меня шапками, но я все-таки скажу, что у меня появление Сефирота (Сефироса) не вызвало никаких чувств. Во-первых, он там появился абсолютно не к месту, во-вторых, нёс такую околесицу, что даже мотивация его собратьев кажется божественным откровением. Все это при том, что игру я очень люблю - забил обоих веапонов, вывел все сорта чокобо (тёкобо), набрал кучу мастер-материй «найт оф зе раунд» и т.д. Фильму можно простить физику, даже нужно простить после того, как мы все дружно прокачали героев до 99 левела, однако сюжетную часть простить не получается. Она убогая, кривая, неразумная, скомканная, глупая, безобразная, в общем, не заслуживает никакого внимания. И тут даже поклонение оригинальной игре не помогает. Ну да, авторы впихнули в мобильник мелодию, ну да, Сид зажигает с копьем, ну да, чисто для приличия Сефирота сделали, ну да, Яффи скачет мартышкой, как обычно... и все-таки все эти "ну да" остаются именно "ну да", они не переходят в восхищение. В идеале фф7 должен был появиться в виде длинного ТВ-сериала, где авторы не стали бы извращаться, а попросту бы экранизировали игру. Представляете сколько можно вместить в 50 или, еще лучше, 100 серий: тут вам и сбор материй, и все то же разведение чокобо, и по полочкам разложенный сюжет. Другое дело, хватило бы мастерства? Да и вообще нужно ли реанимировать такие культовые в прошлом вещи, как фф7? С другой стороны, пока не попробуешь, не узнаешь. Вместе с сериалом мы могли бы получить 50 часов удовольствия или 50 часов разочарований. С фильмом же мы получили 2 часа разочарований, потому как любоваться красивой графикой в 2005 году и ею же оправдовать всю дурь – это уже несерьезно. Так можно было сделать лет пять назад, сегодня пора бы уже и повзрослеть.


+4Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (6)

Двойная Спика (2005.09.22)

Милая, добрая, наивная и воодушевляющая «Двойная Спика» на первый взгляд может показаться очень хорошим аниме, этаким умным и правильным произведением, созданным для узкого круга зрителей и не ориентированным на получение баснословных прибылей. Его основа – медлительность и очень своеобразное повествование, которое, к величайшему сожалению, со временем вырождается в то, что принято называть «тянучкой».

Двадцатисерийный ТВ-сериал «Двойная Спика» транслировался по японскому телевидению в 2004 году, однако событием эта трансляция не стала и, следовательно, никакого внимания к себе не привлекла, оставив произведение практически незамеченным. Возможно, это произошло в результате того, что «Спика» - очень аудиторное аниме, предназначенное не столько для широкой публики, сколько для астрономических кружков и любителей телескопов. В нем нет ни привычных роботов, ни межзвездных боев, ни вредных пришельцев, ни всего того, что так присуще типичному фантастическому сериалу на околокосмическую тему, и что так любимо зрителем по всему миру. Вообще, если говорить откровенно, то и космоса-то тут как такого нет, и это несмотря на то, что все основные персонажи сериала буквально помешаны на звездах и сопутствующей романтике. А случилось все это лишь потому, что герои – дети, которые по разным причинам в младенчестве задумали стать Гагаринами и на протяжении всего периода взросления этой задумке неуклонно следовали. По сюжету ребята встретились в Космической академии и после недолгого процесса сближения превратились в почти что семью.

Тут, наверное, нужно прояснить ситуацию, чтобы у читателя не было вопросов относительно того, почему в сериале, где главные герои дети, не может быть роботов и межзвездных боев. Дело в том, что «Двойная Спика» - это уже не «Стеллвиа», которая является ярчайшим представителем детского меха-боевика, дислоцирующегося в безграничном космическом пространстве, но еще и не «Странники» с их ориентацией на более взрослую аудиторию и реалистичное представление мира. «Спика» - это максимально ориентированное на реальность аниме, целью которого было заразить молодого зрителя любовью к астрономии и космонавтике или, на худой конец, поддержать такую любовь, если она уже была. Еще раз подчеркну, сериал не сказочный, все действие происходит в Токио в наши дни, и никаких фантастических атрибутов в нем нет. То есть, сюжет развивается вокруг студентов и их походов на лекции, а потому некоторые зрители назовут «Спику» обычной школьной повседневностью, с чем можно было бы незамедлительно согласиться, если бы в сериале имели место типичные школьные сценки и эпизоды. Но их-то тут и нет. Герои не знают, что такое свидания, посиделки в караоке, они не ездят на традиционное разбивание арбуза летом и не встречают Новый год зимой. По крайней мере, в сериале они этого не делают. Зато они постоянно и на разный манер говорят о космосе, о звездах, смотрят на ракеты, читают о них книжки, то и дело задирая голову к небу, чтобы в очередной раз увидеть вожделенные желтые точки. Получается, что «Спика» - это и не школьная повседневность в том смысле, в котором мы понимаем школьную повседневность, и не романтика, и не фантастика – иными словами, не пойми что.

В начальных сериях, когда герои еще не определены, и их характеры не прописаны, аниме смотрится замечательно, так как перед нами предстаёт картина, низвергающая стереотипы, с очень нединамичным, спокойным сюжетом, без заявок на гениальность преподносимого материла и глобальность показываемых событий. Вроде бы, все просто, но в то же время подобное сочетание – большая редкость для японской анимации, где школьные сюжеты очень шаблонны, как, собственно, и сюжеты научно-фантастические. Согласитесь, что немного другого такого аниме, где цель героя - не спасти мир, а просто увидеть нашу планету, например, с Луны. Ведь насколько простое и вместе с этим невероятно светлое желание! В нем нет максимализма Наруто или любого другого подросткового героя, это желание максимально человечное и, не побоюсь этого слова, осязаемое. Одно дело слушать проповеди нереального героя сказок, желающего воцарения мира во всем мире, и совсем другое дело смотреть на девочку, которая в садике решила стать космонавтом и по окончании школы эту решимость не утратила.

Таково начало «Двойной Спики», и оно прекрасно, пока маленькая героиня сидела в «садике» и рисовала ракеты, здорово было даже тогда, когда она выросла и с прежним энтузиазмом поехала поступать в сопутствующий ВУЗ. Проблемы же начались потом, когда девочка поступила в академию и нашла себе друзей. Примерно в этот момент у экранизаторов наступил кризис идей. Их героиня ближе к середине сериала трансформировалась из маленькой прекрасной девочки, мечтающей стать водителем ракеты, в большую куклу, которая все еще по инерции смотрит на звезды и мечтает стать тем самым водителем той самой ракеты. К сожалению, создателям было невдомек, что показывать из серии в серию одно и то же – гиблое дело. Мечтания о космосе казались красивыми первые три серии, не вызывали недоумения и в последующих пяти, но ближе к двенадцатому эпизоду желание стать космонавтом превратилось в самую настоящую одержимость, в некую навязчивую идею, оно перестало быть ярким и светлым. Когда я съем вкусное мороженое, то хочу съесть еще одно, но когда мне приходится есть «вкусное» мороженое в пятнадцатый раз, то думаю, что то лакомство, которое считал самым прекрасным на свете, превратилось в отвратительный и безвкусный предмет. Примерно то же самое и здесь. Вероятно, такое положение вещей заставило авторов начать искать выход из сложившейся ситуации, результатом чего явилось огромное количество флэшбеков, где нам в очередной раз на разный манер показывали ту маленькую пухленькую девочку из первых серий.

Считаю необходимым затронуть в данной статье других персонажей этого сериала, благо, по крайней мере, один из них стоит того, чтобы рассмотреть всех. Все второстепенные герои «Спики» – однокурсники главной героини. Нетрудно догадаться, что все они также с детства мечтают посмотреть на нашу планету с Луны, поэтому их действия немногим отличаются от действий главной героини, отчего эффект «мороженого» становится еще сильнее, так как в рот кладут уже не одну, а сразу пять порций. Впрочем, затрагивая тему второстепенных персонажей, я хотел бы поговорить немного о другом – об их преподнесении зрителю. И тут всплывает вторая проблема сериала (кстати, типичный анимешный прием) – неуместный драматизм там, где его быть по определению не должно. Так получилось, что почти все дети в сериале – это либо жертвы несчастных случаев, либо неизлечимо больные, либо имеющие проблемы с родителями. К сожалению, это тенденция. Сейчас очень модно закладывать в сериал не тот образ, что правдоподобен, а тот, что будет заставлять зрителя сопереживать и что будет двигать сюжет. Маленькие девочки и мальчики, лишившиеся родителей или умирающие от болезней – это, вне всяких сомнений, очень важная и сложная тема, однако, касаясь ее, прежде всего, нужно знать меру. К несчастью, на сегодняшний день очень многие аниме-сериалы имеют в качестве героев подобные образы. Можно сопереживать одному, можно сопереживать второму, но трудно сопереживать всем. А так как сочувствия в «Спике» требуют почти все герои, то, на мой взгляд, это минус сериалу.

Продолжая начатую тему, я бы хотел подчеркнуть один забавный курьез, связанный с подобным драматическим персонажем. Речь идет о девочке Марике. Когда мангака Ягинума создавал «Спику» и придумывал для нее героев, он так увлекся игрой в образы, что мало-помалу забыл то, ради чего, собственно, и начинал все это дело – он забыл о реалистичной составляющей, о космонавтике. Иначе трудно объяснить наличие в сериале такого спорного персонажа, каковым является Марика, особенно, если учесть, что это второй по важности характер в произведении. В данном случае проблема заключается не в том, что Марика тяжело больна, а в том, что она становится главным сторимейкером этого аниме. Получается, что всё происходящее в заключительных сериях, так или иначе связано с ее личностью. В связи с чем сюжет полностью концентрируется на болезни этой девочки, убивая основной принцип произведения - его реалистичность. При всем моем уважении к детям с разными хроническими заболеваниями я просто обязан сказать, что последнее место, где они должны пребывать, это космос. Ориентируясь на достоверность и отдав пару серий под неплохо поставленный экзамен в замкнутом пространстве, создатели перечеркнули все свои начинания, придумав болезнь этой девочки в тот момент, когда она уже прошла все экзамены и чуть ли не полетела в космос. Автор оригинала и группа режиссеров, участвовавшая в постановке, так увлеклись игрой в драматический театр, что напрочь забыли о том, что космонавты – это одна из самых диспансеризируемых в мире профессий, и что земная орбита – это последнее место, куда возьмут человека, у которого изо рта идет кровь. Тут, как и в примере с мороженым, налицо явное увлечение новой идеей или мыслью. Авторы «Спики» с таким сочувствием показывали путь этой девочки, что от серии к серии становилось все более неясно – неужели она и правда полетит? Ведь после того, как персоне Марики посвятили столько времени, ее отстранение от обучения и дальнейшего полета в космос было бы просто возмутительно, впрочем, так же возмутительно, как и ее полет. И тут экранизаторы предпочли самый умный вариант – они просто закончили сериал.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Школьный переполох (первый сезон) (2005.08.28)

«Школьный переполох» — типичная классическая комедия о школе, первой любви и сопутствующих терзаниях. Милая, но в целом не особо выдающаяся вещь.

Сериал выстроен на знакомых приемах и шутках, в нём почти нет оригинальных идей, новаторских подходов к подаче сюжета или какой-то запоминающейся, нетрадиционной графики. Иными словами, «Школьный переполох» вполне может показаться безликим, тривиальным, не заслуживающим никакого внимания произведением. Однако это не совсем так. В отличие от разных экспериментальных сериалов, адекватно воспринимающихся весьма малочисленной публикой («Магический округ Абэнобаси», «Эксель-сага»), «Переполох» не таков — его простота и незамысловатость, а также весьма актуальная (хоть и банальная) тема вполне вписывается в рамки типичного ТВ-сериала, созданного для массового потребления и выходящего раз в три месяца. И с моей стороны было бы предвзятостью обругать это произведение за столь привычные для аниме огрехи. В конце концов, «Школьный переполох» не так уж далеко уходит от других сёдзё- и сёнэн-сериалов, например, «Фруктовой корзинки» с ее аналогичной миловидностью и любвеобильностью. И, наверное, было бы несправедливо хвалить за доброту один сериал и в то же время ругать почти такой же сериал, но лишь потому, что он вышел немногим позже. Вообще, на мой взгляд, такие вещи, как «Переполох», сколько бы раз их ни воспроизводили в разных вариациях, имеют право на существование, ведь в них есть все базовые ингредиенты хорошего вкуса: миловидность, доброта, поучительность, ненавязчивое привитие традиций и культуры родной страны, безобидный юмор, лиричность, отсутствие жестокости — насилие тут если и есть, то обычно преподносится в шутовской, гротескной форме.

«Школьный переполох» хорошо будет смотреться как легкое развлечение, абсолютно не отягощающее думами. Герои этого развлечения — простоватые школьники со свойственными этому классу людей проблемами и желаниями. Думается, что было бы не лишним остановиться на нескольких из них подробней, благодаря чему мы не только сможем больше узнать, о чем этот сериал, но и, что более важно, сможем найти небольшую авторскую изюминку.

На переднем плане истории находятся два представителя классических направлений в аниме — сёдзё и сёнэна. Так получилось, что в этом произведении автор соединил оба направления, не отдав предпочтения при этом ни одному из них, в связи с чем остается лишь отдать должное выдержке и мастерству Кобаяси Дзина, по манге которого и создан «Переполох». Как я уже написал, в этой истории есть сразу два главных героя, каждый из них отвечает за порученное направление и привлекает к произведению каждый свою аудиторию. Школьница Тэмма Цукамото призвана удерживать женскую аудиторию, а значит она выстроена по всем стандартам сёдзё-аниме. Ей присуща добрая и миловидная внешность, легкомыслие, наивность, дружелюбие и робость в любовных делах. Второй главный герой также создан по стандартам, но уже сёнэн-аниме — это рослый, волевой молодой человек по имени Харима Кэндзи, постоянно носящий солнцезащитные очки и, само собой, не очень преуспевающий ни в учебе, ни на романтическом поприще, но при этом здорово махающий кулаками, благодаря чему в стане одноклассников заслужил звание местного хулигана. Как видите, оба героя — это стандарты. Тэмма Цукамото кажется прототипом Хонды Тору из все той же «Фруктовой корзинки», а Харима Кэндзи прототипом Сэдзи Савамуры из «Дней Мидори», Икухары Такэи из «ДиарС» или, зачем далеко ходить, Куросаки Итиго из ныне популярного «Блича». Но, что самое забавное, шаблонность этих героев не выпячивается, она сильно заметна лишь после просмотра, когда начинаешь анализировать увиденное. Это произошло во многом благодаря тому, что оба архетипа оказались в одном произведении, а значит зрителю (читателю) приходится постоянно переключать внимание с одного на другого героя, в результате чего шаблонность перестает маячить перед глазами, отходит на второй план. Становится интересно наблюдать на взаимодействие двух штампов. Получается, что Кобаяси вывел новую формулу успеха: когда смотреть на один архетип становится скучно, то для того, чтобы его реанимировать, нужно всего-лишь прибавить еще один. Ужасно забавное изобретение. Думается, что в будущем мы увидим совмещение какого-нибудь махо-сёнэна с каким-нибудь махо-сёдзё, и будет у нас Наруто спасать уже не жителей Конохи, а девочку-волшебницу с крошечным добуцу на плече. Как вы понимаете, я утрирую.

Тем не менее, вышеуказанное изобретение, если его вообще можно считать таковым, не делает «Школьный переполох» новой вехой в развитии индустрии. Да, архетипы совместили, но стороннему зрителю вряд ли это будет заметно и важно, ведь факт остается фактом — школьник бегает за школьницей на протяжении двадцати шести серий.

Подытожу. Как это и стало уже традицией, сериал, подобный «Школьному переполоху», скорее всего, воспримется со скептицизмом повидавшими виды зрителями, но хорошо разойдется среди поклонников лёгкой романтики. Ругать за это «Преполох» вряд ли уместно, ведь в нем нет однотипных нагромождений гаремного-сёнэна и гипертрофированного анимешного драматизма, зато есть добрая и легкая атмосфера, которая позволит отвлечься от суровой российской будничности и найти уют, а также пятичасовое забвение в далекой-далекой галактике под названием японская школа.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

В джунглях всё было хорошо, пока не пришла Гуу (2005.08.22)

Если попытаться проследить эволюцию комедийного жанра, то можно заметить, что в какой-то момент от основного массива повторяющих друг друга ТВ-сериалов отделилась группа произведений, в которых авторами было решено подойти к юмору несколько иначе, чем это делали их сэнсэи и соратники из консервативного крыла. На сегодняшний день оба направления легко различимы: существует много аниме, которое идет на ура у массовой аудитории, – это крыло консерваторов, но в то же время существует и менее многочисленная группа, куда входит аниме-продукция, ориентированная в основном на местных и порой даже западных отаку.

Юмор первой группы очень прост, традиционен, его легко понять и принять как маленьким детям, так и их родителям, как студентам, так и школьникам. Его основа – типичные шутки в стиле «Раммы», «Дораэмона», многочисленных сёнэн-сериалов, вроде «Лав Хины», «Дней Мидори» и прочих классических образцов. И эта группа очень сильна, потому как зритель по своему обыкновению непривередлив, смотрит по серии в неделю и не особо напрягает голову вопросами банальности. Однако у таких произведений есть одна большая проблема – шаблонность шуток. Уверен, что зритель, читающий эту рецензию и изучивший много аниме, не раз подмечал, что большая часть «смешных моментов» повторяется из раза в раз, шутки кочуют из одного сериала в другой, некоторые из них и вовсе являются непременными атрибутами почти любого аниме, претендующего на звание комедийного.

Юмор второй группы не таков. Авторы, работающие на этом поприще, делают все, чтобы уйти от стандартов, навязанных игровым кино и классическим аниме (например, от Nippon Animation). Поэтому комедийные произведения таких авторов, как Ватанабэ Синъити, Ямаги Хироюки и его коллег из GAINAX, редко принимаются массовой аудиторией, но в то же время стоят особняком в складывающейся субкультуре отаку, члены которой отсмотрели километры видеопленки с самым разным аниме. Характерным отличием комедийной основы этих аниме является упор на пародийную составляющую, а также на юмор, понятный лишь «прожженному» зрителю. Уместно будет привести в качестве примера большую часть нового аниме от GAINAX, где элемент пародийности, высмеивания и подшучивания над классикой, попсой и просто традиционной продукцией выходит на первый план. В некоторых сериалах, таких как «Махороматик» эта показано не так явно, в других же, вроде «Абэнобаси» или «Фури Кури», доведено до абсолюта. Смех вызывают уже не комедии положения в духе «Раммы», а огромное количество подшучивания и новые стилистические приемы, усиленно развивающиеся именно в этом секторе. В последнее время помимо юмора в диалогах авторы стараются усилить атмосферу своих работ еще и очень дёрганной анимацией. Иногда это заводит их в тупик, как в случае с «Мёртвыми листьями», но чаще дает желаемый результат. В итоге произведения получаются резкими и плохо поддающимися восприятию в кругу семьи: один кадр в таких аниме очень быстро сменяет другой, персонажи беснуются на экране, словно стая мартышек, их рожицы постоянно деформируются от круглого пирожка до физиономии зэка, а музыка зачастую дополняет картину организуемого сумасшествия. Откинув все правила приличия и сложившиеся стереотипы, герои в таких произведениях могут помочиться на экране, прооперировать терминами видеоигр, позаимствовать фразы и образы из других аниме.

Комедийный ТВ-сериал «В джунглях было спокойно, пока не пришла Гу» почти без вопросов можно отнести именно к этой второй группе. На первый взгляд – это детское произведение, выстроенное на милых дизайнах и таких же милых бутафорских декорациях джунглей, при более внимательном рассмотрении оказывается совсем не тем, чем кажется вначале; милые декорации и дизайны играют лишь роль завесы, ширмы, скрывающей зачастую бессовестный юмор и такое же бессовестное мельтешение героев на экране, а также дерганную анимацию, шутки о видеоиграх и прочих атрибутах жизни любителей современной японской художественной культы. К классическим комедийным сериалам историю о пожирательнице Гу можно отнести лишь отчасти, тут есть эпизодические ссылки на устоявшуюся мораль и семейные ценности, но таких эпизодов мало, они редки и как бы размываются потоком сумасшествия, льющимся с экрана.

Персонажи «Гу» являются единственным объектом, притягивающим внимание на протяжении всего сериала, даже несмотря на то, что они прописаны вторично. То есть, они не содраны с других произведений и не так уж блеклы, но воспринимаются не как полноценные герои, а как образы, четко выполняющие свои роли, не более. В них наблюдается та же марионеточность, что была у Такахаси в ее «Рамме», когда каждый персонаж выполнял свою небольшую функцию и не претендовал на что-то иное. Тут примерно то же самое. В «Гу» есть парень, который постоянно смеется, парень, который постоянно спит, девочка – типичный образец кавайности, староста, зацикленный только на своей волосатой груди, женщина с перепадами настроения, мама-пропойца, папа-тунеядец и главная героиня Гу, в которой есть по кусочку от каждого из перечисленных персонажей. И если в «Адзуманге» с её акцентом на персонажах можно было почувствовать атмосферу школьных деньков, то в «Гу» этого нет, ведь джунгли-то, в отличие от школы, бутафорно-комичны и на поведение героев не влияют, вместо них тут мог быть город, деревня, Северный полюс или даже космос. Одним словом, декорация. Вот и получается, что если зрителю не понравились герои, то ловить в «Гу» больше нечего, так как ни сюжета, ни атмосферы чего бы то ни было в этом сериале нет, а комедийный элемент опять же зациклен исключительно на придурковатых героях. И в данном случае самым приятным является то, что автор, понимая сложившуюся ситуацию, создал не одного, не десять, а целую кучу самых разных характеров, в связи с чем зрителю трудно будет не найти полюбившийся образ. Кому-то понравится волосатик, кому-то соня, кому-то Гу, а кому-то главный герой. В принципе данный подход традиционен, тот же Адзума Киёхико прославился благодаря тому, что создал Осаку, Томо и Тиэ – разнополярных персонажей с целью привлечь к своей манге читателей с такими же разнополярными предпочтениями.

Пожалуй, единственным «героем» в этом сериале представляется мальчик Халэ, являющийся центром вселенной, который притягивает всех не от мира сего персонажей. Его мать – легкомысленная женщина со склонностью к алкоголю, папаша – психованный доктор, сделавший сына и забывший об этом на следующее утро, а лучшая подруга Гу – колосс невменяемости, главный атрибут сериала, превративший по сути классическую комедию в чокнутую анимефантазию в стиле «Абэнобаси». Халэ в отличие от всех других героев этого аниме является тем же, что и Рамма в своем сериале - проводником по местному миру шизиков. Если бы не он, то некому было бы обнажить творящийся беспредел. Любая психушка должна иметь хотя бы одного вменяемого человека, чтобы показать все «прелести» его местообитания. Примерно то же самое нас ожидает и в «Гу». Халэ – милый, но немного дерганный мальчик, что вполне объяснимо местными обычаями, он все понимает и не имеет при этом никаких склонностей, более того, он единственный в этом сериале персонаж, который смотрит на мир объективно, в результате чего кажется лишним, попавшим не в то место. Для него странно, что староста все время обрастает волосами, что Роберт стреляет в людей без причины, но более всего для него странно, что кроме него на эти выходки и особенности никто не реагирует, что делает его единственным странным обитателем джунглей в глазах этого небольшого сообщества. Идея маленького человека в большом сумасшедшем социуме сама по себе интересна, ее даже можно было бы спроецировать на многие наши социальные макеты, поразмышлять на эту тему и серьезно проанализировать показанное, но такой разговор затевать вряд ли уместно: сериал комедиен, легок и уж точно создавался не как бремя для головы. Он наводит на мысли, но не более. Тут я, наверное, подошел к логическому концу. «Гу» - это недобрая, но вполне легкая сатирическая комедия. Наверное, с этого и нужно было начинать…


+3Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Бек (2005.08.11)

Музыкального аниме мало - это факт. Все значимые ТВ-сериалы, где речь непрерывно идет о музыке, можно пересчитать по пальцам. И неважно, что это: попса «Гравитации», сказочное песнопение «Полнолуния» или рок-музыка «БЕКа» - все эти произведения заслуживают похвалы уже за одно свое существование. К тому же необходимо отметить, что многие аниме, завязанные на музыке, получаются у японских производителей вполне удачными – интригующими, красивыми, оптимистичными.

По сути произведения музыкального жанра очень близки к другому популярному жанру – спортивному. И там, и там можно наблюдать схожую систему как развития персонажей, так и развития сюжета. В связи с этим многие элементы спортивного аниме невольно перетекли в сериалы музыкального жанра, который развивается более медленными темпами. В наше время повальной коммерциализации искусства музыка, как и спорт, взяла на вооружение все основные маркетинговые стратегии и ходы. «БЕК», как и его собратья по жанру, рассказывает о становлении группы музыкантов, а значит речь пойдет не только о песнях и взаимоотношениях музыкантов, но и о продвижении группы, маркетинге, коммерческом успехе. В отличие от «Полнолуния» этот сериал более меркантилен, в нем лишь часть персонажей показана с точки зрения любителей музыки, которые преданы своему делу не как ловкие дельцы, а как истинные таланты. И тут, наверное, стоило бы вспомнить о вреде буржуазной морали, о маркетинге культуры, которая в свою очередь порождает гипертрофированное искусство, можно вспомнить о многом. Однако… «БЕК» стоит выше этих воспоминаний. Как видится после просмотра, сериал не имел целью обнажить любовь к музыке, романтизировать этот вид деятельности, как это сделала главная героиня упоминавшегося выше сёдзё-сериала. Нет, одной из целей автора «БЕКа» было показать развитие индивидуума. В начале сериала молодой четырнадцатилетний парень Юкио большую часть времени проводит в школе, а по вечерам слушает музыку некой поп-певички. То есть, как видно из предисловия, никакой музыкальной энергии в юноше не было, и не попадись ему на пути гитарист с собачкой, он бы так и слушал поп-певичку до конца своих дней, не особо заботясь о своих музыкальных пристрастиях. Но, встретив музыканта, парень не набрасывается на него с просьбами об обучении, как это делает, например, герой боксёрского аниме «Первый шаг». Нет, он просто пытается обрести друга, не соратника по увлечению, а скорее «старшего брата», человека, который нашел свой удел в жизни. Это своего рода зависть, недаром Юкио очень часто останавливается и спрашивает сам себя: «что я должен делать в этой жизни»? Автор «БЕКа» очень тонко показывает в сериале не путь музыканта, а путь молодой личности, которая по чистой случайности выбрала себе ремеслом музыку. Наверное, поэтому «БЕК» и не хочется сравнивать с «Полнолунием», хотя сюжет обоих произведений очень схож, даже несмотря на то, что оба предназначены для разных аудиторий. В то же время, говоря так о выборе Юкио, я не могу говорить так же и о выборе автора манги. Сакуйси, в отличие от героя, сделал музыку жанром своей работы отнюдь не случайно. Его умение рассказывать ясно и просто о музыкальной культуре, о рок-исполнителях, об индустрии и ее развитии не может не поражать. Мангака Сакуйси – настоящий профи своего дела.

«БЕК» ценен еще и тем, что очень понятно и доходчиво показывает музыкальную «возню»: выступления, конкуренцию, запись альбомов, нехватку денег у молодых исполнителей. Герои аниме – это молодые ребята, по воле случая отвергнутые крупным лейблом и в связи с этим обреченные на провал и прозябание в небольших клубах. Спасает их случай. Четырнадцатилетний школьник, который ходит к ним как зритель, оказывается первоклассным вокалистом. Так группа находит свое спасение, а школьник Юкио дело всей жизни. Так мангака Сакуйси решает сразу две проблемы: он приближает свое произведение к «спортивным стандартам», рассказывая о победоносном приключении молодого таланта, благодаря чему волей-неволей получает своего читателя, и в тоже время ему предоставляется шанс донести во всех подробностях до аудитории информацию об индустрии «музыкоделания».

Стиль, которым наградил свою группу мангака, - рок. Не привычный поп, что был в «Гравитации» и который вечно популярен в Японии и других странах, а именно этот тяжелый, мужской, мощный и яростный стиль со своей неописуемой энергией. Рок-музыка в понимании Сакуйси – это выражение свободы. Недаром в сериале автор попутно рассказал о другой группе, которая в начале фигурировала как рок-группа, но ближе к концу стараниями лейбла и продюсера трансформировалась в более прибыльную поп-группу с прыгающими мальчиками-зайчиками. Группа «БЕК», напротив, из-за отсутствия покровительства мощной звукозаписывающей компании осталась бунтарской, самостоятельной и свободной в выборе творчества. Таким образом Сакурайси доводит до абсолюта мысль о том, что современная индустрия рубит на корню креатив и авторскую самостоятельность музыканта, делая его послушной, но бездушной куклой, создает музыкальный труп в красивой обертке. На самом деле эта тема не только актуальна, но и интересна – до Сакуйси ее толком никто не рассматривал. В большинстве спортивных и музыкальных сериалов авторы как бы нехотя абстрагируются от коммерческой стороны, в итоге у них рождаются милые и оптимистичные, но зачастую неправдоподобные произведения. Сакуйси же окунулся в «возню» целиком и полностью, что сделало его произведение более честным и не заигрывающим. Вряд ли у мангаки была такая же цель, как у прокатчиков «Хикару и Го», вряд ли он хотел подсадить на музыкальную иглу половину японцев, иначе бы он показал яркую и розовую историю о супергероях, в то время как его история местами мрачна, а героев зачастую жалко. После «БЕКа» никому не захочется петь также, как после «Хикару» хочется играть в го. И на мой взгляд это большой плюс. Аниме о слащавом песнопении в стиле «Гравитации» еще создадут, а вот хорошую и почти правдивую историю о музыкальной индустрии - вряд ли.


+11Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (1)

Доходный дом Иккоку [ТВ] (2005.07.03)

Из четырёх больших ТВ-сериалов, созданных по манге Такахаси Румико, «Доходный дом Иккоку» является самым малоизвестным и в то же время самым необычным. Необычным не только для творчества Такахси («Несносные пришельцы», «Рамма 1/2» и «Инуяся»), но и для всей индустрии в целом. Последнее утверждение может показаться читателю странным, но, если смотреть на сложившуюся ситуацию объективно, то даже сейчас, когда с момента экранизации «Доходного дома» прошло уже почти 20 лет, найти аналог весьма трудоемко. Все дело заключается в том, что Такахаси, работая над этим произведением, стремилась воплотить то, что является негласным табу в анимационной промышленности — она хотела показать простую японскую повседневность, без роботов, без мальчиков-героев и девочек-волшебниц, без добуцу и кавая. На сегодняшний день жанр «повседневность» хоть и является в меру популярным, однако почти никогда не доминирует в произведениях, а является лишь элементом. В сериалах «В поиске Полной Луны», «Любовь и Хина», «Хикару и Го», «Фруктовая корзинка» и других «повседневность» является элементом и работает на свои материнские жанры: спорт, мистику, музыку, комедию и романтику. Наиболее близко к «Доходному дому» подходит сериал «Зовущая тебя вечность», но короткость и слишком напыщенная драматическая сторона ставит сериал в невыгодное для сравнения положение. Другие же повседневные сериалы, вроде «Адзуманги», сравнивать еще более нелепо. Жанр один, но уровень воплощения полностью противоположный. С другой стороны, пример с «Адзумангой», как с одним из немногих по-настоящему повседневных сериалов, довольно-таки показателен; он демонстрирует изменение ситуации в корне. Сегодня индустрия находится на той стадии развития, когда снимать длинные жизненные сериалы и невыгодно, и неинтересно. Появись в этом году, «Доходный дом Иккоку» не выдержал бы соперничества с приключенческими сёнэн-сериалами и заглохнул бы на первом же сезоне. Таким образом, рассматривать описываемый сериал глазами современника несколько неразумно, так как сравнить его попросту не с чем, а стиль и способ постановки разительно изменился. Единственным, на мой взгляд, удачным аналогом «Доходному дому» является сериал-экранизация «Капризы Апельсиновой улицы». Это произведение вышло примерно тогда, когда трансляция «Доходного дома» уже подходила к концу, поэтому его нужно считать последователем, развивающим уже ранее поданную идею. Тем не менее, не смотря на необыкновенно схожую стилистику, дизайны героев, сюжетные сценки и общий тон, оба сериала довольно-таки разнятся. Вышедшие всего на два года позже «Капризы Апельсиновой улицы» уже тогда показывали переориентацию типичной повседневности Такахаси Румико. В «Капризах» Мацумото Идзуми смешал повседневность с мистикой, также был понижен возрастной уровень как героев сериала, так и зрительской аудитории. В связи с этим даже такой схожий сериал, как «Капризы Апельсиновой улицы», явно не дотягивает до той планки, когда его можно сравнивать с «Доходным домом Иккоку», а ведь он был стопроцентным подражателем, чего уж говорить о днях сегодняшних.

«Доходный дом Иккоку» помимо всего прочего — это вторая серьезная экранизация манги Такахаси после «Несносных пришельцев». Начало манги было положено в 1980 году, а аниме стартовало только с 1986. Именно в 1986 году закончился показ упоминавшихся «Несносных пришельцев». Если быть точным, то последнюю серию «Пришельцев» открутили во второй половине марта, а уже через неделю выпустили первую серию «Доходного дома». На подбор авторского состава не ушло много времени. Режиссером и дизайнером поставили Кадзуо Ямадзаки и Юдзи Морияму. Первый режиссировал только что окончившихся «Несносных пришельцев», второй рисовал для них же дизайны. Нужно отметить, что Кадзуо Ямадзаки, начиная работу над «Доходным домом», еще продолжал работать над последней серией «Несносных пришельцев», а также над OAV и четвертым фильмом (и то, и другое, само собой, также создавалось как дополнение к «Несносным пришельцам»). Чуть позже на подмогу экранизаторам творчества Такахаси пришел еще не очень известный, но уже очень умелый Мотидзуки Томомицу. Впоследствии он параллельно будет работать над «Доходным домом» и «Капризами Апельсиновой улицы» (не путать с Мотидзуки Томомити, который также работал над «апельсиновой» серией). Из-за этой спаренной работы в постановке обоих сериалов можно будет увидеть общий подход Мотидзуки. Последнее, о чем нужно упомянуть, чтобы полностью завершить историческую справку «Доходного дома», так это о том, что мангу экранизировали не полностью, хотя и старались придерживаться ее содержимого как можно более точно. Вырезанные из манги фрагменты сюжета никак не сказались на восприятии сериала, однако явились существенным недостатком для всей серии. Например, в полнометражном фильме «Доходный дом Иккоку: Последняя глава», который является завершением сериала, зритель видит героя, отсутствовавшего в ТВ-сериале, а это никак не может являться плюсом доблестным экранизаторам.

Далее мне бы хотелось подробнее рассмотреть сам «Доходный дом Иккоку». Для этого я разобью оставшуюся часть статьи на несколько частей.

Первое, что бросается в глаза, когда начинаешь смотреть «Доходный дом Иккоку», — это внушительное количество серий. Кстати, забегая вперед, отмечу, что на самом деле «Доходный дом» — очень маленькое произведение по меркам Такахаси Румико, все остальные ее серии на порядок длиннее. Но так или иначе, а сериал весьма-таки объемный. Этому есть два вполне обоснованных объяснения. Во-первых, стиль повествования Такахаси редко позволяет вместить весь сюжет и все мини-сюжеты в 50 и даже 100 серий. Тут я говорю исключительно об экранизациях, так как ее оригинальные манга-проекты, на основе которых и делают аниме, почти всегда по количеству томов больше аниме-экранизаций. У аниме, в отличие от манги, есть одна неприятная особенность — рейтинг. Как только аниме перестает быть рентабельным или наскучивает зрителю, его по-шустрому сворачивают и дальше начинают выпускать на видео. Недавно окончившийся «Инуяся» замечательный тому пример. Выходу манги же ничто не мешает, так как структура потребления в этой индустрии несколько иная, также как и структура производства. Во-вторых, как отмечалось выше, «Доходный дом Иккоку» — сериал повседневный с элементами романтики, а это уже обязывает его быть длинным. Вообще, я сейчас все сильнее подхожу к понимаю того факта, что показать настоящую романтическую историю можно лишь тогда на сто процентов, когда она прочувствована зрителем и кажется частью того промежутка его жизни, в который он ее просмотрел. Показать романтическую сказку можно и за день, но как можно за день не только привыкнуть к героям, но и научиться их понимать. Именно поэтому небольшие любовные сказки, типа «Хины», «ДиарС» или «Тёбитов», снабжены либо фантастическими сюжетами, либо очень мощным комедийным наполнением, а, следовательно, и называть их романтическими можно лишь отчасти. Они быстро забываются и редко оставляют после себя воспоминания.

Вторая важная составляющая сериала — это атмосфера. «Доходный дом Иккоку» считается одним из самых реалистичных произведений японской анимации и уж точно самым реалистичным в творчестве Такахаси. Иными словами, в этом сериале нет никакой возможности увидеть несносных пришельцев, псов-демонов и парней, превращающихся в девушек. Основное место повествования — обветшалый доходный дом, основные герои — постояльцы и управляющая. На протяжении 96-серий герои толкутся в доме, выходят во двор, ходят за продуктами и на работу, посещают теннисный корт, устраивают дебоши и назначают свидания. Все это показано с необычайной чуткостью и любовью, недаром это произведение отчасти создано на основе воспоминаний автора. Интерьеры детализированы атрибутами того времени, герои — это типичные жители Японии 80-х. Поэтому, смотря сериал, зритель невольно попадает в ту эпоху, а отсутствие мистики и элементов других жанров делает это путешествие во времени очень правдоподобным. Как учебник по истории быта вроде того, что в середине 90-х выдал Такахата-сан в своей «семейке Ямада», только намного веселее и не так по-такахатовски занудно.

Центральной темой истории Такахаси являются романтические отношения, сложившиеся между одним из обитателей Иккоку — студентом-неудачником и управляющей, милой и во всех отношениях замечательной женщиной Кёко Отонаси. Вся прелесть показанной любовной линии заключается в том, что она развивается очень медленно и неторопливо. В раскрытии персонажей используется главный инструмент этого аниме — его продолжительность. Благодаря большому количеству серий перед авторами не стоит задачи впихнуть в тринадцать эпизодов и завязку, и развязку, наоборот, они могут отдавать по 2-3 серии на простые и милые сценки, которые, по сути, никак не влияют на сюжет, но сами по себе являются самой что ни на есть неотъемлемой частью произведения, создающей его целостность. Также положительным моментом может служить и то, что в отличие от тех же «Капризов Апельсиновой улицы» в «Иккоку» очень-очень мало филлеров. Сюжет развивается линейно, как типичная мыльная опера, что для аниме такого уровня, между прочим, довольно большая редкость. И если «Капризы» были переполнены вставками, где каждая серия никак не переходила в следующую, то тут все иначе. В «Иккоку», особенно во второй половине сериала, сюжет движется очень стремительно, захватывает внимание и не отпускает от себя.

К слову о романтике. На сегодняшний день «романтических» сериалов много, почти все они короткие и однообразные. Нельзя сказать, что романтическая линия «Доходного дома» пестрит оригинальностью, нет, напротив, она так же банальна. Но тема романтики вообще не терпит оригинальности, ведь тут главное мастерство, с которым автор подходит к воплощению замысла. И вот с этим сегодня реальные проблемы, а вдобавок к этому еще и прибавляется кризис оформления, когда знают, что хотят, но сделать не могут. Романтика прошлых дней захватывает и влюбляет в себя хотя бы потому, что это романтика тех дней, а не сегодняшних. Даже в романтических фильмах 80-х еще была какая-то вольная непосредственность и одухотворенность. Она складывалась не из мотивов и желаний главного героя понюхать трусы, а из чего-то более неуловимого. Наши деды назвали бы это ухаживанием. Кёсукэ в «Апельсиновой улице» на протяжении почти полсотни серий реально ухаживал за Мадокой, невинно и мило, как это может в идеале делать школьник тех дней, это же делает и Годай в «Доходном доме Иккоку». И если Кёсукэ ухаживал за Аюкавой как школьник, то Годай, будучи уже вполне самостоятельным человеком, делает это более осмысленно и смелее, но, тем не менее, не пошло и все еще неуклюже. И в этой неуклюжести все: и смех, и сопереживания, а для кого-то, возможно, и воспоминания из собственной жизни. А что же мы видим сегодня? Сегодня все так называемые романтические образы делятся на несколько типов. Основным переворотом стало то, что отныне не парни ухаживают за девушками, а девушки прямо накидываются на парней. В некоторых аниме это показано очень искусственно («Ручная горничная»), в некоторых более трогательно («Все оттенки синевы»). Из-за этого даже появился новый поджанр, который у нас в стране окрестили «гаремным сёнэном», ненаучный термин, конечно, но очень подходящий. И если считать этот «жанр» романтическим, то налицо явная деградация. Оставшиеся типажи из псевдоромантического аниме наших дней можно назвать ярчайшей противоположностью типажей первой категории — это пышущие энергией «герои-любовники», школьники, основной функцией которых в фильме является завалить «чувиху» и сделать с ней все полагающееся («Клёвая парочка», «Жаркое лето» и т.д.). Последняя категория — это недотепы, идиоты, которые и сами не особо пытаются заслужить внимания, и сами по себе ничего не стоят. Они являются шутами, источниками комедийных моментов (главный герой сериала «Любовь и Хина»). Как видно, ни первая, ни вторая, ни уж тем более третья категория не имеет в себе ровным счетом ничего романтического - примитивные образы, не заслуживающие внимания. Первая категория, как я уже выразился, - типичная деградация романтического жанра; вторая – это и вовсе никакая не романтика, а всего лишь поделки для неудержимых подростков. Что же касается типажа, схожего с Кёсукэ из «Апельсиновой улицы» или героем «Доходного дома», то на сегодняшний день это большая редкость. И, наверное, их почти полное отсутствие и делает эти старые сериалы столь захватывающими, произведениями не от мира сего, не нашей эпохи. И это, безусловно, положительный момент.


+10Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (1)

Космическая Стеллвия (2005.06.04)

«Космическая Стеллвиа» является типичным образчиком тех задорных космических сериалов, которые несерьезно говорят о серьезном. Посредством выдержанной кавайной стилистики и некоторых сёдзё-приемов авторы произведения замечательно и вдохновенно показали, что человек, произошедший когда-то от самых примитивных живых существ и могущий умереть, как вид, мириады раз за всю свою недолгую историю, выдержал все испытания, что были уготованы ему планетой Земля, после чего с торжествующим вызовом принял уже те испытания, что подготовила ему Вселенная. Помимо всего прочего, «Стеллвиа» — это рассказ, пускай и чересчур фантастический, о превосходстве разума, о великих замыслах и победах человека не только над собой и над своими животными инстинктами, но и над опасностями, казалось бы, непреодолимыми, грозными и роковыми.

Внимательно прослушав предысторию сериала, мы можем понять из нее, что в одно прекрасное время наша планета подверглась неожиданной напасти: волна от взорвавшейся где-то далеко-далеко звезды ударила о Землю и превратила последнюю в место неузнаваемое и неприглядное. Однако еще большая беда заключалась в том, что за первой волной, как мы знаем, следует вторая, и что через какое-то время потомки современников должны будут столкнуться с тем, что им придется принять на себя более мощную атаку от второй волны, пережить которую ничто живое по замыслу Всевышнего не сможет.

«Стеллвиа» погружает нас в ту эпоху человеческой цивилизации, где со дня на день ожидается то страшное событие, к которому все живое готовилось почти двести лет. И это красиво! Смотреть и видеть перед собой то утопичное общество, которое не знает ни границ, ни вражды между своими членами, которое сообща погружено в выполнение единственной цели; общество, о котором, возможно, мечтал Томас Мор или позднее Герберт Уэллс; общество, которое готово сделать все, чтобы выжить, чтобы встретить неведомую опасность и противостоять ей с гордо поднятой головой.

Фантазии авторов «Стеллвии» на тему сплоченности перед угрозой — это самая лучшая придумка в сериале, она с лихвой окупает все второстепенные сюжеты и детский стиль повествования. Само по себе аниме очень легкомысленно и поверхностно, тут много недочетов, много недоделок, однако та великолепная и светлая идея, что была вложена в само нутро этого произведения, заставляет одобрительно покачивать головой и восклицать: «Вот будущее, до которого я хочу дожить, которое я хочу увидеть! Будущее достойное человечества!»


+3Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Наруто (фильм первый) (2005.05.29)

История становления аниме наглядно показывает и тем самым доказывает, что полнометражные аниме-фильмы входили, входят и будут входить в очень узкую нишу тамошней анимационной промышленности. С каждым годом в Японии производится огромное количество ТВ и видео-сериалов (последних все меньше), в то время как количество полнометражных фильмов на их фоне крайне мало, а те, что есть, в основном являются частью все тех же ТВ и видео-сериалов. Если смотреть статистику того, что транслируют японские кинотеатры, то такие картины, как «Стимбой» Отомо Кацухиро или «Бродячий замок Хаула» Хаяо Миядзаки, являются скорее исключением из правила, ведь все основное рейтинговое место возле них занимают, и возьмусь предполагать, что будут занимать и впредь разнообразные «Гандамы» и «Инуяси».

Создание самостоятельного полнометражного аниме-фильма — это, прежде всего, рисковая и авантюрная кампания, итог которой не всегда могут предсказать даже самые матерые продюсеры и маркетологи. Зато предсказание успешности несамостоятельного полнометражного фильма, являющегося либо приквелом, либо сиквелом, либо альтернативной версией известной серии, не составляет никаких проблем. Практика последних 10-15 лет показывает, что можно без боязни выпускать любую полнометражную мишуру, главное, чтобы она была хоть как-то связана с корнями оригинального сериала. Последнее, правда, нужно исключительно для того, чтобы завлечь зрителей в кинотеатры.

Полнометражный фильм «Наруто», вышедший в 2004 году, является первым длинным дополнением этой знаменитой серии, которая состоит из почти бесконечного телесериала и нескольких видеоприложений к нему. До появления полнометражного фильма серия «Наруто» демонстрировала ту странную ситуацию, которая шла вразрез с общепринятой практикой клепания видео и телефильмов. Суммарно все нарутовские дополнения составляли час с хвостиком, что для стосерийного сериала недопустимо. Недаром недавно окончившийся «Инуяся», который продержался почти 170 эпизодов, имеет при себе целых четыре полнометражных дополнения, чего уж говорить о сериях сравнительно небольших, например, об «Охотнике х Охотнике» или «Капризах Апельсиновой улицы», которые при своих 50-60 эпизодах располагают многочасовыми сиквелами и иными бонусами.

Вовремя опомнившись, сотрудники студии «Перро» наконец-то объявили о выпуске полнометражного фильма, после чего начали всячески поддерживать интерес у публики к этой вполне плановой затее, исход которой, впрочем, был ясен уже тогда. Тем не менее, фильм ждали все. Когда же он появился, и когда его посмотрели все те, кто хотел, то рассуждать на его тему было практически невозможно — настолько он оказался сер и невзрачен. Вроде бы по всем законам полнометражных дополнений ожидать чего-то иного было глупо. Цель любой «полнометражки» такого рода — эксплуатировать базовую идею и базовых персонажей сериала, дабы банально окупиться и принести прибыль. Больше ничего в данном случае не требуется. Исключения, безусловно, встречаются, но крайне редко. «Наруто», к сожалению, таким исключением не является. Скорее наоборот, тут все настолько сделано по правилам и по законам, что в результате родилась вещь абсолютно искусственная, без души и идеи, но зато с кучей знакомых персонажей. «Вон, Наруто побежал! А вон Сакура скорчила свою злую рожицу! О, Какаси опять что-то скопировал», — единственные ассоциации, которые рождаются в момент просмотра, и примитивны они лишь потому, что ничего иного во время просмотра не рождается, как не старайся, как не всматривайся. И только абсолютно зацикленный на «Наруто» зритель придет в восторг от нескончаемого потока однотипных, выдернутых из сериала сценок.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Бесконечное путешествие корабля Ривиас (2005.05.21)

Ниже представлен анализ сериала «Бесконечное путешествие корабля Ривиас», читать который рекомендуется после просмотра.

На сегодняшний день существует уйма разнообразнейших космических аниме-сериалов. Некоторые из них позволяют себе столь немыслимые вольности для этого почти научного жанра, что невольно превращаются из произведений фантастического толка в произведения сказочной направленности. К таким можно отнести, например, ТВ-сериал «Безответственный капитан Тайлор». Ряд других картин вбирает в себя весь мыслимый и немыслимый эпос, в результате чего на экране предстают гигантские даже по космическим меркам баталии и войны с участием сотен звездолетов. Тут стоит выделить «Звёздный герб». Есть также и профессионально оформленные научно-фантастические продукты, вроде сериала «Странники» и полнометражного фильма «Королевские космические силы — Крылья Хоннеамиз», правда, таких произведений очень мало, так как по неким загадочным причинам массовый зритель не очень любит их смотреть. Зато массовый зритель очень любит смотреть антинаучную фантастику, каковой можно смело назвать «попсовый» «Вандрэд», первые «овашки» «Тэнти» и им подобные фильмы. Что же касается «Ривиуса», тему которого я попытаюсь раскрыть дальше, то это, скорее, даже более редкий образчик космического сериала, чем анимационная научная фантастика, потому что «Ривиус» принадлежит к тому типу, где на главном плане стоят не бои механических роботов или звездолетов, не созерцательная или философская часть, а психология помещенных в невесомость земных обитателей.

Эксплуатируя космическую тему, как метажанр, авторы «Ривиуса», тем не менее, не стали акцентировать внимание на самом космосе. Сюжет сериала строится на том, что группа из полутысячи студентов космической станции в результате террористического акта лишается взрослых и остается предоставленной самой себе на просторах космоса. То есть, по сути, мы имеем тот случай, когда на протяжении всего сериала многочисленная группа подростков, образующая своеобразный микросоциум, не только обретает свободу, лишившись присмотра взрослых, но и помещается в экстремальную ситуацию. Корабль, на котором спасаются студенты означенной выше космической станции, объявляется в розыск под грифом «захвачен террористами», вследствие чего постоянно находится под прицелом разных военных судов. Помимо этого на корабле есть и свои внутренние проблемы, выражающиеся в виде весьма жестких лимитов продовольствия, воды, а также иных необходимых в повседневной жизни вещей.

Именно такую завязку выбрали авторы, чтобы изолировать подростков и тем самым пофантазировать на тему, «а что будет, если…» И вышло у них это, к сожалению, кособоко. В стремлении изолировать ребят от внешнего мира авторы выбрали космический корабль. И это логично, потому что изолировать их на обитаемой планете вряд ли бы оказалось возможным. Раньше роль изолятора в произведениях играли разнообразные необитаемые острова, но в новом тысячелетии их по всем законам жанра должны сменить необитаемые планеты и такие же необитаемые космические станции. В данном случае перед нами последний вариант. Но если посмотреть на те способы изоляции, что были выбраны авторами, то необходимо отметить их корявость и количество дыр. Скитание ребят по космосу, который в сериале якобы представлен, как уже вполне исследованная локация человеческого местожительства, оказывается на самом деле абсолютно необитаемым местом. Странно видеть, что скитающийся «Ривиус» не встречает торговых, экспедиционных, пассажирских кораблей, которым он может передать сигнал о помощи. Тут, конечно, кто-то может сослаться на Геодальт и опасность путешествий, но зачем тогда была задумана система колонизированных планет, которые не могут нормально существовать и развиваться без отличной транспортной системы. В сериале ясно показано, что на станции находятся студенты с самых разных планет, так что тема Геодальта тут отпадает. Следуя логике, в мире, который показан в сериале, существует развитая система космических перевозок, просто авторы ее забыли создать. Еще более странно, что во время атаки военных судов «Ривиус» не выходит на связь, не вывешивает аналог белого флага, чтобы показать, что на самом деле корабль не захвачен террористами, а управляется горсткой наложивших в штаны мальчуганов. Или в будущем люди настолько поглупели, что начинают бой без предварительных переговоров? Или почему, например, военным нельзя было сразу послать спецназ, как это было сделано в конце сериала? И такого рода замечания можно делать и делать, растягивая статью почти до бесконечности. Надеюсь, читателю хватит перечислений выше.

Также неуместно смотрятся в этом сериале бои, в которых участвует экипаж «Ривиуса». На мой взгляд, это не что иное, как дань традициям аниме-фантастики, которая стала для жанра обременительным рудиментом. Робот и вообще вся эта меха-ерунда, возможно, еще катит в каком-нибудь «Вандрэде», потому что там портить изначально нечего, но тут это зрелище режет, как нож по сердцу. Можно простить авторов за их кособокую изоляцию ребят от военных и ото всего остального мира, но всю эту тарабарщину с роботом и его управлением ни забыть, ни простить невозможно, так как львиная доля происходящего в сериале связана именно с баталиями. Наверное, еще наивно мечтать о том, что эра «Гандамов» подходит к концу, и наступает эра более умных космических сериалов, первой ласточкой которых стали недавние «Странники».

Помимо роботов авторы умудрились засунуть в изначально неплохой психологический сериал еще один странный механизм, который поначалу и вовсе отдавал мистикой. Я говорю о таинственной девочке, которая является моторчиком корабля «Ривиус». До конца сериала роль этого персонажа осталась для меня абсолютно загадочной. Персонаж, который весь фильм общается на «высоком» языке самых заумных аниме-героев, вроде Лэйн, выглядит тут, как белая ворона. Неразделимый поток словоформ, блаженным голосом вырывающийся из этого пришибленного персонажа, охарактеризовать попросту невозможно. «Зачем, почему, нет! Как, для чего? Кто ты, кто я? Я это не я и вообще, что за фигня?» — типичный пример демагогии для такого рода персонажей. Да, в «Лэйн», благодаря профессионально созданной атмосфере мрачного киберпанка с элементами психологизма и анимешного абстракционизма, такие персонажи смотрятся. Смотрятся они и в философских сказках, вроде «Путешествие Кино». Но тут, простите, это настолько неуместно, что противно. Вероятно, этот герой был задуман, как созерцательный образ, ведь большую часть времени этого персонажа никто из членов экипажа не видит и с ним почти никто не общается, зато сам персонаж всех видит и все старается прокомментировать теми словоформами, что я перечислил выше. Однако, если это так, то для фантастического сериала это несколько странный шаг со стороны автора сценария.

Теперь о последнем, о самом ценном в сериале «Путешествие Ривиуса», о его психологической части. Именно из-за нее были написаны три верхних абзаца, именно из-за нее хотелось в пух и прах обругать криворукость авторов. Любой ляп на фоне такой идеи сравним со слишком жирным мазком на репродукции полотна гениального живописца. Микросоциум, показанный в «Ривиусе», — это то, из-за чего стоит смотреть этот сериал; то, из-за чего стоит его ругать и вообще обсуждать. Надежды и чаяния ребят, оказавшихся в трудной ситуации, получились у авторов настолько сильными, что ни роботы, ни безумные фанатики аля Лэйн, ни космическая неправдоподобность не смогли их поколебать. Начиная с третьей и до предпоследней серии, сериал держит именно этим. Хочется наблюдать, что будут делать эти люди, как они себя поведут, как бы я повел себя на их месте. Восстание сменяется восстанием, брат идет на брата, бывшие подружки чуть ли не убивают одна другую. Ближе к середине сериала у жителей «Ривиуса» начинается массовый психоз, они понимают, что их полет может оказаться неудачным, что вот-вот кончится еда и вода, а новый «правитель мостика» еще сильнее закрутит гайки, чем прежний. Каждый думает, как выжить, как обмануть систему «еда по талончикам». Начинаются избиения, аресты, анархия сменяется диктатурой и наоборот. И это замечательно, потому что до «Ривиуса» ничего подобного почти никто не пытался показать. И замечательно это вплоть до последней серии. Потом же в свою роль снова вступают кривые руки авторов. Зачем был нужен последний эпизод — загадка. Мало того, что он алогичный, так он еще и бессмысленный. Тут речь не идет о том, что хэппи-энд — это плохо и тривиально. Концовка должна вытекать из логики всех предшествующих серий, быть квинтэссенцией всего сериала, закономерным апофеозом происходивших ранее событий. Что же тут? А ничего. После того, как члены экипажа «Ривиус» благополучно спаслись и отдохнули месяц, они все взяли и дружно вернулись на свой злополучный корабль. Как это понимать? После того, что ребята пережили, возврат на корабль — это просто безумие. Вернется ли заключенный на место отбывание заключения? Вернется ли неожиданно вылечившийся больной в палату хирургии? Вернется ли с радостью на лице человек туда, где он чуть не умер от психоза или страха? И дело даже не в этом. По всем законам человеческой психологии у половины обитателей «Ривиуса» вообще должна была слететь крыша после их приключений, ведь стоит лишь вспомнить о том, сколько было лет обитателям «Ривиуса». Одним словом, мрак. Я, само собой, не утверждаю, что в последней серии нужно было показывать, как члены экипажа после своего спасения бьются головой о мягкую стену, как это, кстати, делал в этом же сериале вполне взрослый капитан корабля. Нет, просто нужно было вовремя опустить занавес, а не продолжать почивать на лаврах, низвергая тем самым кое-какие положительные эмоции, что скопились во время просмотра.


+3Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Мёртвые листья: Звёздная тюряга (2005.05.09)

После того, как в студии GAINAX отсняли и показали экспериментальный OAV «Фури Кури», из чащоб индустрии, словно грибы после дождика, начали появляться разного рода аниматоры-экстремалы, пришибленные режиссеры и операторы, с детства не разбирающие цветов. Сам же тип OAV постепенно начал крениться в сторону артхаузного направления. И если «овашки» 90-х принято было ругать за их монотонность и конвейерность, то при описании «овашек» нового века, наоборот, все чаще приходится сетовать на их чрезмерную оригинальность. Якобы оригинальность. На самом деле оригинальным был продукт «Гайнакса», тут не поспоришь, а вот последующие произведения, будь то похождения котят по постоянно меняющемуся миру или бега заключенных из тюрьмы «Мёртвые листья», — это уже эксплуатация ранее поданной идеи. Авторы смекнули, что зритель прётся от «сюрреализма», «модных», «оригинальных», «стильных», одним словом, бестолковых вещей, где нет ни смысла, ни логики, ни уж тем более стильности или модности. И плох тот зритель, который наивно полагает, будто эти произведения хоть сколько-то авторские. К сожалению, они не сделаны для какой-либо иной цели, кроме как набить карман.

С одной стороны, «Мёртвые листья» можно назвать плодом бурной фантазии студии Production I.G, с другой — вполне логичным коммерческим проектом. За постановку «Листьев» отвечал уже сегодня знаменитый режиссер Имайси Хироюки. Имайси, что странно, — «выходец» из GAINAX, но этот фильм поставил на студии-конкуренте. Правда, сказать наверняка к какой точно студии он принадлежит весьма сложно, однако именно с «Гайнаксом» он ассоцируется у зрителя чаще всего. Началом его карьеры принято считать участие в создании «Конца Евангелиона», после которого он был взят в штат разработчиков «Фури Кури». В «Фури Кури» Имайси-сан не занимал какой-либо важной роли, но уже то, что он работал над этим проектом, по-видимому, открыло дорогу вверх. «Мёртвые Листья» — это его личный взгляд на то, каким должно быть экспериментальное аниме. И если бы «Фури Кури» ставил Имайси-сан, то он бы получился совсем иным: предельно дерганным, цветастым и сумасбродным. Конечно, к «Фури Кури» все эти эпитеты можно также легко применить, но там эти приёмы, во-первых, играют второстепенную роль, а во-вторых, более сглажены, не так бросаются в глаза. Ведь «Фури Кури» — это, прежде всего, эстетика для отаку; резкие тона и резкие цвета, сортирный юмор и такие же стилистические приемы в «Фури Кури» практически отсутствую, ибо их засилье сделало бы произведение пошлым, испортило бы атмосферу. В связи с этим мне очень жаль тех авторов и зрителей, которые видят в «Фури Кури» исключительно динамичную сторону, которые за динамику могут простить что угодно. Главное для таких, чтобы все прыгало и бегало, а за чем — это уже дело десятое. И вот именно на них-то и была сделана ставка продюсеров рецензируемого фильма, так как динамика в «Мёртвых Листьях» играет уже не второстепенную, а доминирующую роль (в плане художественного оформления). Более того, новый фильм получился настолько динамичным, что местами попросту превратился в набор дерганных эпизодов (это когда все сменяется столь быстро, что понять происходящее можно лишь перематывая фильм назад). И ладно, если бы все просто быстро сменялось, так тут еще налицо и явно нездоровая подборка цветов. Представьте себе комнату, полностью состоящую из разноцветных блоков и кнопочек, которые ежесекундно мигают разными яркими цветами. А теперь наложите на представленный фон быструю дерганную анимацию с десятками анимационных объектов. То есть, визуальный эффект, конечно, потрясающий, но больше чем на десять минут его не хватает. Потом попросту устают глаза, и мельтешение, творящееся на экране, перестает восприниматься.

Тут я подошел ко второй стадии рецензии.

В отличие от «Фури Кури» новая работа Имайси-сана не является работой, которая замкнута на своей стилистике, она полностью подчинена сюжету. Это сразу заметно хотя бы потому, что иной находки, кроме ярких цветов и мельтешения на экране, автор не придумал, а её, как я уже отметил выше, в лучшем случае хватает на полфильма. И если в «Фури Кури» сюжет был простой подстилкой, так как богатое худоформление неустанно поддерживало интерес, то тут сюжет занимает позицию сверху. В итоге все мельтешение, творящееся на экране, подчинено сюжету и строго ему следует. Сюжет, меж тем, невероятно примитивен и сам по себе, в отрыве от художественной части фильма, не стоит вообще ничего. И, вероятно, ставка автора, точнее сценариста (если он тут вообще что-то делал) была сделана на то, что зритель не станет обращать внимание на сюжет, а будет лишь 50 минут моргать и бороться с надвигающимися приступами синдрома «покемона». Плохая, нужно отметить, ставка. И если уж вы, уважаемый автор, беретесь за сюжет, а вы за него взялись, то не бросайте его на произвол судьбы, додумайте, доделайте, вы же профессионал. Ведь это никуда не годится, что здесь показано. Я, конечно, всецело разделяю ту точку зрения, что в работах, вроде этой, сюжет не главное, но в таких работах должно быть много чего такого, на что при желании можно обратить внимание и оставить сюжетную дурь в стороне. А на что же тут обратить внимание? Смотреть 40 минут на кретина с большим металлическим фаллосом? Или на то, как он кончает. Извольте, что вы обо мне думаете? Была бы тут хоть музыка, как это было в новой «Милашке Хани», так и ее нет. Вот и приходиться смотреть на глупость, происходящую на экране, попутно щурясь и надеясь, что ваше светопредставление не скажется на зрении. Весь фильм пара главных героев куда-то бежит, кого-то крушит и что-то взрывает. Все это показано абсолютно не стильно, совсем не красиво, скучно и пошло; вспоминаются глупенькие американские мультфильмы, где забавные зверушки кидают друг в друга гранаты, стреляют из базуки и тем самым веселят малолеток. Но я то рассчитывал, когда приобретал «Мёртвые Листья», что получу работу, как минимум, оригинально оформленную, а в итоге получил детское действо с не менее детским оформлением.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

В поисках Полной Луны [ТВ] (2005.05.02)

Вдохновенная работа: медленная, тяжкая и немного вторичная в начале; стремительная, лиричная и завораживающая в конце. «В поиске полной луны» (далее просто «Полнолуние) подпадает под тот тип длинных ТВ-сериалов, которые нужно очень долго перемалывать, терпеть зачастую немыслимые по своему занудству начальные эпизоды-филлеры, но лишь для того, чтобы затем получить такой невообразимый заряд положительной энергии, охарактеризовать который можно лишь знаменитым восклицанием «торкнуло»! Другого слова, ей-Богу, не подобрать.

До «Полнолуния» меня почти невозможно было пронять музыкальным фильмом. Я не люблю сцены, вероятно, это называется сценической болезнью. Более того, я постоянно нервничаю, когда вижу, что певец забыл слова, споткнулся на публике, пел под фонограмму. Еще более отвратительны их финты, вроде прыжков в толпу, воздушных поцелуев, извивающихся телодвижений и прочей мерзости. Но «Полнолуние» — это нечто неземное, этот сериал заставил меня полюбить, пускай хоть и на время, всю ту суету, что простодушно зовется шоу-бизнесом. Заставил увидеть в песнопении не только способ для заколачивания денег и выпячивания актерского «я», но и инструмент, способный выразить все самые лучшие человеческие желания, устремления и чувства: от простой радости до эфемерного счастья. На мой взгляд, это и есть истинное предназначение музыкального, как и другого, искусства — что-то выразить, что-то донести, передать частичку себя посредством музыки и пения кому-то, а не просто прыгать голышом, словно мартышка, исполняя на сцене песенки-поделки, к которым у исполнителя не только не лежит душа, но и до которых ему нет ровным счетом никакого дела, которые ему противны и мерзки. И выглядит все это ужасно пошло, поддельно. Когда смотришь на это безобразие, становится невыносимо грустно от мысли, что люди, которые должны вселять в тебя что-то доброе, лишь раздражают и опошляют само понятие радости. Такие артисты не могут и не доносят ничего, со временем они исчезают, их забывают, на их место приходят другие. И постепенно все это вырождается в ту самую отвратительную индустрию, частички которой мы видим каждую новогоднюю ночь по первому и другим каналам. Я твердо верю, что все это издержки, которые ничего общего не имеют с музыкой.

Главная же героиня описываемого сериала выполнена столь чудесным образом, что сама ее суть — это пение, а не кривляние. В других сериалах и фильмах, где речь идет о певцах, почти все время посвящается не внутреннему миру героя, не рассказу о его чувствах и устремлениях, а банальному жизненному пути. В таких фильмах талдычат об удачном старте, о переломном моменте в творчестве, о фанатах, наркотиках, о закате карьеры, но, разрази меня гром, я не могу вспомнить, чтобы мне хоть где-то донесли простую мысль, озвучили то, для чего певец, собственно, поет. И не просто отделались одним или двумя предложениями, не просто сухо и вальяжно, как бы нехотя, сказали, дабы отмахнуться, но сделали это так, чтобы я искренне поверил. И вот в «Полнолунии» мне наконец-то все это донесли, и я поверил, причем, поверил безоговорочно — настолько это было красиво и грамотно сделано. Когда героиня сериала сказала, что если суть пения — это намыть денег, то плевать я хотела на такое пение, плевать я хотела на шоу-бизнес и вообще на вас всех. Вот как. И сразу видно, что цель героини, которой, между прочим, по сюжету осталось жить ровно один год, предельно проста — это петь; то есть, делать то, что она больше всего любит. И не важно, что жизнь ее коротка, что она не сможет купить виллу и получить платиновую пластинку, она поет — и этим она выражает стремление жить, заражая им же и зрителя. И тем более не важно, что эта героиня вымышлена, нарисована и вообще нереальна, ведь в ней заложена сама ценность музыки. А то, что она смогла передать эти тонкие нюансы посредством анимированного рисунка, лишь дает ей дополнительные плюсы и делает одним из самых интересных музыкальных образов, по крайней мере, для меня.

Сейчас я попробую подойти к сериалу более технически, менее субъективно, но более сухо.

«Полнолуние» — это, как вы уже поняли, музыкальный сериал, повествующий о девочке, которая поёт, несмотря на то, что жить ей осталось всего год. Это завязка, которая был озвучена в самом начале сериала. Сам же сериал длится 52 серии, и его условно можно поделить на два сезона. Первый из них — это стандартный набор филлеров, где каждая серия не важна и мало связана с предыдущей. Второй сезон — это последовательный рассказ; тут уже почти каждая серия важна, и количество филлеров сведено к минимуму. Именно во второй части раскрывается интрига, именно вторую часть хвалят и именно из-за нее рекомендуют смотреть этот сериал. На мой взгляд, важен как первый, так и второй сезон. Без первого не могло быть второго, ведь он заставил прочувствовать героев. Все мы знаем, что филлеры — это стандартный анимешный прием: не говоря ни о чем, подобные эпизоды говорят о многом. На вид они глупенькие и ничего не стоящие, но самом-то деле именно они раскрывают героев. В свое время так были предложены зрителю знаменитые «Капризы Апельсиновой улицы», «Рамма» и ряд других сериалов, строящихся на повседневности. Сегодня авторы стараются отойти от подобного способа, в результате чего делают длинные сериалы линейными и стремительными, с как можно меньшим количеством вставок. Однако это очень пагубно для сериалов романтических и повседневных. Допустим, отказаться от филлеров в «Алхимике» или «Наруто» вполне реально, но отказаться от них в «Полнолунии» практически невозможно. Само понятие повседневности является аналогом филлера.

Еще более важно то, что «Полнолуние» — это сёдзё-сериал со всеми вытекающими. Подбор героев, сценок и эпизодов отвечает всем канонам выбранного автором жанра, следовательно, все в сериале ортодоксально и невызывающе вторично. Однако вторичность эта, словно отшлифованная годами работа, переходящая из рук в руки, от автора к автору. Все использованные в «Полнолунии» художественные приемы были не раз применены во многих сериалах и в данном случае могли бы считаться банальными, если бы не тот факт, что используются они очень умеренно, органично вытекают из основ жанра, не выпячиваются наружу, не становятся лицом произведения, а являются исключительно вспомогательной частью. Так, например, в сериал перекочевал любимейший прием жанра махо-сёдзё — перевоплощение героини из маленькой девочки в девочку более взрослую. Тем не менее, этот прием не стал основой сериала, а так и остался вспомогательным приемом, который позволил автору развивать сюжет, но не более. То же самое и с кавайными зверушками. По идее мангака мог обойтись и без столь эталонного приема, оставив синигами лишь в двух воплощениях, ведь сюжет от этого никак бы не пострадал, но он пошел на поводу у жанра, а выручила его лишь смекалка и, что более важно, умеренность. Синигами в виде котёнка и зайчика присутствуют на экране лишь время от времени, а не маячат постоянно, поэтому их появление вызывает симпатию и придает сериалу миловидность только в нужные моменты. Допустим, во время драматических эпизодов появление на экране зайчика было бы кощунственно и алогично, в то время как в моменты комедийные и веселые их появление, наоборот, очень уместно. Дальнейшие рассуждения на эту тему можно продолжать довольно долго; главная мысль, которую я пытался донести, заключается в том, что автор описываемого сериала умудрился в 2002 году сделать сёдзё-произведение, напичканное уймой изъезженных приемов, невероятно качественно с художественной точки зрения.

К слову о героях. Персонажи в любом длинном аниме являются его доминирующей частью, чего уж говорить о том, когда сериал базируется на повседневности, как типе повествования. Повседневность подразумевает под собой монотонный и неторопливый показ жизни выбранных героев, их развитие, изменение характеров и жизненных ценностей. «Полнолуние», как типичный образчик повседневного серила, также базируется на персонажах. В связи с этим подбор характеров и типажей был очень важен, и от него зависел успех всего рассказа. Мне бы хотелось отметить лишь трёх героев, так как второстепенные персонажи я считаю необязательными для упоминания и разбора, в них много вторичности, и сами по себе они маловажные. Главная героиня сериала, а в сёдзё главная — это именно героиня, а никак не герой, — маленькая девочка Мицки, о которой я уже кое-что отписал во вступлении. Данный персонаж является типичным образом сёдзё-аниме, в нем заложены все те качества и свойства, которые, по укоренившемуся мнению авторов, должны быть у всех хорошеньких и умненьких японских девочек. В результате этого подхода Мицки – персонаж мало интересный (с точки зрения разбора), он слишком тривиальный и слишком правильный. Девочки в сёдзё-аниме — это почти всегда божьи одуванчики, излучающие добро и помогающие всем, кому только можно помочь, делающие лишь то, что может помочь кому-либо или, по крайней мере, не навредить кому-либо или чему-либо. Отклонения от норм возможны, но редки. Однако у Мицки есть и иная сторона, которую нельзя назвать характером персонажа. Наверное, это идея персонажа, если можно так выразиться. Та самая идея, которую я опять-таки уже упомянул во вступлении; эта идея выражается посредством персонажа и пытается донести до зрителя всю прелесть музыки, как искусства, весь смысл пения, как выражения чувств поющего. Эту идею трудно назвать персонажем, в данном случае персонаж и идея, которую он озвучивает, являются разнородными элементами, однако, гармонично друг с другом сочетающимися. И самое главное, что могло помешать показать эту идею, — это фальшь. Мне видится, что отсутствии фальши в данном случае — заслуга замечательно подобранного озвучивания главной героини. Следующий наиболее важный герой этой сказки – синигами Такуто. Синигами в Японии — это посланники небес, которые забирают души умерших, иногда их называют богами смерти. В данном случае слово «бог» явно не подходит, Такуто — обычный посланник, к тому же он не только синигами-новобранец, но и синигами, посылаемый к детишкам, то есть, его работа — забирать души у детей, а не у взрослых. Этим объясняется его нелепый и клоунский основной наряд — одна из форм, о которых я уже писал. Такуто — человек, который не помнит своего прошлого, но явно умерший и попавший на небеса, где ему поручили выполнять работу сборщика душ, а Мицки — его первое задание. Партнерша Такуто — бывалая синигами Мэроко, забавная девочка, ужасно влюбленная в Такуто. Её я упомянул не столько из-за важности, сколько по логике вещей. Среди этих троих героев основной является, конечно же, девочка Мицки, за которой пришли синигами; она носитель идеи произведения. Что касается двух синигами, то с ними вот какая история. Озвучить идею сериала можно было хоть в одной серии, но чтобы идея звучала, помимо голоса, ей нужно придать эмоциональный окрас, чему и способствуют Такуто и Мэроко. Попытаюсь объяснить следующим образом. Предположим, вы скачали основные песни сериала еще до его просмотра и прослушали их. Очень вероятно, что вы просто услышали в них качественный японский поп, не более. Но смысл этих песен не в том, чтобы показать, как в Японии умеют хорошо петь. Сериал и его герои, которые являются основою, заставляют звучать скачанные вами песни совсем иначе, ярче и эмоциональнее, ведь на этот раз в них уже вложены не просто слова и музыка, но и чувства, которые, нужно признаться, хорошо переданы и озвучены героями. Песни в данном случае всего лишь еще один инструмент. Помимо того, что сериал музыкален, он еще и лиричен, в нем много романтики. И именно эта лиричность придает музыкальной части произведения эмоциональный окрас, без этой лирики опять-таки не могла быть озвучена основная идея героини.

В итоге, если сгрести все в единую кучу, то выстраивается логическая цепочка, где главным звеном является идея, выражающая смысл музыки. Все остальное сразу становится логичным. Длинный тип повествования обязателен, без него не могло быть привыкания к героями и, как следствия, доверия, а без доверия не может быть эмоционального окраса, а без эмоционально окраса, как уже выяснили, не может быть озвучена идея произведения. Жанр сёдзё с элементами махо и повседневности также выбраны не случайны. Сёдзё — единственный жанр, который может кристально чисто показать любовь и романтические отношения, в отличие от сёнэна. А показать любовь означало придать произведению эмоциональности, но такая любовь не могла быть передана одним лишь сёдзё, тут в дело вступила повседневность, а элементы махо и кавая сделали эту повседневность милой и оттого ненадоедливой. И когда видишь, что все получилось столь уместно и собранно, и когда после просмотра слушаешь песни, слышанные до просмотра, но уже иначе, ярче, живее, тогда понимаешь, что авторами и экранизаторами проделана почти великая по своей сложности работа. И именно в этот момент хочется поставить им пятерку с плюсом за их замечательный профессионализм (или удачу), за их намерения не опошлить в очередной раз любовь к музыке, которая тесно переплетена с любовью к чему угодно, а преподнести её в той кристальной чистоте, на которую только способно аниме, как искусство.


+3Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Ответ: Милашка Хани (2005.04.26)

Глупо, наверное, ожидать от «Гайнакса» в новом тысячелетии работы слабой и безвкусной. Увековечив себя на фантастическом поприще в 87-ом году, главные творцы студии постепенно начали ударяться в отакушную патетику, создавать резкие, броские, местами вульгарные, но однозначно привлекающие к себе внимания произведения. Произведения зачастую экспериментальные, кричащие и нарочито демонстрирующие все те оригинальные подходы к графическому оформлению, подаче сюжета, которыми так горд «Гайнакс», которыми он, собственно, и прославился еще во времена «Евангелиона».

Тенденция «Гайнакса» к уходу от признанных и утвержденных самой индустрией правил и стандартов начала набирать оборот во второй половине 90-х. Уже тогда на арену вылезли полнометражные «Евангелионы», до сих пор вызывающие дискуссии и споры, а также ключевая работа студии, принесшая ей невероятную любовь среди отаку. Имеется в виду фильм «Фури Кури». Закономерное развитие тенденции последовало и после этого — президент студии выкинул на рынок сразу два сериала: «Абэнобаси» и «Махороматик», а застопорившийся после «Евангелиона» Анно в конце 90-х году преподнес самую профессионально поданную романтическую сказку не только своего года, но и вообще всего последнего десятилетия. Сколько же аниматоров впоследствии черпало из нее вдохновение и стилистические идеи. Затем Анно ушел, бродил в киноиндустрии, бродил долго, а вернулся с самой неожиданной вестью, с решением в очередной раз экранизировать знаменитую «Милашку Хани» Нагая Го. Того самого Нагая, который черт знает сколько лет назад нещадно раздражал родителей японских детишек, пачками выпуская первые откровенные комиксы; того самого Нагая, который первый придумал больших роботов и воплотил их в «Мазингере», «Грендайзере» и других популярных во всем мире сериалах.

Анно решил экранизировать работу Нагая дважды: в виде аниме и в виде живой версии, где милашку Хани сыграла милашка Сато Эрико. Оба фильма вышли почти одновременно, в 2004 году. Но если live version показали в театрах, то аниме разбили на три части и выкинули на прилавки в виде OAV. Причем, нужно отметить, как такового участия в постановке аниме Анно не принимал, а ограничился лишь солидной ролью супервайзера. Три серии рецензируемого фильма делали три разных режиссера, Анно же супервайзил себе потихоньку. Именно поэтому качество этих трех эпизодов резко отличается. Первую «овашку» поставил уже сейчас легендарный Хироюки Имайси, на счету которого «Фури Кури» и недавно вышедший сумасбродный фильм «Мёртвые листья». Над второй работал малоизвестный Такамити Ито, экранизатор «Канона». Зато третью серию вновь делал свой человек, Масаюки, до этого принимавший участие в создании «Евангелиона» и уже неоднократно упомянутого «Фури Кури».

Вообще, это весьма распространенное явление, когда OAV или ТВ-сериал создается не одним, а целой группой лиц. Зачастую, оценивая такую работу, трудно выставить какую-то единую оценку. Каждый автор тянет одеяло на себя, в результате что-то где-то выглядит сногсшибательным, а что-то где-то столь отвратно, что и не знаешь, что после этого сказать. С «Хани» получилось тоже самое. Многие эпизоды и сценки выполнены потрясающе живо, но есть скучные, занудные и абсолютно к этому фильму неподходящие. Сейчас трудно отметить, каких именно сценок больше, можно лишь сказать, что в общем все получилось более или менее цельно, но далеко не идеально. Тем не менее, фильм оправдал тенденцию развития студии, о которой я написал во вступлении. То есть, новая «Хани» динамична и сумасбродна. В последнее время это весомый аргумент «Гайнакса». Динамичность у них зачастую окупает идею, персонажей, парирует выпады в сторону сюжета. И «Хани», правда, динамична. Возможно, менее динамична, чем «Фури Кури», но все равно весьма и весьма динамична. Все происходящее в фильме вертится, крутится, прыгает и бежит. Куда, зачем и почему — это вопрос десятый, а здорово подобранная музыка подыгрывает динамике, чем еще больше принижает значимость сюжета.

К слову о сюжете. Чего-то более бестолкового и второсортного, чем то, что тут показано, придумать хоть и можно, но сложно. Глупый замысел, глупое развитие событий, глупая кульминация и глупая концовка. Однако... Не в этом дело. Есть ряд произведений, где сюжет — это такое подспорье, такая второстепенная деталь, что его попросту не принято обсуждать. Этот трёхсерийный ремейк оригинала тридцатилетней давности как раз такое исключение. Признайтесь, глупо серьезно обсуждать сюжет фильма, где главная героиня кричит злодею: «а ну немедленно отпусти 10000 девушек!», в то время как экран трещит по швам от здорово подобранных экшн-сцен, от ретро-музыки, от стилистики 70-х. По правде говоря, сделай авторы ставку на сюжет, а не на художественное оформление, и фильм можно было даже не снимать — ужасная получилась бы туфта. А так получилось отличное музыкально-стилистическое попурри, где злодеи, в конце концов, все-таки отпускают 10000 девушек. Правда, без одежды и всех сразу.


+5Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Безответственный капитан Тайлор [ТВ] (2005.04.17)

Есть такой тип анимешек, смотришь которые и думаешь: вот ведь детский сад. Герои в них то человечество спасают от всяких гадов, то, переодевшись в немыслимые и неудобные одеяния, долбят пришельцев волшебной палочкой, то, атакуя врагов на протяжении сотен серий, кричат один и тот же слоган с непонятно какой целью. И их много, целая тьма таких анимешек, но вот загадка — многие из них удостаиваются оваций, зрительских симпатий, званий шедевров и пятерок при оценках. «Капитан Тайлор» Ёсиоки Хитоси в постановке Масимо Койти именно такой сериал: глупый и с виду кретинский, но местами чарующий настолько, что ругать его — это тоже самое, что ругать корявое изображение колобка на рисунке пятилетнего малыша. Будете вы ругать такого колобка? Правильно, вот и я не буду ругать Масимо и его капитана Тайлора.

Этот сериал Масимо поставил уже после аляпистого «Доминиона» Сиро Масамунэ, но и еще до того, как познакомился со своей будущей путеводной звездой композиторшой Кадзиурой Юки. Так что музыки в «Тайлоре» нет, вообще нет, если не считать вставок из классических композиций в последних сериях сериала, очень здоровских, между прочим, вставок, а также задорной и лиричной песенки «Цукиёми дэнсинг» в одной из серий. И какая же между ними разница: между этой «Цукиёми» и между вставками классики – уму непостижимо. «Цукиёми» явно поёт девочка, классику же играют классики. И этот пример показателен, потому что весь «Тайлор» построен на этом принципе, как, кстати, и оригинальный «хак//» — позднее творение Масимо. То есть, автор может показать абсолютную псевдоромантическую белиберду, а потом выкинуть столь захватывающую космическую баталию, что остается только руками разводить. Именно поэтому трудно оценивать работы Масимо, они редко выполнены в едином ключе. Бывает, вставишь первую серию каких-нибудь «Серокрылых» или «Путешествий Кино», и сразу становится ясно, что тебя ждет. Тут все иначе. Есть в «Тайлоре» настолько бредовые эпизоды, что приходится мотать, а есть эпизоды стремительные, заставляющие глотать серии.

Главный герой в «Тайлоре» — это Тайлор, удивительный лох. Даже не знаю, с кем его можно сравнить. Ближе к концу он, правда, стал менять фактуру, но в начале играл роль полнейшего идиота, того самого, который идиот во всем: не только с виду, но и внутри. В последних сериях тональность несколько сменилась, и Тайлор уже перестал быть идиотом во всем, а нацепил как раз ту идиотскую маску, которая говорит, что на самом деле это все вокруг идиоты, а он то, как раз, и не идиот вовсе. Типичная и правильная, между прочим, маска, ее часто применяют в той или иной форме. Лучше всех ее носил Хэнкс в «Форрест Гампе». Она позволяет многое обнажить. Слегка подправив, ею любят снабжать персонажей, чтобы они могли показать заблуждения общества, однотонность быта, кретинство многих соцнорм и так далее. Но беда «Тайлора» в том, что «маска идиота» им надета не с начала, а где-то с середины. Был Тайлор в начале сериала полным идиотом, а потом вдруг стал идиотом неполным. Собственно, еще одна разнополярность творения Масимо.

Но вернемся к колобкам. Все происходящее в «Тайлоре» происходит в космосе. Вообще, «Тайлор» — это космический сериал, я забыл об этом написать. Не мехаэкшн с роботами, а тот самый космический сериал, где постоянно показывают огромные флоты, которые вечно друг с дружкой воюют. Ни пришельцев, ни явных злодеев, а просто две нации, которые воюют. За что и про что — это не важно, особенно для такого сериала, как этот. Причем, заметьте, показано это все, как я подозреваю, нарочито поверхностно и комедийно, а потому нет логики боев, как в «Звёздном флаге», нет ни капли драмы, как в некоторых космических сериалах. Адмиралы в «Тайлоре» под стать самому Тайлору — такие же лохи. Да и враги из той же оперы — этакие варвары-лоботрясы под управлением малышки-императрицы, единственная заслуга которой во всем сериале — это упомянутая мною песенка «Цукиёми дэнсинг». Сюжет, как вы понимаете, с такими участниками также несерьезен, легок, предельно развлекателен и комедиен. Так что его я обсуждать не буду. Да и нечего там обсуждать, летает себе Тайлор по галактике и на разный манер лоботрясничает.

Выделить в «Тайлоре» что-то по-настоящему стоящее у меня вряд ли получится. На первый взгляд тут все посредственно и нет ничего выдающегося, однако во время просмотра все воспринимается легко, без протеста. Масимо не делал попыток философствовать, драматизировать эпизоды, не пытался создать трагедии, не замахивался на что-то оригинальное и вопиюще совершенное. Сериал, как я подозреваю, изначально планировался легким и сугубо развлекательным. Таким он, в принципе, в итоге и получился.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Ветер любви (2005.04.05)

Редкий на сегодняшний день сериал. Такие выпекают один на десяток, если не на два. Все очень четко и сбалансировано. Затронутая тема рассказана без изворотов, без примеси других жанров, как нужно, и вместе с тем не скучно, не мыльно, не пошло. В итоге получился, с одной стороны, милый и воздушный сериал о любви, с другой — история, в которой затронута очень пикантная и спорная тема, особенно для аниме — искусстве изначально развлекательном, шаблонном, ориентированном не на взрослых.

Для меня «Ветер любви» — пример того, каким должно быть настоящее мелодраматическое аниме. Имею в виду атмосферность и проработку, не тематику! Тот самый идеал, который пытались достичь в «Вечности», но не смогли из-за криворукости дизайнеров и сценаристов, опошливших все происходящее второстепенными персонажами и сумасбродностью сценария. Тут все идет по накатанной дорожке, не сворачивая в сторону и ни во что не врезаясь. Четкие, выверенные дизайны, отсутствие розовых волос, замусоленных большеглазых типажей. Сценарий еще более плавен, герои адекватны, логичны, точно списаны с реальной жизни. Никаких чудесных исцелений, аварий и сопутствующих ком.

А вот, что касается концепции романтической линии, то тут все настолько спорно и неоднозначно, что прям не знаешь, какую сторону выбрать: кидаться помидорами, как поступит большинство, или все-таки посмотреть на проблематику с иной стороны. В центре сюжета — брат и сестра. Огромный, небритый, но во многом добродушный детина, целыми днями работающий в типичном японском офисе, и школьница, точно одуванчик: милая, нежная — само воплощение невинности. Между ними разница в десять лет и любовь. Настоящая любовь, возникновение которой показано поэтапно, которая перерастает из чего-то невидимого в настоящее чувство, чувство, крушащее предрассудки и вековые традиции.

Тема инцеста редка для аниме. Из более или менее ярких представителей можно вспомнить разве что «Убежище ангела» — недоделанное аниме, поставленное по-дурному, но все-таки кое-как затрагивающее данную тему. Однако сам инцест оказался в «Убежище» элементом отнюдь не главным, наоборот, поверхностным, дополнительным к основному сюжету, который, напомню, строился на куче глупейших мистификаций, на ангелах, бисёнэнах и прочей дребедени. В «Ветре любви» все заточено под тему, ничего лишнего. Тринадцать серий — это тринадцать эпизодов повседневности и вместе с тем год жизни простой семьи, а точнее двух ее членов, их учеба, работа и взаимное проникновение в чувства друг к другу. Проникновение тонкое, где каждое слово, каждый жест — это знак то отталкивающий, то сближающий героев, которые подсознательно понимают все свое положение, но на уровне чувств ничего поделать не могут.

Концовка, а точнее итог этого противостояния чувств и сознания оказался в сериале столь же туманным и расплывчатым, сколь туманным и расплывчатым было обещание героев каждую весну встречаться в парке, который вот-вот должны снести.


+6Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Охотник х Охотник [ТВ-1] (2005.03.27)

«Охотник х охотник» — это всем знакомый и многим любимый тип сёнэн-аниме, главная особенность которого заключается в том, что произведения, подпадаюшие под эту типологию, могут тянуться пятьдесят, сто пятьдесят, двести пятьдесят и больше эпизодов. «Охотник х охотник» тянется чуть больше шестидесяти, если быть точным, в нем шестьдесят две серии, на протяжении которых герои проходят все обязательные круги ада: тренируют боевые навыки, защищают друг друга в опасных ситуациях, сдают 30-серийный экзамен, мстят за родичей и непосредственно учат маленьких и не совсем маленьких японцев дружбе и пониманию. Последнее, как мне кажется, самое ценное их достижение.

Если говорить более просто, не зацикливаясь при этом на тенденциях и типологиях, то «Охотник х охотник» — это предельно увлекательный, милый и местами наивный ТВ-сериал. Он состоит из двух сфер: персонажей и сюжета. Детская даже для 1999 года графика и такие же дизайны, постоянно меняющаяся атмосфера, прикольная фэнтезийная, но не придающая атмосферности музыка — все это тут вторично; неплохо, но просто вторично. Примерно также вторично, как подпевала в хоре, он вроде как нужен для создания общей композиции, но доминирующей частью этой композиции не является. Именно поэтому обо всех этих атрибутах говорить дальше я не буду, а речь пойдет исключительно об означенных выше сферах.

Персонажи и сюжет хочется разобрать не просто по полочкам, так как это уже сделано в рецензии Шуклина и, как мне кажется, сделано вполне внятно. Скорее, мне хочется провести некие параллели с сериалом «Наруто», который вот уже третий год является мегапопулярным у зрителей не только Японии, но и США, Европы. В нашей стране его также многие видели и многие любят. Наверное, это единственное аниме, которое русские фансаберы переводят всего лишь с недельным опозданием вот уже на протяжении более года. «Наруто» в данном случае выбран не просто так, не взят с потолка. Дело в том, что все, что есть в «Охотнике», впоследствии оказалось и в «Наруто». И именно благодаря этому небольшому анализу хотелось бы выделить основные плюсы «Охотника», как и его основные минусы. Где-то я слышал поговорку, что «все познается в сравнении», честно скажу, она мне не нравится, но в данном случае нет более уместной народной мудрости. Также заранее извиняюсь перед читателем, не смотревшем «Наруто».

Сначала о плюсах, затем о минусах.

В «Охотнике» нет любви, нет девочек, девушек, женщин и бабушек, которые, будучи в заглавной роли, ноют, хнычут, краснеют и всячески пыхтят о возлюбленном, в то время как он спасает мир и решает проблемы личного мщения. Те же женские персонажи, что есть, выполняют в сериале сугубо эпизодическую роль, вроде экзаменатора-повара или мстительницы на дирижабле, или участницы банды пауков. Благодаря этому, возможно, не совсем корректному шагу сериал лишился неуместной мыльности и занудности, которая, как мы все помним, через край льется в «Наруто» с его безыдейной и откровенно глуповатой Сакурой. Тем же путем, кстати, пошли и в «Алхимике». Братья Элрики там выполняют поставленные задачи и совсем не думают о том, как бы отвязаться от назойливой почитательницы. Почитательница в «Алхимике», меж тем, была, но играла примерно такую же роль, что и экзаменатор-повариха в «Охотнике».

В «Охотнике» очень здорово показаны характеры второстепенных персонажей. Тут нет идиотского Сасукэ, создающего какие-то не совсем обоснованные ситуации, вроде той, что сложилась в «Наруто» на данный момент (107-126 серии). В «Охотнике» есть главный герой Гон и окружающие его ребята, благодаря которым сериал, собственно, и развивается, так как Гон — это, по сути, неограненный камень, огранка которого началась со встречи Леорио в порту и продолжалась за счет друзей на протяжении всех серий. В «Наруто» этого нет, там весь начальный сериал тянет главный герой, и лишь в тридцатых сериях ему на выручку приходит несколько колоритных типажей.

Главные герои в сравниваемых сериалах, в принципе, похожи. Оба сироты, оба безумно добродетельны, оба готовы воткнуть кинжал в руку, чтобы показать, что они чего-то стоят, оба готовы быть избиты на арене, дожидаясь пока избивающий не сдастся из-за жалости, смешанной с чувством уважения. Правда, Гон мне показался несколько чище, с более светлыми стремлениями. Наруто хотел стать Хокагэ, Гон хотел найти отца. Наруто говорил, что хочет стать Хокагэ, почти каждую пятую серию, Гон об отце упомянул лишь при необходимости. Если для Наруто реальная цель — ощущение своей значимости, то цель Гона — это просто жить, дружить и, как следствие, делать добрые дела. Последнее у него исходит изнутри, не нарочно, и это притягивает.

Лучше в «Охотнике» сделаны и враги. Четко выраженных врагов, как Оротимару, тут нет. Есть Хисока, есть банда пауков, есть эпизодичные негодяи. Сюжет сериала выстроен столь элегантно, что во врагах, как в архетипах, не было нужды. В «Наруто» требовался враг, чтобы связать сюжет. Это банально, отсюда и полное отсутствие мотивации у упомянутого Оротимару. Его мотивы, вроде нападения на Коноху, в принципе, сродни нападению пришельцев на Землю в каком-нибудь мехабоевике середины 70-х. Нужно напасть, вот и напал. В «Охотнике» этого нет. Хисока — не архетип злого персонажа, это просто герой, который сам себе на уме. Тут можно провести сравнение с Сэссёмару из «Инуяси». Оба героя в начале сериала выглядят крайне негативно, но ближе к концу обрастают побочным сюжетными линиями и в каком-то смысле делаются чуть ли не самыми интересными типажами, и уж точно самыми загадочными. Гон — он хоть и добр, но ясно, что его типаж от начала и до конца неизменен, а посему он менее интригующий и за ним менее интересно наблюдать. А вот Хисока или Сэссёмару непредсказуемы и не до конца плохи, интересные герои.

Теперь о минусах. В «Охотнике» слабее поставлена боевая система, проработка боев и, что самое главное, полная неориентируемость сюжета на боевую составляющую. В «Наруто» бои смакуют, сюжет пишут именно под бои, делают бои основной сериала. В «Охотнике» бои нужны исключительно для поддержки сюжета. Можно сравнить хотя бы два абсолютно идентичных эпизода, имеющих место в конце экзамена, когда герои должны драться один на один. Что сделано в «Наруто» с его акцентрируемостью на поединках. Там бой каждого участника был показан полностью, а некоторые схватки преподносились в виде двух-трех серий, да еще с наличием внутренних флэшбеков. Что сделано в «Охотнике». В «Охотнике» показали пару боев с участием основных персонажей, а все остальные были поведаны в одной серии со слов экзаменатора. Никакого смакования, просто данность. Теперь о духовной составляющей, т.е. о мане, чакре, ки, нене, рене и подобном. В «Наруто» автор довел свою систему чакры почти до абсолюта: выдумал разные виды ее циркуляции, нарисовал тысячу картинок с объяснениями ее выхода из тела, внутреннем манипулировании, придумал каждому герою технику и так далее. В «Охотнике» многое оказалось за кадром, а использование системы, основанной на ки, показано примерно также, как в сериале «Небо и земля», где герои якобы выучили всякие техники владения духовной энергией, но никакого последовательного ее использования в этих сериалах нет. Например, Наруто умеет делать клонов — это его техника, это визауализация его духовной энергии, этой техникой он на протяжении сто двадцати серий пользуется, и она становится его частью, образом. В «Охотнике» герои выучили владение ки, но, по сути, просто стали бить сильнее и при этом видеть ауру врага. Нет уникальности боевой системы того же Гона — он просто лупит кулаками врага, причем, в каждом поединке по-разному. Правда, ближе к концу сериала автор «Охотника» подошел к уникальности боевой системы, но воплотил ее не в главных героях, а в побочных марионетках. Например, уникальная боевая система была у членов банды Пауков и у десяти солдат мафии. Сразу вспоминается персонаж, атакующий волосами. Так вот, все это плохо, не так, как должно быть. Уникальные боевые техники, основанные на духовной силе, должны, во-первых, иметься у главного героя, а во-вторых, развиваться поэтапно на протяжении многих серий, в-третьих, не быть столь по-дурацки выполненными, как в случае с волосатиком. В «Наруто» это показано превосходно, там это на уровне РПГ: пятьдесят серий совершенствуем умение, пока не перейдем на новый уровень, а на новом уровне будем еще серий тридцать совершенствовать выученное.

Второй минус «Охотника» заключается в том, что он наполовину оборван. По окончании шестьдесят второй серии остается слишком много вопросов. Часть из них решается в трех OAV-выпусках, но если судить о сериале независимо от OAV, то выглядит он, как одна большая недоделка.

Других минусов, кроме перечисленных выше, я не нашел. Будь сериал более продуман с точки зрения боевой системы и более ясно организован, т.е. имел бы четкий план сюжетного развития, а не обрывался на середине, то он, без сомнения, стал бы шедевром своего жанра. Но даже при этом он остается образчиком для подражания, которое, собственно, мы и видим в транслируемых сегодня сериалах, а это, как известно, многого стоит.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

За облаками (2005.03.23)

Постепенно маленькие шедевры Синкая Макото о хомячках и кошечках стали перерождаться в фильмы вполне привычных размеров и жанров. Сам же художник, лучше всех в Японии рисующий небо, провода и чайники, стал уделять должное внимание сюжету и персонажам. «Голоса далеких звёзд» оказались первой подобной ласточкой; на создание того фильма ушла уйма времени, но проект был завершен и много недель собирал зрительские аншлаги. Тогда же началась работа над еще более грандиозным проектом — полнометражным фильмом «Обещанное место по ту сторону облаков».

На этот раз команда Синкая уже не ограничилась двумя-тремя помощниками, а состояла из десятков людей: аниматоров, профессиональных сэйю и художников. Сценарий и постановку Синкай, конечно же, доверил себе. В связи с этим атмосфера, годами окружающая личину Синкая, постепенно стала видоизменяться. Если раньше можно было, а точнее нужно было умиляться его трудолюбию и усидчивости, а каждую рецензию начинать со слов «гений фотошопа», то сегодня появилась возможность взглянуть на его творения с иной точки зрения. Возможно, делать это еще рано, и Синкаю необходимо дать пару фильмов на становление, но уж больно хочется.

Уже в 2002 году, когда вышел фильм «Голоса далеких звёзд», стало ясно, что, вероятнее всего, молодой режиссер и сценарист выберет стезю фантаста. Его научно-фантастический сюжет, поданный в «Голосах», обескураживал своей новизной и вместе с тем включал в себя многие присущие жанру атрибуты. Были кое-какие упущения в дизайнах и 3D-графике, но в целом работа получилась на очень высоком уровне. К тому же тогда еще можно было восторгаться его уединением и затворничеством. В новом фильме Синкай не стал поднимать тему космоса, а вся фантастика заключается в альтернативной постановке истории развития его страны. Что еще более важно, он еще сильнее ударился в романтическое направление, в результате чего сделал фильм лиричным, местами даже мелодраматичным. На этот раз влюбленных разделяют не световые годы, а кома; общение же сменилось с технологической примочки нашего времени SMS на привычные сновидения. На мой взгляд, основное отличие этого участка в обоих фильмах заключается в том, что сменилась атмосфера. До этого любовь строилась на фоне противостояния между землянами и абстрактными пришельцами, теперь же между русскими и американцами. Что более романтично, решать, конечно же, не мне. Однако замечу, что все получилось более приземленным. Была в SMS какая-то романтика, а кома… что кома, кома — это болезнь, какая уж тут, простите, романтика.

Еще труднее оценивать неромантическую составляющую. Все знают, что в этом и прошлом году проблема «северных территорий» занимает доминирующее положение в русско-японских отношениях. Некое отражение этой темы, показанное в фильме, невольно повышает чувствительность. При просмотре прошлой картины Синкая можно было откинуться на спинку и любоваться проводами на фоне неба, тут же постоянно витала невольная мысль, что вот по нам сейчас начнут стрелять янки и японцы, а мы в ответ на корявом русском будем кричать «Огонь!». Впечатление омрачалось, причем, невольно, непроизвольно. Автора в данном случае вряд ли стоить винить, в конце концов, он не для меня и не для вас много месяцев занимался постановкой этого фильма, просто проблема болезненная да еще и всплыла в долгожданном аниме от Синкая. Даже обидно немного. Фантастика, конечно, но всегда неприятно смотреть, как тебя бьют. Одно успокаивало, били красиво.

Графика и рисовка в фильме — это тема для отдельного обстоятельного обсуждения. Новые людские и, я подозреваю, денежные ресурсы (все-таки «Голоса» неплохо продались) позволили Синкаю еще сильнее детализировать графику и анимацию. Гигантское количество анимационных объектов, сполохов, лучей солнца, водных отражений. Местами было умилительно настолько, что приходилось жать паузу. В фильме показан невероятно высокий уровень художественного оформления, благодаря некоторым моментам картина способна спорить с произведениями известнейших аниме-студий, которые выпустили в прошлом и в этом году несколько мощных 3D-фильмов. Правда, в отличие от больших фильмов больших студий, у Синкая в каждом кадре просвечивается такое обожание и смакование, которое может появиться исключительно у человека, делающего что-то непосредственно для себя, а уж потом для публики, деньги, думаю, и вовсе не самоцель.

На DVD фильм вышел совсем недавно, в связи с чем хочется надеяться, что зрителям и критике он понравится, а отзывы в американской и японской прессе на него будут исключительно положительные. Сейчас Синкай Макото находится примерно в том же положении, что и Миядзаки в середине 80-х, когда хочется творить, но одна неудача способна свести все на нет. Таков закон рынка полнометражной анимации, и единственное, что в этом случае хочется пожелать автору, так это стать вторым Миядзаки, хотя бы в плане удачи, а остальное и само придет.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Куроми работает над аниме (2005.03.16)

Шикарная постановка Дайти Акитаро на тему анимационного производства, в комедийной форме рассказывающая, насколько трудно и муторно делается то, что мы смотрим на одном дыхании, не задумываясь при этом о процессе создания. Система Дайти, как всегда, проста, однако и на этот раз работает с бронебойной силой. Динамичные эпизоды с множеством характерных для его работ вставок, разнообразные операторские приемы и специфика самого произведения — все это делает просмотр мимолетным, невообразимо увлекательным, но в тоже время рассчитанным на узкий круг.

«Куроми» — это неделя работы обычной и ничем не примечательной анимационной студии с ее постоянными обитателями: продюсером, режиссером, художником-постановщиком, ключевыми аниматорами и прочим творческим людом, а также с постоянной спешкой и нервотрепкой из разряда «как нам успеть нарисовать кучу всего за день, но при этом не пропустить пару эпизодов».

По сути, эта вещь близка к гайнаксовскому аниме «Отаку на видео», где все происходящее нацелено на отаку, но с тем лишь отличием, что в аниме Дайти как-то все проще, без лишних наворотов как художественных, вроде полета в космос, так и технических, вроде совмещения игрового кино и анимации.

Фильм, как я уже отметил выше, специфичен, вряд ли будет интересен людям, которые к анимации не имеют никакого отношения. А вот для зрителя, пересмотревшего все, что можно, и ищущего нечто новое, узкопрофильное на уровне артхауса, «Куроми», уверен, пойдет на ура. Тут есть режиссер, хорошо знающий свое дело, отличная тема, очень приличное воплощение этой темы и куча мелких отсылок для отаку. Придраться не к чему.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Путешествие Кино: Прекрасный мир [ТВ-1] (2005.03.09)

«Путешествие Кино» — вещь в себе, обособленная и в каком-то смысле неповторимая. К произведениям такого рода можно относить некоторые артхаусные анимешки Синкая, редкие экспериментальные «овашки» («Кайдомару») или еще более редкие интеллектуальные и неоднозначные в своих посылах ТВ-сериалы («Эксперименты Лэйн»). В большинстве своем они выделяются за счет отступа от типичных табу: не выдерживают общепринятую жанровую анимешную стилистику построения персонажа, не включают в свой арсенал набор наработанных аниме-приемов и шаблонность сцен. Но самое главное — они замкнуты, подчас их с трудом можно назвать привычным словом «аниме». Например, я могу без труда назвать «аниме» ТВ-сериалы «Рубаки», «Любовь и Хина», «Тэнти», «Онидзуку» и, простите, «Грендайзера». При этом я не утверждаю, что, мол, «Рубаки» — это плохо. Боже упаси. Просто для меня — это «аниме», и если кто-то незнакомый с японской анимацией попросит назвать ему «аниме», то я назову «Рубак» и «Хину». Однако есть иные творения, их бы я ни за что не выбрал в качестве примера.

«Путешествия Кино» — это набор притч и минисценок в духе Кэролла и Кафки, подчас очень тонких и отсылающих нас в настоящие путешествия по настоящей истории. Кино — имя персонажа, причем имя женское. Она ездит по странам, оставаясь в каждой из них на три дня. Мир Кино вымышлен, но оттого более примечателен. В нем нет связи и логики, он совсем не детализирован и еще менее проработан. Однако это особенность, благодаря которой автор смог выстроить свою повествовательную нить. Будь тут единение, как в нашем мире, или логичное устроение, то он не смог бы показать то, что смог показать мир Кино. Каждая страна в этом мире живет сама по себе и никак не связана с другой (за редкими исключениями). Например, одна из них может обладать технологиями построения роботов и компьютеров, в то время как другая пытается построить первый самолет. Это дало возможность показывать каждую страну как отдельную цивилизацию. В них, в этих цивилизациях, и разыгрываются сценки, зачастую просто восхитительно поставленные. Проводником по ним является персонаж Кино. Особенность этого героя в том, что он играет роль некоего связующего звена между персонажами сериала и зрителем. Кино почти не встревает в события миров, которые посещает, и мало говорит; она просто дает зрителю возможность наблюдать за происходящим. Этакий нейтральный персонаж, словно визуальная версия закадрового голоса. У Кино мало на что есть свое собственное мнение. Точнее, оно есть на все, но таится где-то внутри, и зритель о нем никогда не узнает. Порой кажется, что Кино думает также, как зритель, но просто этого не говорит. В результате зарождается притягательность к образу, возникает доверие к персонажу. Понимаешь, что Кино не будет решать ту проблему так или иначе, она просто оставит ее, развернется и уедет на своем мотоцикле, давая зрителю право раздумывать над увиденным самому. А подумать, между тем, есть над чем. Многие места, которые посетит Кино, имеют свои истории: грустные или смешные, но с подтекстом, я бы даже сказал с моралью. Большинство историй с виду гротескны, но при внимательном рассмотрении становится ясен и их смысл. Сам сериал от серии к серии делается все более философичным, требующим раздумий и выводов. И это замечательно, потому что со времен «Серокрылых» лично для меня аниматоры редко предоставляли шанс подумать, они либо не давали на это время, либо повода.


+5Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Звёздный флаг [ТВ] (2005.03.02)

Вторая часть эпической космосаги о противостоянии человеческой империи Ав с другими народами галактики получилась у писателя Мориоки более собранной и цельной, нежели первая. Все происходящее тут не дробится на несколько составляющих, а соединено воедино, благодаря чему внимание не растрачивается на мелкие эпизоды и сценки, а полностью концентрируется на одном большом событии, которому и посвящен этот второй сериал.

Закончив первую книгу на стадии зарождения межгалактической войны, Мориоки тем самым оставил для себя блестящую возможность написать продолжение, где все как раз и должно начаться с этой войны. Все так и начинается, но, что более важно, все так и продолжается. Второй сериал — это, без преувеличения, мощный военно-космический эпос, настоящая космическая опера с космолётами, межзвездными баталиями и прочей научно-фантастической романтикой.

Главные герои первого сериала присутствуют, они все в сборе, но выполняют сугубо отмеченную сценарием роль. В данном случае не сюжет подстраивается под героев, а герои под сюжет. Во второй части весьма мало планетарных сцен, почти всё действие и все диалоги происходят в космосе, на корабле и, конечно же, во время баталий. Последние имеют очень своеобразную черту, даже две. Во-первых, они красивы, масштабны, продуманны, одним словом, захватывающи. Во-вторых, они абсолютно не драматичны. Идет война, взрываются корабли, кто-то погибает, кто-то выживает, но восприятие фокусируется не на конкретных кораблях и человечках, выполняющих чисто техническую роль, а на самой битве. Камера не захватывает раненых, она смотрит на флот издалека. Камера не показывает умирающих, она показывает карту боя. Камере не интересны события на одном из подбитых кораблей, ей интересна дискуссия адмиралов на мостике, которые, глядя на битву, спокойно и при возможности торжественно обсуждают ее течение, чем еще больше абстрагируют зрителя от любой драматической составляющей. Лиц и тел врагов не показывают вовсе: ни солдат на истребителях, ни адмиралов на флагмане. И, нужно признаться, это правильно. Сам по себе «Звёздный Флаг» — произведение героическое, несколько по-детски оформленное, без глубокой проработки большинства героев. В нем ни к чему драма, тут нужна зрелищность, а также ощущение того, что смотришь нечто увлекательное и сказочное. И все потому, что война в этом сериале — самоцель, не эпизод большой истории, как, например, в «Моей девушке» или «Стальном алхимике», а основная составляющая, призванная удерживать у экрана и, что самое главное, веселить или, если более корректно выразиться, увлекать, не напрягая смотрящего кровью и жестокостью. Так и получается, что все происходящее смахивает на игру в солдатики, но выглядит это красиво и феерически сказочно, нет никакого желания ругать автора за романтизацию военных действий, за его красивую и буйную фантазию. Намного интереснее откинуться и наблюдать за стратегами и их шагами, за всякими обманными маневрами, за главными героями, попавшими во всю эту кутерьму, но не потерявшими ни самоуважения, ни своих манер, ни облик возвеличено-очищенных людей, пускай хоть и генетически измененных.


+3Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Звёздный герб [ТВ] (2005.02.20)

Экранизация «Звёздного герба», самой знаменитой новеллы Мориоки Хироюки, шаг в 1999 году, безусловно, правильный и уместный, особенно если учесть, что за данную затею взялись в «Sunrise». Благодаря их многолетнему опыту в разработке и постановке разнообразнейших космических сериалов процесс экранизации столь масштабной саги, каковой является «Звёздный герб», выглядел вполне логично. Вдобавок ко всему, конец 90-х ознаменовался большим всплеском разного рода произведений, основанных на меха, с элементами космического экшна. Например, только в «Sunrise» за 1998 и 1999 года поставлена уйма характерных произведений, вот лишь самые известные: «Ковбой Бибоп», авантюрно-приключенческий сериал «Звёздные рыцари со Звезды изгоев», мехабоевик «Гасараки», футуристическое «Бесконечное путешествие корабля Ривиас», а также «Энжел линкс», созданный на основе упомянутых выше «Звёздных рыцарей». На этом фоне решение затронуть новеллы Мориоки выглядит вполне рационально. Мол, пока дело не пошло на спад, нужно экранизировать всё имеющееся в запасе.

«Звёздный герб» — первое произведение из цикла работ Мориоки-сана. Два других — «Звёздный флаг 1 и 2» — должны были выйти позднее, но при условии, что первый сериал окажется востребованным, а это было не вполне очевидно, ведь история Мориоки хоть и занимательна, но все же слишком выделялась на фоне уже тогда царившего фансервиса. Так уж получилось, что «Звёздный флаг» практически не содержит ни привычных комедийных элементов, ни традиционных персонажей, ни стандартных выпадов на тему большой/маленькой груди, ни алогичных поступков героев, ни чего-либо подобного. Иными словами, «Звёздный герб» — произведение в корне высококачественное, а это означало, что привыкшие ко вторичности любители поделок могут неправильно понять и не признать сериал, как в распространенной аксиоме: если в аниме нет чибиков и «ню-ню», значит это грязь, а не аниме.

К счастью, «Звёздный Герб» оказался востребован, правда, выпустили его всего в тринадцати эпизодах. Имея в себе немного примитивистский стиль рисовки, характерный для аниме середины 90-х, он, тем не менее, поражает качеством анимации и детализации, а также берет за душу хорошо поставленным сценарием и отличной проработкой диалогов. Редкое дело, когда за весь период просмотра демагогия персонажей не вызывает недоумения, а традиционные вздохи-ахи по поводу и без оного остаются за кадром. Герои в «Гербе» общаются на высоком для аниме языке, что является безусловной редкостью даже спустя пять лет. И это же делает данное произведение своеобразным представителем элитарного интеллектуального аниме, в котором присутствует уйма тонких шуток и аллегорий.

Сама по себе идея большого космического противостояния, которую автор заложил в основу, не нова, много раз использована, одним словом, вторична. Но дело в том, что действительно хорошие анимешные космические оперы, вышедшие за последние десять лет, можно пересчитать по пальцам одной руки, а значит даже вторичное, но хорошо выполненное произведение этого жанра, должно получить заслуженное внимание. Сериалы без бесконечно воюющих роботов нынче редки, что еще раз говорит о правильности решения экранизировать «Герб», все происходящее в котором не просто повязано на формуле «у кого пушка мощнее», а, скорее, на общении между персонажами и невероятной детализации мира, которая приводит к эстетизации космического пространства. В качестве сравнения можно сделать отсылку на гениальную работу студии «GAINAX» «Королевские космические силы — Крылья Хоннеамиз», как на самый детализированный научно-фантастический анимешный фильм.

«Герб» начинается со стандартной присказки: год такой-то, человечество освоило космос и… В начале это выглядит несколько банально, однако чуть позже приходит понимание, что создать какую-то принципиально новую концепцию вряд ли возможно. Наверное, поэтому автор не стал углубляться в эту самую вторичность и придумывать, что же произошло за указанный промежуток времени, или как же именно развивалось человечество. В «Гербе» изображена некая реальность, населенная людьми, но всякие упоминания о нашей с вами современности умалчиваются. В книге, вероятно, все это объясняется в мельчайших подробностях, но в аниме на данные объяснения попросту нет времени. В принципе, сама предыстория мира, если судить по тому, что показано в сериале, вряд ли носит слишком уж важное значение, так как в сюжетной основе произведения лежат, с одной стороны, космические приключения небольшой группы людей, а с другой стороны, большая межгалактическая война. В данном случае прослеживается явная связь с лукасовскими «Звёздными войнами», где повествование также делилось на приключения группы людей и большую войну. Схожий в лукасовском фильме и подход к истории мира. Вот и получается, что отсылки-пояснения того, что происходит на экране с точки зрения истории и эволюции представленных народностей, нанесут подобной картине лишь вред. Именно поэтому таких отсылок практически не было у Лукаса, именно поэтому их нет и тут.

Говоря об истории мира, «взятой автором с потолка», я нисколько не имел в виду несерьезность подхода автора к этому самому миру. Работе, которую он проделал по насыщению и детализации, можно лишь восторгаться и лишний раз вспоминать о «Крыльях Хоннеамиз». Так, например, Мориоки создал фонетику и азбуку языка, который он назвал «баронн». На нем же и общаются представители империи Ав — выдуманной нации генетически модифицированных людей. Вся прелесть мориоковской мысли при создании «баронна» заключается в том, что этот язык якобы берет начало из древнеяпонского диалекта, который еще не успел смешаться с иностранными наречиями. Поэтому произношение слов на баронне несколько напоминает современное японское произношение, но таковым на самом деле не является. Можно предположить, что «баронн» в понимании автора — это утопия японского языка.

Приведенный пример детализации хоть и является самым ярким, однако никак не последним. Для «Звёздного герба» Мориоки Хироюки изобрел множество других разнообразных терминов и правил: от правил управления кораблями и своеобразной стратегии ведения боя на них до общения местной аристократии и их же титулов. Все это говорит о серьезном подходе к делу, чего нельзя сказать о современных мангаках, которые большую часть времени уделяют рисовке и создают свои произведения в быстром, почти сумасшедшем темпе. Будь «Звёздный герб» экранизация манги, а не художественного романа, ситуация бы коренным образом изменилась, причем, в худшую сторону.


+4Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Небо и земля (2005.02.14)

Удивительное начало. В школу приходят два отморозка: огромный по японским меркам латинос и щупленький на вид, но боевой в душе анимешный блондин-японец — и начинают шабашить всех вокруг, пытаясь этим недвусмысленным шагом показать, кто тут будет главный. Правда, чуть позже выясняется, что школа, которую они пришли завоевывать, вовсе не обычная школа, а целая академия боевых искусств с десятками разных клубов и, соответственно, мастеров: от кэндо до реслинга. Как только они это понимают, то шабашить начинают уже их…

А если прибавить к этому еще разбитную и стильную заставку, а также мощный и агрессивный мордобой, произошедший в конце первой серии, то нет смысла говорить, как было приятно от ощущения нахождения нового хорошего аниме. Вот только беда заключается в том, что хорошей оказалась лишь первая серия, а разочарование от всего последующего действа неуклонно росло, достигнув к концу сериала той критической точки, когда просмотр превращается не в наслаждение, а в обязанность. И дело все в том, что авторы, создавая сериал, абсолютно не понимали, что они вообще хотят показать зрителю. Когда завершилась финальная 24 серия, не было ощущения целостности и законченности. Такое бывает, когда обрывается первый сезон, но скоро начнется второй. В случае же с «Небом и землей» второго сезона, как видно, не будет, будет лишь OAV-продолжение, но оно, вероятно, только усугубит положение.

И так, по порядку.

Первая беда описываемого сериала, на мой субъективный взгляд, заключается в том, что авторы слишком много внимания уделили флэшбекам. Воспоминания героев в данном случае играют не посредственную роль, как это обычно бывает, а заглавную. Этот процесс начинается в десятом эпизоде, длится до шестнадцатого, после чего прерывается на три серии и вновь продолжается вплоть до последнего эпизода. При этом, заметьте, сюжет основного сериала и сюжет флэшбека переплетаются между собой очень слабо, отчего возникает ощущение, что смотришь две разных истории, одна из которых находится в другой. Иными словами, налицо довольно необычный тип построения анимешного сериала, и оправдан он был бы исключительно в многосерийном сериале, но никак не здесь. Нужно ли говорить, что в результате этой смешанности авторам не удалось нормально завершить ни главную сюжетную линию, ни флэшбековую, на это попросту не хватило времени.

Вторая беда, безусловно, более значимая. Заключатся в том, что сюжет сериала очень слабо выстроен. В данном случае я говорю об обоих сюжетах: основном и флэшбековом. Большая часть действий и побуждений героев никак не мотивирована, персонажи действуют от серии к серии по-разному, точно психи в лечебнице. Так, например, в одном эпизоде один персонаж много раз пыряет другого катаной, а уже в следующем эпизоде, отлежавшись в больнице, оба говорят, что они друзья, после чего с улыбкой на лице вместе фотографируются. Еще пример. Ближе к концу сериала одна героиня утащила ценный артефакт из дому, после чего несколько серий ее ищут, а когда находят, то абсолютно без повода начинается бессмысленная драка, никакого отношения не имеющая ни к артефакту, ни к девушке. Девушка просто стояла и смотрела на драку. Мне сначала показалось, что она применит данный артефакт и сделает его похищение хоть сколько-нибудь осмысленным, но нет, этого не произошло. И такие сценки разыгрываются постоянно. В итоге большая часть времени уходит на невнятные маломотивированные и ужасно жестокие, но при этом бутафорные бои, которые не только ни к чему не приводят, но и вовсе запутывают все происходящее. Кто, кого и за кого — этого невозможно понять, пока все не заканчивается, впрочем, когда все заканчивается, то понимания это тоже не приносит. И если флэшбековые герои хоть сколько-то описаны, то герои основного сериала (упомянутые в начале латинос и коротышка-японец) вообще никак себя не проявляют, несмотря на то, что в первых десяти эпизодах авторы явно ставят ставку на их развитие. Вот только после десятого эпизода развитие эти герои получили лишь в трех сериях.

Третья беда не очень значимая, но в каком-то смысле имеет даже более скверный эффект, нежели первые две. Первые две просто говорят о том, что сериал непродуманный. Третья же доказывает, что он еще и делался как некое подражание другим популярным сериям. Одна из которых, вне всяких сомнений, — гигант «Наруто», созданный во второй половине 90-х. Чтобы это понять, стоит лишь посмотреть пару боев, так как выстроены они очень схоже. Нарутовская «чакра» в данном случае оказалась заменена на «ки», и, следовательно, все спецприемы героев строятся на использовании этого самого «ки». А спецприемы, в свою очередь, невероятно подражательны. Например, основная техника в сериале — это красный глаз, который может управлять врагом, создавая в его голове иллюзии, а также может видеть то, чего обычными глазами не увидишь. В «Наруто» такой глаз носил один из главных героев. Еще тут были слабые попытки повторить традиционный нарутовский эффект разъяснения боев и приемов, которые, обычно, выполнены в виде примитивистских картинок. К счастью, схожесть с «Наруто» на этих заимствованиях и заканчивается, так как передрать сюжет у авторов сего произведения смелости не хватило. А вообще, прежде чем создавать аналогичную боевую систему, им нужно было понять одну маленькую истину. Истина эта чрезвычайно проста: все техники, «чакры», «ки», молнии, фаэрболы в руках героев — здорово смотрятся в фэнтезийном сериале, в вымышленном мире, но никак не в современной Японии, да еще и в боях между обычными школьниками, а особенно все это плохо смотрится, если применяются все эти «ки» и молнии бесцельно, не в тему.

Есть в «Небе и земле» кое-что и свое. Например, панци-драки, где демонстрация трусиков или бюста на фоне крови — это неотъемлемый атрибут. А уж бюстам тут, в отличие от сюжета, уделили колоссальное внимание. Последний раз такое усердие проявлял Ёсимото Киндзи, экранизируя «Пластиковую малышку». Как говорится, эту бы энергию да в правильное русло… Впрочем, есть в сериале и пара неплохих шуток, вроде пяти стреляющих лучников. Но самое главное, тут имеются зачатки оригинальных характеров: чего стоит один латинос с проколотой губой или парень с седыми волосами на макушке. Однако все «своё» тут можно пересчитать по пальцам одной руки, а из реальных и неоспоримых плюсов стоит еще раз отметить первый эпизод. Правда, как говорил, поэт: «…только этого мало».


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Все оттенки синевы [ТВ-1] (2005.02.12)

В последнее время в стане японских аниматоров укоренилась привычка делать из потенциально неплохого замысла нечто очень жуткое и намешанное. Намешанное не оригинальными идеями, что вполне можно пережить, но, прежде всего, избитыми шаблонами. А уж если это романтический сериал для мальчиков, то шаблоны тут прямо-таки и лезут изо всех щелей.

Во «Всех оттенках синевы» была изначально неплохая идея. Не новая, конечно, и даже вполне типичная для экспортного аниме, но все же милая и по-старому приятная, которая заключалась и строилась на национальных особенностях, на культуре и укладе жизни японцев. Той культуре и том укладе, которые они предпочитают демонстрировать гайдзинам точно так же, как мы это делаем, штампуя фильмы про пьяные застолья и «братву». Правда, в отличие от нас они предпочитают показывать не худшее, а лучшее, с чем их можно только поздравить, ведь показать им на самом деле есть что. Так вот, вся это их элегия в виде аниме смотрится зачастую очень приятно, и лицезреть ее можно, если не с интересом, то уж точно не с отторжением.

Однако… «Оттенки синевы» — это, во-первых, 24-серийный сериал, а во-вторых, сериал, как я уже написал, романтический, со своими приемами и жанровыми элементами, принятыми еще во времена Тэнти. И это очень плохо, потому как никакая романтичность и взаимная вежливость не способны противостоять натиску затасканных оборотов, а их, к моему величайшему сожалению, в этом сериале оказалось выше крыши. Взять хотя бы героев. Весь набор в сборе: грудастая глупышка в очках, постоянно обо все спотыкающаяся, — это уже не стереотип, это уже памятник, колосс анимешной банальности; вечно пьяная алкашка янки, постоянно всех задирающая своими торчащими, словно у вампира, зубами; строгая домоправительница — персонаж не столь яркий, но как характер опять-таки весьма часто встречающийся; дальше — больше, главная героиня — лапочка-тихоня, безумно влюбленная в своего жениха и только делающая, что убирающая дом (совсем недавно я писал о «Ручной горничной» и «Махороматик», там главные героини были почти точно такими же); ну, и самое сладкое — это, вне всяких сомнений, женишок — величайшее достижение аниме-индустрии, памятник на века, самый яркий и самый знатный шаблон в аниме — студент (чаще школьник), на которого вся вышеперечисленная братия по сценарию и должна вешаться. И знаете, никакая красота пейзажей, а она тут есть; никакая красота обычаев, это тут тоже есть; никакие удачные минисценки, которых тут вагон и маленькая тележка, не способны хоть что-то сделать со всем этим геройским табором. А самое главное, вполне приличная атмосфера, которую авторы создали в первом эпизоде, оказывается разрушена, и даже попытки воссоздать ее в самом конце не приводят к толковому результату, так как за 20 эпизодов уровень однообразного поведения обитателей нарастает насколько, что к концу сериала всякая чувствительность притупляется окончательно. И это очень обидно, ведь не будь тут этой абсолютно ненужной горы марионеток (в данном случае имели место быть только влюбленные), то сериал мог бы получиться неплохим, вроде «Пожалуйста! Близнецы», где тоже все очень мило и добротно, но в тоже время нет наистандартнейших героев и эпизодов с их участием.

И последнее… После прочтения этой статьи мне, вероятно, читатели вновь напишут уйму умных писем, в которых будет растолковываться вся моя бесчувственность и «чурбанность». Так вот, замечу заранее, что я лично ничего к данному сериалу не имею, впрочем, как и к его собратьям по жанру, на перечисление которых может уйти немало строк. Более того, мне, как и многим зрителям, поначалу ужасно нравился этот тип построения сериала, но лишь поначалу. Поэтому, прежде чем изливать все имеющиеся в запасе сквернословия, посмотрите другие сериалы этого жанра, хотя бы десять-пятнадцать. Надеюсь, это хоть немного поможет понять ту мысль, что я озвучил выше. Прошу не воспринимать этот абзац, как послание всем читателям.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Ганц (2005.02.07)

Рецензия написана на первый сезон, то есть на первые 11 эпизодов.

Постепенно становясь одним из лидеров в производстве аниме, бывший придаток «Гайнакса» (сейчас уже холдинг «Гондзо Дигимэйшн») выпускает огромное количество самых разнообразных ТВ-сериалов, в результате чего сильно влияет на развитие современной анимационной индустрии в своей стране. Столь ощутимый рывок и прорыв беглых «гайнксевцев» обеспечен во многом благодаря примитивной бизнес-концепции: завалить рынок всем, чем только можно, укрепиться на нем, а уж потом думать над качеством. Знаменитые CGI-технологии — козырной туз «Гондзо» — мнимая фишка, которая поначалу была пару раз вполне неудачно разыграна («Субмарина», «Вандред»), но в конечном итоге перестала быть самобытной и оказалась интегрирована в большой процесс, зовущийся производством хорошей продукции, где каждая деталь механизма сильна по-своему и в тоже время дополняет другие, в данном случае: сюжет, дизайны, анимацию. Конечно, в «Гондзо» до сих пор ставят кучу туфты, однако уже начали появляться стоящие вещи, например, всем известный паропанк «Изгнанник» 2003 года или философский боевик «Ганц» 2004 года, о котором речь дальше и пойдет.

«Ганц» интересен, прежде всего, своей «оригинальной» идеей. Слово взято в кавычки из-за того, что идея тут на самом деле не совсем уж и оригинальная, а некоторые ее элементы и вовсе передраны из популярных фильмов. Однако если говорить об аниме, где один штамп лезет на другой, а критики, ознакомившиеся с несколькими сотнями произведений, уже давно сломали язык от повторения бесконечных комбинаций: «тривиально», «банально» и «вторично», то в этом случае сюжет «Ганца» все же оригинален. В нем есть то, что удерживает в кресле и заставляет переключать эпизоды. Некая нить таинственности, которая принуждает идти вдоль нее, пока не откроется вся загадка или интрига, это кому как удобно.

Тем не менее, в «Ганце» есть куча минусов, так называемого, мусора. По крайней мере, мне это показалось, когда я смотрел первый сезон. Так, положим, довольно интересная изначальная идея, местами приправленная неплохими персонажами, граничит с типичными фансервисными моментами, этакими дешевыми приемами, вроде больших грудей, постоянно снующих в кадре. Ну, не к месту они тут. Кровь, унижения, байкеры, якудза, игра со смертью и… столь же постоянная эрекция главного героя. Ну, что у него, недержание что ли. Бандит целится ему в зуб, он думает о грудях и от этого у него встает, после чего парень превращается в супермена и едва заметным ударом сбивает плохиша с ног под модную пафосную музыку. Одним словом, сценка для хорошей порнофантастики с элементами насилия. Это, конечно, техничный подход, но не в данном случае.

Таким образом, агрессивное и атмосферное начало сменяется бессмысленной повседневностью срединных эпизодов с постоянным «вставанием». Потом же все вновь заливается экшном, также со «вставанием». Довольно своеобразный прием, если не сказать большего, смысл его весьма туманен, а эффект спорен. Игра в контрасты, которую применил автор, выстраивая сюжетную линию, в принципе, объяснима и направлена на придание боевым сценами большего драматического эффекта, тем не менее, все эти этти-сцены есть не что иное, как банальная завлекаловка. Старый и уже заезженный прием, встречавшийся и до сих пор встречающийся практически повсеместно. Думаю, можно было обойтись и без него, благо мрачная антиутопия легко себе это позволяла.

Второе, что сделано не в ногу со временем, — это слабая динамика боев. Парень тонет в речке, а народ стоит на мосту и балагурит: спасать им бедолагу или нет. Пока балагурили, бедолага потонул. Большая часть боев отведена не на беготню и стандартный экшн, а на слезы и крики. Народ рыдает, враги стоят и мирно смотрят. Так уже делали в «Наруто» и многих других произведениях, но делали с умом. В том же «Наруто», например, болтовня во время боев, во-первых, разъясняла планы героев и их стиль боя, а во-вторых, придавала характеру персонажа некую индивидуальность. Наруто во время боя орал, что станет правителем Хокагэ, Нэдзи сетовал на судьбу, в «Ганце» же персонажи просто стоят и хнычат, а враги ждут, пока они вытрут сопли. И ладно бы это был стосерийный мегаэпос, где деньги на анимацию весьма лимитированы, а посему у создателей не было бы возможности давать героям много прыгать и бегать, так тут всего-то 11 эпизодов, половина из которых посвящена, простите, «вставанию» у главного героя. Вдобавок ко всему, сэйю, заливающиеся слезами, абсолютно не поддерживаются аниматорами. Сэйю плачет, вопит, в конце концов, орёт, а лицо рисованного героя застыло, словно изваяние.

В общем, неоднозначно. Классная, по-настоящему увлекательная оригинальная идея с черным шаром и игрой со смертью, и в тоже время какие-то детсадовские ошибки мангаки и аниматоров, ответственных за минисцены и анимацию, соответственно. Сериал смотрится на одном дыхании, но не из-за того, что в нем все очень грамотно спланировано и проработано, а исключительно из-за того, что попросту хочется знать, на кой этому шару сдалась беготня жмуриков, и почему у попугаев нету крыльев.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Фильм об отаку 1982 & 1985 (2005.02.02)

Безусловно, одно из самых интересных и странных творений «GAINAX». Обе части этого фильма в пародийной форме повествуют о становлении студии, причем делают это с таким преувеличением и пафосом, что моментами становится откровенно не по себе.

«Фильм об отаку» выпустили в 1991 году, и, казалось, уж кому-кому, а «гайнаксу» в это время нужно было сидеть тише травы и ниже воды, так как особо похвастать студии в то время было еще нечем, да и вплоть до 95-ого студия не презентует ничего принципиально стоящего. Да, уже были «Крылья Хоннеамиз», «Ганбастер» и «Надя с загадочного моря», но, простите, этого мало для того, чтобы выпускать автобиографический фильм. Примечательно также и то, что над фильмом работал Мори Такэси — человек, который на студии «GAINAX» ничего до этого не снимал и в будущем снимать не будет. Признаться, мне вообще не понятно, как этот деятель попал в этот проект. К тому времени, когда снимали «Фильм об отаку», Мори еще не успел облажаться на анимационном поприще, так как за спиной имел всего пару эпизодов из OAV-сериала «Капризы Апельсиновой улицы». Собственно говоря, если посмотреть на творчество Мори Такэси со дня сегодняшнего, то легко понять, что «Фильм об отаку» — его лучшая работа.

Уже в начале 90-х ребята из «GAINAX» искали всяческие лазейки, чтобы побыстрее пробиться и закрепиться на рынке. Единственным верным шагом стала попытка выделить «гайнаксовскую» анимацию от анимации конкурирующих студий-монстров. Как показала практика, это оказалось совсем не трудно, нужно было просто сделать упор на отаку — фэнов аниме. А так как Япония в то время переживала бурный рост различных кружков, клубов и прочей фэнской самодеятельности, то ставка на отаку была практически беспроигрышной. Этим хитрые аниматоры и воспользовались, «Фильм об отаку» прекрасный тому пример.

Прошлым абзацом я хотел в двух словах объяснить как появление «Фильма об отаку», так и использованные в нем стилистические приемы, а именно: соединение видео и анимации. Примерно половину фильма занимают видеоинтервью, где репортеры якобы опрашивают отаку. Полезность и нужность этого приема очень спорна, так как не является сюжетным дополнением, а лишь отвлекает от происходящего на экране. В конце концов, если кому-то так уж интересны опросы японской молодежи на тему аниме, то для этого есть журналы, различные статьи и прочая статистика. Вдобавок ко всему, статистические данные, которые Мори заботливо впихнул в свое произведение, устарели уже к моменту выхода фильма в прокат, а на сегодняшний день и вовсе никакой пользы не несут, только время занимают. Таким образом, представленные в фильме видеонарезки смотрятся лишь на первый взгляд интересно, но когда сюжет основного фильма прерывается в десятый раз, да еще и на интересном месте, нарезки кажутся самом лишней вещью.

Сам же сюжет забавен. Речь в нем идет о компании ребятишек, которые по началу просто увлекались аниме, фигурками, мангой и прочей атрибутикой, однако потом сами решили эту атрибутику производить. Нужно отметить, что все это очень здорово показано и смонтировано, иногда и вовсе захватывает.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Кайдомару (2005.01.22)

Стандарт OAV, учитывая всю его замкнутость и неординарность, все-таки может удивлять вещами нехарактерными, необычными, а порой и вовсе удачными. В отличие от ТВ-сериалов и полнометражный фильмов, в секторе OAV проводится большая часть экспериментов над зрителем с применением новых стилистических приемов («Фури Кури») и художественных постановок («Бродяга Кэнсин»). Также, не решаясь на вложение крупных сумм для снятия полнометражного фильма, авторы часто предпочитают OAV, ставя ставку на его относительную экономность и возможность «играть» с целевой аудиторией.

«Кайдомару» принадлежит к тому типу «овашек», которые вольно экспериментируют зрительским восприятием посредством оригинальной арт-стилистики и, заодно, вываливают на голову сюжет в духе все того же «Кэнсина», повязанный на многовековых японских легендах, сказаниях и всего того, что трудно усваивается в неподготовленной голове европейца, путающегося в «донах», «самах», в местной филологии, в словесах, которые даже рядовые японцы уже позабыли.

Сюжет «Кайдомару», тем не менее, очень прост. Как и в случае с «Кэнсином», который также обескураживал зрителя огромным количеством имен, званий и событий, но делал это лишь во время первого просмотра, заставляя после оного лезть в энциклопедию. Повторный просмотр, после лазания в толковую книгу, никаких вопросов не оставлял, наоборот, становилось даже обидно, что на деле-то все оказывается очень просто.

«Кайдомару» берет старт в глубокой древности, во времена эпохи Хэйан, прозванной так в честь экс-столицы, которую позднее переименовали в современный Киото. Немного мистическая, но в большей степени жестокая история рассказана всего за 40 минут, однако из-за скупости и неоднозначности диалогов понять увиденные интриги весьма проблемно. И дело даже не в том, что перед просмотром нужно штурмовать все имеющиеся в местной библиотеке книги по истории, а в том, что авторы довольно своеобразно сложили повествовательную нить. Способ передачи сюжета, примененный в этом фильме, схож со способом, который используется при создании, например, приквела, где можно обойтись без длинных вводных прелюдий, говоря обиняками, но при этом не запутывая зрителя, так как основной сюжет ему все равно уже известен. «Кайдомару» же вещь самостоятельная и от того странно, что в ней использован именно этот тип. В результате многие диалоги остаются за кадром, история и мотивы персонажей также до конца скрываются завесой, а понятен к концу фильма лишь основной костяк. Объяснить это можно многими способами, в том числе и нехваткой времени, и своеобразием японских исторических фильмов, и самими японскими сказами и легендами.

Намного интереснее в «Кайдомару» выстроен художественный ряд, который во многом и привлекает внимание. Очень диковинный графический стиль, местами граничащий с откровенным примитивизмом, создает отличную почву для своего неоднозначного сюжета. Посредством совмещения сюжетной части и оригинальной стилистики зарождается необыкновенная атмосфера, одновременно пугающая и чарующая. Из самых удачных находок можно отметить совмещение тусклых белых фонов с кровью во время боевых сцен фильма. Так, например, неплохо смотрелся эпизод, в котором главная героиня и ее товарищи занимались патрулированием, но, наткнувшись на препон, увязли в битве. Темный туманно-светящийся антураж города позволил сконцентрировать внимание на противоборствующих объектах, в частности на крови, которая, в отличие ото всего остального, резко бросалась в глаза. Эта и некоторые другие комбинации выгодно влияют на общую оценку фильма, однако из-за слишком большого количества недосказанности, мутных диалогов и по-своему безыдейной концепции фильму трудно поставить по-настоящему высокую оценку. Хотя местами он того стоит…


+4Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Хикару и го [ТВ] (2005.01.07)

Жемчужина своего жанра. «Хикару и Го» — эталонное спортивное аниме, выдержанное в безупречном стиле: красивая графика, нормальная для ТВ-сериала анимация, и, что самое главное, невероятно увлекательный способ передачи авторских мыслей, накаливание атмосферы, сюжетные ходы и перипетии.

До просмотра «Го» трудно было осознавать факт того, что может существовать произведение, рассказывающее о, например, шашках, но рассказывающее настолько занимательно и по-настоящему профессионально, что оторваться от такой жемчужины заставляет лишь стрелка часов, показывающая полпятого утра. До начала просмотра «Го» у меня в голове была некая толика предвзятости. Казалось, что сложить повествование подобного сериала можно исключительно двумя способами: либо показать невероятно детализированный и абсолютно достоверный научно-популяный фильм, ужасно скучный для тех, кто в предмете ничего не понимает; либо, наоборот, показать очень поверхностную и развлекательно-мимолетную сказку, которая не сможет привлечь ни интеллектуалов, ни любителей легкого аниме. Интеллектуалам хватит 5 серий, а любитель легкого аниме, увидев в выходных данных количество в 75 эпизодов и прочитав пару синопсисов, решит, дабы голову не забивать, пересмотреть что-нибудь вампирское.

Но «Го» — сериал особенный. В нем практически безупречно соединили превосходную детализацию с еще более превосходным сюжетным наполнением. Под сюжетным наполнением имею в виду, само собой, развитие характеров, так как именно это является доминантой любого спортивного сериала, его своеобразной основой. В «Хикару» персонажи растут, набираются опыта, меняют взгляды, добиваются целей. Каждый герой — не просто марионетка из «аиковского» сёнэн-аниме, а целая история со своими чаяниями и надеждами. В добавок ко всему, в сериале практически нет промежуточных персонажей: тот, кто был другом героя в 5 эпизоде, появится в 55, а тот, кто косо посмотрел в 9, еще получит свое в 69.

Что не менее здорово и необычно, так это невероятное смешение самих персонажей. В отличие от большинства спортивных произведений, у мангаки Хотты Юми посредством рисунков Обаты Такаси появилась возможность заплести в клубок все возраста. Игроки в Го могут наравне сражаться независимо от возраста, а это дает возможность показать отношения между опытом и юностью, между старшим и младшим поколением. Одним словом, показать то, чего так не хватает большинству аниме, где фигурируют в основном подростки и дети, а взрослые — это мамы, папы. В «Хикару» взрослые играют наравне, выигрывают и проигрывают, презрительно улыбаются и боятся.

Что касается самой игры, то в результате того, что мой уровень в Го равен примерно 25 кю, то весьма трудно определить насколько точно и профессионально передаются матчи и сражения. Дело в том, что их показывали не по шагам, а преимущественно наплывами и рывками, а тут только профессионал сразу разберет, что и к чему. Тем не менее, нет смысла спорить, что детализация сериала упомрачительна. Так, например, программа, через которую Хикару и Сай играли по интернету, стоит у меня на компьютере и вполне похоже функционирует. Конечно, мне не удалось найти в онлайн-списках героев аниме, однако незнакомый кореец на бой меня таки вызвал, в точности как в сериале. Не подкачала детализация зданий, где проводятся соревнования, а также Го-клубов. В этом случае буквально все взято с реальных интерьеров.

Нет выдумок и в плане ходов на матчах, они профессиональны и в большинстве своем списаны с реальных партий. В качестве примера можно привести партию из первого эпизода между Акирой и Саем — это ничто иное, как реальная игра между Сюсаку и Хонимбо Сювой, которая имела место быть 15 ноября 1851 года. Что же касается самого Сюсаку и его легенды, о которой говорилось в сериале, то это также отчасти правда. Хонимбо Сюсаку жил в середине 19 века, рожден был под именем Кувахара Торадзиро в 1829 году и до сих пор считается одним из лучших игроков в Го. Умер он, как и сказано в сериале, от эпидемии.


+4Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Ученики ниндзя (2004.12.31)

Что характерно, к тематике ниндзя, будь это аниме, художественная литература или кино, японские авторы обращаются крайне редко, намного реже, чем, например, к тематике самураев с их «бусидо». Из написанных мною за полтора года рецензий данная статья — лишь третий случай, когда приходится сталкиваться с ниндзя и их трюками в фильме, который полностью им посвящен.

Своеобразным эталоном увлекательной истории о ниндзя на данный момент, вне всяких сомнений, является ТВ-сериал «Наруто». Всё же остальное, по сравнению с этой грандиозной по своему размаху историей, не стоит и близко. Во-первых, оставшиеся фильмы — это, в большинстве своем, старые произведения. Во-вторых, большая их часть — это либо «полнометражки», либо фильмы, состоящие из 2-4-серий. Столь малое время, отданное на раскрытие темы, на мой взгляд, является ключом их неудачности, так как сюжеты о ниндзя, прежде всего, предрасположены к жанру «приключения», а приключения, скомканные в 60 минут или в 4 серии, – это не приключения, а, как правило, фигня. К тому же, тема ниндзя очень своеобразна, так как, в отличие от тех же самураев, ниндзя очень любили всякие трюки, порой граничащие с мистификацией, а это требует скрупулезного освещения. В «Наруто» с его 100-серийностью каждая техника, каждое боевое движение персонажа объясняется чуть ли не по пять минут. В фильмах же, которые состоят из 2-4 серий, об этом не говорится ровным счетом ничего. Герой ни с того ни с чего превратился в лягушку? Отлично! Превратился в бревно, используя технику замещения? Еще лучше! А как, что и почему, это уже не важно. В результате всех этих недомолвок на первое место выходит не сюжет, изобилующий множеством персонажей и продуманной боевой системой, а абсолютно не детализируемая концепция. И только. Концепция же, само собой, оказывается весьма примитивная, так как ничего толкового в приключенческом жанре за час показать нельзя, а если и можно, то для этого нужна точная планировка действий, которая в формате OAV зачастую отсутствует: если сериал популярный, то авторы клепают серии, сами не зная, когда это клепание закончится; а если он вдруг, с выходом на рынок очередной кассеты, становится нерентабельным, то все клепание мгновенно прекращается и сюжет обрывается. Ну, какая в этом случае может быть рассказана приключенческая история?

Вся демагогия велась к тому, что «Ниндзя кадеты» — это типичное воплощение примитивизма, абсолютный факт того, что формат OAV достоин жить лишь тогда, когда отсутствует телевидение с его почти неограниченными возможностями. А так как на сегодняшний день телевидение в Японии никак трудностей не испытывает и даже по капитализации соперничает с компанией Гейтса, то вывод один: никаких OAV в приключенческом жанре, только ТВ-сериалы.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Ручная горничная Мэй (2004.12.26)

«Ручная горничная» — представитель самого бестолкового типа сёнэн-аниме, где все происходящее сводится к тому дурацкому тэнтиобразному построению, которое выдумали в «AIC» еще в 1992 году и которое вот уже более десяти лет призвано заставлять публику смеяться над все теми же убогими шутками и персонажами. Конечно, у некоторых особо одаренных сценаристов данный трюк прокатывает («Любовь и Хина»), но в большинстве своем штампуются сериалы, смотреть которые тошно до невозможности. «Ручная горничная», как это не прискорбно, относится именно к последней категории.

Десять эпизодов этого чуда мерно топают по проторенной дорожке, ничем не поражая и не удивляя. Все начинается тривиально, так же и заканчивается. Последний эпизод, в котором прослеживается намек на выбивание слез, несколько отрывается от общей картины, но лучше от этого, к сожалению, не становится. Да и не в сюжете, собственно говоря, дело. В конце концов, любой зритель, посмотревший десяток аниме, должен уже привыкнуть к чему-то подобному.

Отвращает несюжетное наполнение: комедийные моменты, персонажи, диалоги. И если сценарную дурь можно хоть как-то оправдать традициями жанра, то все остальное находится во власти авторов. Правда, властью, как это часто случается, пользоваться не стали, попросту сваляв дурака. Из «Тэнти» вытащили главного героя — стеснительно парня, возле которого на протяжении всего серила будут колыхаться бюсты размером начиная со второго. Из «Эль-Хазарда» взяли сумасбродный типаж придурковатого друга-недруга, который будет носиться с криками, гримасничать и паясничать, требуя от зрителя за представление рукоплесканий и улюлюканий. Остальной же табор из 6 или 7 девушек авторы вытянули из разных подобных сериалов, благо такого добра везде хватает. В результате десять эпизодов главный герой краснеет, его чокнутый друг орет благим японским матом, а девки, одна пышнее другой, вешаются на шею несчастному скромнику.

Диалоги и комедийные моменты еще более отвратительны. Первые просто глупы, а вторых попросту нет. Герои говорят избито, как роботы. Те же совершают действия. Что касается комедийных моментов, то я таких, если честно, не заметил. Возможно, этот сериал не комедийный и я все не так понял, однако и романтическим его назвать сложно. Романтика — это когда есть любовь, что-то возвышенное. А какая тут любовь: парень сидит, как бревно, за компьютером, а авторы пытаются соблазнить его, поднимая у героинь юбку и опуская лямку лифчика. Возвышается в этом случае лишь одно, но какая, простите, в этом романтика…


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Гайвер OVA (2004.12.19)

«Гайвер» — это типичный представитель боевиков конца 80-х годов. Времени, когда японская анимация получила вседозволенность и откинула прочь табу прошлого. Отныне кровь на экране может литься рекой, а количество оторванных конечностей еще долгое время будет означать «крутость» фильма. В основном боевики тех лет имели фантастическую основу (благодаря буму фантастики) с элементами либо мистики, либо меха. В «Гайвере» автор соединил и то, и другое, в результате получил своеобразный синтез мехафантастики. В будущем такие опыты будут проводиться не раз (мехафэнтези «Видение Эскафлона»), однако в свое время «Гайвер» сумел выделиться от остальных фильмов этого жанра.

В основе сюжета «Гайвера» лежит противостояние корпорации, создающей новое биологического оружие, попросту говоря мутантов, и группы школьников, к которым абсолютно случайно в руки попал один из видов такого оружия – суперкостюм, превращающий человека в некое подобие непробиваемого танка, способного жечь, бить, взрывать и стрелять. Примитивизм сюжета скрашивается иногда неплохими и, что более важно, непредсказуемыми поворотами, тем не менее, большая часть фильма, как ты ни крути, но на сегодняшний день выглядит довольно-таки посредственно.

В свое время «Гайвер» был одним из ярчайших представителей нового аниме, сегодня же этот OAV-сериал может служить разве что украшением музейной коллекции.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (1)

Конан - мальчик из будущего (2004.12.06)

После изобретения нового способа получения энергии, человечество так увлеклось игрой в войнушку, что, само того не замечая, уничтожило все живое. Случилось это ровно за день до американского праздника Дня независимости. А спустя много лет, остатки выжившего человечества, ютившиеся на крошечных островах, поделились на два лагеря: фермеров и промышленников. Первые, как водится, стали заниматься уборкой урожая, а вторые, не желая что-либо выращивать, решили поработить фермеров, в результате чего вновь занялись получением той самой зловещей энергии.

Идея постапокалиптики впоследствии будет подниматься Миядзаки еще не раз. Так, например, мир «Конана», позаимствованный у Александра Кэя, воплотится в его будущих полнометражках: «Навсикая из Долины Ветров» и «Небесный замок Лапута». «Конан» — это своеобразная тренировочная площадка Миядзаки, на которой он опробовал разного рода художественные приемы и трюки. Таким образом, все: от дизайнов героев до гуманной идеи спасения человечества от самого себя — мы еще будем наблюдать. Но с другой стороны, именно этот сериал дает возможность увидеть то, чего нет в будущих работах перфекциониста. Так уж получилось, что «Конан – мальчик из будущего» стал первым и единственным ТВ-сериалом, почти полностью поставленным Хаяо Миядзаки. В следующие двадцать пять лет он будет снимать исключительно полнометражные фильмы для студии «Гибли», а также короткометражки для музея все той же студии «Гибли».

Сейчас, когда с момента первого показа прошло почти 35 лет, рецензировать сериал Миядзаки не представляется возможным. Ушло время, сменились течения и веяния. Однако нельзя не отметить, что эта работа очень сильно отличается от стандартов современного сериала как в художественном, так и техническом смыслах.

С художественной точки зрения сериал выглядит очень наивным и по-детски непосредственным, что вполне объяснимо тогдашними тенденциями. В конце 70-х, а «Конана» поставили в 78-ом, на студиях Японии в основном снимали детское аниме, а привычные нам архетипы, будь то «большие роботы» или «девочки-волшебницы», только-только начали развиваться. Также нужно отметить, что «Конан» — это часть знаменитого проекта «Nippon Animation» по экранизации известных сказок. Он был выпущен на ряду с такими сериалами, как: «Приключения Тома Сойера», «Южная радуга Люси», «Приключения Синбада-морехода», «Алиса в Стране Чудес», «Приключения Питера Пена» и многими другими.

Сравнивать же техническую основу сериалов сегодняшних и тогдашних также не есть правильно. Тем не менее, хочется отметить, что качество «Конана» в плане анимации сильно отличается от нынешних ТВ-сериалов, причем в лучшую сторону. Количество статики тут сведено к минимуму, а анимационных объектов к максимуму. По сравнению с современными статичными сериалами, где, как минимум, четверть 25-минутного эпизода является подбором вырезок из предыдущих серий, «Конан», нарисованный от руки, очень сильно выигрывает.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Стальной алхимик [ТВ-1] (2004.11.28)

Этот очень многожанровый и, вне всяких сомнений, интересный сериал начали экранизировать в конце 2003 года, примерно в то самое время, когда закончился показ «Изгнанника», еще одного эпоса-2003. У обоих произведений есть сразу две схожести: они оба замешаны на милитаристском сюжете, и они оба взяли за основу паропанковскую теорию построения мира. Вообще, если говорить обобщенно, то паропанк получил в начале этого века свою вторую жизнь, после того как японцы активно начали ставить фильмы и сериалы на его основе: «Сакура: Война миров», «Стимбой», «Изгнанник», «Стальной алхимик» и другие.

Тем не менее, сказать, что «Стальной алхимик» - обычный паропанк, значит не сказать и половины. Точно классифицировать жанровую принадлежность «Алхимика» очень трудно. В отличие от, например, «Альянса Серокрылых», где жанр определить попросту невозможно, тут проблема кроется в другом. В случае с «Алхимиком» какой-то жанр можно банально забыть указать. Помимо типичных паропанковских путешествий на поездах в этом сериале также наблюдаются элементы мистики, драмы, эпоса, экшна, хоррора, триллера, комедии, фантастики, фэнтези, постапокалиптики и детектива. В связи со столь огромным количеством поджанров невероятно трудно понять, с какой же стороны подходить к этому сериалу, чтобы наиболее логично его оценить. С одной стороны, «Алхимик» — это длинное и немного камерно-комичное путешествие двух братьев к заветной цели, которая при приближении к ней не только удаляется, но и становится все более размытой. С другой стороны, «Алхимик» — это объемный эпос с десятками персонажей, политическими интригами, воюющими государствами, алчными милитаристами, сумасбродными учеными, научными достижениями и гибелью целых народов.

На мой взгляд, способность совмещать небольшое камерное и огромное эпическое - есть главная находка авторов. При всей своей разносторонности эпическая составляющая сериала, натыкаясь на бродяжничество двух братьев, никак от этого не страдает. А сами же похождения братьев, наоборот, лишь набирают обороты при совмещении с большим эпическим. В результате одно способствует другому, создавая тем самым очень закрученный сюжет. Да, наверное, сюжет — это основное, что есть в «Алхимике». Посмотрев сериал, первое, о чем хочется поговорить — это сюжет. Само собой, я не буду его описывать и анализировать, так как описывать и анализировать 51 эпизод в крохотном эссе — занятие весьма сомнительное и неблагопристойное, однако факт остается фактом, «Алхимик» захватывает, и в первую очередь захватывает именно сюжетом. Прорисовка характеров, их драмы, романтические или комедийные отношения персонажей — все это, безусловно, важно, порой, даже интересно, однако исключительно благодаря постоянно закручивающемуся сюжетному клубку сериал смотрится залпом, без остановок. Так, например, большая часть интриг и поворотов происходит в последний момент; авторы не выкидывают все, что только можно выкинуть, в самое начало, начав после этого нудно и приторно тянуть сюжетную резину. Смотря сериал, практически невозможно определить, что же будет через три-четыре эпизода, не говоря о том, что даже в середине сериала невозможно понять, кто же из целой гвардии злодеев окажется главным.

Перед написанием этой статьи мне на глаза попалась весьма внушительного размера рецензия г-на Шуклина, где он в типичной для себя форме вынес вердикт сериалу. Вообще, я большой любитель узнать мнение других людей относительного того или иного произведения, так как таким образом всегда можно посмотреть на уже виденное, но под другим углом. В своем труде он сделал упор на персонажах, упрекая их в якобы неполном раскрытии, а также упомянул о слабом позиционировании драматической составляющей. Признаться, психология вещь очень тонкая, а уж разбирать характеры героев — это и вовсе под силу исключительно избранным (никакого сарказма). А вот по поводу драматической составляющей поговорить, как мне кажется, можно. Дело в том, что в «Алхимике» очень много жестких, душераздирающих сцен. Героям спокойно могут отрезать руки и ноги, а город с тысячью жителями без труда может быть вырезан. Во время просмотра сериала может даже показаться, будто при написании сценариев к некоторым эпизодам идеи черпались из фильмов о холокосте. В своей статье Шуклин пишет, что подобные эпизоды весьма плохо рифмуются с эпизодами иного содержания, в результате чего теряют свой эффект. Мне лично нечто подобное вспоминается в сериале «Моя девушка…», а также в фильме «Босоногий Гэн», где драма быстро сменялась, в первом примере, психоделической фантастикой, во втором, слишком жизнерадостным концом. После этого невольно приходится соглашаться с тем, что перерыв между драматическим эпизодом и эпизодом иного содержания должен быть более значительным, чем-то вроде «минуты молчания». Этим же, как написал, Шуклин страдает и «Алхимик». Спорить с подобным доводом можно долго, взвешивая все «за» и «против», тем не менее, в поддержку описываемого сериала можно привести лишь тот факт, что он очень длинный, а, следовательно, чрезмерная отдача именно драматической составляющей невольно превратит его в невыносимую пытку. Фильмы о холокосте или атомной бомбежке ужасны, но они идут 2-3 часа. Тут же пришлось бы высиживать больше 20 часов, лицезрея гибель народов и постоянные мучения героев. Тяжко как-то получается...


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Призрак в доспехах 2: Невинность (2004.11.25)

Сиквел «Призрака в доспехах» — один из трех главных полнометражных фильмов 2004 года (два других были «Обещанное место по ту сторону облаков» Макото Синкая и «Стимбой» Отомо Кацухиро) — был с пафосом представлен на 57-ом каннском МКФ, однако домой из солнечной Франции уехал ни с чем. Вероятно, в будущем Осии еще выдадут медаль за трудолюбие на каком-нибудь фестивале, однако уже сейчас ясно, что второй фильм не то что не превосходит первый, но в чем-то ему даже уступает.

После просмотра «Невинности» у меня сложилось впечателение, причем весьма сильное, что режиссер решил поставить не сиквел, а ремейк. Во втором фильме Осии не показал ровным счетом ничего нового, все находки плавно перекочевали из оригинала десятилетней давности, а сюжет оказался загадочно примитивным.

«Невинность» построена на том же базисе, что и первый фильм, то есть мир, персонажи, идеология, общество — все это уже было создано, Осии оставалось лишь выдумать достойное сюжетное продолжение, что он сделать, на мой взгляд, не смог. Действо свелось к знакомой формуле, используемой разного рода ширпотребами повсеместно: «злая корпорация — герой с большим пулеметом — финальное мочилово — хэппи энд». Сказать, что это слабо — не сказать ничего. Но, что еще более интересно, так это то, что Осии решил замаскировать сюжет диким количеством пустопорожней болтовни. Своих героев режиссер снабдил разнообразными цитатами, теориями, высказываниями великих людей. Так Бато и Тогуса обильно цитируют Библию, Конфуция, произведения Мильтона. Сначала приходит непонимание, а в какой-то момент даже начинает казаться, будто смотришь нечто настолько умное, что понять увиденное под силу богам. Однако ближе к концу наступает разочарование, так как вся эта болтовня в конечном итоге привела к тому, что Бато полез на корабль с большим пулеметом мочить кукол. К чему тогда были десятиминутные философствования? Ответ предельно ясен. Великих Осии использовал исключительно как элементарную маскировку. Впоследствии, почитав жаркие дискуссии, в которых зрители дотошно ковыряются в библейских сказаниях, пытаясь доказать друг другу, что весь этот словесный понос несет в себе великий смысл, становится ясно, что Осии своей цели таки добился.

Помимо этого есть претензии к несюжетным аспектам. Во-первых, мне трудно понять мотивы Осии, заставившие его второй раз показать уже показанный ранее эпизод, а именно демонстрацию антиутопического города под всю ту же музыкальную тему все того же Кавая Кэндзи. Имею в виду фестиваль во второй половине фильма. Мало того, что этот эпизод не несет в себе никакой смысловой нагрузки и не улучшает атмосферность фильма, как это было прежде, он, наоборот, отрицательно сказывается на восприятии картины. Стало казаться, что Осии достиг той точки, когда выдумать что-то новое ему больше не под силу. Во-вторых, странно смотрится резкий дизайнерский контраст этого фильма по сравнению с прошлым. Так, например, полностью сменился облик города, сменилась и техника. Такой шаг был бы оправдан, снимай Осии полноценный фильм, но, снимая продолжение, этот шаг чистое безумство. Возможно, именно из-за этих, а также других подобных трюков появилось ощущение ремейка, а не сиквела.

Пытаясь найти объяснение столь значительным минусам, я неминуемо пришел к выводу, что Осии полностью отдался тому, о чем я еще не упомянул — графике. Мне бы не хотелось описывать все ее достоинства, так как для этого в моем словарном запасе попросту не хватит прилагательных, однако замечу, что фильм необходимо посмотреть именно из-за нее. Качество представленного арта во много раз превосходит не только предшественника, но и 95проц. всей остальной полнометражной анимации, доказывая, что мир не топтался на месте эти десять лет. Однако уже сейчас понятно, что через десять лет качество арта будет еще лучше, а так как все остальное в этом фильме очень спорно, то выводы относительно эпохальности напрашиваются вполне однозначные…


+5Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Королевские космические силы - Крылья Хоннеамиз (2004.11.12)

В фильмотеке студии «Гайнакс» трудно найти более важное произведение, чем «Крылья Хоннеамиз», созданные в 1987 году. Именно с этого фильма началась история студии, ее успехи и прорывы на анимационном поприще. До «Крыльев» сотрудники будущего «Гайнакса» мастерили фильмы в различных компаниях: работали с «Тацуноко» над оригинальным «Макроссом», со студией «Гибли» над их первым фильмом «Навсикая из Долины Ветров», создавали свои короткометражки для фестивалей, однако ничего существенного в их деятельности не происходило. Именно «Крылья Хоннеамиз» открыли Ямаге, Анно и их товарищам дорогу в будущее.

Сейчас, когда студии уже больше 15 лет, можно смело говорить, что «Крылья» так и остались главным фильмом «Гайнакса», своеобразной козырной картой. Не менее важен и тот факт, что это произведение — единственный полнометражный фильм, который когда-либо создавался в недрах «Гайнакса», если не считать сиквельных «Евангелионов» и «Надю», но то были фильмы не самостоятельные и в большей степени базировались на успехе своих сериальных корней, являлись этаким коммерческим сплавом.

Конец 80-х — это не только начало второй эпохи аниме, о которой я вкратце уже писал, но и кульминация развития японской научной фантастики. Количество кружков, фестивалей и клубов, основывающихся на научно-фантастической литературе и идеях, било в то время все рекорды. На сцене появлялись и пышно расцветали десятки новых фильмов, серий, манга-историй: от уже эталонного «ГАНДАМА», до недавно появившегося «Макросса», от ретрофантастических сказок Мацумото Лэйдзи, до развязных приключений Тэрасавы Буйти. Ямага и Анно, тогда еще молодые и полные энергии, не только понимали, что к чему, но и знали, как этим пониманием воспользоваться, своими «Крыльями» они влились в научно-фантастический поток, стали его ярчайшей звездой, ознаменовавшей апогей развития этого жанра в 80-е годы.

Первое и главное, что бросается в глаза при просмотре «Хоннеамиза», — это, конечно же, безумная отдача авторов прорисовке и детализации картины. Оба эти атрибута несут в фильме первостепенную важность, оттесняя не только сам сюжет, но и общую фабулу. Огромная сумма, выделенная «Бандай» на производство, не растаяла в тумане, качество анимации и рисовки оказалось на поистине великолепном уровне. В 80-е с «Крыльями» могли тягаться, наверное, лишь картины Миядзаки да впоследствии вышедший отомовский «Акира». Но даже прорисовка и анимация играет менее важную роль, чем детализация картины. То количество разных маленьких деталей, которые были выдуманы и вмонтированы в фильм, вне всяких сомнений, потрясает. С нуля придуманный мир, в той или иной степени, высмеивающий нашу современность, языки, письменность, культура и менталитет самих персонажей — все это получилось у Ямаги на высшем уровне. Его герои, помещенные во все это дело, ведут себя естественно, не пытаются донести до зрителя особенности своего мира, они просто живут в нем, в результате чего сюжетная часть не страдает от атмосферности, как это часто бывает у Осии. В «Крыльях» все основные аспекты анимационного фильма великолепны, но, тем не менее, они не мешают развиваться сюжету, гармонично с ним сливаясь и даже помогая развиваться последнему.

Говоря о сюжете, стоит отметить, что он очень строг, без фантастических излишков того времени, будь это меха или злобные пришельцы, в какой-то степени сюжетную часть можно даже обозвать сухой. Однако в этом-то и прелесть. Благодаря четкости и сухости у Ямаги получился великолепный научно-фантастический фильм, в котором упор сделан, прежде всего, на часть научную и философскую, нежели фантастическую. По сути, если говорить честно, то никакой фантастики у Ямаги нет вовсе. Выдуманный мир — скорее атрибут политкорректности, нежели стремление фантазировать, все же остальное — это вполне реалистичный набор сюжетных поворотов: полет первого человека в космос, вызвавший политический резонанс в вымышленном мире, приведший к эскалации конфликта — это разве фантастика? Скорее размышления на тему, правда, к концу 80-х уже не столь актуальные.


+6Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Перекати-поле Цукикагэ Ран (2004.10.21)

Странное произведение выдал сёдзё-режиссер Дайти Акитаро. В нем нет ни начала, ни конца, есть лишь середина, которая, впрочем, также лишена какой-либо общей сюжетной линии. «Перекати-поле» — уникальный сериал — сборник эпизодов о похождении двух героинь по средневековой эпохе. Каждая серия в этом сборнике никак не связана с предыдущей. Тут нет ни главного злодея, ни интриги, ни определенной сюжетной цели, одним словом, нет того типичного построения, к которому все уже привыкли. Есть только странствия, причем одно странствие, занимающее 25 минут, никак не связано с другим странствием, также занимающим 25 минут.

Сравнивать «Перекати-поле» почти не с чем, так как, в той или иной степени, большая часть картин имеет завязку и развязку. Тут этого нет. А если уж брать жанр самурайского боевика, к которому принадлежит описываемый сериал, то нужно констатировать, что это нечто новое, по крайней мере, я ничего подобного пока не встречал.

Два персонажа: пьяница-самурай Цукикагэ Ран и ее взбалмошная подруга Мяу «Кошачья лапка» — ходят по Японии и из серии в серию напарываются на всяческие переделки. В основном переделки заключаются в том, что герои становятся свидетелями грязных делишек разбойников, грабителей, воров, похитителей и прочих подобных деятелей. А уж став свидетелями, обе героини считают себя обязанными со всей этой нечистью покончить. Примерно такими словами можно описать все тринадцать эпизодов, исключая два или три, где сюжет не так тривиален.

На первый взгляд может показаться, что все это как-то туповато и бессмысленно. Однако, посмотрев сериал, в голове проскакивает мысль, что Дайти-сан все это подстроил специально. Главный злодей, великое спасение мира и прочая туфталогия сильно бы мешали восприятию всего того, что он показал. А показал он многое, хотя при беглом просмотре этого можно и не заметить. В сериале мастера наблюдается очень интересная атмосфера, прежде всего, спокойствия и умиротворения. Герои неторопливо ходят из города в город, встречают разных людей, помогают им решать проблемы, но делают это так неспешно, четко и выверено, что смотреть на все эти, казалось бы, банальные сцены приятно и отнюдь не утомительно. Постоянное лето, солнце, тихая музыка, заставочные напевы, мудрые изречения Ран, забавные комедийные положения Мау — все это делает повседневность «Перекати-поля» какой-то домашней, созданной для отдыха и приятного просмотра. Даже к боям Дайти подошел новаторски. Он решил их в очень стремительной и энергичной форме, не показав при этом ни крови, ни оторванных конечностей, ни страданий раненных. Бои у него получились красивые, плавные и сказочные, впрочем, как и сам фильм. Наверное, когда ребенка шлепают по попке, и то ощущаешь больше злобы и жестокости, у Дайти Акитаро же поединки театральные: смотришь и чувствуешь, что никто не пострадает, а если и пострадает, то заслуженно.

Возможно, столь интересный подход режиссера к предмету объясняется, прежде всего, тем, что большую часть своей творческой жизни он посвятил женской половине, создавая то одно, то другое сёдзё-аниме. Цветочки, красота, забавные героини — все это так к нему прижилось, что, хотел он или нет, а, выдумывая «Перекати-поле», он выдумал самый женский и добрый самурайский боевик. А это, по-моему, отнюдь не плохо, все же какое-то разнообразие.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Новые капризы Апельсиновой улицы (2004.10.16)

Второй, и последний, полнометражный фильм из серии «Капризы Апельсиновой улицы». Зачем его нужно было снимать — вопрос большой, так как еще в первом фильме все вроде бы как решилось: любовный треугольник, с горем по пополам, порвали; впопыхах объяснили зрителю, что ждет героев впереди; даже попытались прослезить, выдав, на мой взгляд, великолепную романтико-драматическую постановку. А вот что могли показать авторы во втором фильме, я принципиально не понимал.

А оказалось все просто. Авторам хотелось продолжать почивать на лаврах сериала, не особо задумываясь каким же образом им это делать. Как мне кажется, в продолжении сериала не было никакой нужды, особенно в 1996 году, когда о «Капризах» все уже давно забыли. Но опустим мои недопонимания, так как, возможно, я еще попросту не дорос до гениальности продюсеров. Сам сериал похож на оригинал лишь немногим. В нем те же герои и тот же способ подавать сюжет, но львиная доля небольших элементов, которые и делали «Апельсиновую улицу» «апельсиновой», оказались потеряны.

Во-первых, сменился дизайн, он стал более модным и красивым. То есть, он приобрел ту утонченность, к которой стали подходить аниматоры в середине 90-х.

Во-вторых, изменились герои. По сюжету, Кёсукэ попадает на три года в будущее и встречается там со всеми остальными персонажами, но уже повзрослевшими. А повзрослевшие персонажи настолько же похожи на прошлых, насколько мое видение анимации похоже на продюсерское. То есть, они вообще не похожи. Не похожи как внешне, так и внутренне. Диалоги, поведение — все утрачено. Нельзя сказать, что стало хуже. Нет, просто все стало совсем по-другому, сложилось впечатление, будто смотришь не сиквел «Апельсиновых улиц», а что-то лишь издали этот сериал напоминающее.

В-третьих, сюжет. Я о нем уже упомянул в прошлом абзаце, не буду повторяться. Скажу лишь, что он похож на те сюжеты, которые были в сериале, но то были сюжеты для небольшой серии, тут же 25-минутный сценарий растянули на полтора часа. Но и это не главное. А главное заключается в том, что без прошлых дизайнов, невинности и непосредственности героев, их забавных и умилительных положений, сюжет о перемещении в будущее и обратно смотрится несколько абсурдно, совсем не так, как он смотрелся бы в сериале.

И последнее. Посмотрев фильм, мне стало так же плохо, как и после просмотра первого фильма. Но если первый фильм создал элемент драматичности, разбил треугольник, поссорил персонажей, и, следовательно, заставил сопереживать кому-то из них, то этот просто поселил тоскливое чувство. Фильм ясно дал понять, что «Апельсиновая улица» достроилась, а на ее конце образовалась стена с надписью «тупик». Стало печально от понимания, что больше не придется смаковать джаз Аюкавы, рассматривать фотомысли Кёсукэ, не удастся улыбнуться фирменному коту, а двери кафешки «abcb» навсегда останутся закрыты.

Наверное, именно в этом момент я понял, что мне очень нравился 48-серийный сериал.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Капризы Апельсиновой улицы: Я хочу вернуться в тот день (2004.10.11)

После просмотра этого фильма становится ясно, что Мотидзуки снял один из самых душераздирающих сиквелов на длинный романтический сериал. Если бы мне пришлось просмотреть этот фильм как нечто обособленное, несвязанное и самостоятельное, то, уверен, никакого интереса он бы у меня не вызвал. Но тут совсем другое дело…

Прежде чем смотреть данный фильм, во-первых, нужно посмотреть 48-серийный сериал, а, во-вторых, осознавать, что 48-серийный сериал вам понравился. Если на оба пункта отвечено положительно, то «Я хочу вернуться в тот день», уверен, вам придется по вкусу. Своей сюжетной канвой это произведение оканчивает общую историю, которая, как мы помним, так и осталась незавершенной в последней серии сериала. Любовный треугольник так и остался треугольником, хотя и было ясно, что ожидает героев. Именно эти ожидания Мотидзуки экранизировал. Стоит отметить, что фильм снимал не тот Мотидзуки, который работал над оригинальным сериалом, а новый. Дело в том, что они оба однофамильцы. И фамилия — это, наверное, единственное, что их объединяет, по крайней мере, в творческом плане.

В новый фильм перекочевала большая часть героев, некоторые оказались за кадром. Главная тройка осталась, само собой, цела, однако претерпела небольшие изменения. Понимая, что лимит времени у него ограничен, режиссер Мотидзуки не стал валять дурака, заниматься нерешительностью, а посему уже в начальных кадрах вы увидите не того главного героя — нерешительного Кёсукэ, а нового — решительного Кёсукэ. Отличия между обоими колоссальные. Весь сериал, как мы помним, паренек откровенно тормозил и не мог решиться прорубить выход в им же созданном треугольнике, что приводило к замешательству всех участников. Сейчас Кёсукэ наконец-то набирается смелости сказать «хватит».

Возвращаясь к первому абзацу, не могу еще раз не подчеркнуть тот факт, что фильм производит впечатление, причем довольно сильное. Сама идея снять драматический сиквел к длинному сериалу очень похвальна, так как драма она лишь тогда драма, когда кто-то что-то теряет, теряет то, к чему очень привык или что ему дорого. В данном случае авторы поступили хитро: влюбили зрителя в героев и на протяжении множества серий просто показывали незатейливые эпизоды, а потом заставили смотреть, как любимые герои между собой собачатся и в итоге порывают, оставаясь врагами. Безусловно, идея не нова, но воплощена просто мастерски. По окончанию фильма становится жалко всю троицу, вспоминаешь свои мысли во время просмотра сериала, вроде: «Кёсукэ, ну не тормози, скажи наконец «нет», будь мужиком», и понимаешь, что Кёсукэ был прав, что тормозил, ибо пока он тормозил, все были счастливы, а как только перестал, то все в одно мгновенье хоть и получили свое, но стали, однозначно, чужды, и даже любовь главного героя и Аюкавы смотрится теперь наигранно, кощунственно и не так величественно, как раньше. Как говорится, детство прошло, да здравствует взрослая жизнь!


+3Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Капризы Апельсиновой улицы [ТВ] (2004.10.09)

«Капризы Апельсиновой улицы» — одно из самых важных и значимых произведений второй половины 80-х годов. Как и другие мегапопулярные серии тех лет, будь то «Рамма 1/2» Такахаси Румико или «Драконий жемчуг» Ториямы Акиры, этот сериал полностью основывается на одноименной манге.

Стоит отметить, что вторая половина 80-х годов привнесла в анимационную индустрию Японии очень много нового и полезного. Именно с этого времени можно вести отсчет второй эпохи японской анимации. Большая часть студий и компаний, которые известны сегодня, тогда еще только родились. Тем не менее, именно в то время на арену начали приходить первые отаку, люди, выросшие на ежедневном просмотре аниме. Вместе с ними пришли и новые веяния. Старые студии под управлением пожилых-сэнсэев медленно, но верно поворачивали рычаги, изучали новые направления, нанимали новых сотрудников. Эпоха детской анимации подходила к концу. Начиналась эпоха подросткового аниме, которая продолжается и по сей день.

Автор «Апельсиновой улицы» (мангака Мацумото Идзуми) одним из первых увидел новые просторы. В те дни романтический жанр находился в своем зародыше (до Мацумото в этом жанре отметилась разве что Такахаси Румико со своим «Доходным домом Иккоку»), а посему рано или поздно должен был появиться автор, которому предначертано положить начало. Конечно, глупо утверждать, будто Идзуми являлся первопроходцем, однако именно его произведение стало удивительно популярным и важным для развития этого жанра. Главное, что выделило «Апельсиновую улицу» среди аналогичных серий, — это большой лирический уклон, а также замечательный подбор характеров. Тем не менее, как и Такахаси Румико (в большинстве своих работ), автор «Капризов Апельсиновой улицы» не стал отбрасывать привычную смесь жанров: в этом сериале есть мистический оттенок, читающийся в умении главного героя телепортироваться, исчезать и использовать сверхспособности; оттенок не стал доминирующим, он выглядит как обязательное дополнение во многих романтических произведениях.

Впервые «Капризы» были опубликованы в 1984 г., печатались вплоть до 1987 г. В 87-ом эту мангу решили экранизировать. Над экранизацией «Апельсиновой улицы» работало несколько видных деятелей, одним из которых был режиссер Мотидзуки Томомицу — будущий режиссер-экранизатор «Раммы 1/2». До экранизации «апельсиновой» серии Мотидзуки работал над упоминавшемся выше «Доходным домом Иккоку», где он и проявил свое мастерство постановщика романтического аниме впервые.

Сюжет сериала повторяет сюжет манги и основывается на типичном любовном треугольнике: две девушки любят одного парня, а парень, в свою очередь, не может решиться сказать одной девушке «нет», а другой «да». Вдобавок ко всему, главный герой (Кёсукэ), как я уже писал выше, обладает мистическими способностями, что не только не помогает ему в его любовных делах, но, наоборот, всячески мешает. Не имея возможности сказать, что он медиум, Кёсукэ приходиться скрывать свои способности, что не всегда получается и подчас приводит к забавным казусам.

Простенький на вид сюжет также просто и обыгран. В сериале нет философии и излишней фантастики. Скорее всего, именно поэтому он очень легок и приятен. Ставка делалась на персонажей и их проработку, и, нужно отметить, что это у авторов замечательно получилось. И если даже герои попадали в прошлое, оказывались в фантастических ситуациях, то на первом месте все равно стояли их отношения. Немаловажную роль сыграла стилизация сериала. На вид простые дизайнерские решения на поверку оказались очень мощным тараном, пробивающим искусственность и наигранность. Руку к дизайнам приложила знаменитый дизайнер-иллюстратор Такада Акэми, благодаря чему арт получился оригинальным и неповторимым, хотя некое сходство со стилем Такахаси Румико проследить-таки можно, но это скорее веяние времени.

Забавно получилось и то, что большая часть эпизодов сериала является необязательной. То есть, смотреть их можно, но, пропустив пару из них, вы мало что потеряете. Вообще, такой тип подачи сюжета вполне обычен для длинных романтических сериалов; благодаря филлерам создается элемент повседневности и укрепляется романтическая линия. Таким образом, 48-серийный сериал можно условно назвать 12-серийным: первые 10 эпизодов знакомят зрителя с героями, заключительные два подводят итог. Промежуточные 36 эпизодов — это отдельные мини-эпизоды из жизни главных героев.

На мой взгляд, «Капризы Апельсиновой улицы» — не только очень важный, но и очень забавный сериал. В нем много смешных и милых моментов, а также здоровских персонажей. А самая интересная особенность заключается в том, что смотреть его лучше не залпом — серий по 15 в день; а медленно — эпизода по 2-3. Во многом это объясняется тем, что при медленном просмотре происходит привыкание к героям, чего нельзя сказать о «залповом» потреблении. Нужно ли говорить, что именно на привыкание к героям и медленный тип повествования ставилась ставка создателей.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (1)

Garou Densetsu: The Motion Picture (2004.09.24)

Середина 90-х — рассвет файтингов и видеоприствок. Первобытные 8-битки уходили прочь, а на смену им приходили более мощные машинки от «Sega» и «Nintendo». А вместе с новыми машинками приходили и более мощные файтинги: «Уличный боец», «Смертельная схватка», «Фатальная ярость», «Теккен», «Дух Самурая» и множество других.

Со временем спрос на файтинги стал столь же крепким и устойчивым, сколь и на нефть. Конечно же, при таком раскладе аниме-экранизаторы не могли не подсуетиться, начав на перебой, словно выхватывая друг у друга горячую картошку, клепать разного качества экранизации. Что характерно, в большинстве своем у них ничего хорошего не получалось. Мало того, что все они делали, по сути, одно и то же, не вкладывая в фильм ни единой толики оригинальности, так они еще и в большинстве случаев откровенно халтурили, вытряхивая из публики деньги, подкупая всего лишь одним названием. Чтобы понять это, не обязательно смотреть весь файтинговый ширпотреб, стоит просто взглянуть на рейтинги худших аниме.

Тем не менее, создавались вещи и достойные. С неплохой прорисовкой и анимацией, с достойной озвучкой и даже удобоваримым сюжетом. Удобоваримым настолько, насколько мог позволить себе этот жанр. Лично я к таким произведениям отношу «Уличного бойца» и «Фатальную ярость», которые вышли в 1994 году. Оба фильма – яркий образ продуманного файтинга, где основное время отводится не только на бои и мышцы, но и на сюжетные перипетеи.

В обоих фильмах сюжетная основа идентична. Появляется злой крутой парень с тремя-четырьмя помощниками и пытается завоевать мир. Добрым и сильным героям, которые либо отшельники-бездельники, либо крутые бойцы за деньги, эта идея не приходится по вкусу, в результате чего они часа полтора гоняются за плохишами, а когда ловят, то на разный манер бьют их по голове, выколачивая из тех всю скопившеюся дурь. В конце фильма обязательно происходит финальная баталия между добряком-отшельником и злодеем-качком. Сделав свою работу, добряк-отшельник продолжает отшельничать, а его свита вновь возвращается к своим утехам.

Как видно из этого синопсиса, все предельно ясно и просто. Более того, на первый взгляд, может показаться, что сюжет этих фильмов в высшей степени идиотский, а рассчитан разве что на второклассников. В принципе, так оно и есть. Однако необходимо учитывать жанристику этих произведений, после чего невольно понимаешь, что создать нечто лучше, имея целью показывать всего лишь драки, вряд ли возможно. Мало того, перед авторами-экранизаторами стоит еще одна немаловажная задача – запихнуть в такой фильм не трех-четырех героев, как это делается в большинстве произведений, а человек пятнадцать-двадцать. Одним словом, всех тех, кто, так или иначе, упоминается в игре. А это уже сложно. Волей по не воле, им приходится встраивать в картину абсолютно неуместные эпизоды и бои, которые сильно отвлекают от общего действа. Но таковы законы жанра и они неизменны.

Под конец замечу, что этот фильм, как и «Уличный боец», не един — он входит в большую серию «Фатальная ярость». Смотреть его можно и как самостоятельное произведение, и как сиквел. Второе, правда, предпочтительней.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Махороматик: Автоматическая девушка (2004.09.22)

«Махороматик» — своеобразная гайнаксовская сказка о любви, в тончайшей форме высмеивающая всю японскую анимацию. Нужно отметить, что в последнее время для этой студии нечто подобное стало уже привычным делом. Во втором произведении авторы делают отсылку на первое, а в третьем на второе.

История про автоматическую горничную получилась невероятно странной. Все дело в том, что авторы смешали по сути два не очень совместимых жанра: романтическую кавайную комедию и футуристический меха-экшн, причем героиня Махоро играет главную роль в обоих жанрах. В комедии она — милейший типаж чудаковатой девочки; в экшне — суровый боец-андроид, бьющий разную инопланетную нечисть.

Само собой, подобное совмещение происходит не в первый раз. Нечто похожее в той или иной ипостаси уже было в разнообразных сериалах, однако нельзя погрешить против истинны, «Махороматик» выглядит на фоне конкурентов весьма привлекательно. Главное, что правильно сделали авторы, — не стали уделять больше внимания войне, чем домашней повседневности. В свое время подобную ошибку допустили в «Стальной тревоге!» и, возможно, в сериале «Моя девушка — совершенное оружие». Ошибка привела к тому, что герои в этих сериалах не успели прижиться к зрителю, так как все время воевали и сражались, а любви и отношениям уделяли меньше времени. В «Махороматике» все как раз наоборот: на первом месте любовь, хоть и очень своеобразная, а уже на втором экшн.

Главный герой этого сериала — школьник. Главная героиня — военный робот, которого демобилизовали на гражданку. Теперь, забросив войну, она может заниматься всем, чей захочется. Ей захотелось помогать людям, и она стала домашней горничной, а на работу ее взял как раз тот самый школьник, главный герой. Ближе к концу сериала оба персонажа так привыкли друг к другу, что расставание между ними было немыслимо, однако счетчик девушки-робота тикает, говоря о том, что жить ей осталось совсем чуть-чуть…

Режиссер «Махороматика» — президент «Гайнакса» Ямага Хироюки. Нельзя сказать, что он очень уж плодовит на всевозможные произведения, однако иной раз может создать вещи не хуже, чем его коллега Анно Хидэаки, а это уже многого стоит. Тем не менее, нельзя не отметить, что Ямага чересчур склонен к пародированию. Это подтверждает явно пародийная атмосфера «Махороматика» и его следующий сериал «Абэнобаси», где Ямага не стал скромничать и развернулся на полную катушку. Вообще, пародия вещь тонкая: многие ее могут не понять, а многие просто не принять. К тому же нужно всегда знать меру и не доводить ее до откровенного маразма, когда пародируется все на свете и при том почти без всякого на то основания и перерыва. Так было в «Абэнобаси». В «Махороматике», к счастью, все намного лучше. Пародия тут, как я написал в самом начале, очень удачна. Она не высмеивает нечто конкретное (хотя пару примеров привести можно); она высмеивает всю японскую анимацию в целом. То есть, в отличие от других произведений, тут трудно заметить явную пародию одного персонажа на другого, однако сама пародийная атмосфера фильма чувствуется практически с первых кадров, а апогей наступает при фразе: «а дальше, как и в любом приличном сериале, фансервиса у нас будет еще больше».

Таким образом, если все сводить к общему знаменателю, то получается, что «Махороматик» Ямаги Хироюки удачен сразу по двум флангам. Во-первых, сериал замечательно сочетает не очень сочетаемые жанры. Во-вторых, это произведение почти всегда увлекательно за счет пародийной атмосферы, которая вбирает в себя почти все самые лучшие находки как экшн-аниме, так и комедийно-романтической анимации.


+3Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Звездные рыцари со Звезды изгоев (2004.09.14)

Чем больше приходится смотреть аниме, выпущенное в 1998 году, тем сильнее укрепляется давно запавшая мысль о том, что это один из самых удачных годов за все девятое десятилетие. Помимо различного рода сиквелов и аддонов к уже известным сериям, в 98-ом появилось немало самостоятельных произведений, сейчас уже ставших классическими: «Лэйн», «Бибоп», «Тригун», «С его стороны — с ее стороны» и некоторые другие, перечислять которые, конечно же, не имеет смысла, так как рецензия подразумевает под собой несколько иную цель. А именно — упоминание на страницах данного сайта еще об одном, безусловно, удачном ТВ-сериале того же года.

«Звездные рыцари со Звезды изгоев» — умилительное фантастическое произведение, выпущенное студией Sunrise. Интересно в нем то, что это уже третий по счету сериал за 98 год, где в главной роли можно заметить знакомый еще по «Космическим приключениям Кобры» и «Люпену» типаж расхлябного героя, которому все и везде нипочем. Cамым известным парнем 98-ого стал Спайк Шпигель из «Ковбоя Бибопа», вторым — безбашенный тип по имени Ваш из сериала «Тригун». Теперь дуэт преобразуется в трио, и дополняет его еще один авантюрист, искатель приключений и просто прикольный малый по имени Джин.

С одной стороны, конечно, трудно предположить, почему именно в 98-ом были выпущены столь похожие друг на друга образы и типажи. Но если «Тригун» создавался студией Madhouse, то два оставшихся вылезли из недр Sunrise, причем практически в одно и тоже время, что явно говорит о преследовании этой студии неких коварных замыслов.

Результатом такой схожести, само собой, стала попытка сравнения «Изгоев» и «Ковбоя», а также выявления между ними общих черт и возможных различий. Однако уже в первые минуты просмотра рецензируемого сериала было понятно, кто тут первый, а кто второй. Сериал Ватанабэ вне всяких сомнений смотрится лучше не только на фоне «Тригуна», но теперь уже и на фоне «Изгоев», чем еще раз доказывает, что заслуженно занимает первые места почти во всех респектабельных хит-парадах.

Сюжет, положенный в основу «Изгоев», во многом схож с сюжетом своего собрата и основан на межпланетных приключениях команды разношерстных героев, целью которых является поимка разного рода жуликов и мерзавцев, а также поиске легендарного сокровища. Как водится, жулики и мерзавцы создают главным героям проблемы, чем закономерно растягивают сериал ровно на 26 серий, а сокровище является светлой точкой, маячащей на горизонте и своевременно сериал обрывающей. Иными словами, построение вполне типично, но ничего необычного в этом нет.

Зато есть много необычного в воплощении. По мере просмотра сериала у меня даже сложилось впечатление, будто авторы намеренно создавали некую идентичность между обоими произведениями. Иначе, как объяснить, инертно летящий корабль на фоне бесконечного космоса под звуки джаза, который лишь слегка отличается от того, что в скором времени напишет Канно. Похоже и строение. Сериал не линеен, большая часть эпизодов самобытна и никак не влияет на будущее действие. Иными словами, схожесть на лицо практически во всем. Возможно, «Изгои», вышедшие на экран всего за три месяца перед премьерой первой серии «Ковбоя Бибопа», были всего лишь тестом на успешность подобной идеи, на ее положительное восприятие зрительской аудиторией. Может быть, поэтому, не рискуя понапрасну, издатели из «Sunrise» не стали вкладывать много денег в этот проект, намеренно сделав его слабее второго сериала, с единым лишь вопросом: а стоит ли тратиться на «Ковбоя» и режиссера Ватанабэ?

Как видно, стоило.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Удивительный мир Эль-Хазард OVA-1 (2004.09.11)

«Эль Хазард», появившийся на экранах примерно десять лет назад, сегодня оценить по достоинству трудно. Несмотря на всю добротность, а также большое количество поклонников, я не могу не отметить, что и тут есть минусы, а главный из них — формат OAV и, как следствие, слишком малое количество серий. Зачастую фэнтези-сериалам не хватает 26 эпизодов, чтобы полноценно погрузить зрителя в вымышленный мир. Что уж тут говорить о семи эпизодах?

Во-вторых, трудно оценивать «Эль Хазард» еще и потому, что именно в середине 90-х было выпущено много аналогичных картин с практически идентичным сюжетом. Только из самых популярных вспоминаются ТВ-сериалы «Видения Эскафлона» (1996) и «Мистическая игра» (1995), а также манга «Инуяся» (1996). Но если перечисленные произведения являются весьма и весьма объемными (минимум 26 эпизодов), то «Эль Хазард» со своими семью OAV смотрится среди них, как бедный родственник.

Фабула «Эль Хазарда» построена авторами на все том же попадании главных героев в альтернативный мир, где, в отличие от нашего, правят мечи и магия, а государства, поделенные на светлые и темные, в традиционной форме выясняют между собой отношения. «Пришельцы», попавшие в такие миры: а) пользуются уважением и становятся главными героями-освободителями; б) почти всегда обретают сверхсилу. «Эль Хазард» ничем не отличается от своих старших собратьев.

Четверо героев, трое школьников и один учитель-алкоголик, по воле случая попадают в странный мир, зовущийся Эль Хазардом, да еще в самый разгар местной войны между людьми и гигантскими насекомыми. Оценив положение, трое из них встают на сторону людей и начинают сражаться против недругов. Четвертый же, будучи завистливым и коварным, предпочитает жуков. Все дальнейшее выстраивается по знакомому сценарию.

Как я уже написал в начале, подобные сюжеты были не только модны в середине прошлого десятилетия, но и зачастую интересно воплощались. Получилось ли удачно воплотить нечто подобное тут? И да, и нет. Если не придираться по полной программе, то откровенных ляпов нет, однако, как авторы ни старались, а за семь эпизодов полноценный фэнтези-мир им создать не удалось и уж тем более не удалось раскрыть характеры героев, заставить зрителя привыкнуть к ним. Как говорит господин Шуклин: «Только начали, и уже пора кончать».

Из положительных сторон имеет смысл отметить отлично сделанного ученика Кацухико Дзинная, вставшего на сторону жуков и весь сериал строившего разные козни положительным героям. А так как положительные герои в этом произведении получились чересчур уж положительными, то единственный полноценно отрицательный персонаж на их фоне смотрелся великолепно. В успешности Кацухико решающую роль сыграл не только дизайн, но и почти гениальная актерская работа Окиаю Рётаро, истерическому смеху которого можно лишь тихо умиляться и восторгаться. Сколько уже было разных смехов, но смех Рётаро, как выяснилось, самый смешной и коварный.

Остальные персонажи скучны, может быть, за исключением учителя-алкоголика. Он забавен, порой даже очень, однако ближе к третьей серии его желание напиться уже не кажется таким смешным, а потом и вовсе надоедает. Это как рассказывать одну шутку по десять раз. Главный же герой всего этого дела получился, откровенно говоря, отвратительным: этакий правильный мальчик-красавчик, за которым бегают все местные девочки. Ни единой шутки, одни банальные диалоги и такой же банальный типаж. Мерзко и скучно.

Возвращаясь к глобальному сюжету, напомню тот факт, что над фильмом работало огромное количество авторов — практически каждый эпизод творил отдельный режиссер, в результате чего получилось так, что некоторые серии выглядят откровенно вторично и скучно, а какие-то, как, например, первая, увлекательно и интересно.

Номинально главным режиссером «Эль Хазарда» является Хаяси Хироки — самый популярный режиссер первой половины 90-х, однако он лишь курировал проект, сериал же создавался, кем попало. Возможно, это и повлияло на общую картину, в которой по-настоящему удачные находки сменяются скучными переделками из других фэнтези.

У сериала есть закономерное продолжение в виде еще 4 OAV и целого 13-серийного ТВ-сериала, а истинным поклонникам можно порекомендовать еще и альтернативный 26-серийный ТВ-сериал, выходивший примерно в то же время, что и описываемый OAV-сериал.


+5Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Стальная тревога: Фумоффу (2004.09.07)

Кто бы мог подумать, что присутствие пресловутой студии GONZO так сильно портит произведения. Вы, наверное, уже заметили, что я почти все творения этой компании рублю под корень. Однако делаю это не из-за того, что мне не нравится их логотип или название, а исключительно по той причине, что все их сериалы как бы намеренно скатываются в область бесконечного экшна к сопутствующему трагикомизму пафоса. Другими словами, ко всей той вторичности, которую заездили тысячи авторов до откровенного омерзения.

И так, «Стальная тревога II». Главная новость — в «стаффе» нет GONZO. Вторая по значимости новость — из сериала выкинули не только студию пафосных подельщиков, но и весь их бред про террористов и роботов, нападающих на Россию. Что осталось? Бесконечный стеб, комедия не знающая границ и смешащая до упаду от начала первого эпизода вплоть до конца последнего. И хотя все серии остались посвящены сражениям, отныне сражения происходят не с террористами на Ближнем Востоке, а между главным героем — непробиваемым солдафоном Сосукэ и окружающими его школьниками. Таким образом, весь новый сериал оказался выстроен на единственной удачной идее, имевшейся в прошлом сериале — на школе и школьных приключениях. Помнится, когда я писал рецензию на первую «Тревогу», то как раз отмечал, что неплохо бы увидеть этот сериал, но основывающийся не на войне, а на комедии в учебном заведении, благо герои подходили на эту роль с блеском. Как оказалось чуть позже, многие другие зрители думали абсолютно также, результатом чему и стал «Фумоффу».

Второй сериал побили на 12 эпизодов, некоторые из которых оказались парными. Из геройского состава не потерян ни один типаж, за исключением того, что большая часть оказалась практически выброшена за борт. То есть, бывшие герои хотя бы раз, но упоминаются, однако на переднем плане новые создатели оставили исключительно нужных персонажей: уже упомянутого выше Сосукэ, его подружку Канамэ и школьников. Военных же демобилизовали.

Новые авторы так же не стали придерживаться единой сюжетной линии. Сериал построен на разных эпизодах, практически не стыкующихся между собой, по тому же принципу, что и многие популярные сериалы вроде «Раммы 1/2», где нет единого сюжета, однако почти каждая серия по-своему важна для общей композиции. В «Фумоффу» нет ни доброго героя, ни основного злодея, только юмор и смешные похождения бравого Сосукэ по школьным коридорам с его вечными теориями заговоров.

Из новоиспеченных персонажей стоит отметить мишку-милашку Фумоффу, в честь которого и назван второй сериал. Кавайный зверек в этом произведении стал своеобразным эталоном, говорящим, что отныне все будет по-другому. Никаких меха и войн — только я и сопутствующий мне юмор и кавай. Прелестная находка авторов, нечего сказать. Вообще, смотря сериал, я не раз подмечал, что «Стальная тревога II» — одно из тех отличных произведений, которое начисто лишено «неправильности». Все, что было показано, было уместно и тематически верно.

Итог. Второй сериал вне всяких сомнений великолепен. Великолепен не только на фоне оригинала, но и на фоне всего остального комедийного аниме. Единственный минус заключается в том, что смотреть его нужно после первой «Тревоги», а это, еще раз напомню, 9 часов сплошного дебилизма, хвалить за который нужно всеми любимую студию GONZO и их явно нездоровые наклонности.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (6)

Инуяся (фильм первый) (2004.09.05)

Всякий раз, когда приходиться говорить на тему «Инуяси», у меня появляется желание наговорить много хорошего и доброго. Так уж получилось, что когда я начал просмотр первых эпизодов с задумкой повысить свой общеобразовательный уровень, то еще не понимал, во что в итоге выльется вся эта затея. Медленно, но упорно, по одной-две серии в день, я достиг-таки 30-ого эпизода, после чего сериал превратился в такую тянучку, оторваться от которой оказалось просто невозможно. С каждой новой серией герои притягивали все больше, а средневековый мир, выстроенный Такахаси Румико, становился все более реальным и осязаемым. Под конец дело дошло даже до того, что мне попросту не удавалось заснуть, не посмотрев перед сном пару-тройку эпизодов.

ТВ-сериал «Инуяся» начали показывать примерно четыре года назад, окончание же ожидается завтра — 6 сентября 2004 года. Можно даже сказать, что я намеренно приурочил эту статью в честь завершения сериала. Но вернемся к теме. Помимо еженедельного выхода новой серии, ровно один раз в год экранизаторы снимали полнометражный фильм, дополняющий сериал на текущем отрезке времени. На данный момент, таких «полнометражек» отснято три штуки: «Любовь преодолевает время», «Замок в зазеркалье» и «Меч, покоряющий мир». Четвертая же готовится к выходу на экраны к концу этого года.

Первый полнометражный фильм, о котором речь дальше и пойдет, возвращает нас в мир сериала, где главные события уже якобы произошли. Знакомая шестерка персонажей: Инуяся, Кагомэ, Мироку, Санго, Сиппо и Кирара — собралась и странствует по миру, разыскивая заветные осколки Камня Душ. Обычных демонов герои побеждают залихватски — стрелами и когтями, врагов посильнее Инуяся бьет знаменитой Раной Ветра, а самых сильных супостатов мощнейшей атакой своего меча — Бакурюхой. Это говорит о том, что почти все ключевые события уже произошли, а повествование медленно, но верно движется в нужном русле. Тем не менее, сюжет фильма не затрагивает основную линию сериала — Нараку. Главного злодея тут нет, также как нет ни одного упоминания о нем.

Если говорить об этом фильме, как об отдельном произведении, которое не связанно с сериалом, то его вряд ли можно выделить из сотен аналогичных мистических фильмов. Однако рассматривать его с этой точки зрения не есть правильно. «Любовь преодолевает время» — типичное дополнение, не претендующее на какие-либо лавры, а значит и самостоятельность в нем искать глупо. Как дополнение, этот фильм неплох; типичен, но неплох. Являясь полнометражным, он, по сути, является всего лишь одним большим эпизодом, выдернутым из огромного сериала. А поскольку рассуждать об оригинальности и интересности одного эпизода — это тоже самое, что копаться в грязном белье, то и рассматривать этот фильм под таким углом в корне не верно. Это всего лишь эпизод.

Что явно изменилось, и притом в лучшую сторону, так это техническая реализация. Оно и не удивительно, ведь любой полнометражный фильм дает фору почти любому ТВ-сериалу как в плане прорисовки, так и в плане анимации. Тут тоже самое. Достойная графика и анимация дополняется классическим музнаполнением Вады Каору и не изменившимся актерским составом: за Инуясу все также бубнит Ямагути Каппэй. Единственное, что ново — режиссер. Этот полнометражный фильм, как и два последующих, поставил Синохара Тосия, в прошлом автор одного из эпизодов сериала «Уважаемый старший брат...» и небольшого выпуска «Люпена III».


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Дни Мидори (2004.09.02)

Продолжая славные традиции суперперсокона Ти, маленькой ручной горничной Май, крошечной феи Сахарок и прочих колоритных личностей на кавайном небосклоне, малютка Мидори доказывает непробиваемым и твердолобым ненавистникам всего прелестного, что кавай есть и, судя по всему, его не может не быть.

Небольшой ТВ-сериал «Дни Мидори» транслировался по тамошнему телевидению совсем недавно, его показ закончился в июне этого года, а посему можно без преувеличения сказать, что это один из самых свежих аниме-сериалов, добравшихся посредством сети до российских просторов. И это очень хорошо. Во-первых, хорошо потому, что сериал наглядно демонстрирует неугасающую популярность этого направления. Во-вторых, это хорошо еще и потому, что сам по себе сериал неплохой, так что смотреть его вполне можно.

Сюжет оказался привычным и логичным для подобного рода произведений; по сути, он заключается в стандартной встречи ловеласа-неудачника с милой, но кроткой девочкой. И если «ловеласу» по всем законам жанра принято быть неромантичным и порой непробиваемым истуканом, то его подружке, опять-таки по закону жанра, принято быть необычной и, конечно же, милой до одурения. В «Тёбитах» главная героиня была роботом, в «Ручной горничной» тоже роботом, но уже маленьким. Мидори от коллег не отстает. Будучи нормальной девушкой-школьницей, она в связи с некими загадочными обстоятельствами превращается в кавайную малютку, но с тем лишь отличием от конкурентов, что, вдобавок ко всему, еще и становится правой рукой своего возлюбленного. Правой рукой не в аллегорическом смысле, а в самом что ни на есть прямом.

Глупость, само собой, полная и как заметил мой коллега киноман: «всему же есть предел!» Тем не менее, нужно отметить, что воплотить эту весьма и весьма спорную по своей бредовости идею у авторов получилось без особого изврата: мило и забавно. Сцен в бане оказалось совсем не много, хотя я был уверен, что на это будет сделан особый упор. Вместо построения комедийной части создателям намного больше нравилось строить романтические отношения между героями. Любовные треугольники и квадраты, разного рода признания и прочая дребедень тут является второй темой после превращения Мидори в руку. Не думаю, что это так уж плохо. В конце концов «Тёбиты» тоже частенько уклонялись в сторону излишнего романтизма и разного рода любовных отношений, но это не мешает им быть признанным образцом в этом жанре.

Если говорить об общих впечатлениях, то «Мидори» скорее понравилась, чем нет. Типичный, но неплохо обыгранный сюжет. Типичные, но также неплохо обыгранные персонажи и их положения. Типичный конец, типичное начало, типичные промежуточные эпизоды, но еще раз повторюсь: все это неплохо обыграно. Одним словом, четверка. Легко, мило, но не ново.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Словно облако, словно ветер (2004.08.31)

Чего подчас не хватает японской анимации, так это исторических фильмов, основанных на событиях, имевших место быть в реальности. Из всех произведений, которые, так или иначе, подпадают под категорию «исторических» большая часть посвящена либо Второй Мировой и ее последствиям, либо эпохе Мэйдзи и сопутствующему перевороту. Во многом благодаря этому, полнометражный фильм «Словно облако, словно ветер» был встречен мною с удовольствием, хотя ничем особенным он поражать не должен.

Фильм базируется на произведении Сакэми Кэнъити и возвращает зрителя в древний Китай, где главное место занимали императоры и вся их челядь. «Словно облако, словно ветер» начинается со смерти одного подобного правителя и передачи его полномочий молодому сыну. По жестким местным законам, император, вступивший в должность, должен обзавестись целым табуном жен, которые будут его окружать и услаждать денно и нощно, а так как после старого правителя остались одни старухи, то новому пришлось разослать слуг во все концы тогдашнего Китая, чтобы они привезли ему кого-нибудь помоложе. Так зритель и встречается с главной героиней — настоящим бесенком в человеческом обличье по имени Гинга. Хитрые глазки, постоянные гримасы и откровенно непристойное для государева двора поведение Гинги по началу воспринимается слугами как нечто шутовское, однако, как оказывается позже, именно ей отдает предпочтение молодой император. На этом заканчивается первая половина фильма — романтичная и комичная, и начинается вторая — драматичная.

Как известно, любая смена власти влечет за собой кучу интриг и мелких интрижек, а уж если власть меняется не где-нибудь, а в Китае, да еще и в средневековье, то количество интриг резко удваивается. Местные жены прошлого императора, прислуга, сэнсэи, разбойники-авантюристы и еще тысяча подобных типажей только и думают, как бы сесть на трон императора, а самого его связать и обезглавить. Собственно, все это и происходит в фильме. Император изо всех сил борется, в чем ему помогает новоприобретенная женушка Гинга, однако с каждой минутой врагов становится больше, интриги закручиваются сильнее, а власть самодержавца, наоборот, слабеет и постепенно превращается в мыльный пузырь.

Под конец добавлю немного субъективизма. Мне лично фильм понравился. Хоть сюжет и оказался закручен вокруг политики и разного рода доносов, он не скатился в сторону заумного учебника по истории, а до самого конца остался понятным и логичным. Смотреть это аниме просто и легко, порой даже интересно. А в какой-то момент и вовсе показалось, что передо мной один из ранних фильмов студии «Ghibli». Вполне возможно, это чувство появилась в результате того, что одну из главных должностей в авторском составе занимал Кондо Кацуя — известный гиблевский аниматор и дизайнер.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Клевая пара (2004.08.12)

Невообразимо безбашенный 16-серийный сериал, вместивший в себя все фансервисные моменты и этти-сценки, какие только могут прийти в голову. Большим плюсом произведения является его относительная укороченность – одна серия идет всего 8 минут, что дает возможность просмотреть все 16 эпизодов за один вечер и лечь спать с чувством выполненного долга.

История не нова, но великолепно изложена. Легко, в шутливой форме, без драматизма и излишнего романтизма она рассказывает о всеми любимом типаже японского школьника снедаемого лишь одним желанием – найти себе девочку. Правда, в отличие от сотен подобных произведений, тут авторы не стали прикрываться высокими материями любви, а показали все, как есть: убрали поэзию и лирику, оставили животные инстинкты; выбросили скромнягу-школьника, но вставили безбашенного парня, во всем ищущего объект утоления страсти. Вообще, слово «безбашенный», как мне кажется, подходит к описываемому творению просто замечательно. Не забывая об ограниченном времени, авторы ни на секунду не спускали заданного ритма: трусики, лифчики, кровь из носу, паренек, тянущийся пальцем к заветному месту, девочка, бьющая по руке тянущегося паренька и прочее, прочее, прочее. Одним словом, фансервис. Фансервис от начала и до конца; фансервис – суть сего творения, его неотъемлемая часть.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Ну и ну! Земляничные яйца (2004.08.11)

Когда я писал статью о «Великом учителе Онидзуке», я с жадностью отдавался перебору всех знакомых фильмов и сериалов, дабы найти хоть какие-то аналогии, но, как это не прискорбно, мне вспоминался лишь сериал «Пожалуйста! Учитель», в котором один из главных героев был учитель. Признаться, в тот момент мне становилось ужасно стыдно: казалось, что уж где-где, а в школьных произведениях ничего нового не покажут. «Онидзука» опроверг эту уверенность, а заодно заставил поискать работы похожей тематики. Что удивительно, нечто подобное нашлось довольно быстро, им стал ТВ-сериал «Земляничные яйца», транслировавшийся в 2001 году.

Первое, что хочется подметить, так это сходство обеих работ. Сходство как тематическое, так и сюжетное. Тематика — школа и обучение, сюжет — парень, который хочет учить детей. Единственное «но»: в «Великом учителе Онидзуке» основным героем был Онидзука, без которого не могло быть и речи о развертке каких-либо действий. В новом же сериале главный герой настолько слабо раскрыт, что его участие в сюжете мало на что влияет. Он вроде бы как топчется, что-то говорит, порой даже пытается подрожать «старшему брату» и выкидывает шутки, но в основном его участие — фон для игры других персонажей. Это, конечно, не может радовать, потому как учительская тематика снова отодвигается на второй план, а на первый выходят отношения 14-летних учеников, о которых мы и так все уже знаем.

Тем не менее, стоит отметить, что ставка на главного героя была сделана солидная. Об этом свидетельствует хотя бы его колоритное и во многом оригинальное появление, которое мы видим в начальном эпизоде. Молодой Хибики Амава приезжает в новый город без копейки в кармане, имея за плечами лишь пса да диплом педагога. Чтобы оплатить квартиру, он решает наняться в единственную близлежащую школу учителем физкультуры. Придя туда, он узнает, что на работу принимают учителей исключительно женского пола, а никак не мужского. Не особо задаваясь вопросом: «почему так и отчего», наш учитель, выросший на сериале «ВУО», переодевается в женщину. Главное для него — учить детей, а посему дурацкий вид и тяготы, сопутствующие подобному стилю жизни, его почти не волнуют.

Все дальнейшее развивается по заданному сценарию. Правда, ожидаемые казусы, связанные с нелепым положением мужика в юбке, так и остаются ожидаемыми. Не знаю почему, но авторы решили не акцентировать внимание на созданном ими же «трансвестите». Более того, смотря сериал, со временем и вовсе забываешь, что на экране переодетый парень — настолько по-женски ведет себя главный герой. В связи с этим, то, что по идее должно забавлять, оказывается вырезано, а зрителю подсовываются всего лишь типичные ученические положения: первая любовь, поездки в лагерь, школьные мероприятия и прочее. Не могу сказать, что эти положения выглядят плохо или нелепо. Они просто вторичны. Ничего нового и завораживающего при таком раскладе авторы продемонстрировать не могли, а главную изюминку, способную спасти положение, сами же и убили. Зачем это было сделано — вопрос большой: то ли не хотели, наполняя шутками, копировать «Онидзуку»; то ли хотели по-новому показать тысячу раз объезженные моменты; то ли просто выполняли чей-то заказ, продвигая в массы профессию учителя. Но, так или иначе, а «Онидзуки» у них не получилось; по заезженным моментам еще раз проехались, отчего те стали еще более заезженным; учительская должность после просмотра фильма и вовсе выглядит подозрительно.

Однако есть и плюсы. Не знаю, как другим, а мне понравилась атмосфера сериала. Совсем чуть-чуть, но сглаживающая сюжетную вторичность. В основу атмосферы положили прекрасную музыку и мягкие тона задних фонов, что хорошо видно на картинках. В меньшей степени сыграли дизайны персонажей — они настолько же вторичны, насколько вторичен и сам сюжет, а напоминают больше всего упоминавшийся выше сериал «Пожалуйста! Учитель». Дизайн фонов, пейзажей, а также музыка положительно сказались на визуальном восприятии всего происходящего. Более того, благодаря этим атрибутам произведение получилось ласковым, легким и романтичным, так что смотреть сериал рекомендую, прежде всего, как легкое развлечение, предназначенное, прежде всего, для романтиков и лириков.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Крутой учитель Онидзука (2004.07.26)

Блестящий сериал-экранизация, в основу которого легла измусоленная в сотнях японских произведений школьная тема. Однако, в отличие от сотен, «Великий учитель Онидзука» («ВУО») отдает большее предпочтение не комичным и драматичным положениям учащихся, а комичным и драматичным положениям самих учителей.

Главный персонаж «ВУО» — молодой парень Онидзука, с виду оболтус и разгильдяй, при внимательном рассмотрении — человек с добрым сердцем и открытой душой. Ветер в его голове компенсируется стремлением помочь ученикам в их житейских неурядицах. Безусловно, это персонаж-находка. Он — основа всей композиции, на которую, словно на ниточку, нанизано 43 эпизода. Важность Онидзуки для «ВУО» сравнима с важностью Люпена для «Люпен III» или Алукарда для «Хеллсинга». Он один из тех персонажей, без которых произведение рушится, превращается в пыль, становится вторичной поделкой.

Получив «ВУО» на рецензию, сразу же захотелось найти аналогии, сравнить с чем-либо, ведь, на первый взгляд, подыскать нечто схожее казалось не трудно. Каково же было огорчение (и радость), когда, перебирая одно произведение за другим, приходилось лишь опускать руки и вновь напрягать память. В самом начале я уже писал, что школьная тема обыгрывалась бесчисленное множество раз; казалось, что придумать нечто оригинальное, взяв ее за основу, вряд ли возможно. Школу соединяли с войной («Моя девушка — совершенное оружие»), из школы делали полигон для армейской бравады («Стальная тревога!»), школу показывали с женской стороны («Адзуманга Дайо»), превращали в зверинец («Рамма 1/2» и «Корзинка фруктов»), школа была мистическая («Канон»), сюрреалистическая («Фури-Кури»), фантастико-психологическая («Евангелион»), кибернетическая («Лэйн: Серийные испытания») и даже пародийная («Пуни Пуни Поэми»), а уж количество обычных романтико-повседневных школ подсчету не поддается. Но не было школы, в которой предпочтение отдали учителям и системе образования. По крайней мере, мне ничего подобного в голову не пришло, если не считать «Пожалуйста! Учитель» — несерьезную, легкомысленную и фантастическую поделку об учителе пришельце от студии «AIC».

Другая не менее занимательная для рецензента тема – жанр препарируемого произведения. Как это ни странно, но на первый взгляд комичный «ВУО», оказался весьма и весьма разноплановым сериалом. Используя комедийный элемент для поддержания интереса, авторы не преминули использовать элементы драмы, романтики и, что самое интересное, редко встречающийся элемент социального фильма, признанным мастером которого является Такахата. Многие серии «ВУО», так или иначе, посвящены современному японскому обществу и в первую очередь японскому образованию, которое и на родине, и за рубежом признанно очень жестким.

Благодаря удачному сочетанию жанров, оригинальной идее, а также до бескрайности харизматичному герою сериал получился великолепным. Легким и увлекательным. А увлекательность — главная составляющая любого длинного ТВ-сериала. Лично для меня аббревиатура «GTO» и словосочетание «non stop» стали взаимозаменяемы. Все эпизоды оказались настолько интересными, что, закончив просмотр одного диска, рука невольно тянулась к следующему. Обычно подобный эффект имеют лишь самые лучшие сериалы, а потому тяга постоянно переставлять диски в проигрывателе — есть вернейшее доказательство первоклассности просматриваемого произведения. «Великий учитель Онидзука» — вне всяких сомнений первоклассное произведение.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Корзинка фруктов (2004.07.19)

Режиссер Дайти Акитаро, творческие работы которого хоть и однонаправлены, но в то же время ярки и популярны, в очередной раз удивил, причем весьма приятно. Специалист по части создания сёдзё-аниме, Дайти уже почти шесть лет не отходит от выработанного стандарта, благодаря чему и остается на вершине, из раза в раз представляя на зрительский суд милейшие сериалы.

Не думаю, что нужно долго рассказывать об авторе, работы которого: «Одзяру-мару», «Дзюбэй-младшая», «Ди-Ги Карат» и «Перекати-поле Цукикагэ Ран» — знакомы всем и говорят сами за себя, а посему двинемся дальше.

Сериал «Корзинка фруктов» имеет аниме-версию и манга-версию. За манга-версию отвечает мангака Такаи Нацуки, дебютировавшая в 1992 году, в журнале «Hana to Yume», а за аниме, как мы уже выяснили, режиссер Дайти-сан и компания «Furuba Production Committee», созданная специально для этого сериала.

Рецензируя тот или иной сериал, нельзя не затронуть такую деликатную тему, каковой является сюжет. В «Корзинке фруктов», что удивительно, он есть. Простенький и незамысловатый, не претендующий на Пулицеровскую премию, но в тоже время доходчивый и очень правильный, сюжет этого сериала не дал повода для придирок. В его основе лежит бессмертный идеал доброты и понимания. Ну, как можно ругать идеалы доброты и взаимопонимания? Это, по меньшей мере, кощунственно. Школьница Хонда Тору, лишившаяся матери и отца, есть тот самый субъект, в который авторы всунули все мыслимые и немыслимые положительные качества. Хонда добра, наивна и честна, если ее ударят по щеке, то она подставит вторую, если ей придется страдать во имя благого дела, то она непременно будет страдать. На первый взгляд это кажется абсурдным, но в том-то все и дело, что на первый. С самого начала и до последней минуты последней серии Дайти-сан всеми возможными способами заставляет зрителя проникнуться пониманием к его персонажу. И, как мне показалось, это у него замечательно получилось. Да, порой поведение Хонды и выглядит слишком уж неправдоподобно, взять хотя бы момент, в котором ее оттаскали за волосы, но в общем все получилось очень даже не плохо. Помимо Хонды, в сериале присутствует много персонажей, однако о них я бы хотел умолчать, так как в ином случае неминуемо раскроется вся сюжетная интрига.

До того момента, как получить режиссерскую должность, Дайти-сан занимался операторской деятельностью: на первых порах как обычный фотограф, а впоследствии как главный оператор. Став режиссером и начав производить сериалы, Дайти очень активно использует наработанные за десять лет приемы. Своим успехом «Корзинка фруктов» во многом обязана именно грамотным дизайнерским, а также операторским решениям. Если попытаться найти сходный по стилизации сериал, то им, конечно же, будет «Адзуманга Дайо» — веселая и милая экранизация произведения Адзумы Киёхико. Главное, что сближает эти сериалы — практически не детализированные задние фоны, выкрашенные в единый цвет, а также комичные положения героев, стилизированные под мангу. На изображениях это хорошо видно.

Вывалив ушат положительных слов и хвалебных словосочетаний, нельзя забывать и об предпочтениях самого режиссера. В самом начале я упомянул, что Дайти Акитаро — это, прежде всего, мастер сёдзё-аниме, а потому описываемый сериал может в корне не понравится так называемым «сёнэнам». Не каждый парень захочет смотреть на персонаж, который ну просто не возможно отнести к какому-то определенному полу. И это не мои фантазии. В одном из эпизодов сама главная героиня не могла понять, кто перед ней: мальчик или девочка, что ж тут говорить о зрителе. Слишком женственные парни, похожие на принцев из сказок — один из главных атрибутов почти любого сёдзё-аниме, так что и в «Корзинке фруктов» он наличествует.

Завершая писание, традиционно выражу свою точку зрения. «Корзинка фруктов» — веселый, добрый и милый сериал. Безмерная доброта и миловидная внешность вряд ли отпустят от себя положительно настроенного зрителя. Тем не менее, смотреть «Корзинку фруктов» желательно все же девушкам, для которых мечта о принце на белом коне все еще не остыла, а слово «кавайи» давно уже вошло в число самых используемых.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Улыбка (2004.07.11)

«Улыбка» — самое светлое произведение Синкая Макото, с первых же кадров показывающее бегущего по полю хомячка, живо подпрыгивающего и выгибающего спинку словно лань. Произведение, которое не может не заставить улыбнуться.

Синкай Макото — самый известный в мире «юзер фотошопа». Творец, бросивший вызов монстрам аниме-индустрии; заточив себя в квартире, он, вот уже на протяжении нескольких лет, делает анимационные фильмы, изображая аниматора начала XX века — того времени, когда мастера оживления работали поодиночке в своих мастерских, имея всего лишь одного-двух подмастерьев. Подмастерье Синкая — его младший брат, помогающий сэнсэю сканировать рисунки.

В музыкальный ролик «Улыбка», а именно так переводится японское «Egao», молодой мастер всунул все свои излюбленные приемы и стилистические находки. Правда, на этот раз, традиционная синкаевская газовая плита обрела цвет, не менее традиционные электрические провода были показаны всего единожды, вместо кота теперь хомяк, а лицо хозяйки было решено приоткрыть, благо людей Синкай таки выучился рисовать еще в «Голосах далеких звезд».

Идея создания этого ролика принадлежит компании «NHK», попросившей Синкая нарисовать им заставку к передаче «Minna no Uta», впервые транслировавшейся аж в 1961 году.

Неоценимый вклад в историю про хомячка внесла певица Ивасаки Хироми, дебютировавшая в далеком 75-ом, и исполнившая для этого ролика прелестную песенку «Улыбающееся лицо». Уверен, «Улыбка» — это именно тот случай, когда задумка создать нечто очень доброе и лучезарное воплотилась полностью. Превосходный голос Ивасаки в купе с удачными дизайнами Синкая сделали этот ролик самой доброй и милой вещью, которую мне посчастливилось увидеть в 2003 году.

В середине 2003 года «Улыбка» вышла на DVD. В комплект вошло 4 версии этого ролика, а также интервью Синкая и Хироми.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

.хак//Знак (2004.07.08)

Киберфэнтези знаменитого Масимо Коити — президента студии Bee Train, экранизатора и раскрутчика видеоигр — вызывает спорные чувства после просмотра. Зритель в один голос твердит об излишней растянутости и однотонности этого ТВ-сериала, одновременно являющегося брэндмейкером всей последующей продукции «.хак//». Однако, несмотря на «растянутость и однотонность», сериал удачен. В этом нет сомнений. Чтобы это понять, стоит взглянуть на то количество разных продолжений, которые начинаются с dot hack.

Общая концепция не нова для мировой фантастики, но нова для аниме. Многие авторы затрагивали тему кибернетики в своих фильмах, еще больше людей строило фэнтези-миры. Однако, только с приходом сериала «.хак//ЗНАК», эти доселе разные жанры удалось соединить в одном продукте.

В сериале Масимо онлайн игра под чарующим и аллегорическим названием «Мир» засосала в себя 20 миллионов игроков, собрав их всех в виртуальной реальности, где они могут ходить по городам и подземельям, бить монстров и торговать вещами, болтать в таверне и наблюдать за закатом виртуального солнца. В «Мире» они могут жить полноценно, не отвлекаясь на банальные жизненные потребности. В «Мире» они могут быть тем, кем не могут быть в реальности, в нем они могут делать то, что не могут делать в реальности.

Единственное «но» этой великолепной, почти со всех точек зрения, идеи заключается в трудности реализации, с которой, кстати, и столкнулся режиссер Масимо. В отличие от обычной онлайн игры, в аниме необходим сюжет, особенно если произведение выполнено в виде ТВ-сериала. И тут уже не отделаешься командным походом на монстров или любовной коллизией, злым волшебником или жутким хакером. Соединив фэнтези и кибернетику просто жизненно необходимо лавировать на грани, не отдавая предпочтения ни фэнтези, ни кибернетики. У Масимо это получилось кособоко. Нельзя сказать, что он сваливался то в один жанр, то в другой. Нет. Дело обстоит иначе. Оказалось так, что Масимо-сан вообще ничего не делал.

Почти любое произведение, как мы знаем, строится по принципу «завязка – развитие сюжета – развязка». Масимо, как истинный японский мудрец-сэнсэй, выдумал новую формулу «завязка – развязка». Типичное развитие сюжета гуру студии «Bee Train» просто выбросил, в результате чего все происходящее между 5-ым и 20-ым эпизодом, в принципе, не имеет никакого смысла. Персонажи на этом участке ходят, как неприкаянные, из стороны в сторону, говорят о каких-то не относящихся к делу вещах, решают вопрос о спасении главного героя, порой спорят. Лично у меня во время просмотра этого участка сложилось впечатление, будто Масимо просто не знал, что же ему показать, что придумать и, самое главное, как воплотить в жизнь то, что уже придумано. Обычно такие проблемы возникают у косноязычных людей, твердо знающих, что они хотят сказать, но не могут это сделать, потому что язык поворачивается не в ту сторону. Герои масимовской истории постоянно говорят о Ключе Сумерек, говорят о том, что его нужно найти, но говорят загадками, невнятно и косноязычно. Сам ключ, конечно же, не ищут. Они просто об этом говорят из эпизода в эпизод. Цукаса, непонятно как в игру попавший, но не могущий из нее выйти, слоняется по миру с кислой миной, не пытаясь ровным счетом ничего сделать. Сюжет толчется на одном месте, пока на сцену не выходит хакер, по воле которого хоть что-то начинает происходить. Но так это уже после 20-ого эпизода…

Однако это лишь одна сторона медали. А у медали, как водится, есть и другая. Усыпляя меня Ключами Сумерек и заумными речами персонажей, Масимо в то же время очень хорошо пробуждал, показывая другую сторону своего творения, а именно — драматическую.

Героями сериала автор сделал людей c кучей проблем в реальной жизни: от отца-неудачника (Медведь) до девочки Субару, прикованной к инвалидной коляске. Язык не поворачивается назвать этих персонажей игроками онлайн игры — именно поэтому и ожидать от сериала экшна и зрелища бессмысленно. В игре, которую придумал Масимо, у воина главная цель не накрутить exp или повысить уровень, а хоть как-то восполнить свои отцовские пробелы в личной жизни, другие персонажи ищут понимание, которого нет в реальной жизни или самоутверждаются, как, например, Сора. Но более всего интересна героиня Субару. Именно ей Масимо-сан поставил жирную точку, раз и навсегда говорящую, что он пытался снять не зрелище, а, прежде всего, тонкий и умный сериал, местами растянутый и нудный, но в целом оправдывающий свою нудность. Это вторая сторона медали — хорошая сторона.

Таким образом, создав сериал «.хак//ЗНАК», Масимо Койти подписался в собственной некомпетентности сценариста приключенческой экшн-истории, но в то же время продемонстрировал способность буквально из ничего создавать неплохие драматические эпизоды.

Отдельно стоит отметить написанную Кадзируой Юки звуковую дорожку, восхваленную многими зрителями, и ее же лирические композиции в заставке и концовке. Продолжая работать в начатом еще с «Нуара» стиле, выросшая на немецком фольклоре, Кадзиура прямо таки ошеломляет своими способностями. Благодаря ей многие эпизоды сериала смотрелись неимоверно хорошо, не имея на то права. Своей музыкой она добавила лишний плюс произведению Масимо, за что, я уверен, он ей уже во второй раз благодарен. Правда, если так будет продолжаться и впредь, то все сериалы с участием Кадзиуры Юки будут превращаться в один большой клип, где сюжет и персонажи выступят всего лишь визуальным рядом.

Своим эссе мне совсем не хотелось «опускать» этот сериал. Прошу прощения, если это так и получилось. Я не мог не отметить довольно серьезный сюжетный пробел, который допустили авторы этого произведения, и слишком философичный стиль ни о чем не говорящих диалогов. Сделай Масимо все проще и понятней, но, не выкидывая из сериала драматические моменты, а, наоборот, усиливая их, можно бы было получить невероятно хорошую работу. Получили же просто хорошую.


+4Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Женская эскадрилья чистого неба (2004.07.03)

Сравнительно редко на аниме-небосклоне появляются произведения, которые, так или иначе, пропагандируют что-либо. «Женская эскадрилья чистого неба» как раз то самое сравнительно редкое аниме, в основу которого заложена небольшая, можно даже сказать крошечная, но все-таки пропаганда, стремление показать молодежи бравых японских летчиков и летчиц.

Сериал, повествующий о женской эскадрильи, выпускался два года (1994-1996), и за этот весьма ощутимый промежуток времени несколько знаменитых компаний с подачи японских ВВС отсняли целых 7 эпизодов, что для OAV, согласитесь, не мало.

Изначальная идея показать самолеты могла обернуться полным провалом, так что решение авторов заправить сериал стандартными аниме-решениями в общем-то объяснимо. Что удивительно, у авторов не было намерений стряпать жесткий боевик или фантастическую сагу, в которой отважные японские летчицы будут защищать родную планету от рогатой инопланетной нечисти на японских самолетах. А дабы показать хоть что-то помимо красивых истребителей, сценаристам пришлось попотеть над персонажами и сюжетом.

В «Женской эскадрильи чистого неба» три главных героя: мальчишка Исуруги, которого послали на базу чинить самолеты, и две девушки-летчицы, проживающие на этой самой базе. Как вы понимаете, две изголодавшиеся по любви девушки семь эпизодов будут делить несчастного механика, причем весьма неудачно и как всегда комедийно. Сам же механик, обладая типичной анимешной непосредственностью, будет краснеть, пыхтеть и падать в обморок. Остальные герои не менее, а может быть и более стандартны: командир — здоровый мужлан в черных очках; третья «летчица» — кавайная маленькая розоволосая обжорка с такой же кавайной летучей мышкой на плече; тощий, но ужасно злостный начальник базы, мечтающий всех уволить, а также несколько других подобных персонажей.

Из эпизода в эпизод немногочисленные обитатели военного аэродрома оттачивают тренировочные полеты на самолетах, ходят на конкурс «кто больше съест макарон», соперничают с американскими ВВС, купаются в горячих источниках — другими словами, ведут себя как положено, не выкидывая ничего необычного. Из 7 эпизодов мне лично понравились лишь два последних, но даже они не выполнили свою функцию — не заразили любовью к авиации. Вообще, смотря сериал, я как-то не особо чувствовал, что на первом месте у авторов стоят самолеты, а уж потом девушки. Скорее, все получилось с точностью наоборот: 90проц. времени и сил отданы девушкам, фансервису и шуткам, а уж в остальные 10проц. кое-как запихнули все истребители, которые только смогли найти в маленькой Японии.

Завершая статью, отмечу, что покупать «Женскую эскадрилью» из-за самолетов не имеет смысла, так как самим машинам уделено до обидного мало времени. Покупать же этот сериал из-за девушек, фансервиса и шуток тем более не имеет смысла — есть более достойные кандидаты. Однако, если на полке лежит лишь это произведение, а заняться больше нечем, то для общего развития можно и «пролистать».


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Беспокойные сердца [ТВ] (2004.07.02)

«Зовущая тебя вечность» — один из тех сериалов, которые полностью отказываются от привычных глазу мистических и фантастических элементов в угоду реализму, тем самым попадая из огня да в полымя. Что будет, если выбросить из стандартного аниме-сериала всю мистику, фантастику, комедию, вырезать экшн, а героев сделать не маленькими школьниками, лазающими под юбку, а уже в меру взрослыми людьми с кучей проблем бытового характера.

Для меня ТВ-сериал «Зовущая тебя вечность» до сих пор остается неоцененным, так как сам по себе он неоднозначен. С одной стороны, наконец-то получил то, что так долго ждал — бытовой реализм, который только может позволить себе аниме. С другой стороны, нельзя не признать, что вместе с реализмом пришел эффект «Санта Барбары»: жуткая однотонность, медлительность и тягомотина.

Если хорошенько подумать, то особой вины авторов тут нет. Не имея ровным счетом ничего для выполнения трудных сюжетных поворотов, к которым все мы так привыкли, авторы использовали всевозможные подручные способы: от великолепной музыки до порой захватывающих драматических ходов. Но, к сожалению, этого не хватило: главный герой десятки раз ходит в больницу, сестра пострадавшей десятки раз попадается ему при входе, пассия десятки раз дает любимому пощечину и десятки раз убегает от него в слезах. Почему все это происходит десятки раз? Потому что показать больше нечего, ну что вы, на месте режиссера Ватабэ, еще придумаете? Ну да, можно заставить главного героя кинуться под поезд, чтобы не мучить ни себя, ни зрителя; можно убить Харуку, лежащую при смерти, — это, конечно, весело, а что дальше? Таким образом, пришлось бедняге Ватабэ пыжиться и по 20 раз демонстрировать лично мне осточерствевшую больницу, общепит и квартиру Такаюки.

Единственное, что сделать было в силах авторов — это атмосфера. Тут она — никакая. В сериале нет стиля, который должен быть в «серьезной» драме. Что это за дизайны персонажей, что за ресторанные шуточки? Всему свое место, а этим элементам тут места нет. И их наличие полностью зависело от авторов, точнее от продюсеров, которые по-видимому предпочли перенести данные атрибуты из одноименной игры. И зря.

Теперь о самой концепции. Идея оказалась хороша. Не та сюжетная интрига, благодаря которой Харука попадает в больницу и валяется в коме — этот поворот, наоборот, довольно типичен, а та, благодаря которой нам показали сложную жизнь юношей и девушек. Молодых людей вот-вот вышедших из школьных стен и пытающихся жить в новом для себя мире — мире взрослых людей. Это большой плюс.

Многие зрители ругают этот сериал за так называемый «счастливый конец». Не могу сказать, что солидарен с подобными выпадами, так как не являюсь сторонником уничтожения основных персонажей лишь для того, чтобы «захватывающе» окончить сериал. Вот, например, яркий пример, который был вытащен мною из недр одного популярного форума: «Такаюки идет к тому дереву, а там повесилась Мицуки... Он возвращается назад, а там Харука случайно упала на ту лестницу у моря и свернула шею. И Такаюки от отчаяния прыгает с крыши больницы, опять-таки случайно грохаясь на Аканэ». Такие взгляды я, конечно же, не разделяю, но соглашусь: концовка банальна. В поддержку этих слов говорят и другие сообщения, в большом количестве встреченные мною на уйме форумов. В принципе, негодование понятно: 14 эпизодов заставлять зрителя наблюдать за слезами, за понурыми героями, за их драматическими положениями, чтобы в конце лицезреть стандартную развязку.

В качестве заключения. У «Вечности» есть несколько отрицательных сторон, главная из которых — однообразность и медлительность, присущая почти всем мыльным операм. Однако идея показать взрослую жизнь без прикрас, как мне кажется, достойна положительной оценки. Сериал рекомендуется, прежде всего, любителям романтики, жизненных ситуаций и мелодрам. Может прийтись по душе и ценителям драм, но опять-таки с любовным уклоном и хорошим концом.


+3Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Босоногий Гэн (2004.06.29)

Порой кажется, что все самое лучшее уже просмотрено и навряд ли попадется нечто невероятно сильное, заставляющее задуматься и перечесть учебники истории. Однако, как говорится, жизнь штука непредсказуемая и утверждать что-либо наверняка практически невозможно.

Фильмы из разряда «Босоногого Гэна» или «Могилы светлячков» мне никогда не удавалось назвать хорошими или плохими. Более того, со временем пришла полная уверенность, что под эти определения подпадают работы коммерческого толка, развлекательные и поверхностные. А вот произведения вроде того, о котором пойдет речь сегодня, вообще не подходят ни под одно определение — это фильмы, которые должны быть. Они вроде памятника, напоминания и назидания потомкам. Это необычные фильмы. Фильмы невероятно трагичные и драматичные. О них всегда трудно говорить и уж тем более их трудно исследовать и рецензировать. Шаг влево — ты циник, шаг вправо — ты впечатлительный ребенок.

«Босоногий Гэн» — автобиографическая манга Накадзавы Кэйдзи, человека своими глазами видевшего и своей шкурой прочувствовавшего, что за тварь эта атомная бомба. Будучи семилетним мальчуганом, Накадзава на всю жизнь запечатлел тот день, когда его прекрасный город исчез с лица земли вместе с десятками тысяч его сограждан, запечатлел то, как плавились, словно в топке, дома, асфальт, животные и люди.

Выжив в этом аду, Накадзава, конечно же, на всю жизнь остался духовным калекой, однако это не помешало ему написать историю, которая во многом оказалась биографичной. Главным ее героем стал мальчишка по имени Гэн. Как потом говорил сам автор: «Я дал своему персонажу это имя, чтобы оно означало надежду и ту силу, которая присуща молодому поколению; имя, которое будет олицетворять человека, способного ходить босиком по отравленной земле Хиросимы и говорить НЕТ ядерному оружию». Одним словом, персонаж, созданный очевидцем, яснейшим образом обнажал чувства и идеи самого автора; устами Гэна говорил Кэйдзи, передавая все то, что скопилось в его душе за 25 лет.




Впервые манга о мальчугане Гэне печаталась в журнале «Shukan Shonen Jampu» (1972), который имел по тем временам огромнейшую аудиторию подписчиков (около 2 млн. человек). Нужно отметить, что все категории читателей: от интеллигенции в лице критиков до простой молодежи — бурно, но не однозначно отреагировали на эту работу. А через 11 лет по мотивам манги снимают полнометражный фильм.

Экранизация была доверена режиссеру Синдзаки Мамору и создана на студии «Madhouse», которая была вот уже 10 лет как основана. Произведение получилось очень жестким.

Несмотря на то, что «Босоногий Гэн» — анимационный фильм, а не художественный, он стал в один ряд с антимилитарийскими работами мэтров японского кино: Синдо, Куросавой, Имамурой. В случае с «Босоногим Гэном», именно анимационный стиль помог более наглядно и открыто показать все то, что с трудом давалось кинематографу тех лет.

В этой статье я не хотел бы затрагивать сюжет, основная нить которого и так должна быть ясна внимательному читателю. Думаю, стоит лишь выделить тот факт, что основной идеологический упор автор сделал не на то, чтобы показать американцев гадкими убийцами, а скорее на то, чтобы показать насколько недальновидные, эгоистичные и упрямые были правители тогдашней Японии. Из-за нелепых самурайских пережитков, из-за нелепого стремления к идеалам чести и дебильной гордыни милитарийское правительство поняло, что проиграло лишь тогда, когда в одночасье не стало двух городов, когда сотни тысяч людей либо погибли, либо за один день облысели, обгорели, обхаркали кровью все улицы. И самое важное, что не дает ни одного шанса на помилование тогдашнего режима, — это то, что после взрыва Хиросимы, подробности которого сразу же были переданы императору и высшему командованию, которые никак не отреагировали и благодаря своему ослиному упрямству дали вольную на то, чтобы 9 августа (три дня спустя) город Нагасаки постигла та же участь.

В 1983 году фильм «Босоногий Гэн» получил приз имени Офудзи Нобуро на фестивале «Mainichi Film Concours».

Подытоживая эссе, замечу, что «Босоногий Гэн» — одно их тех произведений, которое по своей сути является шедевром, но после финальных титров вызывает жгучее чувство ненависти к жестокости, к варварству человеческой сущности, к нелепости войн и завоеваний. Учтите это, если решите смотреть.


+3Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Канон [ТВ-1] (2004.06.27)

Сериал «Канон» транслировался в зимний период 2002 года по Fuji TV с подачи одной из старейших аниме-студий Японии Toei Animation. 13 эпизодов этого сериала, показанные менее чем за три месяца, пришлись публике по душе, в результате чего был снят еще и бонус-эпизод «Канон».

С момента просмотра этой 13-серийной истории прошло чуть больше недели. Обычно, спустя неделю, голова уже не воспроизводит некоторые сценки и эпизоды, лица героев приобретают неосязаемые очертания, которым позавидовал бы любой мангака. С «Каноном», конечно же, произошло тоже самое, однако, прокручивая в голове эпизоды сериала, ничего попутно плохого вспомнить не получается. Спустя неделю «Канон» кажется чем-то далеким, но очень добрым и светлым, придираться и ругать это произведение нет никакого желания, хотя повод можно найти почти всегда.

История, которую сценаристы на пару с незнакомым режиссером-новоделом Ито Такамити поведали зрителю, укладывается в рамки разумного. В ее основе лежат все те же романтические отношения между мальчиками и девочками, плюс небольшой элемент мистики, изредка проявляющий себя в сериале.

Во всем обычный паренек Юйти приезжает жить в родной город, из которого он уехал семь лет назад. Поселившись у своей тетушки, он записывается на учебу в местную школу. Как и должно быть в любом кавайно-романтическом сериале, на голову Юйти падают разные девушки со своими разными проблемами, которые наш «рыцарь» с незавидным упорством решает от эпизода к эпизоду. Но, как я уже и писал выше, «Канон» не бесит, не оставляет горько привкуса, скорее наоборот. Вероятно, на руку авторам сыграли до одурения простые дизайны персонажей в стиле «супердеформация» с претензиями на гиперкавайность, а также мрачная зимняя погодка, растапливаемая теплыми сердцами все тех же героев. Во время просмотра первых эпизодов, кажется, что тебя в очередной раз надули и подсунули нечто скоропортящееся, но ближе к середине сериала идея выключить «Канон» и отослать его по обратному адресу постепенно отпадает. Более того, хочется узнать, накой черт авторы засунули в 13 серий такую гору персонажей, и что они с ними будут делать. А уже ближе к концу и вовсе прощаешь первые эпизоды, а все последующее смотришь с интересом и с ожиданием чего-то эдакого.

Так как «Канон» создан для «юнисекс» аудитории, то рекомендовать его можно независимо от пола. В первую очередь, этот сериал может быть интересен любителям романтического направления в аниме, и уже во вторую очередь всем остальным зрителям. Медлительность и романтико-меланхолические диалоги Юйти должны оттолкнуть поклонников экшна, научной фантастики и комедии.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

D - охотник на вампиров (2004.06.17)

«D — охотник на вампиров» — первая известная мне экранизация Кикути Хидэюки, датируется 1985 годом. Чуть позже писатель Кикути сойдется со студией Madhouse — монстром аниме-индустрии, благодаря чему зритель увидит мистико-эротический «Город чудищ», фантастический «Ветер по имени Амнезия», мистический «Синдзюку — город-ад» и великолепный во всех отношениях «D — охотник на вампиров: Жажда крови».

Оценивать «D — охотник на вампиров» весьма трудно. Одни считают этот фильм классическим вампирским ужастиком, другие неудачной экранизацией. Вставать на ту или иную сторону, значит либо переоценивать, либо недооценивать этот фильм. В чем сходятся обе группы зрителей, так это в том, что анимация, дизайны и вообще вся художественная работа выполнена на весьма низком, даже для 80-х, уровне. И правда, некоторые эпизоды безобразно прорисованы и смонтированы, бывает так, что весь экран черный и лишь глаза охотника Ди сверкают в глубине экрана. И такие фрагменты – не редкость, наоборот, они доминируют. Стиль прорисовки и дизайны персонажей также оставляют желать лучшего, нечто подобное можно видеть в дешевых, причем самых дешевых, американских поделках про Бэтмана.

Почему же все так плохо? Ответ банален. Не было денег. Фильм экранизировала компания MOVIC, которая для меня ассоциируется, прежде всего, с производством OAV. Кстати, «D — охотник на вампиров» также OAV, несмотря на то, что этот фильм является полнометражным (т.е. идет без перерыва более часа). Как показало будущее, такая практика не очень-то надежная, ведь намного выгоднее и логичнее делать короткие (25-30 минутные) OAV.

Плавно переходя от технической стороны дела к сюжетной, имеет смысл отметить, что дешевый подход к экранизации сказался и тут. Мало кто читал в нашей стране оригинальные романы Кикути Хидэюки, уверен, что мало кто их прочтет и в будущем. Поэтому именно экранизаторы должны вкладывать все свои силы, чтобы довести до зрителя рукописные творения автора в более приглядном свете. В случае же с «Охотником на вампиров» авторы забили и на это. Не проработанный сценарий, метание героев из угла в угол, однообразные сюжетные обороты и откровенно скучная постановка. Ну, какой интерес смотреть, как охотник Д три раза подряд приходит к Графу, спасает кого-то, а потом уходит. Всякие монстрики, живущие в замке, желающие схватить охотника и напугать зрителя, вызывают лишь раздражение. Общая завязка: девушку укусил вампир, она наняла охотника, чтобы он убил вампира — выглядит тухло даже для позапрошлого столетия, не говоря уже о 1985 годе, и тем более 2004. Обычно фэнтезийные романы, и правда, довольно банальны, но только если их пересказывать в двух-трех предложениях, в ином случае они почти всегда увлекательны, ведь писатель не ограничивается одним предложением, чтобы описать действие или эпизод, он проявляет всю свою сноровку, чтобы увлечь читателя. Именно поэтому, даже банальные истории влюбляют в себя, в отличие от экранизаторов, которые в спешном порядке прогоняют зрителя за час по сотням страниц, ничего толком не объяснив и не раскрыв, но с точностью спринтера уложившись в отведенное время.

Завершая очередной «рапорт», отмечу, что если вы не посмотрите первую экранизацию «Охотника», то ничего не потеряете, наоборот, сэкономите целый час жизни. А ежели вас так прут вампиры Кикути Хидэюки, то купите, в конце концов, вторую, более позднюю, экранизацию под названием «D — охотник на вампиров: Жажда крови» и получите удовольствие. От первой вы получите лишь боль в голове от тупейшего сценария и в глазах от отвратительной художественной работы.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Зов синевы (2004.06.15)

Держа в руках диск с именем Касимы Норио на обложке, можно быть уверенным, что под ней скрывается его очередной романтический сюжет с элементами драмы. Свою режиссерскую карьеру Касима-сан начал с короткого «Kakyuusei Elf Version», продолжив относительно длинным сериалом «A Girl in a Lower Grade». «Refarin Blue», о котором и пойдет речь дальше, — его третья работа, причем снова романтико-драматическая.

«Refarin Blue» — короткая «овашка», берущая старт залпом, мгновенно вводя зрителя во все сюжетные перипетеи. Некий класс отдыхает на летних каникулах на берегу моря под руководством вожатого — красивого молодого человека, потерявшего семь лет назад на этом самом пляже свою возлюбленную, а вместе с ней покой и сон. У его подопечных, приехавших отдыхать и загорать, тоже куча воспоминаний и своих проблем, причем порой совсем не детских.

Начиная смотреть этот мини-сериал я был полностью уверен, что ничего хорошего увидеть мне не суждено. С трудом верилось, что за три эпизода можно показать нечто не только романтическое, но еще и драматическое. Однако оказалось, что можно. Касимо-сан быстро ввел зрителя в курс дела, рассказал о каждом герое ровно столько, сколько ему следует знать, после чего начал раскручивать сюжет. Необходимо отметить, что «Refarin Blue» снимался под патронажем известной в определенных кругах студии «Pink Pineapple», создавшей огромное количество хентая. Как вы понимаете, такой производитель просто не в силах был удержаться от любимых приемов. Ничего откровенно порнографического, к счатью, в «Refarin Blue» обнаружено не было (иначе я бы не смог описать этот фильм), тем не менее отцовство «Pink Pineapple» не могло не сказаться. Постоянные банные сценки, элементы этти и другие стандартные приемы тут есть, их довольно много, правда, смотрится все это красиво и к месту, так что в данном случае — это скорее плюс, чем минус.

Рекомендовать «Refarin Blue» можно упертым романтикам, любителям красивых девочек и любовных отношений. Полное отсутствие динамики и экшна, ясно говорит о направленности этого аниме.

Под конец стоит отметить, что последней на данный момент работой автора «Refarin Blue» является полнометражное аниме «t.A.T.u. Paragate», повествующее о нашей отечественной музгруппе «Тату».


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

.хак//Легенда Сумеречного браслета (2004.06.12)

Телетрансляция знаменитого сериала «.хак//Знак» датируется началом 2002 года, когда бум на онлайн игры не спадал, а, наоборот, всячески креп и поддерживался, в частности компаниями Bandai Visual и Bee Train, а также режиссером Масимо Койти — автором сериала «Нуар».

Вслед за первым «Хаком», последовал второй, носящий название «.хак//Лиминалити», он получился минимизированным, коротким и скомканным, а Масимо-сан удовлетворился в нем всего лишь ролью режиссера-постановщика. Теперь вот третий, отснятый уже в 2003 году и имеющий такую уйму наименований, что, читая их, без труда можно запутаться: «.hack//DUSK», «.hack//Legend», «.hack//Legend of the Twilight Bracelet» и, конечно же, оригинальное «.hack//Tasogare no Udewa Densetsu».

Далее я попытаюсь отпочковаться от прошлых выпусков и вкратце описать именно третий «.хак//», который, кстати, многие называют не то что лучшим, но самым близким к своей сути, то есть к сути видеоигры. Не секретом будет сказать, что основная часть этого сериала протекает в онлайн игре, немного напоминающей знаменитую «Ultima Online» и совсем чуть-чуть «Final Fantasy». От первой, «хаку» достался мир: пещеры, города, система перемещений; от второй: накопление уровней, увеличение HP, командная система боя. Однако, помимо всего этого, «.хак//Легенда Сумеречного Браслета» довольно самостоятельное произведение, в нем имеется кое-какой сюжет, отличные персонажи, музкомпозиции в стиле «ути-пуси» и многое другое.

Главная изюминка, увлекающая и заставляющая переставлять диски – это детский, очень смешной и кавайный стиль оформления (это хорошо видно на изображениях) фонов, пейзажей и самих героев, а также невероятно легкий способ повествования. В «Легенде Сумеречного Браслета» не оказалось ни гениальных умозаключений, ни многочасовых философских рассуждений, ни чего-то подобного. Наоборот, все предельно просто и понятно: реальные люди играют в видеоигру, им это нравится, они там находят друзей, собирают команду, путешествуют, порой прикалываются. И смотрится это здорово, я бы даже сказал, весело, а детские дизайны и музыка в стиле «ути-пуси» лишь способствует этому. Сейчас, просмотрев третий «.хак//», понимаю, что создать более правильный сериал, рассказывающий про онлайн игру очень нелегко, а может быть и вовсе невозможно.

Очень разумно в этом сериале подошли и к самим персонажам, прежде всего, к тем, в которых перевоплощаются реальные игроки. Тут нам встречаются все самые известные игровые характеры: и белый маг, и боевой маг, и мечник, и персонаж, атакующий кулаками, и персонаж, вооруженный ножами – одним словом, люди, увлекающиеся видеоиграми, найдут в «Легенде Сумеречного Браслета» много чего интересного и знакомого; и неспроста, ведь этот развлекательный сериал, а он именно развлекательный, создавался в первую очередь для публики, осознающей, что такое джойстик и как его правильно держать.

Завершая статью рассмотрением сюжетной линии, хотелось бы, конечно, по привычке в пух и прах обругать некоторые моменты, но делать этого я сегодня не буду. В «Легенде Сумеречного Браслета», безусловно, есть слабые места, например, традиционные ляпы в последнем эпизоде, однако стиль, с которым сделан сериал, как мне кажется, с излишком замещает некоторую сюжетную глупость. И, в конце концов, это же всего лишь экранизация видеоигры, а не классического романа, повествующего о вступлении господина Безухова в масонскую ложу и о превратностях судьбы того или иного народа.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Пожалуйста, спасите мою Землю! (2004.05.26)

Наконец-то встретился пример хорошего — в меру мистического, в меру фантастического сериала; слегка запутанного, но чрезвычайно красивого как в музыкальном, так и в визуальном плане. Я, к сожалению, не знаю для какой аудитории создавалась оригинальная манга «Please Save My Earth», так как не имел возможности ее прочесть, однако с полной уверенностью проконстатирую, что аниме по этой манге явно имеет сёдзё направленность. Поначалу меня даже преследовало видение «CLAMP», настолько близок представленный стиль к стилю этой студии. Но, как оказалось, «CLAMP» тут ни при чем.

Сюжет «Please Save My Earth» имеет явный мистический оттенок, дающий о себе знать в паре магических боев, а также в способности некоторых героев делать вещи, обычному человеку непосильные. Признаться, редко попадаются стоящие мистические сериалы, в которых есть что-то от научной фантастики и которые имеют хоть какую-то долю романтизма и драматизма. Заметьте, я ни в коем случае не утверждаю, что мало хорошей мистики, я лишь утверждаю, что довольно мало хорошей сёдзё мистики, если можно так выразится.

Заводя разговор о сёдзё мистике, мне лично, сразу же приходит в голову знаменитый «Tokyo Babylon», в котором также имели место магические бои, красивые и женственные мужские герои. Но там не было сюжета, не было вообще. В «Please Save My Earth» все чуть-чуть по-другому, тут есть и красивые женственные парни, и в меру удобоваримый сюжет, повествующий о шестерых персонажах, которым снится один и тот же сон. В этом сне они видят себя, но под другой личиной, в этом сне они исследователи, работающие в космической лаборатории, которую поразил вирус. Один за другим они умирают, чтобы переродится на Земле. Эпизод за эпизодом уже земные персонажи находят друг друга, собираются вместе и пытаются выяснить, что же с ними произошло. Вместе с ними это выясняет и зритель.

Конечно, подобный сюжет не блещет чем-то сверх оригинальным, однако, его довольно искусное обрамление не заставляет плеваться, ехидно смеяться и перематывать фильм. Вдобавок ко всему, сериал весьма эстетичен (для мистичной фантастики, конечно). Красивые персонажи Такаюки Гото, красивая музыка Ёко Канно, красивые пейзажи и красивые сны героев. Но даже не красота всех этих атрибутов заставляет меня писать эти строки, нет, скорее, это то, что автор переборол основные тенденции и, на мой взгляд, очень достойно окончил начатую историю. В последнем эпизоде не оказалось получасовой зубодробительной баталии, кровоточащих персонажей и прочих традиционных банальностей. Вместо этого, мне показали очень милый эпизод с парой настолько харизматичных персонажей, что я проникся к ним добрыми чувствами буквально за несколько минут. Это, конечно, большое мастерство дизайнеров и сценаристов.

Рекомендовать «Please Save My Earth» кому-либо очень и очень трудно. С одной стороны, мои сентиментальные па могут запросто осмеять злостные любители «Hellsing», с другой стороны, я лишь попытался описать увиденное. Со всей уверенностью могу сказать: в этом сериале нет вампиров, зомби и многосерийных баталий, в нем нет пафосных речей и откровенной жестокости, зато в нем есть много разговоров, много цветов и прочих атрибутов, свойственных исключительно жанру сёдзё. Я как-то писал, что довольно холоден к этому жанру, однако на этот раз почти всем остался доволен и не жалею, что потратил три часа.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

DNA2: Dokoka de Nakushita Aitsu no Aitsu (2004.05.25)

«DNA2» — вторая серьезная и объемная работа мангаки Кацуры Масакадзу после дебютной фантастико-романтической манги «Video Girl Ai». Закончив работу над историей про видео девушку Ай в 1993 году, Масакадзу-сан отказывается от заслуженного отдыха и сразу же начинает корпеть над следующими произведениями: «DNA2», «Shadow Girl» и «Shadow Lady». Первому произведению и будет посвящено это краткое эссе.

Сюжетная задумка «DNA2» по непонятным для меня причинам понравилась целому ряду известных компаний, студий и даже телеканалу «Nihon TV». Скорее всего, изучив мангу, производители аниме увидели в ней все то, что на данный момент пользовалось спросом на рынке. Во-первых, на руку сыграла никак не угасающая тяга публики к научной фантастике в любом ее проявлении, во-вторых, популярность предыдущей работы Масакадзу «Video Girl Ai», в которой он довольно неплохо скрестил фантастический сюжет с элементами романтики. Однако на этот раз Масакадзу пошел дальше. Вновь поделив свое произведение на две составляющие: романтику и фантастику, он отдал предпочтение фантастике и проиграл. Все мы знаем, что Кацура Масакадзу большой мастер рисовать девочек в трусиках, робких мальчиков и происходящие между ними пикантные сцены, стоит лишь вспомнить его последний черно-белый шедевр «I''s». Но, как оказалось, Масакадзу полный профан в фантастике, своим сценарием «DNA2» он это отлично доказал. Почти полностью отойдя от романтических отношений и легкого этти, автор отдался сотворению таких глупостей, как роботы, пульки с ДНК, летающие машины времени, гамма-излучения и прочая ерунда, свойственная младшим группам детсада.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Ночные воины: Охотники на вампиров (2004.05.21)

«Ночные воины — месть Дарксталкера» есть ничто иное, как очередная экранизация видеоигры. Вообще, экранизация игр — одно из самых дурацких занятий, которое только можно найти в индустрии анимации и кино. Экранизировать можно хорошую книгу или мангу, но экранизировать игру — это ужасно, особенно, если эта игра — файтинг. Слишком громкие слова? Может быть, но посудите сами, что движет продюсерами, когда они принимают решение об экранизации. Уж, конечно, не творческий порыв и не стремление сделать что-то достойное для потомков. Нет, ими движет исключительно корыстный расчет и желание в какой уже раз посетить Багамы. В уме они быстренько подсчитывают проданные диски, потом считают количество проданных продолжений — сиквелов, и если цифра получается приемлемой, то они без сомнения начинают работу над производством аниме: в первую очередь ищут студию, которая согласится работать с ними; найдя студию, ищут режиссера из тех, которые не боятся испортить себе репутацию в этом сомнительном с точки зрения искусства предприятии, но без сомнения удачном в экономическом плане. Да, именно так все и происходит. Именно так на свет появляются «Теккены» и «Дарксталкеры», «Уличные бойцы» и десятки других экранизаций.

На этот раз все получилось точно так же. Гигант игровой индустрии «Capcom» посчитал, сколько дисков с игрой «Night Warriors» ему удалось сбыть. Цифра оказалась приемлемой, после чего дельцы из «Capcom» пошли искать анимационную студию, способную взять под свою опеку будущий чисто коммерческий проект. Долго искать не пришлось, нашли «Madhouse» — тоже гиганта, но уже анимационной индустрии. Что удивительно, анимационный гигант, вероятно, купившись большими барышами, идею не отверг. Наоборот, ухватился всем своими щупальцами: выделил для проекта своего постоянного оператора Хитоси Ямагути и не менее постоянного звукодельца Ёту Цуруоку, режиссером же сделали малоизвестного Сатоси Икэду, а контроль над проектом взял сам президент Маруяма-сан. Так был рожден OAV «Ночные воины — месть Дарксталкера», встречающийся и под чисто мэдхаузовским названием «Охотник на вампиров».

Кратко рассказав про фазу пре-производства стоит сказать пару слов и о самом сериале. Дельцы из «Madhouse» не стали что-либо переиначивать, не стали изменять традициям и сварганили типичный аниме-файтинг с кучей героев, каждому из которых уделено так мало времени, что не игравший в игру зритель, вероятно, ничего не поймет. Сериал занял четыре эпизода по 40 минут. Каждый эпизод двойственен по наполнению, то есть половина эпизода посвящена знакомству зрителя с новыми персонажами, которые больше в сериале не появятся, а вторая половина посвящена основной сюжетной линии. Такой способ построения, по задумке авторов, должен был убить сразу двух зайцев: отрекламировать героев игрового файтинга и заодно показать историю, специально придуманную для этой игры.

Удачно ли окончилась их затея? В принципе, да. Если сравнивать «Месть Дарксталкера» с другими экранизациями, то ему вполне можно поставить четверку. Почти всех героев авторы таки уместили в 160 минут отведенного времени, впихнули и кое-какое сюжетной наполнение, не забыли про бои и лужи крови, конечно же, не остались без внимания и традиционные заумные философско-детсадовские диалоги. То есть, можно сказать, что «Ночные воины — месть Дарксталкера» очень даже удачный сериал.

Но если сравнивать эту работу не с файтингами, а с нормальными, полноценными, произведениями, то тут дело обстоит совсем по-другому. Сразу же обнажается глупый до безобразия сюжет про то, как на Землю напал зловредный монстр с целью все уничтожить. Вспоминается очередной шаблонный профессор, правда, на этот раз в темных очках. Ужасно смотрится мешанина героев, а их заумные философско-детсадовские диалоги просто поражают своей типичностью. В общем, если смотреть на «Ночные воины — месть Дарксталкера» не как на экранизацию файтинга, а как на полноценное произведение, то большого внимания оно не заслуживает.


+3Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Фури-кури (2004.05.19)

Выпустив «Фури-кури» в промежутке между «Евангелионом нового поколения» и «Магическим округом Абэнобаси», студия GAINAX отчетливо показала в какую сторону идет развитие ее обитателей. Прирожденные отаку, впитавшие тягу к аниме еще в начале 80-х, ребята из гайнакса то ли не умеют, то ли просто не хотят снимать классические вещи. Все обыденное для них слишком низко, даже элементарные сюжеты они могут перевернуть с ног на голову, а потом обратно, раскрутив при этом содержимое так, что начинает кружиться голова. Иногда их выкрутасы рождают тайное негодование, вроде: «ребят, ну хватит выпендриваться» или «перестаньте, наконец, умничать», однако, порой их хочется поблагодарить. Сильно поблагодарить. Как, например, в случае с «Фури-кури» — вершиной развития студии. Сделать что-то лучше, используя наработанные приемы, уже вряд ли возможно. Сделать хуже — всегда пожалуйста.

Продолжая начатую тему, просто невозможно перейти к описанию самого мини-сериала. Дело даже не столько в том, что описать его невозможно, сколько в том, что это никому не нужно. Намного интереснее выявить тенденцию развития. Не аниме в целом, конечно же, а исключительно аниме от студии «GAINAX». Аниме от «GAINAX» — это нечто обособленное, как всегда, бросающееся в глаза и привлекающее зрителей всех мастей: от ярых отаку, которые смотрят на всех других зрителей с величайшим подозрением, до людей обычных, качающих фильмы из локалки и порой даже не подозревающих, что они вообще качают.

Посмотрев основные творения авторов, складывается двоякое впечатление. С одной стороны, кажется, что в студии работают, прежде всего, для себя, создавая искусство ради искусства. Но с другой стороны, трудно найти более коммерческую студию, в которой так ловко крутят зрителем и так ловко продают свой товар. Совмещать в себе обе стороны — большой талант. И у «гайнакса» он, безусловно, есть. Вообще, талант одаренного человека обычно скрыт, он представляет собой драгоценный камень, подлежащий огранке. Тоже самое и со студией, которая, по сути, всего лишь является сборищем талантов, изначально не ограненных. Одна из первых работ под названием «Фильм об отаку 1982 & 1985» как раз и положила начало огранки. Потом был «Евангелион», благодаря которому авторы успешно провели тест на совместимость их таланта и зрительской симпатии. Ну и, конечно же, пара полнометражных продолжений на этот же сериал, которые лишь укрепили результаты тестирования. Теперь вот «Фури-кури» — апофеоз, кульминация; сериал, созданный без виляния и хватания за традиции, как это было в работе Анно Хидэаки. Выпуская «Фури-кури», авторам нечего было бояться, их ждал успех, это было доказано предыдущими работами, и успех к ним пришел, впрочем, как и в прошлые разы.

Читатель, не знакомый с «Фури-кури», дочитав до этих строк, спросит: ну и сколько можно тянуть резину, где хоть слово об этом «нашумевшем сериале», где спойлеры и покадровая расшифровка всех шести эпизодов. К сожалению, вынужден буду огорчить такого читателя. «Фури-кури» — нестандартное произведение, поэтому и эссе мое также не стандартно. Тонны рассуждений об этом сериале вы без труда найдете на тонне разных форумов. Поверьте, мое описание было бы лишь еще одним дополнением, еще одним граммом и вряд ли бы внесло ясность. Стоит ли смотреть этот сериал? Да, непременно стоит. Точно так же, как стоит смотреть все произведения этой студии. Работы «гайнакса» могут нравиться, могут не нравиться, но ознакомиться хотя бы с одной их них нужно непременно. Вдруг прошибет? Тогда вы откроете для себя целую вселенную «аниме от гайнакса» и уж точно не будете жалеть. Не прошибет? Тогда просто потеряете пару часов.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Ещё вчера (2004.05.15)

«Сочащиеся воспоминания», вышедший за десять лет до своего последователя — «Чирик-чирик, наши соседи — семья Ямада», носит в себе те же общие черты и концепцию. Да, в этом фильме больше сюжета, точнее, он тут имеет более осмысленный и ярко выраженный характер. Да, в этом фильме проведена взрослая любовная линия, часто встречающаяся в художественных фильмах, но напрочь отсутствующая в анимационных. Однако, несмотря на это, общая идея хочет донести до нас больше не переживания персонажей, а скорее то, что их окружало — своеобразный дух 60-х. Как известно, Такахата-сан мастер воспроизводить события и времена, стоит вспомнить хотя бы его знаменитый «Могилу светлячков». И на данный момент, одно можно сказать почти наверняка: если бы Такахата не стал аниме-режиссером, то его с руками бы оторвал какой-нибудь исторический факультет. Название аудиодиска, стиль одежды, своеобразная культура выбранного промежутка времени — всё это для мастера является не менее важной составляющей, чем сюжет. Именно это мы и видим в «Воспоминаниях».

До перевода название фильма трактовалось как «Воспоминания». «Ещё вчера» — английский вариант — довольно плохо характеризует картину. Фильм повествуется от первого лица, что хорошо знакомо по многим кинофильмам, но является довольно редким явлением в анимации (нечто подобное было в «Могиле светлячков», но это трудно было заметить). Главная героиня рассказывает о своей жизни, неумолимо отдавая предпочтение тому времени, когда она училась в пятом классе. И именно тут за дело берется Такахата, объясняя, как маленькие девочки знакомятся с месячными, как трудно есть школьную еду, какой бывает непробиваемый истукан этот отец… Всё доносится в интимных подробностях, что несколько затягивает повествование, но, с другой стороны, делает его более целостным и, не побоюсь сказать, более похожим на кино. Да, именно на кино. Называть «Сочащиеся воспоминания» аниме не поворачивается язык, так как сравнить его практически не с чем. Абсолютно полное отсутствие шаблонных шуток и обшарпанных стилистических приемов, фансервиса во всех его проявлениях и сюжета, направленного на молодое поколение. Посмотрев этот фильм, кажется, что Такахата-сан снимал не для молодежи, а для себя, для таких же, как и он сам, стариков, но стариков правильных, стариков в хорошем смысле этого слова. Стариков, до сих пор витающих где-то там. Иначе как объяснить то, что главная героиня фильма выбирает между городом и деревней — деревню; вместо суеты и карьеры — относительно тихую жизнь на рисовых полях. Как иначе объяснить, что большая часть фильма происходит в далеких 60-х?

Не маловажным аспектом является и то, что фильм просто потрясающе анимирован и прорисован. Маниакальная работа авторов над детализацией видна практически в каждом кадре и заслуживает наивысшей оценки. Особенно это заметно после просмотра сотен анимешек, в которых движущиеся люди на улице — нечто потрясающее и запредельное. Тут же — это просто данность. Такахата режиссер старой закалки, режиссер того времени, когда к качеству относились с уважением, поэтому и фильмы его детализированы, анимированы и вообще достойны уважения.

Первый раз этот фильм довелось посмотреть примерно год назад, и тогда он показался мне чем-то повседневным, по-такахатовски занудным и старомодным. Однако, пересмотрев его на днях, стало понятно, что «Воспоминания» не так-то просты. Дело в том, что за год мимо меня пронеслось огромное количество разнокалиберных анимешек: и хороших, и плохих, но однозначно уступающих этому фильму. Уступающих не сюжетом, не графикой, а просто постановкой. И если «Сочащиеся воспоминания» — взрослый фильм, то все остальное, за редким исключением, произведения намеренно развлекательные и в основном поверхностные.


+4Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Клеопатра Ди-Си (2004.05.10)

Аниме «Клеопатра» произведено в том же году, что и достопамятный фильм «Гарага», о котором я в свое время уже писал негативные строки. Вспомнилась эта поделка мне не случайно, так как и она, и то, что я сейчас опишу, стоят друг друга.

С одной стороны, «Клеопатра» имеет очень слабый сюжет, намного слабее, чем у конкурента, однако конкурент «Гарага» претендует на роль несколько большую, нежели того заслуживает. Аниме «Клеопатра» на подобные претензии просто не способно, более того, во время просмотра этого фильма мне даже показалось, будто авторы сами понимали, что снимали фигню, но остановиться уже никак не могли.

Сюжет первого эпизода по замыслу авторов якобы должен познакомить зрителя с героями, а второй уже должен удержать познакомившегося с героями зрителя. Не знаю, как других, но меня этот фильм удерживал не столько сюжетом, сколько профессиональным долгом. Досмотреть эту жуть нужно было непременно, хотя бы для того, чтобы убедиться, что это, правда, жуть. Убедился. Это, правда, жуть. В следующем абзаце я вкратце изложу сюжетец первого эпизода, дабы предостеречь читателя от приобретения очередного дебильного старья и уж тем более предостеречь от его просмотра.

Первый эпизод знакомит зрителя с могущественной мегакорпорацией, снабжающей весь мир наркотиками, занимающейся порнобизнесом и всячески пытающейся организовать некую экономическую революцию, а также развязать войну. В недрах этой ужасающей и устрашающей корпорации шныряет очередной чокнутый профессор, на этот раз придумавший страшной силы лазерное оружие с целью сжечь им все живое. Однако профессор не такой псих, как вы подумали, просто его как-то раз уволили с работы и теперь он на всех очень злой. И убивать себя он также не собирается, он же не дурак. Наш профессор разработал гениальный, как и он сам, план: он найдет ракету и удачно стартует прямо с космодрома НАСА, чтобы из космоса сжечь всю Землю и громко смеяться. Он так часто это видел в других дебильных анимешках, что теперь сам решил попробовать. Единственное, он забыл учесть, что, как и в других дебильных анимешках, в этой на помощь землянам придет шестнадцатилетняя блондинка — президент огромного холдинга и отличный боец. Вместе с друзьями суперменами она будет смотреть, как взлетает злой профессор, а когда объявят 10-секундный отсчет, блондинкины мозги наконец-то сфокусируются и она: рванет в аэропорт, найдет там военный истребитель, усадит в него пилота, оденется в униформу, зарядит ружье, разгонится по взлетной полосе, догонит Буран и взорвет его.

Если сюжет первого эпизода вы сочтете для себя приемлемым, то смело покупайте «Клеопатру», так как сюжет второго эпизода еще более дебилен. Там вы увидите, как 10-летняя девочка-клон решит выпустить 30 000 ядерных ракет по Вашингтону.

Итог статьи, по-моему, ясен любому, кто ее дочитал до конца. Может быть, я слишком часто применял прилагательное «дебильный», но, поверьте на слово, это прилагательное лучше всех других прилагательных характеризует данный фильм.

Справка

В одном из эпизодов встречается граф Дракула, если кто-нибудь объяснит мне хоть какую-то связь графа Дракулы и этого фильма, буду очень благодарен. Весьма вероятно, что из-за постоянной полудремы я упустил нечто очень важное. И вообще, вполне возможно, что «Клеопатра» на самом деле гениальный фильм, а я попросту все проспал.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (2)

Ayane-chan High Kick (2004.05.02)

Боксеров, кикбоксеров и прочих драчунов я не понимал никогда, но почему-то всегда подсознательно уважал. Уважал, скорее всего, из-за того, что не понимал. Все эти спортсмены, или просто деятели подворотен, добровольно идут на то, что дают другим разукрасить свою физиономию, лишиться каких-то довольно нужных, а порой даже приятных органов. Они готовы смириться с выбитыми зубами, искореженным лицом, опухшими глазами и другими неприятными последствиями только для того, чтобы доказать миру и себе свою значимость, а также воплотить в жизнь лишь для них понятные мотивы. Но если мужчины, занимаясь подобной деятельностью, находятся в своей природной тарелке, то смотреть на женщин, бьющих друг друга по морде, подчас невыносимо и тяжело.

Сериал, о котором я сейчас выскажусь, как раз повествует нам о подобной особе, готовой жизнь положить лишь для того, чтобы поколбасить других и дать поколбасить себя. Аниме «Высокий удар Аянэ» состоит из двух получасовых эпизодов, посмотрев которые трудно понять, для чего авторы, аниматоры, композиторы и другие полезные деятели вообще поднимали свои задницы, так как все, что они нам показали, в принципе, скучно, нудно и не ново.

Главная героиня Аянэ — знакомый типаж школьной прогульщицы и забивалы, у которой в тоже время есть истинный талант в совсем другой, отдельной от школы, области — она обожает женскую борьбу. Бегать, прыгать, отжиматься для нее так же приятно, как для других набивать себе брюхо и смотреть телевизор. Как и для других боксеров, для Аянэ главное — это доказать маме, брату, школьным друзьям и всему остальному миру свою значимость, а также воплотить в жизнь лишь для нее понятные мотивы.

На вопрос, почему этот сериальчик получился скучным и нудным, ответить довольно легко. Он очень короток и примитивен. За два эпизода Аянэ не только доказывает свою значимость, но и становится суперспортсменкой, во что я лично верить ну никак не собираюсь. Возможно авторы «Высокого удара» во главе с режиссером Окао и преследовали какие-то благие цели, но воплотить их они не смогли. Быстрота повествования на этот раз не компенсировалась драйвом, качественным артом и хорошей анимацией, нет, скорее наоборот: драйва нет, арт очень дешев, а о качестве анимации и говорить не хочется.

Посоветовать «Высокий удар Аянэ» могу исключительно поклонникам спортивного аниме и файтингов без магии. Этот сериал не плох и не вызывает рвотных позывов, он просто-напросто скомкан и укорочен. А для сюжета, основанного на развитии персонажа, на его стремлении добиться цели, подобная укороченность губительна.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Ния под семёркой (2004.04.20)

«Ния под_семеркой» является замечательной стартовой площадкой режиссера Токоро Томокадзу. Все хорошее, что тут есть, впоследствии плавно перекочует в его следующую работу — грандиозный философский сериал «Альянс серокрылых», транслировавшийся в 2002 году. Помимо Токоро, над «Нией» работал и его партнер — знаменитый Абэ Ёситоси — сценарист и дизайнер. Именно проект «Ния под_семеркой» впервые соединил эти два ума.

Как уже отмечалось, сериал «Ния под_семеркой» похож на сериал «Альянс серокрылых». Однако в отличие от последнего описываемая картина получилась двоякой. Ее как бы разбили на две составляющие. Первая — это смех и юморное веселье; вторая — рассуждения, повседневность и тяжелый быт. Вроде бы настолько сильно отличающиеся друг от друга приемы не могут сосуществовать вместе, но тем не менее они вместе. За смех и веселье в сериале отвечает инопланетянка Ния — вечно голодная сумасбродная особа, у которой не хватает пары пружинок в голове, а повседневность и быт авторы положили на хрупкие плечи труженицы Маюко.

Как вы уже могли заметить, в прошлом абзаце упоминались инопланетяне. Нет, я не оговорился, тут, правда, есть инопланетяне, и их тут много. Все они ходят с антеннами на головах и имеют своеобразную форму ушей. Нужно отметить, что подобные персонажи являются для Токоро-сана неотъемлемой частью. Он их создает, помещает в свои произведения и тут же про них забывает, сливает вместе с простыми людьми, в результате чего от людей они отличаются исключительно наличием ушек и антенн. Режиссер не утруждает себя объяснениями того, откуда эти инопланетяне пришли, зачем и ради чего. Как обычно, одни сплошные загадки. Однако, как и в истории про серокрылых (я заранее извиняюсь за частые сравнения), само присутствие загадочных персонажей приводит к некой таинственности, и именно это делает произведения режиссера особенными. И тут и там имеют место быть не похожие на людей существа. И тут и там они изолированы от общества, и, что самое удивительное, в обоих сериалах эти обитатели ведут себя так, словно они беженцы. В «Нии» инопланетяне работают преимущественно на грязных и низкооплачиваемых работах, живут в дислоцированном месте, борются за свои права и так далее. Это, безусловно, интересно.

Не менее важной частью, а может быть и более, является другая девушка – бедная студентка. Честное слово, пока я смотрел этот сериал, я проникался уважением к этому персонажу. Она трудяга. И трудяга не потому, что ей это нравится или в силу идейных соображений, а потому, что жизнь заставляет. Когда-то ее семья владела баней, но после смерти отца баня перешла в другие руки, а Маюке (так ее зовут) выделили небольшую комнатку за то, что она убирает баню после закрытия. Это расплата за проживание в своем же доме. Чтобы заработать на еду и обучение, ей приходится вставать на рассвете и развозить газеты. Потом идти учиться, а после учебы двигаться в сторону европейского ресторанчика, где она работает курьером. Так она живет изо дня в день на протяжении 13 эпизодов. Чтобы купить еду со скидкой, Миюка сидит на остановке до последнего, пока мужик, который рядом продает свинину, не будет давать вечерние скидки. Маюке дорога каждая йена, каждый кусок хлеба. Поход с тележкой по супермаркету для нее сравним с походом в Эльдорадо за золотом. Не знаю почему, но именно на это в фильме делается особый упор. И благодаря этому упору режиссеру удалось неплохо показать ту сторону жизни обычных провинциальных японцев, которую как бы нехотя показывают в других произведениях.

Говоря о сериале, нельзя не отметить традиционную для Токоро детализацию. Например, если в первом эпизоде крыша героини была пробита, то дырка будет показываться и в 10, и в 11 эпизоде, пока ее не заделают строители. То же самое происходит с разбитым окном, топкой и другими предметами. Я вообще люблю, когда авторы относятся к детализации с должным уважением, этим они подчеркивают свою профпригодность.

Общего сюжета в этой истории нет. Буквально за первые два-три эпизода зрителя знакомят с персонажами, после чего все оставшееся время показывают то, что я называю повседневностью, а другие — филлерами. Конечно, каждая серия отличается от другой, но отличия эти, скорее, косметические. Изо дня в день Маюка ходит на работу, а инопланетянка носится по свалкам и затаривается хламом, вечером они собираются за ужином и начинают долго спорить, кому положено есть скудную трапезу, а кому нет.

Посмотрев этот сериал, я остался доволен. Единственное, я плохо понял, зачем в такой, по-своему необычной истории так много места уделили плоскому юмору и типичным шуткам, которые свойственны аниме более низкого уровня. Я уже писал выше, что инопланетянка Ния в этом аниме играет роль шута, она вечно придуривается, пучит глаза, прыгает, скачет, и вообще ведет себя вызывающе на фоне других персонажей. В голову приходит только два объяснения: либо Токоро своей чудачкой Нией хотел показать и усилить связь между героями, либо таковы были условия продюсеров, которые знают, что публика, обожающая шуточки, более многочисленна. По моему субъективному мнению, все эти выкрутасы Нии замечательно бы смотрелись в каком-нибудь другом сериале, но тут они лишние. Защитой моих слов служит то, что в следующем своем фильме режиссер полностью откажется от всех этих фансервсисных заморочек и в результате снимет одно из лучших аниме.

Но как бы то ни было, «Ния под_семеркой» — хорошая работа, поклонникам Токоро и «Альянса» вполне может понравиться. Единственное, нужно быть готовым к шуткам и юмору. А шутникам, наоборот, нужно быть готовыми к традиционной для этого автора медлительности повествования. Детализация, музыка, атмосфера повседневности и замечательный показ быта провинциальных японцев просто обязывают поставить хорошую оценку, однако я все-таки уверен, что этот сериал мог быть серьезнее и лучше.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Tekken (2004.04.18)

Ну и фигня, по-другому никак не скажешь. Надеюсь, что смотреть данную поделку никто не будет, поэтому сразу углублюсь в сюжет, если это слово вообще тут применимо.

Здоровенный мужик по имени Хэйхати Мисима, который может зубами поймать летящий топор и разгрызть его, бросает своего сына со скалы, приговаривая: «Если ты сильный мальчуган, то выживешь». Мальчуган оказался сильным и выжил, но почему-то спустя много лет у него никак не может пропасть желание отомстить глупому отцу, который, вдобавок ко всему, сам дает ему повод, приглашая на свой ежегодный бойцовский турнир с призовым фондом в миллиард долларов. Приехавший на турнир сын, сталкивается с другими оппонентами, также мечтающими замочить злобного папашу и заодно затариться зеленью.

Турнир устраивается на секретном острове, на который с опаской смотрят даже военные силы США. А все потому, что чокнутый папаша оказывается не просто чокнутый, но еще и президент организации, снабжающей оружием всю нашу планету. Плюс ко всему, на этом острове разводят динозавров. И мало того, что разводят, они их еще чем-то поливают, после чего динозавры становятся невидимыми, бегают по лесу и едят участников турнира. Далее у нас идет профессор, как необходимый атрибут любого подобного фильма, в данном случае этот персонаж расположился в подземной части острова. Если вы думаете, что он создает некое сверхсекретное атомное оружие, то ошибаетесь, так как в отличие от других профессоров наш профессор разводит кенгуру. Для чего он это делает, так же как и многое другое, в фильме не разглашается. Один из участников турнира – огромный робот — приводит к профессору больную девочку и признается, что после знакомства с ней у него появилась возможность мыслить. Вдобавок ко всему, по острову носится китайский полицейский, мечтающий раскрыть некую тайну, он лазает по подземельям и фотографирует всякую ерунду. Приехала на остров и девушка индианка, желая отомстить гадкому Хэйхати за то, что тот когда-то успел сжечь ее индейскую деревню. Видимо, у миллиардеров и глав корпораций нет других дел, как жечь деревни. Нельзя не отметить и о приемном сыне злобного Хэйхати, благодаря которому на острове погибают все кенгуру и динозавры.

Если, прочитав первые два абзаца, вы подумали, что у меня поехала крыша, то посмотрите «Tekken: The Motion Picture». Более дурацкого фильма я еще не видел. Отвратительная дешевая анимация, отвратительное качество картинки, просто отвратительный сюжет, рассчитанный на самых-самых душевнобольных зрителей. Другими словами, отвратительная дешевка, снятая в 1998 году.

«Tekken» появился на свет аж в 1994 году в виде игры для приставки «Sony Playstation», а уже четыре года спустя выходит знаменитая третья часть этой игры. В этом же году авторы смекнули, что на анимешном рынке им также может улыбнуться удача. Эти хитрецы знали, что под громким именем «Tekken» им удастся сбыть ушастой публике миллионы копий своей поделки. И если им это будет так легко сделать, то нафиг, собственно, спрашивается, им париться и продумывать сюжет, создавать качественные фоны и хорошую анимацию, ведь все равно ушастые все купят. Именно так и появился анимационный «Tekken», сюжет которого я уже вкратце изложил.

Лично я бы поостерегся смотреть этот фильм еще раз, не советую этого делать и вам. Особенно если вы любите боевики и всяческие файтинги, потому что все поединки в фильме однообразны и зачастую сводятся к одному удару. Большинства персонажей, присутствующих в игровой версии, тут нет, а те, что есть, только и делают, что разговаривают и устраивают словесные баталии. В итоге нет ни файтинга, ни сюжетного наполнения, зато есть абсурдное стремление авторов обобрать своих фэнов.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Адзиму: Пляжная история (2004.04.16)

Перед глазами у парня, стоявшего на перроне, возникло дивное виденье. Виденье звали Адзиму, им оказалась молодая и стройная школьница с красивыми зелеными глазами. И чем больше наш герой смотрел на это виденье, тем больше понимал, что видит перед собой то, о чем столько времени мечтал. Он влюбился, влюбился по уши. И каждый день, стоя на перроне, смотрел на нее и любовался. Пока однажды судьба не свела их в одной очень пикантной ситуации. В тот день народ набился в вагоне словно селедка, и Адзиму, по воле случая, оказалась вплотную прижата к нашему герою. Ну, вы знаете, как это бывает в электричке. Она стояла к нему спиной, и все было хорошо, пока какой-то мужлан не начал из-за тесноты непроизвольно тыкать красавицу в зад рукояткой от теннисной ракетки. Однако Адзиму, видя сзади лишь нашего героя и чувствуя, что ее чем-то тыкают внизу, сами понимаете, что думает. В общем, наш герой оказался избит и отшит.

Так начинается «Адзиму — пляжная история», и это совсем не комедийный фансервис, как можно подумать, прочитав вступление. Нет, это довольно приличная мелодрама: без глупостей и гэгов, без дурацких учительниц-пришельцев и прочей атрибутики. От начала и до конца «Адзиму» выдерживает заданную планку, подкрепляя происходящее на экране хорошим музнаполнением.

По своей концепции «Адзиму — пляжная история» напоминает гиблевский фильм «Здесь слышен океан», в котором тоже говорилось о взаимоотношениях между школьниками, о любви и сопутствующем романтизме. В этом мини-сериале все очень схоже, правда, менее детализировано. Но оно и понятно, «Здесь слышен океан» создавался под руководством настоящих гуру японской анимации, да еще и на лучшей в Японии студии. А «Адзиму» мало того, что мини-сериал, а не полнометражный фильм, так еще и интернет-аниме. Более профессиональное и правильное название для такого рода аниме — ONA (Original Net Anime). На моей памяти подобных творений не так уж и много, в свое время в сети появилась возможность скачать мини-фильм «Адзуманга ВЕБ Дайо», но он был маленьким и укладывался всего в пару минут. Описываемая же история — это вполне нормальный и полноценный сериал, состоящий из четырех эпизодов по полчаса каждый.

Конечно, рассказать полноценную историю за два часа трудно. Особенно если это любовная история. Ведь хорошая любовная история требует внимания к деталям, проработки персонажей, а также интересного сценария. И если с первыми двумя пунктами в описываемом сериале авторы кое-как справились, то основной сюжет получился так себе. Но, заметьте, он все-таки получился. Наблюдая за беганьем ребят и их ужимками, буквально до последней минуты трудно было понять, кто и с кем тут останется, и останется ли вообще. Это несомненный плюс. Небольшой, правда, но плюс.

Отдельного абзаца стоит музоформление. Признаться честно, таких качественных треков от работы подобного уровня я не ожидал. Мало того, что тут имеется вполне нормальная заставка, так тут еще и полфильма наполнены пением. Та самая девушка, которую наш герой «тыкал» сзади, оказалась певицей. Может быть, певица — это слишком громкое слово, но она почти весь фильм поет, и я не знаю, как это еще может называться. И поет она здорово, особенно замечательно у нее получаются гавайские напевы под гитару. А если к этим напевам прибавить закат и шум моря, то атмосфера делается совсем недурной. Это второй плюс.

Итого. Вместе с «Адзиму» мы получили еще один неплохой романтический мини-сериал, без примеси каких-либо других жанров. Отсутствие кавая и явного стеба над всем и вся в данном случае сыграли в плюс. В результате у авторов получилась довольно типичная, но весьма и весьма неплохая мелодрама.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Адзуманга (2004.04.15)

На этот раз обойдусь без длинных прелюдий, мое эссе будет восторженное и радостное, так что ненавистникам всего милого и пушистого просьба не беспокоиться и дальше не читать. «Адзуманга» — кавайный шедевр. Однозначно.

Порой меня обвиняют в предвзятом отношении к «кавайным» сериалам. Так вот, подобные обвинения абсолютно беспочвенны. Единственное, к чему у меня всегда было и будет предвзятое отношение, так это к наигранности и искусственности, а также к тому, что на мне, как на зрителе, пытаются заработать. Однако предвзято относиться к целому жанру или стилю нет никакой необходимости. Гениальнейшая «Адзуманга» — лишнее тому подтверждение. Это произведение — одно из тех, что с каждой новой серией все больше влюбляют в себя зрителя, а показав последний эпизод, заставляют высовываться в форточку и орать прохожим всякие глупости. Сейчас, когда последняя серия подошла к концу, очень трудно сказать что-то внятное и понятное об этом сериале. Обычно при просмотре всякой фигни слова так и просятся быть набранными на клавиатуре, в случае же с «Адзумангой» они прячутся между клавишами. Спросите меня, что такое «Адзуманга», и в ответ я буду глупо улыбаться, строить на пальцах нелепые комбинации и по-дурацки хихикать, однако вам не удастся добиться от меня каких-либо колких эпитетов и умных суждений. Пытаться умно рассуждать о сюжете «Адзуманги» — верный признак психической болезни.

Совсем недавно, по стечению неких обстоятельств, мне пришлось посмотреть «кламповский» сериал «Ангельский слой», и тогда мой восторг был неописуем. Переставляя один эпизод «Адзуманги» за другим, в голове постоянно возникали образы милого и доброго «Ангельского слоя». Кстати, почитав опусы других рецензентов, выяснилось, что не только у меня возникали эти образы. На поверку же оказалось, что и тот и этот сериал режиссировал один и тот же человек — Нисикори Хироси, мастер кавайного действа, и вообще дядя с большой фантазией, в чем мне лишний раз пришлось убедиться.

Свой новый проект Нисикори-сан писал не с чистого листа. Он и его сценарист Окоти-сан взяли за основу знаменитую мангу Адзумы Киёхико. Экранизированная история Адзумы получилась довольно объемной и заняла аж 26 эпизодов, но как же легко эти эпизоды смотрятся и усваиваются! Весь успех «Адзуманги», как мне показалось, заключается в полной отдаче автора своим персонажам. Мангака не стал париться каким-то глубокомысленным анализом бытия, не стал придумывать сложные сюжетные линии, ему это все было не нужно. И он, что удивительно, оказался полностью прав. До просмотра «Адзуманги» я не поверил бы, что можно отснять успешный и, что самое главное, длинный сериал, не используя сюжет вовсе. Ведь даже в «Тёбитах» и «Хине» имелось логическое стремление к завершению — поступление главного героя в вуз, попытки обрести взаимную любовь. Но что можно показать зрителю, не имея завязки, развертки действия, традиционной кульминации и развязки? Я не понимал. Оказалось, что очень многое. «Адзуманга» — это мое первое успешное знакомство с такого рода фильмами.

Не имея какого-либо линейного сюжета, Адзума все время посвятил персонажам. В данном случае это шесть школьниц с самыми разнообразнейшими характерами и повадками: от тормознутой Осаки-сан до безбашенной Томо. Между двумя этими крайностями примостились не менее, а может быть и более, яркие характеры. Чего стоит Тиё — малюсенькая кавайная девочка-лапка с такими прекрасными косичками, что вы будете весь сериал мечтать их потрогать. Все эти персонажи, конечно же, школьники. Тут даже думать нечего. 26 эпизодов посвящены им и их школе. В сериале почти не показывается что-либо другое, кроме школы, зато школа предстает в полном блеске, навевая воспоминания о днях давно прошедших. Школьные завтраки, торжественный выход к доске, спортивные соревнования, спящие посреди урока ученики, опоздания на этот самый урок, учителя, мел и парты — все это тут есть, и кроме этого нет почти ничего. «Адзуманга» — самый школьный сериал, в нем показали три года обучения шестерых учениц и ровным счетом больше ничего, да, собственно, больше ничего показывать было и не нужно, иначе бы атмосфера испортилась. Однако в отличие от своих собратьев по профессии мангака Адзума пошел дальше. Показывая трехгодичный период обучения, он три раза показал одно и тоже, но под разным углом. Все как в реальности. Три раза на экране проносятся летние поездки на дачу, три раза показываются школьные соревнования и так далее. И это не раздражает, наоборот, появляется эффект чего-то правдоподобного, эффект повседневности.

Создав правильную атмосферу, режиссер и мангака посадили в нее правильных персонажей. Я уже писал выше, что это шестеро школьниц. Но разрази меня гром, если это привычные или скучные анимешные школьницы! Это самые лучшие анимешные школьницы, каких только приходилось видеть. Дело в том, что все шестеро представляют собой разные аллегории, разные характеры. Порой кажется, что характеры эти настолько несовместимы, что между ними не может быть ничего общего. А порой, наоборот, кажется, что нет людей, более подходящих друг другу, чем эти. В общем-то, как и в реальной жизни. И это есть изюминка. Показывая почти 10 часов жизнь обычных школьниц, не супердевочек в матросках с волшебными палочками, а именно обычных школьниц, авторы совершили невозможное — они сделали этот показ интересным. Еще стоит отметить, что для усиления атмосферности было «вырезано» абсолютно все мужское население. То есть ребята тут, конечно, есть, но показывают их лишь на задних фонах, словно это деревья или забор. За весь сериал парни отмочили только пару фраз, да и то незначительных. Таким образом, Адзума отгородил своих девочек от грязных посягательств и от соблазнов создать любовные коллизии, а также неуместные в данном случае признания в любви.

Последнее, о чем хотелось упомянуть, так это о том, почему в начале статьи я назвал этот сериал кавайным шедевром. Однако, немного подумав, понял, что никакими словами не смогу выразить свою мысль лучше, чем представленными изображениями.

Традиционное послесловие. Рекомендую посмотреть эту экранизацию всем зрителям, кроме ярых ненавистников кавая и повседневности. Также этот сериал не имеет смысла смотреть тем людям, которых воротит от школы, так как ее тут очень много, это вы уже должны были понять. А ежели это заведение вы окончили, но хотите оставить его в прошлом и всячески забыть, то «Адзуманга» не лучший способ для этого. Всем же остальным очень советую.


+5Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Манускрипт ниндзя (2004.04.10)

Иногда случается слышать, как «Манускрипт ниндзя» называют шедевром девяностых, эпохальным аниме, высочайшим достижением Madhouse и так далее в том же духе, но, на мой взгляд, это вполне типичный кавадзиривский фильм. Не более. Его относительный успех держится на трех китах, благодаря которым еще незнакомые с аниме зрители падают ниц, думая, что японская анимация есть нечто страшное и непостижимое – полная противоположность «Диснею» и нашему «Союзмультфильму».

Во-первых, «Манускрипт ниндзя» — очень жестокий фильм. По наличию крови, раздираемых внутренностей, выпадающих зубов и прочей мерзости он с лихвой опережает «Берсерк» и лишь немногим не дотягивает до современных триллеров, например, «Ганца».

Во-вторых, в «Манускрипте ниндзя» много откровенных сцен. Вообще, в начале девяностых секс и насилие были любимы большинством аниме-студий, но Madhouse на этом поприще шагнул впереди планеты всей. Стиль работы, который выбрал Маруяма Масао, сильно напоминал стиль американцев, где ориентация на подростков и преподнесение им в фильмах насилия и разных оргий по поводу и без повода вполне себя оправдал, по крайней мере в плане прибылей, а не нравственного воспитания, плоды которого американцам приходится пожинать до сих пор. Также нужно не забывать, что в этот период в Madhouse работали в основном над OAV, где цензоры менее притязательны, и где можно воротить все, что душе угодно. Полнометражный фильм, коим является «Манускрипт ниндзя», стоит по своей специфике между свободными OAV и ограниченными в свободе ТВ-сериалами. Поэтому уровень жесткости и количество шокирующих сцен в полнометражном аниме скорее зависит от студий, нежели от иных сил и воздействий, и, зная склонности Madhouse, не приходится удивляться тому, что мы видим в этом фильме.

В-третьих, сюжет «Манускрипта ниндзя» изобилует столь большим количеством имен и фамилий, что без подготовки кажется невозможным постичь замыслы великих японских сценаристов. Но на самом деле все весьма и весьма просто. Сюжетная нить «Манускрипта», если говорить простым языком, завязана на противостоянии исторических деятелей Токугавы и Тоётоми. Чтобы понять, в чем противостояние состоит, необходимо сделать небольшой экскурс в историю. (Кому это не интересно, может пропустить следующий абзац)

Одно время Японией правил регент Тоётоми Хидэёси — сёгун, а среди его окружения имелся Токугава Иэясу, стремившийся стать сёгуном. После того как Тоётоми отправил войска в поход на Китай через Корею, он увяз в ней, а со временем обстоятельства сложились для него настолько неблагополучно, что он решил передать права правления этому самому Токугаве. Последний, однако, решил отказаться. А когда Тоётоми умер, то оставил после себя маленького Тоётоми Хидэёри. Его-то опекуном и стал Токугава, полностью взявший власть в свои руки.

Сюжет фильма возвращает нас в те времена, когда правителем был сёгун Токугава, а род Хидэёри всячески пытался вернуть себе власть. Правда, в фильме обо всем этом говорится столь мало, что понять что-либо из диалогов героев практически невозможно. Впрочем, это и логично, ведь какой смысл тратить время на то, что японским детям и так должны были объяснить в школе. Поэтому большое количество имен без особых разъяснений каскадами обрушивается на голову зрителя в перерывах между поединками с (!) демонами. Да, именно с ними. Взяв за основу реальную историю, режиссер Кавадзири наплевал на всякую достоверность и, как обычно, углубился в свою любимую мистику. Казалось бы, в историческом фильме нужно полностью отдаться рассказу истории, отдаться хотя бы для того, чтобы объяснить зрителю, что к чему и для чего. Но нет, вскользь упомянув о сёгуне и его проблемах, Кавадзири лишь эпизодически к этим проблемам возвращается. Намного больше ему нравятся демонические поединки, которые он пытался сплести с реальной историей. И тут, наверное, нужно было бы упрекнуть Кавадзири в инфантильности и поверхностности, однако этот выпад казался бы нелогичным. Ведь изначально фильм вряд ли задумывался, как учебник по истории, не было цели и создавать очередную правдоподобную самурайскую повесть - этого добра в Японии за последние полвека наштамповали столько, что хватит на несколько будущих поколений. К тому же «Манускрипт ниндзя», как-никак, мультфильм, может и слишком жестокий, но все-таки мультфильм. А мультфильмы даже в Японии рассчитаны, прежде всего, не на седых зрителей, ищущих достоверности, а на молодежь, которой в первую очередь нужны вампиры и демоны, а уж потом правдоподобность и скрупулезное соблюдение исторических деталей. Вот и сделал Кавадзири упор на своих любимых демонов. Мало того, что это оказалось прибыльно, так это еще и его конек. С демонами Кавадзири, как рыба в воде, он их столько раз и в стольких интерпретациях создавал, что данная тема уже давно стала частью его творчества.

Что же касается поединков и их постановки, то они проработаны на должном уровне. Главным участником тут выступает легендарный герой японских легенд – ниндзя Дзюбэй. Как и подобает любому приличному главному герою, носящему меч, Дзюбэй является весьма молчаливым, красивым и статным молодым человеком. Любители фильмов режиссера Кавадзири могут найти много схожего между ним и охотником Ди из саги «Охотник на вампиров».

Не меньше поединков и самого Дзюбэя заслуживает внимания дедок, играющий роль правительственного шпиона, которому режиссер волей-неволей отвел чуть ли не главную роль, сделав мозгом фильма, в то время как Дзюбэя всего лишь безмозглым оружием в его руках. Именно дедок пытается рассказать зрителю о сёгуне и о грозящей опасности, правда, получается у него это весьма коряво, потому что ни Дзюбэю, ни зрителю, ни самому Кавадзири подобные россказни попросту нужны.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Жар-птица 2772: Космозона любви (2004.04.05)

Об аниме «Могучий Атом», «Император джунглей» и «Жар-птица 2772», наверное, слышал любой уважающий себя зритель, увлекающийся аниме. Все они были отсняты довольно давно, но, как говорится, все они до сих пор на слуху. Перечисленную троицу (наряду с работами Мацумото Лэйдзи и ранним Такахатой) принято считать если не шедеврами, то уж точно классикой, своеобразным золотым фондом японской анимации.

Фильм «Жар-птица 2772: Космозона Любви», отснятый по произведению Тэдзуки Осамы, экранизировали довольно поздно, позже «Могучего Атома» и «Императора джунглей». Историю про феникса снимали непосредственно на студии имени Тэдзуки лишь в начале 80-х, тогда как другие упомянутые произведения вышли на экраны уже в 60-х годах. Однако это вовсе не означает, что «Жар-птица 2772» сам по себе нов. Вовсе нет, работу над этим произведением Тэдзука начал в далеком 1954 году. Тогда историю про глобальную катастрофу печатал известный журнал Manga Shonen, а со временем эта история переросла в нечто огромное. Законченная «Жар-птица» весит ни много, ни мало — 10 томов, содержащих порядка 3000 страниц, что само за себя говорит о грандиозном труде, вложенном в это дело.

Экранизация, как это часто и бывает, получилась весьма сжатой, однако основную идею фильм передает весьма доходчиво. Фильм «Жар-птица 2772: Космозона Любви» создан в типичном тэдзуковском стиле; сейчас подобный стиль практически не используется, если не считать редкие исключения из правил вроде «Метрополиса», которые лишь подтверждают эти самые правила.

Общая фабула тэдзуковской истории незамысловата, но, что удивительно, хорошо запрятана, чтобы полностью ее вычислить, нужно непременно досмотреть фильм до конца. Возвращаясь к стилизации, отмечу, что смотреть «Жар-птицу» по некоторым причинам трудно. Дело в том, что экранизация намеренно ориентирована на маленького зрителя — это хорошо заметно по зверушкам, распевающим песенки. Однако если посмотреть на этот фильм с противоположной стороны и под другим углом, то отчетливо становятся видны гуманные порывы, овладевающие Тэдзукой. Основная идея этого фильма заключается, конечно же, не в зверушках и роботах, она заключается в очередном кинопризыве к человеку. Тэдзука всеми силами призывает к тому, чтобы человек сел и задумался над тем, какая будет планета в будущем; задумался над тем, что хочет человек: жить или выживать. И очень хорошо, что снято все это по-детски и для детей. Тэдзука заведомо раскрывает свою мысль именно маленьким людям, то есть тем гражданам, которым придется жить или выживать.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Кибер-город Эдо 808 (2004.04.03)

«Кибер-город Эдо 808» — одна из ранних работ Кавадзири Ёсиаки, известного любителя нечисти и всяких мистических штучек. За те десять лет, что последуют после выпуска «Кибер-города», Кавадзири снимет повесть о ниндзя «Манускрипт ниндзя», экранизирует роман Кикути Хидэюки «D - охотник на вампиров: Жажда крови» и даже состряпает братьям Вачовски эпизод для их «Аниматрицы». Все только что перечисленное — это признанные работы Кавадзири. Работы, его прославившие. Однако помимо них есть еще и другая кипа произведений, о которых принято молчать. Читая разные статьи и форумы, частенько приходится наблюдать выпады в сторону Кавадзири, мол, он может снимать хорошие фильмы лишь тогда, когда ему выдают приличный бюджет.

Так или иначе, а Кавадзири не перфекционист. Порой этот режиссер может выдать весьма слабую работу, вроде «Синдзюку - город-ад», порой отличный фильм. И что удивительно, время на это никак не влияет. Например, «Манускрипт ниндзя» Кавадзири снимал в 1993 году, в этом же году он работал над упомянутым фильмом «Синдзюку - город-ад» и над «Ветром по имени Амнезия», о сценарии которого я уже писал негативные строки. Таким образом, хочется подчеркнуть, что даже от его старых работ вполне возможно ожидать чего-то стоящего.

«Кибер-город Эдо 808» довольно трудно обозвать поделкой, еще труднее назвать его стоящим мини-сериалом. По своей концепции он похож на тот же «Синдзюку - город-ад», отснятый чуть позже. Оба фильма мрачны и сюжетно просты, оба являются боевиками без всякой примеси комедии. Но если «Синдзюку - город-ад» — типичная мистика, то «Кибер-город Эдо 808» — типичный киберпанк.

Не составляет труда вспомнить, что жанр киберпанк в начале 90-х переживал свою кульминацию, а уже во второй половине 90-х начал постепенно сходить на нет. Лично для меня киберпанк поставил жирную точку фильмом Осии Мамору «Призрак в доспехе», после которого, к сожалению, из внятного на эту тему показали лишь «Лэйн: Серийные испытания».

«Кибер-город» имеет почти все атрибуты киберпанковского фильма, правда, порой чуть приукрашенные. Образ ночного города, по которому носятся зловредные киберпреступники и их преследователи — отдел по борьбе с киберпреступлениями, знаком, наверное, каждому любознательному зрителю. Кавадзири довольно умело создал типичную киберпанковскую атмосферу, посадил в нее тройку персонажей и залил все это троечным сюжетом.

О троечном сюжете стоит высказаться отдельно. Он не закрученный и много места не займет. Мне он приглянулся тем, что автор умудрился изложить его в (!) одной лишь заставке, с которой и начинается фильм. Тюремный босс космической тюрьмы вызывает на ковер троих преступников и говорит им, что они могут скостить свой срок, если вернутся на Землю и будут ловить киберпреступников. А так как на заключенных висело больше чем по 300 лет тюрьмы, то все они недолго думая согласились. Вот и вся концепция. Для ее описания хватило двух предложений. Спустившись на Землю, преступники начинают довольно задорно бегать по улицам и мочить всяческих паразитов, что само по себе, конечно же, не ново и весьма приторно.

Наверное, «Кибер-город» не стоило бы упоминать и покупать вообще, если бы не один плюс. Плюс этого мини-сериала, как мне кажется, заключается в том, что Кавадзири неплохо сконструировал городишко для своих персонажей, да и сами персонажи, созданные его рукой, более или менее удобоваримые. Как обычно, это стройные люди с красивыми и не «кавайными» лицами: мужчины серьезны и сильны, женщины красивы и стройны. Но как бы стройны и красивы эти человечки ни были, какой бы кибернетический город они ни спасали, сюжетная пустота и полная предсказуемость дают о себе знать. Если в первом эпизоде героям было поручено спасти небоскреб, то сразу же было ясно, что через 40 минут они его спасут. То же самое и в двух других эпизодах.

Я не люблю рекомендовать фильмы к просмотру, но описываемая работа настолько специфична, что на этот раз большого труда такое занятие не составит. Кавадзиривский сериал вполне может быть интересен коллекционерам киберпанковских фильмов. Кое-что в нем могут найти и любители старого экшна. Но так как кроме экшна и элементов киберпанка тут больше ничего нет, то остальные группы зрителей, скорее всего, просто потеряют время.


+6Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Ранма 1/2 (2004.04.02)

«Ранма 1/2» — самая известная манга Такахаси Румико, написанная в 80-х и с тех пор являющаяся классическим комедийным произведением с элементами романтики. В конце 80-х годов мангу экранизировали в виде длинного ТВ-сериала, в результате чего история о забавных героях, превращающихся в разнообразных весёлых животных, стала еще более популярной и узнаваемой. Впоследствии мангу и аниме перевели на английский, а затем и на другие языки; произведение плавно расползлось по всему миру и тем самым подняло авторитет Такахаси до невиданных ранее высот, сделав её столпом японской манги.

Несмотря на то, что ТВ-сериал стартовал аж в 1989 году, он до сих пор остается классическим образцом удачного романтико-комедийного аниме. Почти все, что на сегодняшний день стоит на конвейере, впервые (или почти впервые) было обкатано именно в «Ранме 1/2», тогда это и очаровывало, и притягивало.

Выпуск аниме осуществлялся с 1989 по 1992 год. Однако начало его было омрачено. Первый сезон открутили в 1989 году. В дальнейшем было выпущено еще 6 сезонов, но самым маленьким из них так и остался первый 18-эпизодийный сезон, получившийся столь коротким лишь по той причине, что экранизаторы никак не могли понять, для какой же аудитории они собственно все это дело снимают — женской или мужской. Насколько я понимаю, авторы так и не пришли к единому мнению, поэтому закончили съемки на 18 эпизоде. К счастью, из-за этой производственной мешанины история не оборвалась.

Весь сериал условно можно поделить на две части: это первый 18-серийный сезон (также можно встретить как Ranma Ѕ) и 143 серии (Ranma Ѕ Nettohen), которые составляют оставшиеся шесть сезонов. Такое разделение не случайно, так как после выхода первого сезона сериал некоторое время не выходил, однако когда производственные проблемы решили, сериал без перебоев транслировался в течение еще нескольких лет.

Первый сезон не имеет какого-то четкого названия — это просто «ТВ-эпизоды» или Ranma Ѕ. Зато остальные шесть получили более осмысленные названия. Собственно, вот их английские варианты: Anything-Goes Martial Arts, Hard Battle, Outta Control, Martial Mayhem, Random Rhapsody, ну и, конечно, Ranma Forever. Помимо этого предприимчивые экранизаторы манги Такахаси не удержались и от OAV-дополнений, и от трёх полнометражных сиквелов.

Начальный сезон, который многие считают лучшим, доверили режиссеру Мотидзуки Томоми, уже отличившемуся во время экранизации «Доходного дома Иккоку» — еще одной работы Такахаси Румико; работая же над «Капризами Апельсиновой улицы», он зарекомендовал себя мастером романтического жанра. В первом сезоне «Ранмы 1/2» Мотидзуки, несмотря на все неурядицы продюсеров и менеджеров, сумел очень удачно положить начало экранизации манги, задав тем самым стиль для всех остальных сезонов.

В нашем веке, когда появилось множество новых художественных приемов и технологий, экранизированная история Такахаси Румико смотрится очень двояко. С одной стороны, «Ранма 1/2» не может поражать, а значит и не поражает ни эффектами, ни «крутой» графикой, ни еще чем-то подобным. С другой стороны — не имея всех этих новомодных прибамбасов, «Ранма 1/2», как никакая другая история, пробирает великолепной подборкой персонажей и их комедийными положениями. Сериал поставлен по старинке — он нелинеен, поэтому смотреть его круглыми сутками, как в случае с «Доходным домом Иккоку», вряд ли получится. Так же многие эпизоды современному зрителю могут показаться чересчур детскими, а местами и вовсе глупыми. Так или иначе «Ранма 1/2» продолжает оставаться не столько классическим произведением, отжившим свое время, сколько замечательной юморной, задорной комедией, смеяться над которой вполне можно и сегодня, почти двадцать лет спустя.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Возвращение кота (2004.03.23)

Самое последнее на данный момент произведение студии «Ghibli» под загадочным заголовком «Кошачья благодарность» («Возвращение кота») одновременно замыкает сразу две цепочки. Во-первых, этот фильм заставляет воскреснуть образы, некогда созданные Кондо Ёсифуми в любовно-сказочном фильме «Шёпот сердца». Во-вторых, «Кошачья благодарность» — последнее произведение из трех, что отсняли для студии «Ghibli» режиссеры-новоделы. Первым из них, как мы помним, был мелодрамщик Мотидзуки, вторым — пожилой гибли-ветеран Кондо, а вот теперь пришло время и для третьего режиссера-новодела, в прошлом всего лишь аниматора и фоновщика, — Мориты Хироюки.

Что удивительно, при создании «Благодарности» над Моритой никто не стоял: Миядзаки тут исполнительный продюсер, но никак не сценарист, а Такахаты и вовсе в титрах нет. Поэтому Морита-сан мог раскрыть всю свою фантазию, скопившуюся за многие годы работы с мэтрами японской анимации. Первое, что показывает зрителю Морита после традиционного синего экрана – фигурка кота Барона, упоминавшегося семь лет назад в «Шёпоте сердца», но тогда этот персонаж носил чисто эпизодический характер, сейчас же почти вся история повествует о нем, о его сородичах и о девочке Хару, которая попала в удивительную историю.

И «Шёпот сердца», и «Кошачью благодарность» снимали как адаптацию манги Хиираги Аой, оттого оба фильмы настолько похожи, что даже имеют двух одинаковых героев. Первый герой – кот Барон, о котором я уже упоминал, второй – тоже кот, но жирный и белый по имени Мута, игравший в прошлом фильме еще меньшую роль. Имя Муты само по себе интересно, так как его произношение граничит с произношением слова «бута» — свиньей по-японски. Именно на образе этого свиноподобного кота в фильме строится почти половина всех шуток и юмористических эпизодов. Кстати, нужно отметить, что в новой моритовской сказке юмору отведено довольно много места, особенно в начале, когда Хару еще живет в людском мире. В прошлых фильмах «Ghibli» юмор, конечно же, был, но он никогда не играл главенствующую роль. А вот в «Благодарности» данный элемент принимает более доминирующее значение.

Если вернуться к «Шёпоту сердца», то легко вспомнить, что это произведение было все-таки больше реалистическим, нежели сказочным; новая же работа Мориты (по все той же манге) планку сказки смело перешагнула. В «Кошачей благодарности» заслоны убраны, феерическое действие полилось словно дождь из ведра, не останавливаясь ни на секунду. Шутки, забавные ситуации, местами откровенный стёб захлестывают как никогда, ощущается новый стиль, новая жизнь, новые видения. Однако новый стиль нового режиссера не выбросил прочь давние традиции, в новом фильме есть что-то и от «Тоторо», и от «Лапуты», и от другой классики. Потому смотрится история про кошек легко и интересно. В ней нет глубинного подтекста фильмов Такахаты, нет сложных метафор Миядзаки, скорее всего именно поэтому «Благодарность» очень легка, но в то же время не так притягательна.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Видение Эскафлона - Фильм (2004.03.10)

Снять сиквел или ремейк на удачный фильм считает себя обязанным любой режиссер. Аканэ Кадзуки, с начала 90-х корпевший над прелестным сериалом «Видение Эскафлона», исключением не стал. Как мы помним, «Эскафлон» крутили в 1996 году, и он состоял из 26 эпизодов. Но уже спустя 3 года господин Аканэ презентует новый фильм, хотя новым его называть несколько ошибочно, — это всего лишь ремейк на свой же удачный сериал. Но в отличие от удачного сериала, ремейк, на мой взгляд, получился менее удачным.

Как потом признавался сам Аканэ, снимал он этот фильм очень долго и тяжело: бедняга недосыпал и недоедал. Собственно, оно и понятно: уместить 26 эпизодов в полтора часа экранного времени штука не из легких, однако Аканэ умудрился это сделать. Умудрился он и созвать всю старую группу, без которой оригинальный сериал вряд ли бы получился таким успешным. Именно поэтому в авторском коллективе присутствуют те же сценаристы, тот же дизайнер, те же постановщики и даже имеет место быть легендарная композиторша Канно. Однако те же сценаристы на этот раз перемудрили со сценарием; тот же дизайнер все заново передизайнил; те же постановщики все перепоставили; только госпожа Канно осталась верной себе и ничего не изменила, так что злого мужика, орущего «Эскафлоне», услышать можно.

Суммировав все сказанное, становится понятно, что от старого «Эскафлона» мало что осталось. Изменились дизайны, общий стиль, но главное изменение — это, конечно, сюжет. Удачно засунуть громадный оригинал в 2 часа может только Отомо Кацухиро. А вот режиссер Аканэ и его братия оказались бессильны в этом начинании. Свой «The Movie» они скомкали, как комкают снежок, чтобы сильнее им ударить. В данном случае били прицельно — по зрителю.

В новом фильме школьница Хитоми весьма глупым образом попадает на Гею, мгновенно со всеми знакомится, принимается утешать Вана и совместно борется за светлое будущее против Фолькена. Кстати, в этом ремейке нет никакой империи, главный злодей тут Фолькен, задумавший уничтожить весь мир из-за того, что его не выбрал королем Фанелии некий оракул. Сказать честно, такого бреда и скудоумия я не ожидал. Фолькен, вообще-то, был один из самых интересных персонажей в сериале, тут же он предстал в виде маньякообразного чудовища. Таким образом, получается, что ни атлантов, ни прикольнейшего старикана-императора, ни всяких там предсказаний Хитоми здесь нет. Зато есть банальный злодей с банальной идеей все уничтожить. Ужасно, если не сказать больше. Гамельфов в фильме всего два: Эскафлон и гамельф Диланду.

Единственное, что понравилось в новом фильме —, это графика, она тут безупречна. И если к дизайнам самих персонажей можно придираться, то все остальное просто без комментариев. Пейзажи, замки и города настолько дорого и качественно прорисованы, что только из-за них имеет смысл посмотреть этот фильм. Все остальное — ерунда. Не спасают положения даже знаменитые звуковые дорожки г-жи Канно, которые, кстати, плавно перекочевали сюда из сериала.

Итого. Ремейк на великолепный сериал получился довольно-таки уродливым. Утрамбованный сюжет сделал из первоначально отличной задумки какого-то инвалида. А сюжет — это все. В фильме могут быть очень красивые герои, прекрасная музыка и завораживающие виды, но без грамотного сюжета все эти атрибуты превращаются в пепел, в золу. Но обидно даже не это. Обидно то, что фильм-то делали те же ребята, что и сериал. Я бы понял, если бы фильм снял бы какой-нибудь подельщик, но от Аканэ и его сценаристов трудно было ожидать чего-то подобного.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Здесь слышен океан (2004.03.06)

За всю свою историю существования студия «Ghibli», управляемая мастерами Такахатой и Миядзаки, выпустила на свет тринадцать полнометражных картин. Из них десять созданы ее непосредственными руководителями, и только создание трех картин было доверено другим деятелям. Вспомнить эту тройку не составляет труда: «Здесь слышен океан» (1993), «Шёпот сердца» (1995) и «Кошачья благодарность» (2002).

Полнометражный фильм «Здесь слышен океан», примечателен, прежде всего, тем, что является первой картиной, снятой не исконной гибли-парочкой, а абсолютно новым для студии человеком. Уже в начале 90-ых годов Миядзаки и Такахата решили не торопясь подыскивать себе достойную замену, чтобы так же не торопясь передавать все дела студии новому поколению. Первый претендент сыскался быстро, им стал молодой Мотидзуки, до этого работавший над сериалом «Капризы Апельсиновой улицы». С головой погрузившись в новый проект, головастый Мотидзуки поставил весьма и весьма неплохую картину, о которой я и попытаюсь рассказать далее.

Как оказалось после просмотра, «Здесь слышен океан» — это самая настоящая мелодрама: про любовь и дружбу, про попытки признания в любви, про девушек и ребят, про школу и все в ней творящееся. 34-летний Мотидзуки, в воспоминаниях которого школа еще хоть как-то жива, попытался сваять достойную вещь, не посрамив ни себя, ни великую студию. В принципе, ни себя, ни студию он и не посрамил. Однако уж больно его работа выделяется от других работ студии, взять хотя бы того же Миядзаки, на счету которого больше половины всех фильмов «Ghibli». Перфекционист Миядзаки — это, прежде всего, мастер сказки и развлекательной анимации, его приключенческие истории и связанные с ними метафоры занимают все экранное время: гротескные персонажи спасают принцесс, добрые злодеи уморительно смеются. А вот в мелодраме Мотидзуки абсолютно все по-другому: реальный мир, реальная страна, реальный город, реальная любовь. Ни грамма сказки, гротеска и метафоры. Тут все живо, и оттого складывается чувство, что смотришь художественный фильм с живыми актерами. В этом и заключается вся прелесть.

Но самым забавным фактом является то, что Мотидзуки, сняв «Здесь слышен океан», больше со студией «Ghibli» дел не вел и, скорее всего, вести уже не будет. То ли старики в студии слишком ворчливые и придирчивые, то ли Мотидзуки понял, что ловить ему там нечего. В 1995 году его место займет Кондо Ёсифуми, но и он не сможет долго работать на посту режиссера из-за плохого здоровья и ранней кончины. А уже в 2002 году студия даст шанс третьему, и на данный момент последнему, режиссеру проявить себя. На вопрос, каким будет новое поколение, сменившее Миядзаки и Такахату, ответит лишь время.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Айдзу OVA-1 (2004.02.21)

Экранизированный «И» (I''s или Aizu) — это восхитительный пример того, как можно обезобразить хорошую мангу, частично перенеся ее на экран. Для меня осталось большой загадкой, как в студии Studio Pierrot - во всех отношениях достойной компании, умудрились так схалтурить и опозорить беднягу Масакадзу, которому и так хронически не везет с экранизациями своих произведений.

При просмотре «И», на который автоматически угробляется целый час жизни, не раз приходит в голову идея разыскать мангу, так как, по всей вероятности, она могла быть еще ужаснее, а на это стоило посмотреть. Правда, слабо верилось, что мангака Кацура Масакадзу — автор манги «Ай — девyшка с кассеты» — может состряпать нечто убогое.

Манга, что удивительно, нашлась очень даже быстро, да к тому же на русском языке (за что господину Ульянову огромное спасибо). С первой страницы бумажная история сильно отличалась от экранной: в ней все было спокойно и неторопливо; в ней мастерски обыгрывались характеры немногочисленных персонажей; в ней присутствовали милые этти-сценки, подобные тем, что были в свое время в сериале «Девyшка с кассеты». Но самое главное — натянутости не было вовсе. Подумав, что это лишь начало, а начало почти всегда интересное, я начал листать дальше. Четыре часа спустя я очнулся где-то в середине 4 тома. Признаюсь, я оказался не прав. Кацуровская манга «И» — великолепна. Это неоспоримый факт.

Посмотрев фильм, а затем ознакомившись с первыми томами манги, в голове так и не улеглось, как же можно быть таким безруким и некультяпым болваном, каким оказался режиссер Ито и его сценарист Кагэяма. Но еще больше я не понимаю позицию самого мангаки, который разрешил творить это бесчинство над своим произведением.

Итак, резюме. Ни в коем случае не смотрите эту экранизацию, только если вы, конечно, не коллекционер тухлятины. А ежели вас словно магнитом тянет к магической букве «И», то найдите и почитайте мангу, но никогда, никогда и еще раз никогда не думайте приобретать экранизацию. Сначала я хотел поставить этому фильму тройку за неплохую графику, но после изучения манги у меня рука не поднимается поставить кол — это слишком щедрая оценка для такой фигни. Попытка засунуть бумажный многотомник в один час экранного времени почти всегда обречена на провал, то же случилось и тут. Аниме «И» заслуживает самой слабой оценки за свое скудоумие и за опошление великолепной истории великолепного психолога Кацуры.

А вот мангу почитайте обязательно. Это удивительная вещь.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Большая панда и маленькая панда (2004.02.19)

Сказка «Большая панда и маленькая панда» примечательна прежде всего тем, что является первой работой Миядзаки. До нее молодой мультипликатор работал исключительно аниматором-рисовальщиком; тут же ему выпал шанс делать все самому: он мог создавать эскизы, раскадровку, дизайны, обдумывать концепцию и даже сочинять сценарий. Этим правом будущий режиссер воспользовался и, нужно отметить, не зря.

Почти все авторитетные издания, посвященные творчеству Миядзаки, называют фильм «Большая панда и маленькая панда» прототипом будущей истории про лесное божество Тоторо. Спорить не буду, на «Наш сосед Тоторо» тут похоже почти все: и сюжет, и сам подход, и постановка, и герои, музыкальные темы тоже чем-то роднятся. Однако, поставив фильм «Большая панда и маленькая панда» за десять лет до «Тоторо», Такахата и Миядзаки лишь сделали первые шаги к тому, что в будущем будет именоваться стилем студии «Гибли».

Говоря про Миядзаки, я лишь вскользь упоминаю о другом известнейшем деятеле — Такахате, а ведь именно он тут занимался управленческой работой. И в отличие от первого, идейный режиссер Такахата уже с 60-х годов занимается подобной деятельностью, а потому съемки детского фильма про панд ему были не в новинку.

Не обделив вниманием ни Миядзаки, ни Такахату углубимся в сам предмет. Сказку «Большая панда и маленькая панда», которая, как мы уже выяснили, считается прототипом очаровательного «Тоторо», снимали в два захода — эпизода. Первый эпизод, так и называющийся «Большая панда и маленькая панда», датируется 1972 годом и вмещает в себя 35 минут рисованной анимации. Второй же, именуемый «Большая панда и маленькая панда: Дождливый день в цирке», вышел уже в следующем — 1973 году, его продолжительность 38 минут.

Своей композицией фильм про семейство панд напоминает, прежде всего, советскую мультипликацию. Его основная цель: нести свет в детские головы, показывать мир с лучшей стороны. Недаром почти все персонажи этого двухсерийного фильма мало того что непосредственны, так еще и чрезвычайно добры. Присмотревшись, прислушавшись и отбросив детский стиль повествования, легко можно увидеть и понять все то, что Миядзаки с Такахатой пытались донести до маленького зрителя, что вкладывали в свое творение: это и почтительное отношение к старшим (на примере бабушки Мимико); это и обучение детей самостоятельности (уже на примере самой Мимико); это и призыв к правильному воспитанию, адресованный всем родителям (на примере папы Панды). «Для того чтобы растить детей, нужны родители, — говорит Папанда, — Как нужна хорошая бамбуковая роща, чтобы вырастить хорошие побеги». Миядзаки не случайно употребил эту метафору, в ней кроется смысл многих его фильмов, начиная с описываемой сказки и заканчивая сказкой «Унесенные призраками».

«Большая панда и маленькая панда» — хорошая работа. Ее правильно задумали и правильно сняли. Она впитала в себя все, что должна была впитать. Но главное не это, главное то, что это превосходный экземпляр фильма из категории «аниме для самых маленьких», которое может нравиться не только этим самым маленьким, но и совсем не маленьким зрителям. А почему? Потому что снят фильм про панд с любовью и со смыслом, с идеей и с твердым желанием хоть на чуть-чуть, хоть на самую маленькую песчинку сделать этот мир добрее и лучше.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Голос далекой звезды (2004.02.11)

После великолепной короткометражки «Она и её кот», выпущенной в 1999 году, ожидать от концептуалиста Синкая Макото аниме среднего уровня было просто невозможно. В фильме про кота каждая минута, каждая секунда говорила о том, насколько далеко пойдет молодой аниматор, какие замечательные он будет создавать произведения. Произведения, не только радующие, но и выделяющие его поистине оригинальный арт-стиль от стилей огромных студий, создающих неиссякаемый поток банального коммерческого кавая.

Новый фильм Синкая носит романтическое и вместе с тем фантастическое название «Голоса далеких звезд», к тому же он стал достаточно объемным — 25 минут. Именно в такой отрезок времени Синкай смог уложить свой сюжет, который на этот раз оказался весьма понятным и логичным. Нельзя забывать и том факте, что Синкай по-прежнему делает фильмы в одиночку с помощью «фотошопа». В «Голосах далеких звезд» он одновременно и сценарист, и режиссер, и аниматор, а помогают ему лишь с озвучиванием и музыкой.

Три года, что Синкай провел за разработкой этого фильма, не прошли даром: его искусство рисовальщика выросло до абсолютно новых высот. Черно-белый «Кот» сам по себе был очень красив, но то, что нам показывают в новом фильме, просто поражает. Я лично не могу понять, как один человек смог все это нарисовать, анимировать, да еще так красиво и профессионально. Автор не смог отказаться и от своего любимого атрибута — индустриальных фонов. Железные дороги, бесконечные провода и столбы — все это занимает львиную долю в пейзажах, но, что удивительно, совсем не раздражает. Наоборот, все эти столбы и провода, все эти звуки города помогают разрядить атмосферу, делая ее более восприимчивой. Однако, если в прошлом фильме автор не показал ничего другого, то тут индустриальные красоты все время сменяются космическими. Синкай пошел дальше, он не стал засиживаться на одном месте. Его мастерство растет и становится настолько широким, что уже не помещается в пределах одной планеты, но выпустив на волю свою фантазию, Синкай сумел не переборщить. Освещая события двух контрастных сторон: мальчика Нобуру из обычного города во время заката и девочки Микако, находящейся посреди темной безликой вселенной, автор в очередной раз продемонстрировал свой безграничный талант.

В Японии «Голоса далеких звезд» показали 2 февраля 2002 года в мелком кинотеатре «Толливуд», который мог вместить лишь 46 зрителей. Тем не менее, за месяц новую работу Синкая Макото посмотрело более 3000 человек. А впоследствии, когда выпустили DVD, благодарная публика скупила порядка 50 000 дисков, дав Синкаю не только моральный, но и материальный толчок к созданию новых произведений. «Голоса далеких звезд» по достоинству оценили и критики, завалив Синкая призами. На этот раз автор получил аж 8 разных наград, чем еще больше укрепил свою позицию на рынке CG.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Стальная тревога! (2004.02.11)

Когда 11 сентября 2001 года в США взорвали два небоскреба, создатели антитеррористических произведений начали плодиться словно кролики, создавая местами абсолютно пошлые, местами весьма занятные поделки. Однако долго тема милитаризма (вроде борьбы с Бин Ладеном) популярной быть не может, она приедается и вызывает приступы тошноты, в результате чего апогей пафосных поделок достигается авторами очень быстро. В нашем случае поток фильмов, книг, сериалов, обсуждений и журнальных статей оказался настолько большим, что просто-напросто затопил читателя и зрителя жуткой антитеррористической пропагандой. В передовиках идейной войны, само собой, стояли Соединенные Штаты Америки, собственно, им сам бог велел клепать подобные произведения. Во-первых, бороться с террористами методами пропаганды очень даже разумно. Во-вторых, что более важно, на фоне дикой агитации можно легко сплавить миллион трусов с полосатым флагом, заработав тем самым хорошие деньги. Но что удивительно, другие страны также подключились к этому процессу и попытались не отстать. Я мог ожидать этого от европейцев, но, признаться, от японцев я такого ожидать не мог. Японцы, клепающие неиссякаемый поток кавая, на почве всемирной борьбы с насилием выдали нечто, от чего хочется и плакать, и смеяться одновременно.

К чему я это все сказал? А вот к чему. Спустя всего лишь четыре месяца после катастрофы ребята из японской студии «Gonzo Digimation», которых хлебом не корми, а дай только порисовать фильмы про войнушку, выпускают очень неоднозначный сериал — «Стальная тревога!», заставивший меня вспомнить о том несчастном дне, что в мировой истории помечен черным цветом. За основу будущего сериала, как обычно, взяли графическую новеллу, написанную мангакой Сёдзи Гато. Снимать же все это дело поручили господину Тигире Койти, который вот уже с 2000 года сидел без дела, когда закончились съемки серила «Хранители Врат».

Стержнем новой истории, как все уже догадались, сделали террористов и сопутствующее их убивание разными жуткими способами. Но если в американских боевиках показывают исключительно террористов, то гонзовцы подобной слабостью не обладают. В «Стальной тревоге» чародеи CGI развернулись по полной программе, намутив столько всяких фенечек и примочек, что перечислять их необходимо в строжайшем порядке. Итак, поехали.

Чтобы взять хороший старт, мастерам мультипликации приходится воскресить СССР и КГБ, нарисовать уазик, шныряющий по тундре, с наседающим на хвост вертолетом МИ 24. А в противовес этой мерзопакостной империи зла, где каждый второй житель — это КГБ’шник, шныряющий на уазике по тундре, аниматоры не без гордости ставят технику своей чудо-страны — огромного робота, который быстренько разносит в щепки советский вертолет. Для робота, чтобы он в данной ситуации казался уместным, в качестве базы создают организацию «Мифрил», борющуюся с террористами по всему миру с помощью уже упомянутых роботов и большой синей подводной лодки (можно вспомнить прошлый хит студии — мини-сериал «Последняя субмарина»). Грозно, правда? Автор и Гонзовцы тоже подумали, что грозно, а для смягчения красок поставили во главе этого оплота доброты и мира жутко не подходящее и вместе с тем жутко кавайное существо по имени Тэсса, предварительно одев это существо в военную форму.

Все вышеперечисленное — лишь малая толика гениальных идей, вложенных в антитеррористический аниме-сериал. Последнее время, признаться, аниме стало удивлять меня все больше и больше. Складывается ощущение, будто авторы нарочно пытаются засунуть в свои творения уйму всяких дебильных идей и наворотов, не продумав того, как они будут все это засовывать и наворачивать. Да и как по-другому объяснить появление сериала «Волчий дождь», фильма «Моя богиня!», творений вроде «Стальной тревоги»? Бездарность? Излишки фантазии? Неудовлетворенный спрос? Я лично ответить не могу.

Что же касается описываемого сериала, то он был бы полной фигней, если бы господина Тигиру и мангаку Сёдзи не осенила идея. Они разредили свою пафосную и идейную войнушку с террорюгами (!) школьными сценами! Конечно, это довело маразменность сюжета до предела, но зато скрасило сериал необычайно интересными сценами. Школа — это прежде всего юмор, экшн — это скука, когда его показывают так, как это делают в данном фильме. Именно поэтому школа в «Стальной тревоге» носит атрибут расслабухи, отдыха и порции замечательных шуток. Школа и школьная атмосфера тут получилась великолепной, во многом это заслуга занудности всей остальной истории. Так и получается: два эпизода — абсолютно дурацкие бои с террористами и сопутствующий маразм, один эпизод — школьная релаксация.

Почему бои с террористами выглядят дебильно? Ответ очень прост: террористы бездарны. Нет, не тупы, а именно бездарны; им бы коров пасти, да на тракторах ездить. С другой стороны, может это и не террористы бездарны, а сценаристы? Трудно сказать.

В заключение хочу заметить, что не будь в этом сериале целого детского сада, состоящего из разных девочек и мальчиков, которым не только роботов, но и игрушечную машинку-то доверять нельзя. Убрать бы из всего этого еще и террористов-дебилов. Вот тогда, может быть, стало бы лучше. А чтобы точно стало лучше, «Стальную тревогу!» необходимо переименовать в «Школьную тревогу!», выбросить ко всем чертям всю экшн-пургу вместе с роботами, а затем показать двадцать четыре эпизода в школе. Вот тогда сериал точно стал бы культовым.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Моя богиня! - Фильм (2004.01.28)

Экранизировав в 1993 году мангу «Моя богиня!» Фудзисимы Косукэ, студия AIC, мягко говоря, положила на эту тему, вернувшись к своему роману без конца под названием «Тэнти - лишний! Рё-о-ки», который тянется и по сей день. А вот об истории про богинь первого, второго и других уровней в студии по выпечке кавайно-фантастических мелодрам вспомнить удосужились только через семь лет (правда, в 1998 выходил ТВ-сериал «Приключения Мини Богинь», но прямым сиквелом он никогда не являлся). Таким образом, лишь в 2000 году любители хорошеньких девочек, нарисованных мастерами студии «AIC», увидели продолжение некогда популярной истории, на этот раз вышедшей в виде полнометражного фильма. Со своей стороны, хочу отметить сразу, что в отличие от сериала 93-го года, в этом фильме мне все показалось на порядок масштабнее, заковыристее и дороже. Семь лет не пропали даром: умения дизайнеров, аниматоров и прочей публики, во главе которой бессменно стоит режиссер Года и его напарник Бэссё Макото, поднялись на качественно новый уровень, как любит говорить наш президент.

Господин Года и его новый партнер, вооружившись оригинальной мангой и взяв в команду пару сценаристов, решили создать то, что к 2000 году в «Тэнти» полностью отмерло — мощный фантастический сюжет, накрученный и сто раз перекрученный. Нужно заметить, что их задумка с блеском воплотилась. Новая история получилась настолько запутанной и сложной для фантастической мелодрамы, что достойно распутать ее к концу фильма ни у режиссеров, ни у сценаристов просто не хватило сил, времени и фантазии.

Персонажи в полнометражке остались неизменны: всеми любимая и слезливая богиня Верданди за семь лет не постарела, скорее, похорошела; ее приземленный парень Кэйити немного подрос, в результате чего стал более солидным. Первые десять минут окунают нас в тихую и размеренную жизнь небесной парочки, где все идет чинно и ладно: она стряпает еду, он возится с мотоциклом — вот-вот появится типичная японская семья с глазастенькими и удивительно кавайными детками-ангелочками. Однако авторская свора, и господин Года во главе, ну никак не хочет такого поворота событий, им ведь непременно нужно выплеснуть на голову зрителю все фантастические идеи, скопившиеся у них за семь лет.

Не теряя времени даром, возбужденные авторы уже на четырнадцатой минуте выталкивают на сцену нового ключевого персонажа — бога по имени Cелестин, который, недолго думая, лезет целоваться к Верданди, отчего та падает в обморок, начиная тем самым бесповоротный алгоритмический процесс. Небо мгновенно атакуется мощным вирусом, проникшим в божественную сеть из Верданди, которая, оказывается, подключена к некой сети, а к ней вирус, надо полагать, попал благодаря способу «рот в рот». Ангелы и боги бьют тревогу, а затем и вовсе вырубают на фиг контакт с нашей заразной планетой. Однако Верданди не просто грохнулась от неожиданности, она еще от той же неожиданности потеряла память. Кэйити, который в свою очередь мало что понимает, знакомится с новым членом его мотоклуба — девушкой по имени Морган. Морган — баба не промах, затаскивает парня в медпункт и лезет целоваться, после чего наладившаяся божественная сеть вновь грохается. В общем, когда кто-то на Земле целуется, у них на небесах грохается сеть, а чтобы хоть как-то помочь делу, народу сверху приходится поить Верданди вакциной — местный антивирус Касперского. Пока она вакцинируется, вбегает Кэйити, лезет своей лапой в живот к Верданди и вытягивает какую-то хреновину, играющую в фильме роль вируса. Ну а дальше все совсем просто: начинает играть торжественная музыка, Кэйити превращается в бога, говорит умные вещи, пытается разрушить мир и так далее в этом же роде. Чем все это кончилось, думаю, не имеет смысла говорить.

Несмотря на весьма дубовый и слишком натянутый сюжет, который мной приукрашен лишь чуть-чуть, но не рассказан и на четверть, полнометражный фильм «Моя богиня!» оказался даже неплохим. Во-первых, на это повлияло, безусловно, превосходное музоформление, придавшее действию нужную динамичность. Во-вторых, в этом скомканном коллаже появлялись по-настоящему стоящие моменты и сюжетные решения, многие из которых, конечно, были явно не к месту, но сами по себе произвели приятное впечатление. И вообще, если говорить честно, то где-то к середине фильма я искренне радовался, что разыскал наконец-таки хорошую фантастическую мелодраму аля Тэнти, и даже хотел написать по всем аспектам похвальную статью, если бы не одно но. Но заключается в последних десяти минутах — они получились удивительно ужасными. В конце фильма Года и Бэссё наворотили такого бреда, что сейчас об этом не хочется даже вспоминать; отцы «AIC» умудрились всего за десять минут обнажить все без исключения слабые места своего творения, которые так успешно скрывались целых полтора часа симпатичными богинями, хорошей музыкой и красивой графикой. Именно в связи с этим, досмотрев до конца данный сиквел, писать положительную статью сразу же расхотелось. Фильм, правда, неплохой, но сильно подпорченный. Возможно, фильм «Моя богиня!» понравится поклонникам одноименного OAV-сериала 1993 года, так как в визуальном плане он на порядок лучше последнего; он может понравиться и любителям «Тэнти», особенно тем, кто разочарован уменьшением фантастики в нем; и уж точно может понравиться зрителю, который на ура смотрит вообще все аниме без разбора и от всего умудряется тащиться. Я же не принадлежу ни к одной из этих категорий, а потому для меня фильм «Моя богиня!» — очередная красивая и музыкальная, но наибанальнейшая фантастическая мелодрама.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Компания по борьбе с духами (2004.01.22)

«Компания по борьбе с духами» — это не что иное, как очередной сериал про очередных зубастиков. Стоит отметить сразу, что Madhouse Studios, из недр которой и вышел описываемый сериал, питает искреннюю симпатию ко всяким извращенностям. Персонажами их фильмов непременно становятся вампиры («Ди — охотник на вампиров»), разные демоны («Зоомагазин ужасов», «Синдзюку — город-ад») или просто доблестные охотники и охотницы на всю эту шваль. И во всех подобных фильмах, что характерно, фигурирует, наверное, самый известный укротитель демонов — сэнсэй Кавадзири Ёсиаки. Для этого фильма он делал заставку.

При просмотре «Компании по борьбе с духами» у меня перед глазами постоянно возникали кадры сериала «Оружейницы», снятого в 1997 году Мори Такэси. С одной стороны, эти фильмы очень даже разные: там действия происходят в штатах, тут в Японии; там все более или менее реально, тут изо всех щелей лезут черти. Однако, с другой стороны, оба сериала невероятно похожи. Не по концепции, а по качеству. Стоит бросить беглый взгляд на все это дело, как сразу становится заметен привычный штамп и банальность. И там и тут, в принципе, нет ничего нового. Героини бегают по городу, ловят бандитов или демонов, в чем им, конечно, помогает самый небритый и забулдыжный коп в округе. Само собой герои имеют «процветающую» конторку, находящуюся либо в вечных долгах, что нам не забывают каждую серию показывать, либо в еще каких-то неприятностях. Иными словами, ни в том, ни в другом фильме ровным счетом нет ничего особенного.

«Компания по борьбе с духами» снималась под руководством сразу трех режиссеров. Двое из них к 2004 году очень даже прославились. Тем не менее, в этом OAV-сериале лишь один из них (Асака Морио) разрядил атмосферу, показав монаха по телеку, рекламирующего свои услуги по уничтожению монстров. На мой взгляд, это наиболее удачный момент во всем сериале, попытавшийся хоть как-то оправдать тот жанр, в который критики поместили рецензируемое произведение. «Компания», как мне показалось, настолько же не похожа на комедийную мистику или комедийный боевик, насколько похожа на новогоднюю романтическую мелодраму. Шутки в этом сериале есть, но невероятно плоские; мистика на уровне детского сада, особенно, когда показали долбанутого вампира в первом эпизоде; экшн тоже есть, но, в отличие от мистики, он тут и вовсе на уровне яслей. Вообще, мистика должна очаровывать своей таинственностью, боевик поражать экшном, комедия заставлять зрителя смеяться. То есть само понятие комедийная мистика несколько каламбурно. Ведь зритель должен и смеяться, и пугаться одновременно, а таинственное, как мы знаем, обычно не есть смешное. Боевик может расcмешить антиоригинальностью (да еще как), но мистика, если она хорошая, — извольте. В связи с этим задумка авторов «Компании по борьбе с духами» выглядит несколько диковато, в результате чего ни мистики, ни боевика, ни комедии у «Madhouse» не получилось — это факт. Смеяться в этом сериале можно исключительно над глупостью, а пугаться разве что только скудоумия сценаристов.

Единственное, что тут, правда, смотрелось забавно, так это начало каждого эпизода, когда маленький мальчик Мамору пытается всячески разбудить сонную курицу, которую с большим успехом играет главная героиня — это единственное, что она с успехом делает в этом посредственном сериале.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Бродяга Кэнсин OVA-1 (2004.01.19)

«Бродяга Кэнсин» — это большая эпопея, в которую вошел сериал, множество сиквелов и один приквел, а крепится все это на одноименной манге Вацуки Нобу (ну и, само собой, на реальной истории Японии). За исключением полнометражного фильма, всю эпопею снимал режиссер Фурухаси Кадзухиро, создавший фильмы из серии «Фатальная ярость» и сериал «Ты арестован!». Но вернемся к бродяге Кэнсину, так как, скорее всего, именно он станет главным персонажем в жизни этого режиссера.

Когда манга Вацуки набрала популярность, то своевременно встал вопрос об ее экранизации. Экранизацию, как это обычно и бывает, начали с длинного (95 серий) сериала, выпущенного на экраны в начале 1996 года (закончили его показывать спустя 2,5 года). Сериал так и назывался — «Бродяга Кэнсин», правда, впоследствии ему еще припаяли непутевое, на мой взгляд, альтернативное название «Самурай Икс». «Бродяга Кэнсин» (он же «Самурай Икс») вскоре стал популярен не менее манги, и он до сих пор прилично держится в топах. Такая известность не могла пропасть даром, а посему уже в 1997 году выходит первый полнометражный фильм, а в 1999 и первый OAV. О последнем речь и пойдет дальше.

OAV, выпущенный в виде четырех эпизодов, не изменил названия, однако он не стал сиквелом. На этот раз режиссер Фурухаси поступил довольно оригинально, прервав на время последовательную цепочку и выпустив приквел. Само по себе понятие приквел антонимично сиквелу, и если сиквел — это прямое продолжение, то приквел — своеобразная предыстория, рассказ о том, что уже известно, но под другим углом. В результате чего новый Кэнсин, точнее старый, но выглядящий по-новому, получился броским и отличим от той истории, к которой зритель привыкал на протяжении десятков часов. Если подумать, то этот приквел можно назвать вторжением реализма. В нем нет комедийных элементов, в нем очень строгий дизайн. Как заметила одна критекесса: «взрослый Кэнсин в аниме смотрится значительно моложе, чем его ОВА вариант». Со своей стороны, не могу с этим не согласиться. Кэнсин в этом приквеле — это молчаливый и жесткий убийца, трезво мыслящий и знающий, что он делает, отчего становящийся еще более реалистичным. Повсюду его окружает кровь и связанная с ней трагедия. Когда он рубит дрова, то при каждом ударе видит одну из своих жертв — это страшно, реалистично и страшно.

Временной разлом, в котором происходит действие картины, является наиважнейшим для Японии. Именно в это время в стране начинает строиться новая политика (как внешняя, так и внутренняя), а с ней приходит и новый период, носящий название Мэйдзи и означающий общую модернизацию страны. Фактически период Мэйдзи вступает в свою силу где-то в 1868 году и длится до 1912, но действие приквела начинается в 1864 году, что немного раньше. Именно тогда отношения между управляющим страной сёгунатом дома Токугава и императором (законным правителем) обострились до крайности.

История «Кэнсина» основана на исторических реалиях, но вместе с тем является вымышленной, правда, некоторые японские легенды и гласят, что в Киото на стороне императора сражался воин, меч которого разил без промаха, но был ли это Кэнсин, главный герой фильма, или кто-то другой, я, конечно, знать не могу. Таким образом, сюжет фильма тесно переплетается с реальной историей, а поэтому понять и прочувствовать его, не зная истории, как мне кажется, вряд ли возможно. Думаю, будет неплохо, если я скажу пару слов обо всей этой заварушке.

В XIX веке власть управляющего сёгуната неуклонно слабела, а власть южных князей и их самураев усиливалась. Последняя группа склонялась к тому, чтобы возродить Киотское правительство, которое сейчас не имело собственных сил против сёгуната, но южные князья и самураи готовы были прийти к нему на помощь, чтобы, под прикрытием императорского авторитета, разделаться с ненавистным сёгунальным правительством Эдо. И если сёгунат добровольно не подчинится, то было принято силой выдворить его.

Императором в это время был Комэй (правил с 1847 года). Около него группировались, главным образом, представители самураев, и лишь весьма ничтожное число представителей древних родов. Эти передовые и образованные самураи жаждали перемен, чтобы из положения ничтожной знати выйти в министры нового правительства. Однако в самый решительный момент император Комэй умер и на его место вступил Муцохито Мэйдзи. Муцохито вступил в борьбу с сёгунатом более решительно, в результате чего уже в 1867 году последний сёгун Кэйки был побежден. После чего император переехал в город Эдо, который вскоре переименовали в Токио, что означает «восточная столица».

Если рассказывать историю Японии того периода кратко, то она выглядит примерно так. Теперь о фильме. Сюжет этого приквела возвращает нас в детство Кэнсина, тогда его еще звали Синта. Он потерял родителей и попал в рабство, а потом к бандитам, спасает его будущий учитель. Спустя годы обучения Кэнсин нанимается в клан Тёсю (по названию провинции), где сражается на стороне императора против сёгуната. Кэнсин, великолепно играющий роль хитокири (роль убийцы), заслуживает уважение руководства и становится острием меча всего клана. Описывать, что произошло потом, не имеет смысла, так как для этого есть 95-серийный сериал, посмотреть который, в принципе, нужно.

В качестве заключения стоит отметить, что если судить по зрительским откликам, то этот приквел на сегодняшний день является одной из лучших анимационных картин. Это еще раз доказывает, что тенденция к реализму никак не ослабевает, а скорее только усиливается. Можно долго и нудно разглагольствовать о том, что реализм в аниме — это плохо, но потенциальному зрителю, как видно, он по душе. Аниме взрослеет.


+3Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Она и её кот (2004.01.15)

«Её кота» снимал молодой Синкай Макото, снимал на «студии», которая так и называется — «Синкай Макото», а в довесок он еще и сам озвучивал весь этот мини-фильм, говоря голосом кота Тёби. «Она и ее кот» — по всем параметрам арт-хаусная вещь, очень тонкая и красивая, а также очень короткая — около пяти минут. Пять минут — это своеобразная компенсация за арт-хаусность, красоту и тонкость.

Сам по себе Синкай-сан очень интересный персонаж: он не создает нечто длинное и занудное, что-то десятичасовое. Как-то раз он так и сказал: «Я хочу нащупать свой стиль аниме, который будет отличаться от стиля больших студий». Сейчас на его счету котируются относительно небольшие ленты: «Улыбка» (размером в 2 минуты), «Голоса далеких звезд» (размером в 25 минут) и «Обещанное место по ту сторону облаков» (размером в 50 минут). Необходимо также отметить, что Синкай часто сам озвучивает главные роли в этих мини-лентах, например, в «Голосах далеких звезд» он говорит за Нобору, правда, только в оригинальной версии.

Что касается непосредственно «Её кота», то мне лично эта работа очень понравилась. Спустя четыре года после создания фильм остается весьма оригинальным и концептуальным: краткий, но не во всем понятный монолог кота, черно-белые индустриальные фоны с их колючей проволокой и стрекотанием кузнечиков, «она», лицо которой так и не было показано — все это подтверждает то, что талант Синкая нащупал нечто необычное, новое и завораживающее; и уже сейчас можно говорить, что его стиль сильно отличается от стиля больших студий.

За этот фильм господин концептуалист получил несколько наград («SKIP Creative Human Award 2000» и «12th DoGA CG-Animation Contest»), чем прославил свое имя на рынке японского CGI. Думаю, это еще одна причина посмотреть эту пятиминутную короткометражку.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Триган [ТВ] (2004.01.09)

Сериал «Тригун», заботливо выпеченный «Madhouse Studios», начали показывать 2 апреля 1998 года, всего лишь на день раньше выхода первого эпизода культового экшн-аниме «Ковбой Бибоп» — лучшего сериала того года, а может быть, даже и следующего. «Тригун» — экранизация, а посему заслуга режиссера Нисимуры, выступившего тут еще и в роли сценариста, в принципе, весьма косвенная. Нетрудно вспомнить, какую основу взяла «Sunrise», когда создавала свой марсиано-джазовый попурри, и поэтому даже тут переплюнула проект «Madhouse». Переплюнула, но не очень далеко. Об этом речь и пойдет дальше, я же, в свою очередь, хочу сказать сразу, что рецензия будет положительной, хвалебной, и вообще жизнерадостной, а также постараюсь больше не сравнивать описываемый сериал с работой Ватанабэ, так как мне очень импонируют творческие идеи и порывы последнего. Таким образом, делая сравнения, я могу непроизвольно встать на сторону бибопщиков, чем умалю достоинства «Тригун», а они есть, их много — это, конечно, радует. Ведь хорошо иметь в году один реально хороший сериал, но еще лучше — иметь пару.

Так как рецензия может получиться громоздкой, то приступлю сразу к сути. Атмосфера в «Тригуне» получилась настолько постапокалипсичной, что постапокалипсичней уже просто некуда. Эта тема всегда была модной, и даже в наши дни, когда миллениум уже вроде бы прошел, она по-своему актуальна. Стоит вспомнить хотя бы «Волчий дождь» Окамуры Тэнсая. Однако в «Тригуне» все лучше: мир, предыстория, главный герой, атмосфера. Да, наверное, именно атмосфера тут передана наиболее грамотно. Если в «Дожде» люди-волки толпой бегали десять часов по заснеженной тайге, в результате толком так и не ответив, зачем и почему они бегали по этой тайге, то тут за эти же тринадцать часов авторы показали весь мир целиком, объяснили, что там и как, рассказали его историю от А до Я. Это, безусловно, хорошо. Но отойдем от «Дождя» — это сериал новый, снятый спустя пять лет, да к тому же командой бибопщиков, а о них я не хотел говорить.

Сериал «Тригун», имея своей основой вездесущую постапокалипсичность, является чистейшим экшн-продуктом, что уже само по себе ставит под сомнение какую-либо оригинальность или концептуальность. Если бы не гениальнейшая находка мангаки (или сценариста, не берусь сейчас утверждать) по имени Ваш. Так зовут главного персонажа. Когда боевик (или драма) переходит в область пафоса, нехорошую область, режиссер и сценарист Нисимура невероятно грамотно применяет комические приемы, уводя ими действие в нужное, если хотите, правильное русло, и разряжая тем самым атмосферу, непроизвольно накалившуюся многочисленными экшн-элементами, а также героями, глаголющими устами божьих пророков.

Если говорить словами Мэг Райан, то Ваш — герой мечты. Он красив, благороден, милосерден: таская с собой огромную пушку, он часто ей пользуется под девизом «love & peace», но никого никогда из неё не убивает. Ваш — гротескный персонаж, начисто лишенный бутафории, которой сейчас почти через раз страдают многие первостепенные супергерои в боевиках. Его комическая составляющая не банальна и не пафосна, она, как я выразился выше, необходима для разрядки атмосферы. Однако эта составляющая ни в коей мере не уничтожает сущность героя, тут она носит исключительно вспомогательный характер.

Иными словами, авторы выдали наиудивительнейшее по своей сути решение: уничтожили самую плохую черту боевиков — неумеренную пафосность и искусственность посредством веселого задора главного героя. Это превосходный ход. Можно пройтись по другим аниме и сразу понять силу этого решения. «Спригган», «Грех», «Гнев Ниндзя» — неудачны благодаря своей абсурдной крутизне, напыщенной торжественности персонажей и крайне несуразной риторике бессодержательных диалогов. А вот тот же «Ковбой Бибоп» (не могу без него) стоит в первой десятке лучших аниме всех времен и народов не из-за наличия брутальных ребят, а из-за наличия Спайка — самого пофигистичного и прикольного героя на данный момент (всё-таки Ватанабэ и тут обошёл Нисимуру).

Если скомпоновать слова из предыдущих четырех абзацев в единую кучу, то получается примерно следующая картина. «Тригун» — постапокалипсический боевик, лишенный главной проблемы жанра — искусственности и торжественности, а также имеющий обаятельнейшего героя, вооруженного большой пушкой и философским задатком. То есть лучше уже просто некуда, по крайней мере, в боевике и на теории.

Сюжет в «Тригуне» довольно прост и понятен, предыстория укладывается в рамки разумного, действия персонажей, в принципе, объяснимы (за редким исключением) и неудовольствия не вызывают. Первые тринадцать-пятнадцать эпизодов смотрелись замечательно (в один заход), потом, когда начал очерчиваться образ главного злодея, сюжет стал предсказумей, смотреть стало менее интересно. Тем не менее, если выводить общий показатель, то «Тригун», конечно, по многим параметрам получился удачным. Единый линейный сюжет всё-таки создал элемент предсказуемости, но он не смог испортить общую фабулу.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Люпен III: Замок Калиостро (фильм второй) (2004.01.04)

В августе 1967 года еженедельник «Futabasha Publishing's Manga Action» начал печатать новую мангу Кадзухико Като — автора, более известного в народе под псевдонимом «Monkey Punch». Именно с этих строк принято начинать статью, в которой речь пойдет о «Люпен III», об одном из самых культовых явлений в аниме.

«Люпен» невероятно огромен, он вмещает в себя чуть ли не тридцать разных историй: полнометражных фильмов, сериалов, спецвыпусков, OAV и даже художественных фильмов. Сравнивать хитрого афериста Люпена с кем-либо очень тяжело, наверное, только Микки Маус и агент 007 прожили на экране столько же лет и неплохо чувствуют себя и сегодня.

Когда Люпену стукнуло двенадцать, то руку к нему приложил будущий классик мультипликации перфекционист Миядзаки. Тогда у него за плечами еще не было теперешних шедевров, да и режиссером он был всего один раз, в знаменитом сериале «Конан - мальчик из будущего». До этого Миядзаки более десяти лет котировался как аниматор, дизайнер и раскадровщик. И только в 1979 году он, вместе со сценаристом Ямадзаки («Невероятные космические приключения Кобры») и вечным «люпенщиком» Цурутой Кэндзи, снял свой первый полнометражный фильм, пополнивший сокровищницу империи «Люпен» одним из лучших украшений.

Набитая машина с деньгами, в которых плавает Люпен, величайший аферист своего времени, — первое, что мы видим в «Замке Калиостро». Уже сейчас, с первых кадров, понимаешь, что весь фильм будет построен на разного рода аферах и приключениях, безупречно озвученных и прорисованных. Украв деньги из казино и набив ими машину, Люпен и его напарник в черной гангстерской шляпе чудом узнают, что деньги фальшивые, после чего опускают стекла в машине и выбрасывают тысячи купюр на дорогу. Ну а далее на зрителя, само собой, обрушивается целый каскад непрекращающихся событий, вроде: погонь на машинах, спасения принцессы, побега от убийц по крышам, гениальных приключений в замке Калиостро. И в каждом эпизоде, в каждом кадре аферист Люпен великолепен; его короткая стрижка под мартышку, вечные остроты и неунывающий характер дают почувствовать дух времени, те течения, что были главенствующими в аниме и кинематографе тридцать-сорок лет назад.

Фильм Миядзаки многими атрибутами напоминает французское кино того времени. Солнечное и яркое, наполненное экшном, который повторить сейчас уже невозможно. В таком кино враги не умирают, когда в них стреляют, герои не ломают шею, падая с крыши, а если кто-то и оказывается раненым, то он непременно встает на ноги уже через три дня. И только главного злодея по сценарию можно раздавить стрелками часов, что нам, конечно, в подробностях никогда не покажут, резко отодвинув камеру на километр от места происшествия. Сейчас этого нет, теперь все наоборот. Может быть, из-за этого миядзаковский «Люпен» в 2004 году смотрится как нечто марсианское, фильм не из мира сего. Может быть, поэтому его хочется пересматривать много раз, дивиться отсутствию огромных переливающихся глаз и тихо, но внушительно говорить: «Это же настоящая классика».


+3Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Оборотни (2003.12.24)

Внимание! В статье возможны спойлеры.

В 1995 году, когда Осии Мамору еще корпел над «Призраком в доспехе», уже началось производство полнометражного фильма «Обортни» (более удачное, но не официальное название «Волчья стая»). Для будущего фильма Осии писал сценарий, хотя правильнее тут будет сказать дописывал. То есть все дело заключалось в том, что похожий по тематике сюжет Осии уже использовал, когда создавал ряд художественных фильмов, а сама идея базировалась на манге, которую он же и придумал. Тем не менее, снимать будущий фильм, обещавший стать главной картиной последнего года уходящего века, намеревался вовсе не он, а его протеже Окиура Хироюки. В свое время молодой Окиура трудился вместе с учителем над вышеупомянутым «Призраком», а еще раньше помогал Отоме Кацухиро c «Акирой» и «Воспоминаниями».

Как известно, фильмы Осии всегда отличаются особой мрачностью и унылостью, а порой и вовсе вселяют чувство безысходности. От «Оборотней», снятых по задумке Осии, трудно было ожидать чего-то другого. Львиная доля событий тут происходит либо во время заката, либо ночью. Фильм начинается в канализации, там же он и заканчивается. И если в начале главный герой не может нажать на курок, чтобы убить молодую девушку, то в конце фильма такая же молодая девушка все-таки умирает от пули. Красные глаза спецназа, улетающий в небеса шарик и ужасающая маморовская переделка сказки «Красная шапочка» сделали фильм настолько темным и реальным, что фраза Окиуры: «Мне нравятся темные истории», — воспринимается, по меньшей мере, как издевка.

Если смотреть на «Оборотней» сквозь призму современности, в которой у создателей есть только одна задача: нарисовать глаза маленькой школьницы больше и круглее, чем у конкурента — фильм Окиуры выглядит бесподобно. В нем присутствует та редкая серьезность, которая была в «Призраке» и всегда присутствует в фильмах Кона Сатоси. Однако серьезность Кона по-своему сюрреалистична, серьезность же Осии в данном случае настолько глобальна и реалистична, что местами граничит с фантастикой, затрагивая при этом труднейшие нюансы политики и даже идеологии. Массовый мятеж, поднявшийся в Токио — одна из наиреальнейших сцен, которые когда-либо появлялись в аниме. И это, конечно, огромная заслуга, говорящая о гигантском мастерстве авторов.


+7Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Шёпот сердца (2003.12.10)

Начало 90-ых ознаменовалось для студии «Ghibli» одной, но очень важной переменой. Эту перемену можно по праву назвать переходной ступенькой, ступенькой в будущее гиблевской анимации. Возраст Миядзаки (1941 года рождения) и Такахаты (1935 года рождения) заставил обоих задуматься о том, что пора уже закругляться и в скором времени передавать дела своего ненаглядного детища кому-то в руки. Всю свою жизнь они рисовали милых круглолицых человечков, и не успели оглянуться, как настала пора готовить себе преемников. Главным условием у обоих мастеров было желание найти учеников, которые так же ловко смогут лепить человечков, не вызывая своей лепниной ожесточения у зрителя. Мне не известно, много ли у чародеев анимации было подмастерьев, но уже в 1992 году вышла первая картина, отснятая вторым поколением. Она носила романтическое название «I Can Hear The Sea», а ее автором стал Мотидзуки Томоми. В том проекте меня удивило то, что Мотидзуки до этого со студией «Ghibli» никоим образом связан не был. Но, так или иначе, а рассказывать я собирался не об этом, а о следующем претенденте на звание «великого режиссера студии». В 1995 году им стал Кондо Ёсифуми, снявший реалистический и безумно романтический «Whisper of the Heart». Стоит отметить, что в отличие от прошлого претендента, этот был истинным «гиблиманом». Посудите сами, ведь он участвовал почти во всех важных событиях студии: помогал Такахате и Миядзаки ваять героев для «Grave of the Fireflies», «Only Yesterday» и «Kiki's Delivery Service»; служил супервайзером в дорогом и важном проекте «Princess Mononoke»; да и тот же «I Can Hear The Sea» дизайнил-то именно он. Другими словами, более смышленого парня на вышеуказанный пост найти было бы сложно.

На первый взгляд, «Whisper of the Heart» очень напоминает режиссуру Такахаты Исао. Тут нет сюжета, как его не было в «Only Yesterday» или «My Neighbors the Yamadas». Вся история «Whisper of the Heart» строится на знакомстве зрителя с папой, мамой и двумя сестренками, а потом, когда зритель уже более или менее притрется к очередной семейке «ямад», ему показывают их отношения и реакции на разнообразные вещи и явления. Такой способ повествования совсем не нов для директора, чье имя начинается с большой буквы «Т», но весьма необычен для Миядзаки. А ведь именно на него легло бремя писать сценарий для этого фильма и делать к нему же раскадровку. Всем нам хорошо известно, что господин Миядзаки любит широту и простор для своих историй. Он любит создавать вещи, в которых можно хорошенько развернуться, в которых можно смело устраивать полеты на метлах или драконах, в которых можно без проблем посадить свинью за штурвал самолета. Но тут, тут свинью в самолет посадить было нельзя, это как положить ноги на стол перед зрителем. Выбрав реализм, приходится жертвовать многим, зато появляется возможность рассуждать, показывать зрителю реальную жизнь или хотя бы жизнь такой, какой бы ее хотелось видеть автору.

Странно, но первое, что мы видим в «Whisper of the Heart» — строение, чем-то напоминающее нашу «хрущевку» с кучей балкончиков-сушилок для маек и трусов. В этом доме и живет та самая обычная семейка, которую для нас выдумал Миядзаки. Папа пашет в библиотеке, домой ездит на велосипеде. Мама занята по горло важными делами. Старшая сестра ведет себя так, как и должна вести себя старшая сестра. Зато младшенькая являет собой саму жизнь, она просто чудо небесное. Когда она видит летящий дирижабль, то удивляется: «Как же он низко летит». Идя по улице, она задорно комментирует: «Как сегодня жарко», по пути здороваясь с местным псом. А зайдя в метро, заводит разговор, но не с кем попало, а с самым толстым и безмолвным котом. Побеседовав с котом и сделав еще тысячу бессмысленных восклицаний, она сочиняет очаровательную песенку про сельскую дорогу и исполняет ее, хлопая в ладоши.

Признаться, я ожидал чего-то нового от этого союза мультипликаторов, но совсем не того, что предстало взору. Миядзаки и тут не удержался от эпизодического полета, и тут он не сумел обойтись без сказки. Однако, на мой взгляд, это совсем не помешало «Whisper of the Heart» быть очень реалистичным, трогательным и просто хорошим фильмом. Безусловно, господин Кондо с поставленной задачей справился превосходно. В конце концов, достойный ученик достойного мастера сумел-таки сделать достойный фильм.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Снова любовь и Хина (2003.11.27)

Ровно год и восемнадцать дней поклонники пикетировали окна студии «Xebek» с требованиями продолжить любимую историю, чем ужасно докучали ее обитателям. Видимо, сотрудники отдела по переработке манги «Любовь и Хина» в одноименный сериал хорошо знали, что не так-то просто создать новые комедийные эпизоды, которыми нужно будет этот сериал укокошить, то есть завершить. Одно дело — безбашенно штамповать фансервис и этти-сценки. И совсем другое дело — придумать какой-то достойный сюжет, завершить им глобальную историю, да так завершить, чтобы потом потомков на нем воспитывали.

При просмотре новой «Хины» упорно складывается впечатление, будто авторы по-настоящему повзрослели, а вместе с ними повзрослели и герои. Симптом взросления был замечен еще в прошлых спецвыпусках, когда нам все меньше показывали шуток, а все больше отношений. В новом OAV он перерос в хроническое заболевание, которое наконец-то привело к наступлению катарсиса. В результате герои абсолютно просветлели и поняли, в чем заключался смысл их жизни. Кэйтаро, как мы помним, поступил-таки в Токийский Университет, и теперь он не неудачник, а настоящий ловелас. Он ездит на раскопки, привозит подарки, невероятно хорошо готовит, дерется на мечах, словно Джеймс Бонд, чем поражает всех барышень в округе. А их, тем временем, становится все больше и больше.

Но самый смелый шаг отдела «Xebek» по выпечке пряника «Любовь и Хина» — ввод нового персонажа; не просто нового, а нагло претендующего на главную роль. Девушка по имени Канако, удивительно похожая на Мотоко, ни с того ни с сего объявляется в Хинате и творит бесчинства. Первым делом она ловит кендоистку Мотоко и начинает тереться своей ногой между ее ног, чем доводит последнюю до известной кондиции; потом, напав уже на Мицунэ, она энергично тормошит ее грудь; следующей жертвой этой извращенки становится беззащитно-кавайная Синобу, которую Ивасаки на пару с Канако раздевают до трусов. Тут даже мне плакать захотелось. Совершив все эти ужасные злодеяния, Канако признается, что она сестра Кэйтаро и любит его как мужчину, чем абсолютно вносит сумятицу во все происходящее. После всего этого бардака режиссеру хочется задать лишь один вопрос: «Ты сам понял, чего наснимал?»

Если отбросить Канаку с ее пришибленной любовью к братику, и кое-как умолить взросление героев, то смотреть этот последний сиквел все же интересно, как и раньше. Смешных моментов, правда, стало меньше, и если сейчас попытаться вспомнить, то от силы наберется два-три. Можно, конечно, считать смешным эпизод, когда Кэйтаро разбивает машину Сеты, можно вспомнить и о других подобных глупостях, но реально тематически нужных моментов практически нет. Взросление героев привело к тому, что бить Кэйтаро каждую минуту уже не имеет смысла, а именно этот трюк и работал на протяжении тринадцати часов оригинальной «Хины».

Есть тут, однако, то, из-за чего мини-сериал «Снова любовь и Хина» все-таки нужно смотреть. И это — внимание! — признание Нарусэгавы в любви Кэйтаро. Как долго мы этого ждали, и это в самом деле произошло. Признание получилось настолько глубоким и морально-нравственным, что кроме десяти раз повторения слова «люблю» Нара ничего выдавить из себя не смогла. Но хватит и этого. Двадцать семь с половиной эпизодов поклонники, высунув язык, ожидали развязки и вот наконец-то дождались. Пикет закончен.

Таким образом, «Снова любовь и Хина» поставила точку в основном сюжете — Кэйтаро поступил в Университет, а Нарусэгава призналась в любви Кэйтаро. Тем не менее, эту же точку можно смело считать отправной в побочных сюжетах, коих можно лепить без зазрения совести хоть до бесконечности, превращая сериал в тот же «Тэнти» под номером два. Насколько же алчны или гениальны сотрудники «Xebek» — мы еще увидим, а сейчас можно лишь строить догадки.


+0Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Любовь и Хина (весенний спешл) (2003.11.23)

Окончившись ничем, «Любовь и Хина - рождественский спецвыпуск » дал основательную пищу для размышлений, а вдобавок ко всему поставил режиссера Ивасаки и мангаку Акамацу перед трудной дилеммой: им либо нужно было как-то закругляться, либо еще раз оставлять зрителя с открытым ртом.

Я почему-то был полностью уверен, что, включив «Весенний спецвыпуск», увижу, как действие пойдет по второму сценарию и меня все-таки оставят с открытым ртом. Да и по логике вещей, вслед за рождественским спецвыпуском должны идти весенние, летние и осенние, а также выпуски в честь цветения сакуры, Дня мальчиков и «сити-го-сан», который свидетели и вовсе называют праздником «прелестного». Ну а до кучи, еще можно снять пару серий в канун третьего марта, когда стартует кукольный фестиваль, носящий гордое название — Хина. И это только малая толика, ведь если авторы хотели, то могли бы сочинять эпизоды хоть каждый день; уж чего-чего, а повод всегда найдется, особенно в Японии, где праздников и событий больше, чем дней в году.

«Весенний спецвыпуск» стартует в сезон ханами, именно в это время цветет сакура (вишня), и именно в это время лапочка Синобу, которой одноклассник признается в любви, говорит: «Я люблю другого, а он любит другую». Этот другой как раз сидит на экзамене и мечтает о свадьбе с другой. Мечтания заводят его в далекий мир грез, и экзамен он благополучно просыпает уже в какой раз подряд. Поняв, что он снова здорово ступил, наш горе абитуриент, отчаявшись, бежит куда глаза глядят. А все четыре глаза почему-то глядят в сторону экватора, где расположился маленький островок — цитадель цивилизации черепашек. Зная, что дома ему устроят темную и будут бить ногами, он, недолго думая, уплывает к черепахам. Там его ждет мир и покой, плюс новая подружка-вокалистка из местной тусовки черепах.

Сказать, что теперь Акамацу и Ивасаки выдали нормальный сюжет, значит не сказать ничего. Тут есть и черепахи, и сумасшедший археолог Сета, и куча ненаигранного тупизма, который можно найти только в «Хине» и «Тэнти». А самое главное, «Весенний спецвыпуск» — отличный контраст «Рождественскому спецвыпуску». Ведь там все было холодно, но весело. Тут же жарко, но скучно. Нара в купальнике из листьев, добряк Кэйтаро и все другие герои почему-то уже не кажутся забавными, а летающие повсюду черепахи и вовсе наводят на грустные мысли, что Акамацу пора ампутировать палец, из которого он высасывает свои сюжеты.

А ведь впереди «Снова любовь и Хина»…


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Любовь и Хина (рождественский спешл) (2003.11.22)

Не успели отгреметь последние аккорды сериала «Любовь и Хина» 27 сентября 2000 года, как авторы уже вовсю принялись корпеть над продолжением, которым собирались порадовать своих поклонников, а заодно и подсобрать деньжонок на пафосном событии, что в народе прозвали миллениум. И то и другое прошло на «ура». К Рождеству был готов очередной эпизод, так и нареченный: «Рождественский спецвыпуск», в который впихнули сорок четыре минуты отборной «Лав Хины».

На этот раз Кэйтаро подрабатывает Дедом Морозом, признается Нарусэгаве в любви, ломает себе от счастья ногу и, конечно, страшно чудит в своем обычном этти-образном стиле. А все лишь для того, чтобы в конце эпизода вновь получить по зубам от возлюбленной. Впечатление от просмотренного сложилось на удивление приятное. То ли так подействовал местный экзотический Сочельник, то ли в этот день попросту благоприятствовали звезды. Сейчас сказать трудно. Однако, что по настоящему развеселило, так это эпизодическое, но ужасно стебное появление Акамацу, толкающего мангу «Любовь и Хина» на базаре. Именно с этого момента даже у упертого стоика должно сложиться абсолютно юмористическое отношение ко всей истории, в которой автор не боится показывать себя идиотиком; в которой герои плачут и смеются одновременно; в которой любовь имеет вид треугольника, восходящего в третью, а то и в четвертую степень. Сериал «Любовь и Хина» изначально задумывался своеобразным чувственным ребусом, только сейчас расшифрованным мною. Что было причиной затмения — до сих пор остается загадкой; вероятно, просто необходимо было показать Акамацу, что Акамацу и сделал.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Любовь и Хина [ТВ] (2003.11.18)

Кто хотя бы раз в своих мечтаниях не хотел побывать в роли управляющего женской (мужской) баней, общежитием или чем-то подобным? Молодой мангака Акамацу и такой же молодой режиссер Ивасаки тоже мало чем отличаются от других. Они знали, что наяву управляющими бань их не сделают, а вот в грезах все возможно.

Однозначно, только такие молодые типы, как Ивасаки и Акамацу, могли сотворить нечто подобное, не показав при этом ни разу обнаженных девушек, но накалив аудиторию до такого масштаба, апогеем которого может быть только взрыв. А о том, насколько хорошо это получилось, легко судить по толпам поклонников, постоянно ждущих продолжения любимой истории. И на самом деле, по окончании сериала довольны остались все: продюсеры урвали барыш, режиссер начал восхождение на Олимп, мангака увидел по телеку свою историю, а зритель получил потрясающее действо. Но, когда все так удачно складывается, машина кинопроката быстро остановиться уже не может. И правда, кто бы мог подумать, что этот очередной клон «Тэнти» пойдет настолько далеко. Ведь после сериала на свет еще появились два эпизода по сорок пять минут, потом три эпизода по двадцать пять и даже пара видеоконцертов. К тому же, нельзя утверждать наверняка, что это конец.

Разобравшись в предыстории, складывается только один вопрос: «Так о чем сериал-то?» Самое удивительное кроется в том, что он ни о чем. На самом деле. Ничего нового в «Хине» нет и быть не могло. Почти все эпизоды напоминают стандартные штампы из других сериалов или фильмов. Один олух Царя Небесного — Кэйтаро, пытается поступить в злополучный Токийский Университет, но как всегда — безуспешно. После двух неудачных попыток этот обнаглевший бездарь решил-таки найти себе работу, напомнив чем-то Хидэки из «Чобитов» («Тёбитов»). Авторы понимают, что зритель хочет видеть девчонок, склоки, ревнивые сценки и тому подобные вещи. Именно поэтому долго с поисками работы Кэйтаро не затормаживается. Ивасаки подсылает ему на помощь бабушку Хину. Только не надо думать, что парень начинает крутить со старухой роман, как это можно спрогнозировать по названию. Нет. Так просто ему не отвертеться! Бабулька владеет отелем Хината и решает смотаться на отдых, а Кэйтаро по воле случая, если хочет, конечно, может заменить ее в роли управляющего. Кэйтаро и я просто упали, когда выяснилось, что это никакой не отель, а самое настоящее женское общежитие с прилегающей женской баней. Парень, с одной стороны, ощутил себя в карасином пруду; с другой стороны, он еще не знал, кто будет щукой. Одним словом, получилась палка о двух концах. Но Кэйтаро — парень продвинутый, а посему плотские желания все-таки взяли верх. В итоге он стал управляющим всего этого бардака, тем самым положив начало великолепной истории, которая дальше преподнесет столько всего здоровского, что не увидеть это — преступление.

Вырезка из сюжета наглядно дает понять, что история создавалась преимущественно для ребят; она принадлежит к так называемому жанру сёнэн. Однако, что удивительно, ее любят и девушки. Вероятно, женской аудитории нравится наблюдать над скромнягой Кэйтаро, которого по-всякому избивают ногами, руками и… в общем, всем, чем можно избивать. Но он не теряет обаятельности, даже когда в очередной раз стягивает трусики (само собой нечаянно), талдыча при этом: «Прости Нару, я не хотел, я больше не буду. Нет не бей, нет...» Потом идет «большой бум» и Кэйтаро уже летит, пробивая по пути все перегородки карточного домика.

Интересен во всей этой истории также тот факт, что, как ни крути, а основана она на череде неудачных поступлений Кэйтаро в Токийский Университет. Но забавляет собственно не то, что он глуп или что-то в этом роде; нет, просто создавалось все это людьми, которые и сами-то с учебой были не в ладах. Вот, например, дизайнер Уно Макото и вовсе нигде не учился, а режиссер Ивасаки Ёсиаки хоть и учился в вузе, но, как сам рассказывает: больше тусовался в аниме-клубе, чем в аудитории. А сам мангака Акамацу и вовсе является прототипом Кэйтаро. Ну кто ж еще мог снять такой сериал?

Подытоживая, хочется отметить, что я хоть и рецензент по данной теме, но прежде всего человек, а человеку, как известно, ничто человеческое не чуждо. Этот сериал настолько мил и добр, что вся его поверхностная тупость сводится на нет одним лишь застенчивым взглядом очкарика Кэйтаро, или одной лишь улыбкой Нарусэгавы в роли хинатовской Шехерезады.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Тэнти - лишний! (фильм третий) (2003.10.28)

Третью полнометражку по невероятно растянутой эпопее о пареньке Тэнти снимал тот же режиссер, что и первую. Однако на этот раз полнометражка почему-то получилась безвкусная и пресная, с переваливающей через край компьютерной графикой и сильно деформировавшимися персонажами. Некоторые из них, правда, стали лучше, например: Аэка теперь не лупит глазенками на пол-экрана, а выглядит довольно милой особой. Но ухудшений все-таки больше, а главное — Реко, которой непонятно зачем нарисовали такие уши, из-за которых она стала похожа на чебурашку. Тэнти превратили в хиппи благодаря длинным волосам до плеч. В общем, начудили чего-то ненужного, но главное все же история. Когда смотришь любой мувик «Tenchi Muyo», то не устаешь восхищаться абсурдностью сценария. Описываемый фильм исключением не стал.

На этот раз Тэнти, уставший от баб, скопившихся повсюду, решил прогуляться по лесу и насладиться видом сакуры. Как вдруг в одном из деревьев появляется фигура девушки и манит его. Недолго думая (ведь он же устал от баб), он прется к этому дереву. Проходит шесть месяцев... Все это время все неустанно ищут Тэнти, а этот гаденыш, как ни в чем не бывало, прижился в новом мире с новой пассией. Непонятно почему, но робкий до этого Тэнти, краснеющий от одного вида оголенных женских прелестей, вовсю кувыркается в постели с подружкой, что неоднократно показывают в фильме. Ищущая его спасательная команда говорит о том, будто Тэнти попал в параллельный мир, а утащила его — подружка деда, поселившаяся в дереве.

Несуразность, конечно, полная, да и смотрится все это вяло до ужаса. Наигранное уныние Реки и Аэки, зачем-то устроившихся работать официантками в забегаловку, очень разочаровывает. Чебурашка Реко похудела от переживаний настолько, что превратилась в длинный шест с неописуемой шевелюрой и каким-то отнюдь не привлекательным личиком, а из одежды выбрала отвратительный топик. Смешных моментов и гэгов в фильме почти нет, пару раз девочки между собой поцапались ради приличия, но на этом весь праздник и кончился. Зато в «Tenchi Muyo Movie 3: Tenchi Forever» попытались влить нелепый драматизм, столь несвойственный такому абсурдному сюжету, каким вечно обладают фильмы про Тэнти. Авторы должны понимать, что если я хочу драматизма, то включаю работы Кона Сатоси и Такахаты Исао, но от «Tenchi» жду исключительно кавайной комедии. На этот раз ожидание подвело. Изредка на экраны попадают и другие персонажи, знакомые по ранним фильмам и сериалам. Собственно они-то как раз и не изменились. Васю, Михоси, Сасами и кролик Риоки так же скачут и решают вселенский вопрос о спасении великого плейбоя Тэнти, но показывают их очень мало и эпизодически. Дед, наломавший дров, в это время бьет дерево лазерным мечом, чтобы оно отпустило внука, который с этим самым деревом наяривает вовсю; гений Васю соединяет с помощью своих покемонов третье и четвертое измерение; Аэка же надраивает посуду, будучи великой принцессой супер-пупер планеты Дзюрай — и все это последний фильм Нэгиси Хироси из трилогии «Tenchi Muyo».

Рекомендовать «Tenchi Muyo Movie 3: Tenchi Forever» для просмотра у меня не поворачивается ни рука, ни нога, но любители и особо преданные фанаты паренька Тэнти могут найти что-то прикольное в этой очередной, но уже надоевшей и не забавляющей более истории.


+1Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Берсерк [ТВ-1] (2003.10.16)

Прежде всего, сериал «Берсерк» — тот редкий светоч, которого так не хватает современной японской анимации. Некоторые называют «Берсерк» мистикой. Отчасти они правы, но если вырезать из сюжета первый и последние два эпизода, то место мистики занимает отличнейшая вариация на тему средневековья, с такой дотошностью и любовью воспроизведенная, что хочется хлопать в ладоши господину Наохито и автору манги Миуре. Именно Миура придумал тот эпос, который мы видим на экранах: кровавые войны, длящиеся несколько серий, сменяются балами и интригами дворянства; жизненный путь Гриффита, за который переживаешь, будто это твой путь — кончается так мрачно и дико, что уже не находишь слов для его осмысления; а еще Гатцу — махающий мечом, как последний скандинавский берсерк, но задающий сам себе отнюдь не берсерковские, а скорее шекспировские вопросы. Все это тут есть, и все это очень хорошо поставлено и снято. Настолько хорошо, насколько это вообще возможно в анимационном сериале. Именно эта дотошность мангаки и сценаристов вывела «Берсерк» из тематики сопливых сериальчиков для маленьких детей на неимоверно высокий уровень для ТВ-сериала.

В сериале очень много героев и все они проработаны на достаточном уровне. Двадцать пять эпизодов авторы не потратили впустую, а успели рассказать о каждом персонаже ровно столько, сколько он того заслуживает. И если второстепенным героям отведены несколько минут откровений в трактире, то главные герои раскрывают свою сущность буквально весь фильм. Флэшбеки, как неотъемлемая часть почти любого сериала, тут расцветают в полной силе. Каска, например, выбирает отличный момент рассказать Гатцу о своем детстве, сидя под деревом во время дождя, а Гатцу в свою очередь думает о жизни, идя в атаку на неприятеля. И если оба персонажа недолюбливали друг друга в начале эпоса, то в конце зритель просто ждет, когда они обнимутся. Это ожидание не волнует, а захватывает. В залах кинотеатра в подобные моменты хлопают и кричат что-то хвалебное, но такие вещи, как «Берсерк», люди обычно смотрят дома в одиночестве. Вообще, смотреть это произведение в группе очень неправильно — «Берсерк» создан для ночного просмотра, его нужно долго обдумывать и переваривать, несмотря на то, что при беглом взгляде — это просто экшн.

Если рассматривать стилизацию сериала, то налицо явный перебор использования технологии «Still Frame», знакомой нам еще и по «Медицинским картам Черного Джека». Технология эта заключается в создании своеобразного стоп-кадра, который подводит итог какому-то важному событию или является концом эпизода. Эти стоп-кадры имеют несколько другой стиль изображения, отличный от прорисовки всего сериала, в результате чего у зрителя складывается ошибочное представление о том, что это ему показывают фрагмент манги. Ошибочное оно потому, что манга Миуры черно-белая, да и стилизация у нее совсем другая.

Как вы уже поняли, «Берсерк» снимался по манге и почти на сто процентов следует ее сюжету. Некоторые моменты, конечно, неизбежно вырезаются, а какие-то заменяются новыми, но это малая доля, на которую не стоит обращать внимания. Сериал заканчивается на двадцать пятом эпизоде, хотя по сюжету «Берсерку» еще очень далеко до завершения. Он обрывается неожиданно и на таком неподходящем месте, естественно оставляя кучу вопросов. Ответы авторы постарались дать в первом эпизоде, больше смахивающим на двадцать шестой, но получилось это как одна большая недосказанность.

В заключение хочется отметить, что для меня «Berserk» стал долгожданным откровением. Я просмотрел двадцать пять серий в два захода, что до этого со мной никогда не случалось.


+6Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

D: Жажда крови (2003.10.12)

Все начиналось с Кикути Хидэюки, который ужасно любил писать романы про вампиров. А оформлять их ему помогал замечательный художник Еситака Амано. Благодаря этой совместной работе был создан образ охотника Ди (D), на базе которого и построена вся концепция. Концепция эта со временем очень понравилась читателям. А когда концепция нравится читателю, и когда читатель готов платить за эту концепцию, то тут же из-под земли вырастают студии с намерением ее оживить. Но не будучи уверенны в полном успехе своей работы, студии не решаются снимать дорогой фильм, боясь обанкротиться. Именно это и произошло с романами Кикути. Несколько компаний, которые решили экранизировать старания писателя, не смогли вложить приличную сумму в проект, и в результате фильм получился весьма бедным. Особенно многим не понравились персонажи, резко отличающиеся от амановских.

Почти пятнадцать лет поседевшие поклонники рвали оставшиеся волосы у себя на головах, как вдруг над ними сжалилась студия Madhouse, преподнеся сюрприз к миллениуму. Сюрприз готовился почти пять лет, а потому обещал быть хорошим. На этот раз студия щедро спонсировалась американским прокатчиком «Urban Vision» и могла позволить себе все, в том числе и хорошие дизайны амановских героев.

Собственно говоря, предыстория появления на свет второго «Охотника на вампиров» была примерно такая, как я только что описал. На этот раз и правда, денег не пожалели и сняли достойный фильм, отвечающий всем требованиям как ветеранов, так и молодых зрителей.

Я специально посмотрел этот фильм трижды (не подряд, конечно), чтобы не упустить деталей. Само собой, он мне понравился. Во-первых, потому что я поклонник некоторых фильмов Кавадзири. Во-вторых, потому что мне нравятся работы Амано. Ну и в-третьих, потому что придраться тут почти не к чему. «D — охотник на вампиров: Жажда крови» стоит столпом в своем жанре, обойти который никогда ни у кого не получится. Безусловно, это самое лучшее аниме про вампиров, и не побоюсь сказать, что это вообще лучшее визуальное изображение вампира где бы то ни было.

Фильм снят по мотивам третьего романа Кикути «Демоническая погоня за смертью» 1985 года. К сожалению, мне не довелось видеть оригинал — в связи с тем, что он не переводился еще даже на английский язык. Но этого и не надо делать. Ведь фильм замечательно показывает все то, что хотел донести автор.

Главным персонажем является охотник на вампиров Ди. С чем связано такое сокращение — опять же загадка, ответ на которую может содержаться в начальных романах. Попробуем подождать перевода и раскрыть эту завесу, а пока будем звать его просто Ди. Обычно Ди шатается по земле в поисках работы. Работу дают ему люди, которых достают вампиры. Хотя в фильме и показан всего один из них, складывается впечатление, что на самом деле их много. Так вот этот «один из них» по имени Майер Линк похищает дочь одного богатого старичка. Последний, недолго думая, просит помочь героя найти дочурку и вызволить ее из плена. Охотник соглашается, помня, что старичок богат.

В принципе, довольно стандартный сюжет, если учитывать, что взят он как отрывок из одной большой повести. Кавадзири ничего не испортил, а герои смотрятся даже лучше оригиналов. Как я уже и писал, придираться тут почти не к чему, но есть моменты «особенно хорошие» и «немного вялые». Вот об этом дальше и поговорим.

Из особенно хороших хочется отметить вторую часть фильма, а именно блуждания в замке Кармиллы. Понять все действия с первого раза невероятно трудно, даже бывалому зрителю. К тому же, насколько мне известно, Кармилла является довольно популярным именем в вампирских историях, что делает ее центровым персонажем этого участка картины. Сам же замок показан в наилучшем свете. Сразу видно, что дизайнеры воспроизводили европейские интерьеры конца XIX века. Аристократическое убранство, тематически правильно подобранная мебель придают фильму единообразный колорит, не запутывая, а лишь разъясняя, что к чему.

Далее, всяческих восхвалений удостаивается сам Ди. Настолько молчаливого и идеально смелого героя давно не было. Именно облик и поведение дают ему возможность делать в фильме что угодно. Он может прыгать, бегать, сражаться на мечах и делать еще тысячу подобных действий, не зарождая в зрителе вопросы и хитрые прищуры. Любой другой герой на месте Ди смотрелся бы юмористически и неправдоподобно, тем временем как он находится в своей тарелке.

Есть также и вопросы к некоторым моментам. Вот, например, непонятен момент на мосту, когда братья Маркуссы, расположившись с биноклем в километре, наблюдают, как по нему едет карета Майера. После чего они решают остановить его передвижение, положив на другом конце моста мины. Собственно говоря, они это и делают. Возникает вопрос, каким образом братья умудрились так быстро спуститься к мосту и успеть положить мины? Неужели мост настолько длинен, что даже солнце успело сесть. Это единственный момент, к которому у меня есть претензии.

Так как я не читал романы, мне трудно было понять историю мира, в котором живут герои. Действия первого «Охотника на вампиров» происходили где-то в районе 12 000 года н.э. Полагаю, что новый фильм недалеко ушел от этой даты. Но самое забавное — это цены. Например, за спасение из плена Шарлотты отец согласен заплатить 20 000 000 $. Таким образом, можно посчитать уровень инфляции на будущие 10 000 лет, что уже по-своему интересно, а также знать, что доллар еще долго будет в цене.

Если исходить из расчета, что действия происходят спустя 10 000 лет, то забавно смотрится и городок, где герой покупает лошадь. Интересно не то, что охотник платит за нее 300 000 золотыми монетами, а то, что все люди в этом эпизоде вооружены обычными дробовиками, а лошади механические. Однако тут я хочу не придираться, а наоборот, поблагодарить автора за великолепную смесь времени, вещей, героев и действий. Именно эта смесь дает возможность показать нам в 12 000 году н.э. вампиров, разъезжающих в каретах и летающих на ракетах, а также охотника в черной шляпе и на черном механическом коне.

Итого. Мы получили экранизацию, смело входящую в десятку лучших за последнее десятилетие. Только такой грамотный авторский состав мог снять вампирскую историю, замеченную «Международным обществом изучения вампиров» и включенную этим обществом в свой список.


+5Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Навсикая из Долины Ветров (2003.09.25)

Еще до просмотра «Навсикаи из Долины Ветров» я знал, что это будет впечатляющее и волнующее зрелище. Да и как может быть плохим фильм, если над ним работала своеобразная «команда мечты»: режиссер — сэнсэй Миядзаки, продюсер — сказочник и драматург Такахата, композитор — молодой Хисайси, а среди ключевых аниматоров числится совсем еще зеленый новичок — Анно Хидэаки, автор будущего «Евангелиона». Тем не менее, меня волновало то, что фильм создавался до «Лапуты» и «Нашего соседа Тоторо» в далеком 1983 году, когда о студии «Ghibli» еще и не помышляли, а это, признаться, вселяло некое беспокойство: «первый блин комом». Но, к счастью, мои предчувствия не подтвердились, так что с чистой совестью начну петь дифирамбы.

Первое, что хочется отметить после просмотра «Навсикаи из Долины Ветров», это огромное количество сюжетных ходов, многообразие героев и сцен. Вообще, стало непонятно, как Миядзаки умудрился в отведенное время втолкнуть столько всего, да еще сделать это понятным и логичным для зрителя. А главную героиню до такой степени проработанной и замечательной, что не хватает хвалебных слов в ее сторону. И правда, Навсикая стала моей любимой героиней, еще до просмотра фильма, от впечатлений манги (тоже, кстати, Миядзаковской). А после ознакомления с фильмом мое отношение к этой девушке полностью подтвердилось и укрепилось. Эта героиня потрясает всем, начиная с формы и кончая содержанием. Но если формы миядзаковских девушек очень схожи, то по содержанию она обыгрывает всех последующих персонажей. Ловкая смесь мужественности и женственности, героизма и обворожительности, доброты и ума делает Навсикаю ярким и выделяющимся персонажем из всего творчества Миядзаки.

Сюжетная часть фильма крепится на базовой гуманистической идее Миядзаки, которую он пользует на разный лад в различных своих произведениях. Так, например, в конце 90-х сэнсэй поставит похожий фильм, также рассказывающий о девушке, являющейся своеобразным отождествлением природы, но там она будет несколько хищной и не такой милой, как Навсикая. Думаю, вы уже поняли, что речь идет о «Принцессе Мононокэ», где зрителю рассказывается о защите природы, ее ценности и о сравнении людей со зверьми. То же самое мы видим и тут. Даже когда Земля превратилась в мутную дыру, что прозвана «Мертвым Землями», люди не перестали воевать между собой и создавать всякие адские машины. Но напротив, видя безысходность положения, они напрягают больше силы, чем мозгов, создавая танки и давя всех тех, кто выжил после экологической катастрофы. Сначала эти абсурдные действия мною были не поняты, но оказалось, что только благодаря такому приему можно было показать задумку Миядзаки во всей красе. И если в «Мононокэ» природа не собирается претендовать на главенствующее место, то в «Долине Ветров» все происходит наоборот. «Мертвые Земли», дающие жизнь неведомым существам, постепенно надвигаются на людей с явным намерением поглотить тех, кто обезображивает землю. В отличие от многих поделок такого рода, в этой ленте ход отыгран замечательно, а самое главное, он безусловно оправдан. Люди, боящиеся умереть от ядовитых испарений «Мертвых Земель», тщетно пытаются сберечь себя, надевая маски, создавая мельницы, но все их попытки с самого начала выглядят тщетно перед неизбежностью. Это понимаем мы, это понимает Наусика, но никак не другие обитатели Долины Ветров и других царств-государств. Они-то и раскручивают сюжет, воюя между собой за оставшиеся земли, за неведомые орудия. Героине же приходится расхлебывать всю их кашу, а нам в свою очередь смотреть, как она это делает.


+4Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Пластиковая малышка (2003.09.20)

Интересно, на что можно рассчитывать, включая фильм, созданный по замыслу Урусихары Сатоси для мальчиков лет пятнадцати, да еще с ужатым в сорок минут сюжетом о спасении мира? Правильно, ничего хорошего ожидать не стоит.

В некотором царстве-государстве военные, от которых уже поташнивает и которых мусолят из фильма в фильм, решают посредством электромагнитных полей зачем-то уничтожить все живое. Но не тут-то было! Девчушка лет семнадцати по имени Тита, занимающаяся охотой на зверушек, портит их планы, а заодно с помощью рыболовного судна уничтожает весь государственный флот. Вот и все, что смогли уместить в те несколько десятков минут, которые позволяет формат OAV, авторы сего «шедевра». Зачем это нужно было делать — непонятно, ведь фильмов такого пошива развелось столь много, что уже не находишь слов для их описания. Единственно, что те фильмы делают всякие посредственности, а тут на тропу войны вышел господин Ёсимото в компании Урусихары Сатоси, на уме у которого лишь одно — показать женскую грудь в любом удобном ракурсе. Однако нужно отдать должное, показывает он это превосходно красиво, и кажется, что все время, отпущенное на создание фильма, только и было посвящено бюсту, а не сюжету и наполнению. Вот и получили мы в результате абсурдные действия розоволосых мальчиков под аккомпанемент женских прелестей.


+2Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

Гарага (2003.09.14)

Больше всего я не люблю писать о сюжете, хотя бы кратко. Однако бывают такие случаи, когда без этого нельзя. Так что терпите.

В 2200 году земляне преодолели сверхзвуковой барьер, что позволило им перемещаться на неимоверно большие расстояния. Фильм начинается спустя еще 500 лет, видимо, 200 лет — слишком маленькая фора для авторов, вот они и решили дать себе еще 500, чтобы не было претензий. А претензии есть, и их много. Грузовой космический корабль падает на всеми забытую планету Гарага. Экипаж тут же начинает разведывать местность и отбивать нападки обезьян-мутантов. После чего заваривается каша: обнаруживается раса телепатов и военные, которые мечтают поработить эту расу. Выясняется, что половина отряда наших горе-космонавтов — спецагенты какой-то крутой организации, остальная половина — либо супергерои, либо американцы, мстящие за родственников. Вся эта свора тут же переходит на сторону светлых сил в лице телепатов, борящихся против жестоких (в какой уже раз) милитаристов. А тут еще к делу подключаются обезьяны-мутанты на танках времен Великой Отечественной (это в 2700 году). Они не что иное, как неудачные опыты военных…

Все остальное в том же роде. Первое, что хочется сделать — это найти большую палку и режиссера, а потом скрестить их так же, как он скрестил обезьян с танками. Да боюсь, это будет слишком маленькая плата, ведь фильм уже снят и больше 10 лет мозолит глаза добродушным покупателем DVD. От палки господина Кубо Хидэми не спасает даже скидка на то, что фильм делался в «далеком» прошлом и, вероятно, под впечатлением «Звездных Войн». Ну и что? Многие пишут продолжение «Властелина Колец» — это еще не повод, чтобы мучить зрителя или читателя. Такой скуки и обыденности не было даже в «Гневе ниндзя».

Ну а последний гвоздь в этот гроб-катафалк вбили уже наши. Если вам кто-то будет пытаться подсунуть версию на русском, то бегите от этого человека как можно дальше и без оглядки. Дело в том, что мужских персонажей перевели хорошо, но женщины, ох женщины, за что же вам такое… Представьте себе, что всех женских героев озвучивает некая клуша, проговаривая все слова по слогам. Наверное, она уже получила палкой, как и режиссер. Честно сказать, даже убогое «Нееее….ееет» от Елизарова в первой части «Властелина Колец» слушать было приятнее, чем это творчество.

Так что, уважаемые, даже если я захочу скрасить три верхних абзаца, то вряд ли найду подходящие слова. Смотреть или нет — дело исключительно ваше, но в мире есть много более интересных вещей, чем этот фильм, так что не стоит терять час и тридцать пять минут своей жизни на нелепые пережитки «Звездных Войн» и «Планеты Обезьян», тем более что и на 1проц. ни того, ни другого шедевра эта поделка не достигла.


+4Если Вы считаете этот комментарий полезным, то проголосуйте за него. читать ответы (0)

всего лайков в разделе - 314
последние лайки:


на комментарий
к аниме Крутой учитель Онидзука
от iNorton (2018.09.30)
СА: 9 лет 2 месяца
аккаунт зарегистрирован в 2009.08.15 г.
последний раз в 2018.10.17 г.
=================
голосов в аниме: 25
голосов в кино: 181
голосов в играх: 76
=================
комментариев в аниме: 15
комментариев в кино: 95
комментариев в играх: 25
получено лайков за комментарии: 278



на комментарий
к аниме Доходный дом Иккоку [ТВ]
от DarkSoulSa1nT (2018.09.12)
СА: 5 лет 10 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2012.12.04 г.
последний раз в 2018.10.16 г.
=================
местонахождение: Украина
=================
голосов в аниме: 26
=================
комментариев в аниме: 1
получено лайков за комментарии: 1



на комментарий
к аниме Королевские космические силы - Крылья Хоннеамиз
от dmitry_tesla (2018.09.11)
СА: 6 лет 7 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2012.03.08 г.
последний раз в 2018.10.10 г.
=================
голосов в аниме: 92



на комментарий
к аниме Адзуманга
от rignroll (2018.07.16)
СА: 1 год 2 месяца
аккаунт зарегистрирован в 2017.08.04 г.
последний раз в 2018.10.17 г.
=================
голосов в аниме: 287
голосов в кино: 47
голосов в играх: 26



на комментарий
к аниме Хикару и го [ТВ]
от Navii (2018.07.10)
СА: 11 лет 12 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2006.09.26 г.
последний раз в 2018.09.24 г.
=================
голосов в аниме: 24
голосов в кино: 2
=================
комментариев в аниме: 25
комментариев в кино: 1
получено лайков за комментарии: 20



на комментарий
к аниме Врата [ТВ-1]
от Hamilton (2018.07.09)
СА: 11 лет 5 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2007.05.10 г.
последний раз в 2018.10.09 г.
=================
голосов в аниме: 81
голосов в кино: 2
голосов в играх: 4
=================
комментариев в аниме: 1
получено лайков за комментарии: 1



на комментарий
к аниме Стальная тревога! Новый рейд [ТВ]
от akos (2018.07.05)
СА: 3 года 1 месяц
аккаунт зарегистрирован в 2015.08.01 г.
последний раз в 2018.09.15 г.
=================
голосов в аниме: 336
голосов в кино: 78
голосов в играх: 30
=================
комментариев в аниме: 11
комментариев в кино: 1
получено лайков за комментарии: 32



на комментарий
к аниме Навсикая из Долины Ветров
от Gilver (2018.07.04)
СА: 6 лет 2 месяца
аккаунт зарегистрирован в 2012.08.08 г.
последний раз в 2018.10.17 г.
=================
голосов в аниме: 47
голосов в кино: 1



на комментарий
к аниме Врата [ТВ-1]
от rsac (2018.07.03)
СА: 1 год 6 месяцев
аккаунт зарегистрирован в 2017.04.13 г.
последний раз в 2018.10.15 г.
=================
голосов в аниме: 99



на комментарий
к аниме Этот замечательный мир! [ТВ-1]
от Эйран (2018.06.22)
СА: 11 лет 3 месяца
аккаунт зарегистрирован в 2007.07.29 г.
последний раз в 2018.10.17 г.
=================
комментариев в аниме: 65
комментариев в кино: 1
получено лайков за комментарии: 536




Реклама на сайте | Ответы на вопросы | Написать сообщение администрации

Работаем для вас с 2003 года. Материалы сайта предназначены для лиц 18 лет и старше.
Права на оригинальные тексты, а также на подбор и расположение материалов принадлежат www.world-art.ru
Основные темы сайта World Art: фильмы и сериалы | видеоигры | аниме и манга | литература | живопись | архитектура